«Progresor» es el juego de pies de los antiguos rituales taoístas chinos, respondiendo al título en inglés con este misterioso baile entre avanzar y retirarse. «Progresor» espera superar la oposición binaria occidental. El ritmo de la marcha nos recordará la importancia de una nueva forma de pensar, y la cultura nos llevará a romper la paradoja de la opinión pública.

Medina cree que la mezcla constante de ganancias y pérdidas, apertura y miedo, aceleración y retroalimentación no solo confirma la era de nuestro avance y retorno, sino también el color más profundo de la opinión pública que le da a esta era una sensibilidad especial. En este contexto, vemos que la cultura contemporánea se ha convertido en un escenario de exceso e impotencia, sobrepasos y opresión, acción social y nihilismo, y el arte contemporáneo está hecho por fragmentos de diferentes fuerzas en la sociedad. Lo extraño, es el testigo contradictorio del momento, transforma y transforma las disputas y la ansiedad de diferentes latitudes en métodos de experiencia subjetiva, ayudando a los sujetos contemporáneos en contradicción a adaptarse a las diversas fuerzas en la vida contemporánea.

«Progresora» es el título en inglés de esta Bienal, derivado de un vocabulario creado por el poeta estadounidense EE Cummings en experimentos de lenguaje de poesía (W [Viva], versículo 19, 1931). El término combina el significado de «Progreso» y «Regresión», que recuerda al sociólogo polaco Zygmunt Bauman que describe la expresión cultural actual como «la utopía de la negación». Negativo, y lleva el nombre de «Retrotopia».

que no puede reducirse a una sola narrativa sobre el desarrollo, ni podemos atender a la decadencia o la profecía próspera. Somos testigos Hay un resurgimiento de muchos estudios antiguos sobre discriminación y oscurantismo. Ninguna transformación social no causa conflicto. El desarrollo del feminismo El desafío de nuevas formas de erotismo femenino y violencia de género. La migración geográfica de la economía industrial hacia el este y el sur ha desencadenado movimientos de derecha y xenofobia, así como el desarrollo vicioso de varios fundamentalismos religiosos y culturales. Los conflictos culturales dan estructura corporal y familiar El experimento marca la impronta. El desarrollo de la ciencia técnica da forma a la perspectiva de nuestra civilización y es inseparable de los peligros provocados por el cambio climático humano. lo que nos hace enfrentar la amenaza del fin de la era. El desarrollo de la economía de China y la definición de producción cultural La complejidad del mundo de hoy tiene un importante papel coordinado. La Bienal de Shanghai es el lugar ideal para que el arte contemporáneo muestre su papel de dos caras: una crítica perceptiva de la relación dialéctica entre la liberación y el poder.

Al hablar sobre la selección de las obras de la Bienal de este año, el equipo curatorial espera capturar el éxtasis y la emoción que Cummings adquirió cuando descubre la resistencia del lenguaje, y se esfuerza por explorar los intentos poéticos de las obras en la relación de avance y retiro global. . La Bienal de Shanghai mejora la percepción de la gente de la impermanencia política, cultural y económica actual a través de la práctica artística y las obras concretas, formando así una nueva era de no decir narrativas idealistas.

La 12ª Bienal de Shanghái cuenta con 67 artistas / artistas de grupo de 26 países, incluidos 20 artistas / grupos chinos y 31 artistas / grupos asiáticos. La Bienal de este año es también la primera exposición a gran escala de artistas latinoamericanos contemporáneos en la historia de la Bienal de Shanghai.

Trabajos

El hombre en la obra, 2018
Alexander Apostol
Las creaciones de Alexander Apostol se centran en la fotografía y el video (incluidos cortometrajes y largometrajes). Su obra ha sido expuesta en varias exposiciones o instituciones internacionales, como la Tate Gallery de Londres, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo Guggenheim de Nueva York, la Bienal de Gwangju de 2018 y la Bienal de Venecia de 2011.

Estudio de Regla y Ritmo, 2007
Cevdet Erek
Jeff Dale Elek es artista y músico. Sus instalaciones y actuaciones se exhibieron en la 13a Documenta en Kassel (2012) y la Bienal de Estambul (2003/2011/2015). En 2017, participó en la Bienal de Venecia en nombre de Turquía con el trabajo de instalación ÇIN. En 2017, su álbum en solitario «Double Drum» fue lanzado por Subtext en Berlín.

Choque, 2005
Francis Alÿs
Nacido en Amberes, Bélgica, en 1959, Francis Ellis actualmente vive y trabaja en México. En su práctica artística, Ellis continúa haciendo preguntas sobre los temas de antropología y geopolítica con una percepción única, poética e imaginativa, y para crear obras en torno a la observación y participación de la vida cotidiana. Como el propio artista declaró, (la creación) es una dispersión que consiste en fragmentos, metáforas o fábulas.

El río del ataque, 2018,
Clemencia Echeverri
Desde mediados de la década de 1990, Clementia Echeeveri se ha inspirado en los contextos políticos y sociales de su vida, trabajando en instalaciones de video, sonidos y creaciones interactivas. Ha recibido numerosos premios nacionales e internacionales, nominaciones y subvenciones creativas, incluido el London British Arts Council, la Fundación Daniel Langlo de Canadá y los Premios Columbia Art Biennale.

Edificio Robespierre, 2018
Kader Attia
Antes de estudiar en París y Barcelona, ​​Attiya vivió en el Congo y Sudamérica durante varios años. Su investigación intercultural e interdisciplinaria explora cómo las diferentes sociedades ven su propia historia, especialmente con respecto a la privación y la represión, la violencia y la pérdida, y la experiencia de la trazabilidad de la memoria colectiva. Sus estudios socioculturales lo conducen al concepto de «reparación»: describe un proceso infinito que está estrechamente relacionado con la pérdida y las heridas, la recuperación y la apropiación indebida; reparar es mucho más que el tema en sí, sino que se incorpora a la naturaleza, la cultura, la mitología y la evolución de la historia. En 2016, Atiyah creó La Colonie en París para crear un espacio de reunión que albergue debates entusiastas. La Colonie se centra en la descolonización de conocimientos, actitudes y prácticas,

«Máscara de vida», 2015/2018
Kiri Dalena
Como artista visual y directora de cine, Dalena es conocida por exponer las desigualdades e injusticias que continúan ocurriendo, especialmente en la sociedad filipina. Su compromiso de salvaguardar los derechos de las personas no es infringido por el poder estatal, que constituye la base de su creación.

«Malvado / Bueno», 2017
Claire Fontaine
Claire Fontaine lleva el nombre de una popular marca de tareas. Ella se llama a sí misma una «artista confeccionada» y se compromete a desarrollar un nuevo arte conceptual que a menudo ve las creaciones de otros en su trabajo. Ella creció en una era de «autores muertos» y estaba dispuesta a experimentar con varios acuerdos de creación colectiva y crear herramientas y mecanismos para compartir activos intelectuales y propiedad privada.

Proyecto Ayochin Napa, 2017
Edificio forense (FA)
FA se compone de arquitectos, artistas, cineastas, periodistas, ingenieros de desarrollo de software, científicos, abogados y muchos otros colaboradores en diversos campos y disciplinas. Es una firma de investigación en Goldsmiths College, Universidad de Londres. Fundada en 2010 por el profesor Ibn Weizmann, FA se dedica al desarrollo y difusión de nuevas tecnologías forenses y lleva a cabo una profunda investigación arquitectónica y mediática en nombre de fiscales internacionales, grupos de derechos humanos y de la sociedad civil, y organizaciones de justicia política y ambiental.

«2016: museos, dinero y política», 2018
Andrea Fraser
Andre Fraser combina actuaciones, videos, sonidos, instalaciones, libros y textos para realizar una investigación en profundidad sobre las economías sociales, financieras y emocionales de las instituciones, sectores y grupos culturales.

«100 阮», 1994
Alfredo Jaar
Alfredo Hal es un artista, arquitecto y director de cine cuyo trabajo se exhibe ampliamente en todo el mundo. Ha participado en numerosas exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia (1986, 2007/2009/2013), la Bienal de São Paulo (1987/1989/2010) y la Documental de Kassel (1987/2002). En 2018, ganó el 11 ° Premio de Arte de Hiroshima.

Monumento, 2018
Voluspa Jarpa
La creación de Boluspa Harpa se basa en un análisis detallado de los archivos desclasificados y los documentos filtrados que fueron principalmente interferidos por países extranjeros en Chile y otros países latinoamericanos (y Europa) durante la Guerra Fría. Al tratar con archivos físicos desfigurados, Halpa revela la triste verdad de estas brutales intervenciones, mientras reflexiona sobre la naturaleza de los archivos, la memoria y los conceptos culturales del trauma. Sus importantes exposiciones individuales incluyen: «Cuerpo político: archivos abiertos y secretos», Museo de Arte Gabriela Mistral de la Universidad de Chile (2017); “En una pequeña área nuestra”, Museo de Arte Latinoamericano Buenos Aires Liz (2016); «Efecto Salco», Casa Latinoamericana (2010). También ha participado en varias exposiciones internacionales, incluyendo «Arcade: Contemporary Art y Walter Benjamin», Museo Judío (Nueva York, 2017); «Rebelión de la exposición – Estrategias estéticas bajo la opresión de América Latina», Museo MiG Ross (Zurich, 2016), etc.

«Insertar una persona menos», 2016-2018
Huang Jingyuan
Se graduó del Departamento de Arte de la Universidad de Concordia (2006) con una maestría del Instituto de Arte de Chicago (2008). Después de regresar a China en 2010, su trabajo intenta reflejar las diversas (auto) contradicciones y (auto) segregación dentro de la sociedad china y durante el diálogo con el mundo exterior. Ella también es una escritora prolífica.

«Azul de Prusia», 2012-2014
Yishai Jusidman
En las últimas tres décadas, Hu Xi Deman ha reasignado el primero integrando el pensamiento tradicional de la pintura en el sistema contemporáneo. Ha realizado exposiciones individuales en galerías y galerías de América y Europa, y ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia (2001), ARS 01 (2001, Helsinki) y la Bienal SITE de Santa Fe (2014). Su trabajo se puede encontrar en «Vitamin P» (Felton Press), «100 Latin American Artists» (EXIT), y próximamente por la editorial «Landscape in the Present» (DAP).

«Viviré más que tú», 2017
Claudia Martinez Garay
El trabajo de Claudia Martínez Gallai se centra en la memoria y la historia social y política del Perú, y cómo se establecen en los archivos visuales de propaganda, imágenes y artefactos oficiales o no oficiales. Ella construyó una narrativa y un significado en esta imagen en sus propias pinturas e instalaciones.

Obras seleccionadas, 1971-
Alicia Mihai Gazcue
Las creaciones de Alicia Mikhail Garcque incluyen actuaciones, pinturas y trabajos en papel. Participó en exposiciones colectivas que incluyen: «Exactamente», Galería Espacio Mínimo (Madrid, 2018); «Aldeanos urbanos», Museo de Soria (Montevideo, 2018); «Beyond My Feet», Artium Museum (Victoria – Gascoyes, 2018); «The Strange Ring», Boston Art Center (2009); Blanco y negro, Galería Hosfelt (Nueva York, 2010).

Proyecto comunitario, 2018
Sociedad Jiu
El grupo 啾 consta de tres miembros, ellos son Fang Di, Ji Ji y Jin Hao Vanadium. Los tres jóvenes artistas son la nueva generación de personas de Shenzhen que crecieron en la ciudad inmigrante de Shenzhen. Para ellos, Shenzhen ya no es el «lugar de ganar dinero» a los ojos de sus padres. Rodean la «Shenzhen», su propia ciudad, con jóvenes. Reexaminar y vocalizar

«Dos caídas en el cielo», 2018
Leandro Katz
Leandro Katz es artista, poeta y cineasta, especialmente conocido por sus películas. Creó la forma de arte del alfabeto y el equipo fotográfico, y en base a esto, ha implementado muchos proyectos a largo plazo relacionados con estudios históricos latinoamericanos, antropología, artes visuales y otros temas, incluido el Plan Catherine, el Alfabeto de la Fase Lunar, Vórtice, «El día que me amarás» y así sucesivamente.

Negro 莺, 2016-2017
Kang Suki Seokyeong
Kangrui utiliza una variedad de medios, como dispositivos y videos, para expandir el medio de la pintura y permitir a los espectadores experimentarlo. En su trabajo, la pintura media en materialidad, espacio, tiempo y narrativa para formar un conjunto de mapas visuales (musicales). De esta manera, también describe la estructura y la secuencia de las diferentes situaciones que cada individuo enfrenta en la sociedad.

Swinging, 2018
Fernando Sánchez Castillo
Sánchez Castillo criticó el discurso «monumental» desde múltiples ángulos; En esta crítica, disolvió y disipó su poder y mecanismo simbólico. Su creación intenta reescribir la narrativa de la historia (en lo sucesivo denominada «historia del capitalismo»), o al menos permitirnos tener una comprensión más clara de la complejidad y las huellas de su historia, y mostrar que la historia está compuesta de muchos poderes y múltiples efectivo. Construido.

«Los enemigos invisibles no deberían existir» (serie «Restauración, pérdida y robo»), 2007-2018
Michael Rakowitz
Cree entre «resolver problemas» y «crear problemas».

Caza de elefantes y líder, 2018
Arin Rungjang
Alin Lange es pionera en el arte de la instalación tailandesa. Sus creaciones están profundamente enredadas en la historia, los símbolos y los recuerdos del sudeste asiático, y exploran cómo los cambios sociales, económicos y políticos afectan la vida individual. Lo que mejor hace es volver a visitar materiales históricos, superponer narrativas macroscópicas y microscópicas en múltiples épocas, regiones e idiomas. Su interés radica en las partes menos conocidas de la historia tailandesa y cómo estas historias interactúan con el presente en el lugar y contexto de su práctica.

¿Quién está sonando la campana, 2017
Li Jizhong
La creación de Li Jizhong se centra en eventos históricos, sistemas políticos e ideologías; él responde a declaraciones políticas, históricas y codificación inherentes a través de la investigación, el compromiso social y la participación. En 2016, estableció formalmente el grupo de artistas «Everyone’s Archives».

Eclipse de Shangai, 2018
Pablo Vargas Lugo
El trabajo de Pablo Vargas Lugo cubre una amplia gama de medios, como instalaciones, esculturas y videos. Desde 1991, su trabajo ha sido ampliamente exhibido en México, Sudamérica, Estados Unidos y Europa. Sus exposiciones recientes incluyen: «Cuevas Nayatunic», el Centro de Arte West Gayros Studio (Cuernavaca, 2018); «Atlas», Museo Chopo de la Universidad Nacional Autónoma de México (Ciudad de México, 2018).

En sentido horario, 2016
Cristina Lucas
Christina Lucas se graduó de la Escuela de Arte de la Universidad de Compton en Madrid. De 2006 a 2007, fue artista residente en la Real Academia de Artes Visuales de los Países Bajos. Sus exposiciones individuales importantes incluyen: «Transaction Transcend», el Museo de Arte Moderno de Dagong (Luxemburgo, 2016); «Global Edge», OK Art Center (Linz, 2016); «Light and Shadow Years», 2 de mayo Centro de Arte (Madrid, 2009).

Economía salvaje, 2018
Miguel Ángel Rojas
Miguel Angel Rojas es un artista conceptual y escultórico cuyo trabajo gira en torno a la experiencia subjetiva, la identidad y la política. Sus proyectos involucran denuncias de tráfico internacional de drogas y violencia, con especial atención a la experiencia de los grupos marginados.

«Doble», 2018
Rafael Lozano-Hemmer
Como artista electrónico, Rafael Lozzano-Henmer se dedica a crear un dispositivo entre la arquitectura y las artes escénicas. Fue el primer artista en representar oficialmente a México en la Bienal de Venecia. Ha ganado dos veces el British Film Academy Award, un Bauhaus Award y un Canadian Governor’s Award.

Caballero del mundo, 2018
Lu Yang
Lu Yang se graduó del Departamento de Arte de Nuevos Medios de la Academia de Arte de China con una licenciatura. Su trabajo involucra religión, biología, neurociencia, psicología, tecnología médica, etc., y utiliza medios como instalación, programación, juegos y video para mostrar su trabajo.

Mapa del Grupo de Contaminación del Aire, 2018
Macarena Ruiz-Tagle
Las pinturas y esculturas de Makarena Luis-Tagley están diseñadas para explorar la precisión de la línea de visión y para pensar en la naturaleza efímera de la luz. Su obra ha sido expuesta en exposiciones e instituciones como la 13a Bienal de Arquitectura de Venecia (2012), la Nueva Galería Nacional (Berlín, 2014) y el Museo de Arte Ferroviario de Hamburgo (Berlín, 2017).

Propuesta 2018
Jill Magid
Majid es artista, escritor y cineasta. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México, el Instituto de Arte de San Francisco, la Tate Modern, el Museo Whitney de Arte Americano, la Galería de Arte Tate Liverpool y la Agencia de Inteligencia de Seguridad Nacional de los Países Bajos. Premio Calder.

«Buscando la sangre que desaparece», 2014
Nalini Malani
Durante más de 50 años, Marani ha sido una artista femenina senior y siempre se ha comprometido a explorar cuestiones sociales, políticas y ecológicas. En 1969, rompió el marco de la pintura clásica y cambió al arte experimental con el cine y la fotografía como medio. En la década de 1980, continuó trabajando en drama, pintura mural temporal, borrado de actuaciones y actuaciones de video / sombras.

«Qing Qing», 2018
Vincent Meessen
El trabajo de Mason reúne a diferentes artistas, poses y símbolos que se entrelazan en una red controvertida y sensible de escritura histórica y occidentalización imaginativa. Se dedica a la descentralización y diversificación de la visión y la perspectiva para explorar las muchas formas en que la modernidad colonial influye en las estructuras subjetivas contemporáneas.

Conversación con … 2018
Tomoko Yoneda
La creación de Mita siempre se ha centrado en los recuerdos y la historia relacionados con lugares y eventos. Su último trabajo, una de las exhibiciones de la Bienal de Shanghai, «Diálogo con Albert Camus», utiliza imágenes relacionadas con lugares donde Camus (el autor de «extraños» vivió) para reflexionar y convocar el presente y el pasado. Su famosa serie «Escena» se centra en el paisaje de las regiones turbulentas de la historia, mientras que «Entre lo visible y lo invisible» se centra en las gafas de importantes intelectuales del siglo XX. Extractos de la exposición: Fundación Manfred (2020); Centro Cultural Japonés de París (2018); «Cuéntame una historia: localidad y narrativa», Shanghai Bund Art Museum (2016); X Bienal de Gwangju (2014) «Nos encontraremos en lugares donde no hay oscuridad», Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio (2015);

«Muerte», 2018, artes escénicas
Ilya Noé
Ilya Noe es una artista visual y escénica – investigadora, caminante inverso, y ama la «investigación lenta» y la «teoría caótica». Nacida y criada en la Ciudad de México, viajó entre los océanos Atlántico y Pacífico, rastreando líneas y construyendo espacios con manos y pies. Ilya Noe vive en Berlín ahora, ama la ciudad, interviene en ella y gira en ella.

«Nothing about Nothing», 2018, Artes escénicas
Reynier Leyva Novo
Renell Leyva Novo fue invitado a la Bienal de La Habana, la Bienal de Venecia y la Trienal de Arte Frestas. Su trabajo ha sido recopilado por muchas instituciones conocidas, como la Galería Nacional de La Habana, el Museo de Arte del Bronx en Nueva York, el Museo Gijón y el Parque de Esculturas en Washington, DC, y el Centro de Arte Walker en Minneapolis; Cisneros Fontanars Art Foundation (Europa) y Miami Perez Art Museum.

Jekys, 2018
Amalia Pica
Ella usa una variedad de medios como la escultura, el rendimiento, la instalación y la fotografía para explorar las sutilezas de la comunicación. Recientemente realizó una exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo de Perth (2018), el Centro de Arte Moderno de Brisbane (2017-2018) y la Galería de Arte de Toronto Power Plant (2017). También participó en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA, 2017-2018), el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Gent (SMAK, 2016), el Centro Pompidou (París, 2015) y el Museo Guggenheim (Nueva York, 2014). Exposiciones colectivas organizadas por instituciones. Además, su trabajo se exhibió en la 11ª Bienal de Gwangju (2016) y la 54ª Bienal de Venecia (2011).

Redistribución, 2007-
Seth Price
Seth Price es un artista transfronterizo que explora conceptos contemporáneos con una variedad de medios como escultura, música, escritura y video. Su trabajo ha sido exhibido en exposiciones o instituciones como la Documenta en Kassel, la Bienal de Venecia, la Bienal de Whitney, el Centro de Londres para Arte Contemporáneo y la sucursal PS1 del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Recientemente, su retrospectiva «Integración social» se exhibe en el Museo de la Ciudad de Ámsterdam y en el Museo Brandhaus de Múnich.

Tomemos la aventura # 3, 2013-2017
Chiba Masaya
Experiencia de exhibición de Amaria Pickup: «Colección 006: Materiales y límites – Sapukawa + Chiba Masaya», Mori Art Museum (Tokio, 2017); «Armonía de la falta de armonía», Museo de Arte Moderno de la ciudad de Hiroshima (2015); «Intersección de Roppongi 2013: fuera de duda», Mori Art Museum (Tokio, 2013).

Jardín de la muerte
2010-2017
Qiu
En los últimos años, Qiu ha viajado por la zona de las llanuras centrales, mirando la tierra como un jardín, tratando de encontrar su propia «cucaracha de elefante» a través de las baldosas dejadas por los antepasados ​​(Hakkas). Las obras de Qiu son recopiladas por muchas instituciones de arte o individuos y se exhiben en el hogar y en el extranjero, incluidos Tokio, Daegu, Arles, Siegen, Bruselas, Beijing y Guangzhou.

«Boomerang Time: del atolón del océano a la futura estrella de la muerte», 2013-
Uudam Tran Nguyen
Chen Wuda se graduó de la Universidad de California en Los Ángeles en 2001 y recibió una maestría de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en 2005. Su trabajo cubre temas contemporáneos como fronteras, medio ambiente, identidad, tecnología y especialmente robótica. Sus obras se exhiben ampliamente en todo el mundo.

«Auto beber», 2017
Yasumasa Morimura
Morimura Taichang está obsesionado con la forma de «autorretrato». Desde su primer selfie, Autorretrato – Van Gogh (1985), se transformó en una variedad de temas, especialmente clásicos de la cultura occidental, incluidas pinturas famosas, cultura pop o imágenes en los medios de comunicación. Su creación se basa en un estudio en profundidad de estas imágenes. Su trabajo no solo desafía la identidad y el género, sino que también reflexiona sobre la fotografía y la pintura misma.

Proyecto de Cruce del Valle del Rift, 2015-2017
Simon Starling
Simon Starling se graduó de la Escuela de Arte de Glasgow y enseñó en la Academia Nacional de Bellas Artes de Frankfurt de 2003 a 2013. Ganó el Premio Turner en 2005 y el Premio Hugo Boss en 2004; Representó a Escocia en la Bienal de Venecia en 2003.

«Una escalera y un hombre», 2017
Abbas Nadim
Nacida en Hong Kong en 1980, Donna está explorando las técnicas de percepción y construyendo una serie de escenas complejas en las que los objetos existen en su propia relación con sus imágenes, y el cuerpo sucumbe a la tentación del espacio. En 2014, Donna recibió la Beca Altius de la Asociación Cultural Asiática y el Premio Art Rookie de Hong Kong Arts Development Award del Hong Kong Arts Development Council. Las exposiciones recientes incluyen: P-Scape Public Sculpture Project (Hong Kong, 2018); «Pretender», VITRINE Space (Londres, 2017); «Eudemons», Antenna Space (Shanghai, 2016); «Final Media», Centro Ullens de Arte Contemporáneo (Beijing, 2016); «Rodeando a la audiencia», New Art Museum Triennial (Nueva York, 2015) y Busan Biennale (2014).

Ley Forestal, 2014
Ursula Biemann.
Sobre la base de una investigación, Ursula Bierman ha viajado al Amazonas, el Ártico y otras regiones para investigar el cambio climático, cuestiones ecológicas como los juegos móviles, los glaciares y los bosques. Sus videos se exhiben en varios museos y bienales de arte de todo el mundo.
Paulo Tavares
Paul Tavares actualmente enseña en el Departamento de Arquitectura y Planificación Urbana de Brasilia. Es rico en escritura y es socio a largo plazo de «Arquitectura Forense». Actualmente investigador en el Canadian Building Research Center y co-curador de la Bienal de Arquitectura de Chicago 2019.

«Nuevos vientos después de la tormenta / Siete grandes pecados», 2018
Koizumi Meiro
Las instalaciones de imágenes de Koizumi a menudo se basan en escenas de rendimiento y construcción, explorando un aspecto importante de su cultura japonesa nativa: el límite entre lo privado y lo público. Estudió en el Chelsea College of Art and Design en Londres y en la Royal Academy of Visual Arts en Amsterdam. Las exposiciones individuales recientes incluyen: «Battlefield», Perez Art Museum (Miami, 2018); «Hoy canta mi imperio», Museo del Salón (Haarlem, 2016); «Retrato de un silencio fallido», Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad Nacional Autónoma de México (Ciudad de México, 2015); «La voz soñolienta silenciará el sueño», el Museo de Arte Maebashi de Japón (2015), etc. Las exposiciones grupales recientes incluyen: «Mediación clave», Asian Art Biennale (Taipei, 2017); «Historia de la restauración», Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo, Corea (Gwacheon, 2017); «Big Terrace», Montreal Biennale, Canadá (2016)) Espera.

Blanco y negro – Malayo, 2018
Xu Jiawei
Xu Jiawei se graduó del Estudio Nacional de Arte Contemporáneo de Francia en 2016. El trabajo se centra en la movilidad detrás de la creación de imágenes y, a través del establecimiento de eventos fuera de la lente, la relación entre personas, materia y lugar que no se describe en la historia es vinculado.

«Falta de juego», 2018
Xu Wei
Ha recibido los Premios 2016 de Artes Visuales de la Asociación Cultural Asiática. Las exposiciones importantes incluyen: «Exposición individual entre silencio e inducción», Antenna Space. (Shangai, 2014); «La intuición no pide la fuente», Morning Art Space (Shanghai, 2014); «ON | OFF: El concepto y la práctica de los jóvenes artistas chinos», Centro Ullens de Arte Contemporáneo (Beijing, 2013).

«Craneotomía», 2018
Hsu Che-Yu
Los trabajos de animación, video e instalación de Xu Zheyu se centran en la relación entre los medios y la memoria. Para los creadores, ya sea la intimidad personal o la memoria grupal, no solo se puede rastrear la experiencia a través de los medios, sino también la memoria. Cómo ser construido con el proceso que se está viendo.

«Sí, la única forma», artes escénicas
Yang Fudong
Yang Fudong se graduó del Departamento de Pintura al Óleo de la Academia de Arte de China. Desde finales de la década de 1990, se ha dedicado a la creación de obras en video. Ya sea fotografía, película o instalación, ha creado una interpretación visual cultural única con múltiples perspectivas culturales y experiencias de tiempo y espacio entrelazadas. Sus obras tienen características de perspectiva múltiple obvias, que discuten la estructura y la forma de identidad en la mitología, la memoria personal y la experiencia de la vida. Cada pieza es una dramática experiencia de supervivencia y un desafío. Yang Fudong participó en varias exposiciones internacionales importantes de arte contemporáneo, como Kassel Document (2002), Venice International Art Biennale (2003/2007), Asia-Pacific Contemporary Art Triennial (2006), Lyon Biennale (2013), etc. .

Silencer # 22: La Quinta Sinfonía del Silencio de Tchaikovsky, 2018
Yang Jiahui
Las composiciones, pinturas, instalaciones, transmisiones y actuaciones de Yang Jiahui involucran temas como temas pasados ​​y presentes como conflictos militares, identidad, inmigración y límites políticos. El sonido y su política cultural están en el corazón de la práctica de múltiples narrativas y alusiones de Yang Jiahui. Yang Jiahui recibió un doctorado (composición) en música de la Universidad de Princeton en 2013.

«Conexión de Dios gigante», 2016-2017
Yao Ruizhong
Nacido en Taipei en 1969, Yao Ruizhong tiene una amplia gama de temas, que incluyen fotografía, instalación y pintura. La fotografía es siempre el vocabulario artístico principal. Ha participado en exposiciones internacionales como la Bienal de Venecia, la Trienal de Arte Asiático de Manchester, la Bienal de Sídney, y ganó el Premio Público del Premio de Arte de Asia y el Pacífico (Singapur) y el Premio de Arte Cluster (Hong Kong).

Alrededores, 2018
Enrique Ježik
Enrique Yezek explora el tema de la violencia y el poder con la acción y la instalación como medio principal. Las exposiciones individuales recientes incluyen: «Autodefensa», Fundación OSDE (Buenos Aires, 2018); «Advertencias potenciales», antiguo Centro del Monasterio de Teresa para el Arte Contemporáneo de China (Ciudad de México, 2017). Ha ganado el Fondo Nacional de Creadores de Arte de México (2015) y la Feria de Arte de Buenos Aires – Brasil Petroleum Visual Arts Award (2013).

«Cueva brillante», 2014-2018
Yuan Yuan
Yuan Yuan se graduó de la Academia de Arte de China y es conocido por sus pinturas. Pinta un paisaje arquitectónico plano y oscuro a través de pinceladas sutiles y engorrosas. Ha establecido un estilo personal basado en la figuración. Su reciente exposición individual: «Realidad alternativa», Palacio Tezi (Italia) Bérgamo, 2018).

«El mar de las personas», 2013
Barco
Zhang se graduó de Goldsmiths College, Universidad de Londres. Ella ve el arte como la posibilidad de que los juegos y los individuos reaccionen a cada situación, en lugar de la producción estética visual. Las obras se crean y exhiben en China, Japón y el Reino Unido. También es miembro del grupo de arte japonés TEAM YAMEYO.

Serie «Spiegel», 2017-2018
Zhang Xuzhan
La práctica artística de Zhang Xuzhan utiliza la animación como medio principal y, por lo tanto, amplía las posibilidades de la experiencia visual. En los últimos años, ha combinado su experiencia de la infancia con la cultura funeraria arraigada en las habilidades tradicionales de la familia, y ha respondido a las experiencias de la vida contemporánea mientras explora varias reflexiones sobre la movilidad cultural.

«Shanghai» Parte inferior de la cama «Prueba de sentido común del arte», 2018
Zhang Jiali y Zheng Yimin
C&G es un grupo de arte compuesto por Clara CHEUNG y Cheng Yee Man, Gum (Cheng Yimin) que fundaron el espacio de arte «C&G Artpartment» en Hong Kong en 2007. C&G siempre ha estado ansioso por enfocarse en la ecología del arte local de Hong Kong y responder a Cuestiones sociales y culturales con la creación artística. Son buenos para crear arte de una manera ridícula y rugiente. La mayoría de sus actividades planificadas se caracterizan por la participación colectiva, y se discuten en torno a la ecología del arte actual y los eventos sociales en Hong Kong. El concurso de preguntas de sentido común de arte «Shanghai» Bottom Bottom «, que se planeó para la Bienal de Shanghai, se celebró en el Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai (PSA) a mediados de septiembre y se presentará en forma de instalaciones de video.

«El juego favorito de mi padre (gira sobre el cielo)», 2018
Yuken Teruya
Según las obras del Sr. Yoshiyuki, los objetos cotidianos se utilizan como materiales básicos, y se discuten cuestiones importantes de la sociedad contemporánea, como la cultura del consumidor, la globalización y el entorno ecológico. También expresa visualmente las complejas disputas en su ciudad natal, Okinawa. Hay muchas ideas afiladas y habilidades excelentes que iluminan a la audiencia en silencio.

Ocho escenas, 2015
Siren Eun Young Jung
Zheng Enyi estudió artes visuales y teoría feminista en la Universidad de Mujeres Ewha en Corea y en la Universidad de Leeds en el Reino Unido. Su creación se centra en cómo los deseos de personas no identificadas anhelan intersecciones con los eventos actuales y cómo tales contactos se convierten en resistencia, historia y política. También intenta constantemente expandir el lenguaje artístico feminista. Uno de sus proyectos más importantes es el «Proyecto Dongdouchuan» (2007-2009), una pregunta sobre la vida y el destino de las mujeres residentes en la base militar estadounidense de Dongdouchuan. Desde 2008, se ha dedicado a la creación de un actor de teatro nacional femenino en la creación del drama nacional femenino (yeoseong gukgeuk, ópera tradicional coreana). Con este proyecto, ganó el Premio de Arte de la Fundación Seoul Hermes (2013), el Premio de Arte de Nueva Capital (2015) y el Premio de Arte Coreano (2018).

Libro de sueños, 2016
Zhu Xi
Zhu Xi se graduó del Colegio de Medios de la Academia de Arte de China y se quedó como profesor profesional. Sus trabajos son diversos en estilo, incluyendo pintura, instalación espacial y sonido multimedia.

Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai
Fundado el 1 de octubre de 2012, el Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai es el primer museo público de arte contemporáneo en China continental y el lugar principal para la Bienal de Shanghai.

Está ubicado en el río Huangpu en el río madre de Shanghai, con un área de construcción de 41,000 metros cuadrados, un área de exhibición de 15,000 metros cuadrados y un voladizo máximo de 27 metros. La chimenea de 165 metros es tanto un hito de la ciudad como un espacio de exhibición independiente en Shanghai.

El Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai se transformó de la antigua central eléctrica de Nanshi. Durante la Expo Mundial de Shanghai 2010, fue una vez el «Pabellón del futuro urbano». Ha sido testigo de los cambios urbanos en Shanghai desde la era industrial hasta la era de la información, y su estilo arquitectónico industrial robusto ha proporcionado a los artistas una rica imaginación y posibilidades creativas.

Como el «taller de producción» de la nueva cultura urbana, es la vida de este museo la que se renueva constantemente y se mantiene en progreso. El Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai está trabajando arduamente para proporcionar al público una plataforma abierta para la exhibición y el aprendizaje cultural y artístico contemporáneo; eliminar las barreras al arte y la vida; para promover la cooperación y la producción de conocimiento entre diferentes culturas y artes.