Pixels of Ubuntu / Unhu se abrió en el Pabellón de Zimbabwe en Venecia y el tema de este año es explorar las identidades sociales y culturales del siglo XXI, continúa la naturaleza de Zimbabwe, cómo los elementos del pasado están vinculados al presente y cómo El artista está evolucionando especialmente en los momentos en que Ubuntu / unhu está siendo cuestionado constantemente.

Zimbabwe intenta generar intercambios internacionales entre África y el mundo reviviendo el panafricanismo. El país casi se embarca en una misión extranjera para África en general. Por encargo de Doreen Sibanda y comisariada por Raphael Chikukwa, la exposición se titula «Píxeles de Ubuntu / Unhu; explora las identidades sociales y culturales del siglo XXI». No existe una traducción oficial al inglés de «Ubuntu», un concepto que define al yo como unido a un otro ontológico. «Los píxeles están ahí para mejorar o distorsionar una imagen, y las sociedades africanas han permitido pixelar Ubuntu / Unhu al tiempo que adoptan culturas extranjeras», explica Chikuwka.

En medio de las calamidades y los problemas iniciales que han plagado otras presentaciones nacionales africanas, Zimbabwe se ha convertido en un incondicional de la presencia africana en Venecia. Zimbabwe ha presentado presentaciones que le han valido respeto, tanto por la coherencia como por la calidad del trabajo. Volviendo al mismo lugar por tercera vez, el Pabellón de Zimbabwe ha creado un respiro y, en cierta forma, un sentido de hogar para la comunidad de artistas africanos en Venecia.

Como los años anteriores, el lugar del pabellón estaba situado dentro de un edificio de oficinas detrás de Santa Maria della Pieta en el Gran Canal. Al igual que con las ediciones anteriores, la presentación grupal en el espacio formal contemporáneo hace que la presentación se sienta más como una exposición de galería que como un pabellón en el sentido del espectáculo de los Giardini o los pabellones basados ​​en palazzo. Sin embargo, se las arregla para defenderse.

La exposición puso énfasis en la importancia de Ubuntu / unhu en relación con los tiempos contemporáneos en los que vivimos. Una breve charla sobre cómo los elementos del pasado están vinculados con el ahora y cómo está evolucionando el artista, especialmente en tiempos en que Ubuntu / unhu es constantemente siendo cuestionado. La exposición atrajo a la gente con una curiosidad natural sobre África y Zimbabwe en particular.

La exposición estuvo compuesta por tres artistas, Masimba Hwati, Chikonzero Chazunguza y Gareth Nyandoro. La visión general de los visitantes del pabellón fue qué tan bien se fusionaron los tres artistas. Aunque de naturaleza y ejecución individuales, las obras encontraron un terreno común en cuestiones de interrogar al consumismo en relación con la condición y existencia humana.

La mayoría de los visitantes estaban intrigados por la serie «Urban Totems» de Masimba Hwati que trataba sobre el concepto de redes sociales y cómo alteran las percepciones de las personas en relación con su identidad. «Tótems urbanos» revisa la tecnología desde una perspectiva africana e internacional.

Gareth Nyandoro recibió comentarios y respuestas sorprendentes de los visitantes que estaban fascinados con su acercamiento al consumidor al involucrar al elemento del vendedor ambulante y los aspectos de la cultura y la dinámica de la ciudad. Sus piezas como la instalación titulada «mushikashika wevanhu», «5 rand pakadoma» y «primer artista callejero». Las piezas son de escala masiva y muy delicadas cuando se miran. El intrincado detalle que utiliza y acuñó para ser «técnica de kucheka cheka». Su énfasis está en la situación humana y cómo el comercio impacta en la naturaleza humana a un nivel existencialista individualista.

Chikonzero chazunguza tiene un poderoso cuerpo de trabajo que son impresiones y una instalación de video. Chazunguza tiene una serie titulada «Presencia del pasado» que aborda el elemento histórico del movimiento africano en relación con el encuentro colonial y cómo el pasado es crítico para el presente y el presente. Yuxtapone imágenes de aquellos que iniciaron la búsqueda de independencia de Zimbabwe como Mbuya Nehanda y Sekuru Kaguvi y las relaciona con el contexto de Zimbabwe en el Zimbabwe contemporáneo. «Gutsameso» es una instalación de video que consiste en una diversidad de productos de supermercados que se empaquetan en estantes y se exhiben repetidamente de manera publicitaria. Los visitantes del pabellón de Zimbabwe se relacionaron con esta instalación con referencia a cómo los productos básicos son parte integral de nuestra existencia y cómo la industria impone productos a las personas. El elemento de abundancia y la ilusión de una buena vida.

Si bien la prensa mundial está cegada con demasiada frecuencia por los estereotipos y los clichés del pasado político de Zimbabwe, en el mundo del arte, Zimbabwe traza tranquila, tranquila y confiadamente un camino de estabilidad y autodeterminación, que es un paradigma para su futuro y un contribución reflexiva a «Todos los futuros del mundo».

Píxeles de Ubuntu / Unhu
Píxeles de Ubuntu / Unhu. La identidad está profundamente arraigada en «Ubuntu / Unhu» ya que las filosofías detrás de Ubuntu / Unhu son pautas sociales estándar que naturalmente guían la objetividad humana. La cultura es un componente importante para conectar a las personas tanto a nivel local como regional e internacional. Es un componente natural para reunir a las personas para discutir ideas e intercambiar por el bien de su comunidad. Esto se convierte en una parte muy importante de la identidad africana. El impacto existencialista y social que el artista tiene en la identidad cultural es muy crucial para el discurso global. Una sensación de Ubuntu / Unhu y esta gran posibilidad de ver emerger el continente africano como parte de un diálogo más amplio. Somos porque lo eres, por lo tanto, la filosofía de Ubuntu / Unhu es importante para todos nosotros. por Tafadzwa Gwetai

Los tres artistas concebirán un nuevo complejo de obras, incorporando videos, grabados, dibujos, objetos y sonido para las seis galerías del Pabellón de Zimbabwe.

Raphael Chikukwa Curador Jefe
Raphael Chikukwa nació en Zimbabwe y trabajó principalmente como curador independiente durante muchos años antes de unirse a la Galería Nacional de Zimbabwe a mediados de 2010 como su curador principal. Es el curador fundador del Pabellón de Zimbabwe en 2010 – 2011 y fue curador del 1er y 2do Pabellón de Zimbabwe en 2011 y 2013 en la 54a y 55a Bienal de Venecia, respectivamente. Chikukwa recientemente comisarió Basket Case II, una exposición itinerante, con Christine Eyene. Ha participado en varios foros que incluyen ICI Curatorial Intensive en Addis Ababa 2014, Future Generation Art Prize Committee 2014 y Johannesburg Art Fair 2013 (SA). Chikukwa también es el coordinador fundador del primer taller y foro curatorial de Zimbabwe y también ha contribuido a varias revistas y catálogos que incluyen African Identities Journal, Savvy y Art South Africa, etc. Es un académico de Chevening 2006-2007 y posee un MA Curating Contemporary Design de la Kingston University de Londres.

Tafadzwa Gwetai (curador asistente) es un artista visual, pintor, escultor y curador emergente de Zimbabwe que utiliza medios como pintura al óleo, medio mixto y objetos encontrados. Gwetai ha participado activamente en las artes desde 2001. Ha participado en varias exposiciones locales e internacionales, entre ellas, Between the Sheets Artists Books (Gallery East, Australia) y en la exposición Color Africa (Munich). También ha tenido cuatro exposiciones individuales hasta la fecha, siendo la más reciente, «Con artist – The purpose of illusion» (2014) «Códigos estéticos: cuando la ciencia se encuentra con el arte» (2012). Reintroduce y redefine las matemáticas con la ciencia y la lógica para crear un nuevo lenguaje. Un lenguaje que desafía el núcleo de la industria y su relevancia para la humanidad. Él ve nuestra existencia como algo transformado en una documentación y documentación basada en la realidad virtual.

Tafadzwa Gwetai explora la condición humana y cómo la humanidad se ha redefinido a sí misma y a su existencia básica. Filosofía existencialista como la de René Descartes y Platón, que desafió la existencia del hombre y fundó el concepto de «Pienso, luego existo». Esto influyó en su línea de pensamiento para desafiar el propósito y el significado de la existencia de la humanidad.

Masimba Hwati
La serie de diez piezas de Msimba Hwati hace que todos nuestros visitantes aprecien quiénes somos en esta vida. La forma en que los símbolos son identificables instantáneamente por niños de dos a tres años. Estos se han convertido realmente en nuestros tótems urbanos. Un tótem es un símbolo que identifica la existencia en relación con lo que está a nuestro alrededor o con la calidad mítica. La serie «Tótems urbanos» de Masimba Hwati tiene lo que algunos de los visitantes han descrito como «pop» y, al mismo tiempo, relevante para nuestra era digital «El elemento de usar denim como material para imprimir ha fascinado a muchos visitantes y artistas. La idea de la mezclilla fue planteada por un visitante que habló de cómo «esto trasciende al ámbito del industrialismo y cómo la mezclilla ha sido tan constantemente parte de todo, pero detrás de escena porque la usamos». El denim ha sido parte de nosotros durante muchos años y es un tejido que se utiliza en la industria y la moda.

Dando forma a nuestra identidad. Los tótems en los retratos dan al visitante la impresión de estar bajo una forma de hipnosis. Controlado por el tótem y guiado para ver. Guiado para ver el mundo en forma de aplicación Whats, twitter, Google y KFC. La mayoría de los visitantes se relacionan con el concepto de Ubuntu / Unhu mientras observan cómo las personas ya no se hablan verbalmente / directamente. Una serie agradable para recorrer mientras los retratos te miran y te recuerdan que tú también estás en Whatsapp y Face Book y también bebes coca cola. Nuestro ser urbano.

Masimba Hwati está interesado en la memoria y la energía de los objetos tradicionales y el espacio que ocupan en el mundo urbano. Su trabajo explora la transformación y evolución de los sistemas de conocimiento indígenas.

El diálogo contenido en su trabajo cuestiona el «pensamiento» detrás del pensamiento moderno de hoy y explora las posibilidades altruistas que existen en las culturas no materiales.

Masimba Hwati. Una visión del trabajo en exposición en la 56a Bienal de Venecia 2015 Pabellón Zimbabwe. Píxeles de Ubuntu / Unhu. Explorando las identidades sociales y culturales del siglo XXI, Masimba Hwati tiene una serie llamada «Tótems urbanos». Su serie es la primera atracción cuando entras al Pabellón. Su serie ha demostrado estar realmente conectando con la tecnología y la industria del día a día y cómo estos están impactando en nuestra percepción del mundo. «Urban Totems» se ha conectado con éxito con una mayor variedad de visitantes en términos de edad. Desde niños pequeños que pueden descifrar instantáneamente símbolos como twitter, yahoo y Bart Simpson, hasta adultos que pueden interpretar el impacto agresivo de los súper poderes empresariales. Una verdadera prueba sobre el impacto real que tienen estos símbolos en todo el mundo.

Hwati tiene un elemento interesante en su trabajo y son los botones que se colocan en la base de casi cada una de sus series de «Tótems urbanos». Estos han causado gran curiosidad en los visitantes. Algunos de una generación anterior pueden relacionarse con los juegos que solían jugar con botones. El objetivo era lanzar un botón y apuntar al círculo marcado. Si uno apunta bien, entonces ganan todos los botones lanzados. La idea es contrastar la inocencia de los niños con el enfoque agresivo de los medios sociales y de consumo. Una serie de diez piezas muy fuerte que se relaciona inmediatamente con un estado actual de existencia. En nombre de lo que llamamos «progreso» y «desarrollo» nuestro Ubuntu / Unhu está siendo desafiado.

Masimba dice: «Estoy viendo cómo estos sistemas coexisten con los paradigmas actuales. La idea de» incongruencia armónica «y la yuxtaposición de elementos culturales esotéricos con el simbolismo moderno moderno es un factor subyacente en este proceso de pensamiento.

Su serie de tótems urbanos cuestiona si la tecnología «pixelada de nuestro Ubuntu / Unhu ha mejorado o distorsionado nuestra humanidad».

Gareth Nyandoro
Cuando se crean obras o arte, adquieren nuevos significados que mantienen el concepto en crecimiento. Gareth Nyandoro ha llevado a las personas a las calles de Harare. La idea de experimentar un sonido que no es imponente porque conoces la fuente. La instalación tiene una grabación continua que se repite y será el sonido de un vendedor callejero que grita «dólar por dos». El sonido se mezcla con los sonidos urbanos de la ciudad que se encuentran en las áreas de mercado.

Gareth Nyandoro siempre lo ha llevado a la calle con sus temas. Me recuerda a su trabajo «lollipop stars». Una mirada muy cercana a la cultura de la calle y la supervivencia del hombre urbano. El trabajo reclama su propio espacio de la misma manera que se configuran los puntos de venta temporales.

Un individuo puede reclamar un área o espacio en la «jungla de concreto» a pesar del hecho de que nunca son permanentes. Una existencia constante donde la policía o el consejo te persiguen constantemente desde los espacios públicos urbanos del centro de la ciudad. Una existencia transitoria donde uno está constantemente en movimiento.

«First Street performer» es una obra de arte que ha hecho que los visitantes presten atención a la artesanía y al tema. El detalle que primero atrae al visitante al trabajo es la habilidad increíble y altamente técnica. El papel se corta en tiras finas y se reorganiza. Construye, deconstruye y luego reconstruye. El primer artista callejero tiene visitantes que se conectan con sus propias primeras calles de donde provienen y si funcionaría tener un artista en su primera calle. La idea central es cómo las personas se ven atrapadas en un ciclo urbano tratando de sobrevivir y ser notadas y apreciadas. La instalación se encuentra sola en su propia habitación. Como para reclamar su espacio en Venecia y decir «aquí es donde estoy instalando mi tienda /» Mushikashika wavanhu «.

Gareth Nyandoro combina imágenes de vendedores con materiales encontrados que procesa empleando variaciones idiosincrásicas en técnicas artesanales tradicionales. Intenta simular el entorno del mercado combinando collages bidimensionales con objetos tridimensionales. La calidad frágil y efímera de su trabajo hace referencia a la naturaleza temporal del mercado. Las instalaciones de Gareth reúnen los componentes bidimensionales y tridimensionales mediante dibujos, accesorios y objetos para crear obras que reflejen su investigación en relación con el espacio, la narrativa o la narración de historias, y los materiales a medida que se modifican y transfieren.

Gareth Nyandoro. Una visión del trabajo en exposición en la 56a Bienal de Venecia 2015 Pabellón Zimbabwe. Píxeles de Ubuntu / Unhu. Explorando las identidades sociales y culturales del siglo XXI El detalle y la técnica meticulosa puesta en el trabajo por Nyandoro cautivó la atención de muchos visitantes. Desde la distancia, el espectador ve una gran pintura que tiene contornos y se pueden ver formas de personas.

Sus cuatro piezas «Ihohoho namadzibaba Ishmairi», «Primer artista callejero», «5 rand pa Kadoma pamushika shika» y Zvikwedengu nezvinamira. El visitante deduce el elemento de la cultura callejera, independientemente del título de Shona. Su trabajo ha sido descrito como poderoso pero al mismo tiempo posee una naturaleza delicada. La idea de la naturaleza transitoria de la vida en las calles como «artista callejero» involucra al espectador a relacionarse con una vida de existencia urbana. La instalación del mercado de Nyandoro, «Pamushika shika wavanhu», es una exploración más profunda de su calle. cultura que retrata. Una cultura de la calle que involucra nuestra existencia en relación con las circunstancias definidas por el comercio. Cómo el producto que se vende define la existencia del vendedor y cómo el producto define la del comprador.

Teje con papel. Nyandoro produce impresiones no usando una placa de cobre grabada, sino cortando directamente en el papel, aplicando tinta con esponja y finalmente quitando la capa superior de papel con cinta adhesiva para que la tinta solo quede en los cortes. Una técnica que él llama «KUCHEKACHEKA».

Chikonzero Chazunguza
La idea de lo que parece ser o lo que parece ser se entrelaza creativamente con el significado de la serie «Pasado y Presencia» de Chikonzero Chazunguza. Los visitantes de todos los rincones del mundo comparten una preocupación similar con Chikonzero Chazunguza. El elemento de la diáspora está comprometido ya que tienen una historia que no está tan relacionada con la de África. Hay quienes tienen linajes familiares que existieron durante muchas generaciones en la diáspora y, en esencia, sus ancestros están enterrados allí. Algunos visitantes de Estados Unidos plantearon una pregunta que me hizo pensar y ver la serie de Chazunguza con una nueva perspectiva.

La idea de un pasado incierto que sienten los afroamericanos o los de Brasil y las personas de muchos otros orígenes étnicos indígenas. Sienten que un pasado que no es concreto y un pasado creado para ellos a través de la conquista colonial los hace inseguros del futuro. El elemento del «Pasado y el presente». En la mayoría de los casos, el pasado no está, no está en el presente, ya que algunos optan por ignorar un pasado y centrarse en un futuro que surgiría del «presente». Chazunguza es firme y claro sobre su postura sobre la participación de elementos de la historia y la tradición. Un enfoque que ha sido consistente a lo largo de su vida creativa. En un mundo con constantes cambios sociales y búsqueda espiritual.

Chikonzero (Chiko) Chazunguza es un artista visual y provocador, cuyas obras de arte multidisciplinarias plantean preguntas inquietantes sobre la condición poscolonial y sobre el papel inestable y la naturaleza del arte en su contexto poscolonial. Entre sus obras más convincentes se encuentran aquellas que restablecen para el espectador un sentido del orden ritual y de los misterios más profundos de la vida, junto con análisis sociales y políticos incisivos, pero sutiles. Chiko se propone deliberadamente volver a conectar con los modos locales de fabricación. y visual, explorando sus áreas de superposición estética con las tradiciones occidentales para producir nuevas formas visuales y nuevos tipos de experiencias visuales.

Cuando se crean obras o arte, adquieren nuevos significados que mantienen el concepto en crecimiento. Chikonzero Chazunguza realmente se ha quedado en el corazón de la mayoría de los visitantes que han experimentado un pasado que era un desafío social y colonial. La serie de presencia y pasado atrae a personas que tienen países que tienen lenguas indígenas moribundas. Un joven de Irlanda podría relacionarse con el elemento de un pasado que no es necesariamente «presente». Irlanda y muchos otros países como Visitantes de Brasil y Australia se relacionan apasionadamente sobre el tema. La pérdida del lenguaje es el primer paso para perder la identidad y, por lo tanto, asumir una nueva identidad que solo tiene referencia al ahora.

«Chimanjemanje» es una pieza de Chazunguza que tomó el nivel de lo que conocemos como impresión de tinta a papel. «Chimanjemanje» ha llamado la atención del visitante curioso que se acerca para evaluar el trabajo que realmente está tejiendo en la impresión. La impresión consiste en papel entretejido con latas de bebidas de relleno y sus etiquetas y códigos de barras se revelan pero estratégicamente como cestería. La idea de «Chimanjemanje» que se traduce en el significado de «lo moderno». La mayoría de las obras de arte de 122 cm y 181 cm están entrelazadas en cuadrados en miniatura. Por encima de cada cuadrado está la impresión de una cabeza, por lo que cada cuadrado representa el retrato del busto de una persona. Gradualmente, verá una red de personas en esta creación que inicialmente parecía tejer marcas de refrescos. “¿Píxeles? No ?» Un visitante me pregunta mientras señala la creación de Chazunguza. Al igual que los píxeles, que es el pequeño componente individual de una imagen. «Chimanjemanje» habla de la nueva identidad en la que estamos cambiando y está impulsada por marcas comerciales. «Chimanjemanje», la gente moderna. Ser desviado por una calidad de vida que está de moda e ignorando las raíces / orígenes.

En sus pinturas, grabados, así como en sus instalaciones, es conocido por experimentar con una variedad de materiales, incluidos objetos de la vida africana cotidiana, problemas desafiantes de las sutiles condiciones coloniales en África sobre la distribución de la tierra, la inseguridad alimentaria, la degradación de la espiritualidad indígena, tradicional orden y rituales.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema «crítico» después del final del arte vanguardista y «no artístico».

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, quien se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.