Reseña de exposiciones pasadas 2018-2019, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Niza, Francia

Desde hace años, MAMAC está comprometido en nuevas lecturas activas de la historia del arte, ancladas en los problemas sociales contemporáneos; el realce de figuras singulares y la producción de nuevas historias. Nuestra relación con la naturaleza y la forma en que los artistas afrontan los desafíos ecológicos es uno de los temas clave planteados en el programa.

Visitas guiadas, talleres, encuentros con artistas o investigadores, giras de cuentacuentos, conferencias o proyecciones, visitas de danza, conciertos, performances y eventos, promueven la accesibilidad del arte contemporáneo a un público más amplio y transforman el museo en un patio de recreo para artistas de diferentes ámbitos. Durante todo el año, el equipo del museo construye una constelación de redes con empresas, asociaciones, estudiantes, trabajadores sociales para inventar programas específicos y formas de reinventar el museo.

Exposiciones en 2018
Auguste-Dormeuil, si tuviera que hacerlo todo de nuevo
Renaud Auguste-Dormeuil, nacido en 1968, ha estado cuestionando cómo se crean las imágenes desde mediados de la década de 1990, visualizadas en su ámbito público y político. Visibilidad / invisibilidad, luz / oscuridad, recordar / olvidar, lo que sabemos / lo que creemos saber, evocar sin mostrar, decir sin hablar… son marcadores para la comprensión de sus obras, que configuran los códigos que estructuran el fluir de las imágenes. Aunque las preocupaciones iniciales del artista se centraron fundamentalmente en las nuevas cartografías, durante varios años su obra ha tomado un giro más metafórico y performativo. Diseñada como una constelación de experiencias dentro del MAMAC y en el área pública, su exposición en la galería contemporánea tomó la forma de una serie de infra-thin y performances configuradas durante el período de la exposición,

Cosmogonies, Au Gré des Éléments
Convocar los elementos, captar los lazos invisibles que unen los componentes del universo, comprender los procesos de erosión, impronta, cristalización, desvelar la quemadura del sol … Desde principios de los 60, ya sea fantaseando con dominar los elementos o jugando con la humildad creativa de dejar que las cosas sucedan, o en algún punto intermedio, varias generaciones de artistas han recurrido a la naturaleza y sus manifestaciones. El enfoque de estos artistas-recolectores, que se propusieron «recolectar» el viento, la luz o el polen, surge de experimentos enfocados en capturar fenómenos naturales, explorar los diversos estados de los materiales o observar meticulosamente elementos ostensiblemente esquivos.

Los experimentos de Yves Klein para capturar los «estados momentáneos de la naturaleza», el Land art y el Arte povera fascinados por las «fuerzas en acción» parecen ser momentos clave en esta complicidad entre el mundo artístico y el ámbito natural. Actualizando esta experimentación , las obras seleccionadas para la exposición perfilan una oda a la impermanencia y al surgimiento de formas «asistidas» por la naturaleza a través de varias generaciones de artistas. Destacan su persistente atracción por los procesos naturales y su captura, al tiempo que se hacen eco de la diversidad en el debate contemporáneo sobre cuestiones ambientales. Impulsadas por una aguda conciencia de la fragilidad del orden natural, las prácticas delinean implícitamente un llamado al medio ambiente y un llamado a escuchar y sentir la vida secreta del universo.

Michel Blazy, Línea de tiempo
Michel Blazy nació bajo el paisaje de la Riviera, el 24 de abril de 1966, y es hoy una de las figuras francesas más originales de su generación. A través de efectos y experimentos Low Tech, el artista observa y trabaja con los vivos, utilizando elementos del jardín de su casa al supermercado. Estas pequeñas actividades evolutivas y efímeras revelan exploraciones sensibles de microorganismos en perpetuo cambio.

Imaginó en la Galerie des Ponchettes una instalación ambiental inmersiva como un jardín de delicias, en el que frescos, ruinas y vegetación espontánea ofrecen literalmente la experiencia del paso del tiempo. Los arcos de la galería, cubiertos de rojo pompeyano como puré de tomate, contrastaban con el cielo azul hecho con agar-agar recordando las pinturas de Giotto. En el centro de este mural había un círculo de carbón vegetal del que la vegetación cobraba vida espontáneamente. El negro mate de la madera calcinada contrasta con el brillo y la frescura del verdor acentuando la idea de regeneración. Una escultura de Anrique cubierta con papel de aluminio, un ladrillo y un disco duro cubierto de vegetación espontánea, vestidos cubiertos de musgo completan este paisaje cromático, olfativo y sensorial, dibujado en la escala de la arquitectura.

Irene Kopelman Paisajes en crecimiento, entrelazados, anudados y enrollados
Nacida en Córdoba, Argentina, en 1974, Irene Kopelman vive entre Argentina y Amsterdam. Explora ecosistemas excepcionales de todo el mundo en busca de una comprensión de los mecanismos del mundo viviente. Cada nuevo biotopo constituye una aventura de inmersión específica que es a la vez sensible (sentir el paisaje, su escala, sus movimientos); visual (el entrelazamiento e interdependencia de elementos) e intelectual (descubriendo con los equipos científicos in situ las herramientas para registrar y medir, comprender la vida misma de estos ecosistemas y su papel a gran escala).

A partir de sus fases de observación, se crean entonces series de dibujos esbeltos o gouaches, al borde de la abstracción, cuyos motivos fragmentados evocan tantas muestras de un paisaje. Este trabajo «sobre el motivo» y esta práctica de encuestas «posnaturales» se refieren a las exploraciones de los naturalistas en los siglos XVIII y XIX. Fascinado por los gabinetes de la curiosidad, y las múltiples tablas de minerales y especies botánicas nacidas de este período de descubrimiento, el artista cuestiona esta era de exploración y construcción del conocimiento, de identificación de fenómenos naturales y ensayo y error metodológico, al mismo tiempo que lo confronta con problemas ecológicos contemporáneos.

A menudo, se centró deliberadamente en paisajes extremos por su inmensidad, su naturaleza envolvente y la relativa incapacidad para captar su globalidad: desiertos, selvas, glaciares, etc. De esta inmensidad, cada vez ha aislado elementos que son a priori modestos (líquenes , hojas, simples conjuntos de líneas durante el viaje del barco en la Antártida, etc.), como para restaurar mejor el universo a sus componentes y movimientos y resaltar la vulnerabilidad de los ecosistemas. En MAMAC presentó, por primera vez en Francia, la serie creada en el bosque tropical de Panamá en 2014, Proyecto Paisaje Vertical, Lianas; una serie de dibujos sobre manglares creados en Bocas del Toro y dos grandes cuadros, basados ​​en la serie de dibujos del «árbol de Banian» creados especialmente para la exposición.

También se presentan dieciocho dibujos de la serie Crab Pellets en la exposición «Cosmogonies, au gré des éléments» y se reflejan directamente en la galería contemporánea. Su próximo campo de investigación se centrará en los organismos marinos,… La oportunidad de dibujar una nueva constelación con las comunidades científicas de todo el mundo, en primer lugar la del Observatoire Océanologique de Villefranche-sur-Mer y la Université Côte d’Azur, que, con MAMAC, acompañará al artista en esta nueva exploración.

Inventing Dance: In And Around Judson, New York 1959-1970
EN la década de 1960, la Judson Memorial Church (en Washington Square en Nueva York) se convirtió en un centro principal de experimentación artística y un importante espacio de actuación para muchos artistas en la escena del centro de Nueva York. Las representaciones entrelazarían el arte visual, la música, la poesía, el teatro y la danza, y de hecho ampliarían la noción misma de lo que podría considerarse una danza. Siguiendo el trabajo de figuras seminales de la época, como las coreógrafos Anna Halprin y Merce Cunningham, los artistas Claes Oldenburg y Allan Kaprow, y los compositores John Cage y La Monte Young, muchos de los bailarines de Judson se reunieron por primera vez en una clase de coreografía experimental impartida. por el compositor Robert Dunn.

La exposición ofreció un vistazo al «Judson» que sigue siendo, incluso hoy, una gran influencia para la danza contemporánea y el arte visual. A través de películas, fotografías de archivo y efímeras, intenta documentar los diversos movimientos de los cuerpos en el Judson. La pregunta sigue siendo: ¿cómo exponer una obra, en gran parte improvisada y específica de su interpretación original, seis décadas después? Cuando Jon Hendricks, artista activista y cofundador del Guerilla Art Action Group, reabrió la Judson Gallery en 1966, emergió nuevamente como un sitio para el radicalismo y la colaboración interdisciplinaria. En 1970, se convirtió en un punto álgido en la defensa de la libertad de expresión de los artistas durante la oposición a la Guerra de Vietnam y el desarrollo continuo del activismo antirracista, anticolonial, feminista y queer en la esfera cultural.

Venet Bernar. Los años conceptuales 1966-1976
En 1966, el joven artista Bernar Venet dejó Niza y se trasladó a Nueva York, donde inició una revolución artística introduciendo las matemáticas, la astrofísica y más tarde muchos otros campos de la ciencia y otras disciplinas en el ámbito del arte. En 1970, se forjó una reputación como una de las principales luces del arte conceptual, un movimiento naciente que se extendió por Europa e internacionalmente. El período de 1966 a 1976 fue una época deslumbrante y prolífica durante la cual la intuición y la visión metódica de Venet lo colocaron en un camino imparable hacia una nueva generación a la vez iconoclasta, empujando el arte más allá de los límites de su propia definición y proceso de emergencia, y profundamente contemporánea desde entonces. abordó más que cualquier otra forma de arte la cuestión de la desmaterialización del arte y las corrientes de información. Este período también marcó los inicios de Bernar Venet ‘

La exposición se amplía hasta la última planta del MAMAC con una sala dedicada a importantes obras de arte minimalista y conceptual seleccionadas de la colección de Bernar Venet, que reflejan el paisaje intelectual y artístico de esta década y sus amistades de entonces. Por primera vez desde 1971, este período, del que aún se sabe poco sobre esta obra, es objeto de una importante retrospectiva. Reúne más de 150 obras de arte y documentos, la mayoría de los cuales se muestran por primera vez. Paralelamente a esta exposición e investigación de diez años, la gran exposición MAC Lyon ofrece una retrospectiva de la obra completa del artista: Bernar Venet: 2019 – 1959.

Exposiciones en 2019
Adrien vescovi. Mnemosyne
Invitado por MAMAC para hacerse cargo de la Galerie des Ponchettes, Vescovi ha creado un paseo sensorial casi sensual a través de su experimentación pictórica. En respuesta al diseño angular de la galería, las pinturas suspendidas a diferentes alturas marcan los espacios, jugando con paralelos y perpendiculares, para que los visitantes puedan caminar y atravesarlos. Los colores, extraídos por el artista de ocres cálidos del Rosellón y de suelos y especias marroquíes, infundieron lienzos que luego expuso a la luz fresca y al mal tiempo en un parque de Holanda durante unos meses. Para los Ponchette, finalmente reunió esos lienzos independientes en nuevas composiciones, jugando con esos movimientos norte-sur que dejaron su huella en la historia de la pintura.

Adrien Vescovi produce sus propios colores a partir de decocciones vegetales o minerales, creando «esencias paisajísticas» que reflejan las diferentes localizaciones geográficas en las que trabaja. Al exponer sus lienzos al viento, a la luz de la luna, al sol y a los fenómenos de oxidación, surgen formas primitivas o matices, habitados por el recuerdo de sus distintos estados de existencia. En la galería, cuerdas trenzadas y teñidas por el artista dibujaban curvas salvajes entre cuadros, entrelazándose y elevándose entre los arcos como enredaderas serpenteando por el suelo. Subvirtieron las líneas y planos de los cuadros. Sumergir en macetas de extrañas decocciones, se fueron infundiendo progresivamente con el material / colores creados por Vescovi. Respondiendo a este paseo interior estaban las pinturas en los grandes arcos exteriores. Frente al mar y sujeto al sol, el viento y la lluvia,mientras duró la exposición, los lienzos se cargaron con la memoria de los meteoros.

Diablo en carne, cuando el arte óptico electrifica el cine
Como parte de la Bienal de Arte de Niza 2019: «La Odisea del Cine. La Victorine cumple 100 años». A principios de la década de 1960, el arte cinético dejó su huella en Europa con un doble credo: desestabilizar la percepción y popularizar el arte. Pinturas con trucos de luz, relieves iluminados motorizados y entornos vertiginosos cambiaron la percepción. Apodado «Op Art» en 1964, este arte de vanguardia obtuvo un trascendental éxito popular, tanto como para conocer un fenómeno de secuestro excepcional. Mientras que los agentes de publicidad, los diseñadores, las grandes marcas y el mundo de la moda se apoderaron de sus estimulantes formas, el cine le dio al Op Art un ángulo inesperado. Un arte de movimiento y luz, fue tanto un antecesor, capaz de sublimar sus juegos visuales, como un seguidor, que se esforzó por devorarlo a través de su deseo de modernidad. De dramas a thrillers,

Esta exposición sumerge al visitante en esta apasionante historia entre dos artes, salpicada de burlas y malentendidos, con sublimación recíproca, con entregas pop o barrocas, así como colaboraciones y imitadores. Con el apoyo de casi 30 películas, 150 obras y documentos, explora el origen y los aspectos tácitos de esta fascinación depredadora, y considera lo que el cine revela por su propia naturaleza al Op Art. Entonces, muestra el espíritu de una década alterada por la modernidad, sedienta de emancipación y perseguida por los fantasmas de la guerra. Esta época, llena de contradicciones, creó una estética completamente nueva que culminó en la fructífera fricción entre las artes visuales y el cine.

Hippolyte Hentgen, El bikini invisible
The Invisible Bikini… El título podría presagiar el comienzo de una búsqueda improbable que parece aprovechar los recuerdos de los thrillers clásicos y los cómics, ambos que solíamos consumir cuando éramos niños. Esparcidas por toda la galería, las creaciones de Hippolyte Hentgen surgen como tantas pistas o fragmentos de narrativa, alimentando el misterio. Manos, piernas y pies sobredimensionados, desencarnados de cualquier figura, parecen sacados directamente de una caricatura, como si hubieran huido de personajes alegremente aplastados, estirados y pulverizados por Tex Avery. Las formas fundidas, emancipadas del destino bidimensional que les reserva la animación y el cómic tienen también algo que recuerda a la cultura pop. Eso’ Es casi imposible no pensar en las suaves esculturas de Claes Oldenburg o en las figuras en vinilo de sus contemporáneos Teresa Burga y Kiki Kogelnik al observar este desfile de cuerpos amorfos y objetos triviales como cigarrillos y periódicos. Esta referencia pop se ve reforzada por la inclusión de tapices que combinan pin-ups pechugonas y onomatopeyas.

Hippolyte Hentgen juega con esta mezcla de universos que nunca tuvo la intención de entrar en contacto. En este museo de la imaginación se mezclan creaciones de vanguardia, historietas, animación, ilustración popular y caricaturas editoriales, formando un universo fantástico y jubiloso completamente separado de las jerarquías de géneros. Este bikini invisible es, por supuesto, un guiño ligeramente afilado y desenfrenado a la Riviera francesa y sus cuerpos y estereotipos que languidecen; un preludio de una ficción de que el visitante es libre de componerse. Pero también es una versión irreverente, estridentemente pop y deliberadamente traviesa de las obras de tantos grandes nombres que pueblan las colecciones del MAMAC.

Lars Fredrikson
Nacido en Suecia, Lars Fredrikson se instaló en el sur de Francia en 1960. Artista incansable, curioso y hábilmente inventivo, creó un universo único y sensible desarrollado a través de la poesía, la experimentación plástica, la filosofía del Lejano Oriente y la tecnología moderna. Su investigación se basó en el Zeitgeist: al igual que Nam June Paik, Fredrikson exploró muy temprano el potencial plástico de la televisión y la electrónica en general, mientras que su investigación sobre estructuras invisibles y aleatoriedad parece sorprendentemente cercana al trabajo de John Cage. Estas prácticas estaban conectadas por un único objetivo: hacer perceptibles los flujos que suelen ser invisibles, sean energéticos, telúricos, siderales o interiores.

Esta retrospectiva del artista Lars Fredrikson surgió a través de una colaboración con el NMNM, el Nuevo Museo Nacional de Mónaco. Aquí se exhiben por primera vez importantes obras inéditas del artista y piezas tomadas de importantes colecciones públicas y privadas. La exposición se abrió con la dimensión cósmica de las obras «cinéticas» y las esculturas de acero inoxidable antes de pasar a los collages y dibujos por fax a las instalaciones sonoras, de las cuales Fredrikson fue uno de los pioneros. El espectáculo arrojó luz sobre sus afinidades con la Fundación Maeght, sus múltiples colaboraciones con poetas y, no menos importante, su participación en Villa Arson, donde instaló el primer estudio de sonido en una escuela de arte en Francia, influyendo así en varias generaciones de artistas de sonido hasta hoy. De este modo,

Charlotte pringuey-cessac. Sonido primigenio
Primal Sound es una invitación a un viaje en el tiempo, desde las primeras evidencias de vida humana en Niza hace 400 000 años, y desde el testimonio de piedras talladas que dejó este grupo, hasta las experiencias que hoy lidera la artista Charlotte Pringuey- Cessac para convocar la memoria vibrante de esas vidas pasadas. Este viaje a través de los siglos se basa en la idea de un Sonido Primordial, una expresión tomada del poeta Rainer Maria Rilke. Después de descubrir con asombro el potencial de los primeros fonógrafos, soñó con una «cosa asombrosa»: «poner en sonidos las innumerables firmas de la creación que perduran en el esqueleto, en la piedra, (…), la grieta en la madera , el andar de un insecto «. La reminiscencia de un mundo pasado, el diálogo íntimo con los testigos del pasado y el pensamiento mágico que invierte en lo que parece inerte,

La prehistoria, la metodología y las herramientas utilizadas por la arqueología, constituyen la base de su trabajo, un material a partir del cual desarrolla vivencias y relatos, dejándose vagar entre la ciencia y la licencia poética, la huella dejada por la historia y su reinvención contemporánea. Pensada como un viaje, su exposición en Niza se desarrolla desde el museo de Prehistoria de Terra Amata, epicentro de la actividad de estos primeros humanos, hasta el MAMAC, incluida la «Colline du Château», donde un entierro de los siglos XII y XIII repleto de funerarios restos fue descubierto en 2013.

Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Niza
El Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, también llamado Mamac, es un museo dedicado al arte moderno y contemporáneo abierto desde el 21 de junio de 1990 en Niza. Ubicado en el corazón de la ciudad, al lado de la Place Garibaldi y en la extensión de la «Coulée Verte», MAMAC ofrece una inmersión en el Arte Internacional de la Posguerra desde la década de 1950 hasta la actualidad. Con una colección de casi 1 400 obras de más de 350 artistas (con un promedio de 200 en exhibición), el museo ofrece, entre otros, un diálogo original entre el nuevo realismo europeo y el arte pop estadounidense. El museo también exhibe obras clave de arte mínimo y arte povera. Dos grandes artistas del arte del siglo XX forman el corazón de las colecciones: Yves Klein, con una sala permanente única en el mundo, posible gracias a los préstamos a largo plazo de los Archivos de Yves Klein, y Niki de Saint Phalle. La destacada artista femenina de la posguerra, Niki de Saint Phalle hizo una gran donación al museo en 2001. MAMAC posee ahora uno de los mayores fondos del artista en el mundo.

El museo también arroja luz sobre la singularidad y prominencia de la escena artística local desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de 1970. Niza y la Costa Azul fueron entonces un lugar importante para la experimentación e invención de nuevos gestos artísticos con artistas destacados como Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben y grupos como Supports / Surface. A pesar de la singularidad de personalidades y prácticas, surgen tres cuestiones clave: el acto de apropiación de la vida cotidiana (con los nuevos realistas en particular), un arte de gesto y actitud (con Fluxus) y una exploración analítica de la pintura (con Support / Superficie y Grupo 70). Esta investigación se pone en perspectiva con la creación artística europea y americana de los últimos sesenta años.

El edificio del museo ubicado junto a la Place Garibaldi, diseñado por los arquitectos Yves Bayard y Henri Vidal, tiene la forma de un arco tetrápodo a caballo entre el Cours du Paillon. La monumentalidad del proyecto desarrollado en la portada del Paillon permite vincular el museo a un teatro a través de una terraza, denominada Promenade des arts. De planta cuadrada, su arquitectura se inspira en las reglas del neoclasicismo. La superficie disponible es de unos 4.000 m 2 repartidos en nueve salas de exposición en tres niveles. Sus fachadas lisas están cubiertas de mármol blanco de Carrara. La entrada y la tienda están al nivel de la Esplanade Niki de Saint Phalle con vistas a la Place Yves Klein, donde también se encuentran el auditorio y la galería contemporánea del museo. Los espacios del museo están dedicados en el primer piso a exposiciones temporales,

Los espacios abarcan cinco niveles, incluidos dos conjuntos de 1.200 m2 dedicados a las colecciones del museo. Una planta y una sala de proyectos están dedicadas a muestras temporales internacionales que alternan exposiciones temáticas y monografías de los principales artistas de los últimos sesenta años. Una terraza en la azotea accesible al público ofrece una vista panorámica impresionante de Niza.

Situado en el corazón de Niza, el MAMAC (Museo de Arte Moderno y Contemporáneo) fue diseñado por los arquitectos Yves Bayard y Henri Vidal e inaugurado en 1990. Una terraza en la azotea abierta al público ofrece una impresionante vista panorámica de Niza. Su colección, rica en más de 1300 obras de 300 artistas, vincula la historia artística regional e internacional.

La Declaración Constitutiva del Nuevo Realismo, escrita por el crítico de arte Pierre Restany, se firma en Yves Klein, en París, el 27 de octubre de 1960. Sin embargo, es durante la década anterior cuando los artistas han preparado el terreno: Hains y Villeglé ya en 1949 «desprender» juntos sus primeros «carteles lacerados»; Klein hace sus primeros monocromos y Tinguely sus primeras esculturas animadas …

1960 es un año vívido: Tinguely crea su primera máquina autodestructiva en Nueva York; Klein hace sus «Antropometrías» y luego las «Cosmogonías»; en París, César muestra tres coches comprimidos en el Salon de Mai y Arman llena de desperdicios la Galería Iris Clert, durante la muestra titulada «The Full», etc.

Los rasgos comunes a los nuevos realistas son el rechazo a la abstracción, la conciencia de una «naturaleza moderna»: la de la fábrica y de la ciudad, de la publicidad y de los massmedia, de la ciencia y de la técnica. Anclado en esta realidad, su proceso se hace eco del brillante análisis de la sociedad de consumo y sus ídolos propuesto en 1956 por Roland Barthes en su libro Mythologies. El grupo embarca al objeto en una nueva aventura, utilizando el aspecto poético del objeto: detritos, desprendimiento de carteles, ensamblajes, compresiones o acumulaciones de elementos provenientes de una tecnología industrial.

En 1961 la exposición titulada The Art of Assemblage, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, consagra la cercanía de los nuevos realistas con los artistas del Pop Art.

American Pop Art se construyó sobre la herencia del Pop Art británico que surgió del Grupo Independiente del que Lawrence Alloway era un miembro destacado, y en 1956 organizó la emblemática exposición This is tomorrow en Londres. En el lado estadounidense, el movimiento surgió ampliamente a través de los artistas de Neo-Dada Robert Rauschenberg y Jasper Johns. Su núcleo está en Nueva York, donde artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Tom Wesselmann exhibieron su arte. Los artistas pop se refieren directamente a la sociedad de consumo y los efectos dañinos relacionados con la sociedad consumista moderna. Abogaron por la vuelta a la realidad, volviéndose hacia el mundo del merchandising y las nuevas formas de culturas populares: estrellas del cine, la publicidad y el cómic, dándoles una dimensión icónica y desapegada, con los valores de la sociedad estadounidense como telón de fondo.

MAMAC posee una de las colecciones más grandes del trabajo de Niki de Saint Phalle en el mundo: más de 200 obras, lo que les permite cambiar las obras en exhibición con regularidad. Niki de Saint Phalle (Neuillysur-Seine, Francia, 1930 – La Jolla, Estados Unidos, 2002) hizo de su vida una obra de arte. Sin ninguna formación artística particular que no sea su instinto y una suerte de certeza de que ese es su destino, se dedica de lleno a su trabajo. El arte para ella era terapia y su apetito artístico la ayudó a superar las dificultades, resaltar sus sufrimientos y afrontar la enfermedad. «Champagne, glacier et fleurs», título de una carta de 1979 que Niki de Saint Phalle le escribió a su amiga artista Marina Karella, resume su personalidad, fuerte, sensible y carismática. Ella era rebelde y eligió usar armas,

La primera de ellas fue creada en 1961. «Tirs» [tiroteos], fue la serie de obras con las que ganó reconocimiento como artista y ganó, a pesar de severas críticas, notoriedad en Francia y rápidamente internacional. También creó obras originales colocando bolsas llenas de pintura sobre lienzos cubiertos de yeso y luego disparó a los lienzos con un rifle. El trabajo se dispara y el resultado es una nueva pieza creativa. La artista expresó la rabia y la violencia dentro de ella en un gesto exterior; disparó contra su padre, de quien fue abusada a los 11 años, contra su madre, y también contra la sociedad de la Iglesia y todas sus injusticias.

Después de sus primeras exposiciones de Tirs, los Nuevos Realistas la invitaron a unirse a su grupo, siendo ella la única miembro femenina. Cuando, en 1963, Niki de Saint Phalle se alejó de Tirs, comenzó a realizar esculturas en yeso blanco, algunas de ellas mortíferas o inquietantes como es el caso de la serie que representa a novias, corazones e incluso mujeres dando a luz. Sus esculturas estaban hechas de tela y lana sobre marcos de alambre a los que Niki de Saint Phalle a menudo agregaba objetos recuperados. Las mujeres que representaba Niki de Saint Phalle todavía estaban encadenadas por el matrimonio o la maternidad, y ella estaba tratando de liberarlas. En 1964, Niki de Saint Phalle adoptó la serie «Nanas» para destacar nuevamente las figuras femeninas. Estas esculturas, de vivos colores y generosas curvas, simbolizan a la mujer moderna, liberada de las tradiciones. Las nanas son negras

La artista dedicó gran parte de su vida a estos proyectos monumentales. Sus esculturas se convirtieron en verdaderas piezas arquitectónicas: el tobogán Golem en Jerusalén en 1972 o Hon, la más grande de las Nanas (28 m de largo), construida por Niki en 1966 en Estocolmo. Participó activamente en Cyclope (1969-1994) de Jean Tinguely en Millyla-Forêt, cerca de París. Sin embargo, sin duda el Jardin des Tarots, un proyecto en la Toscana que se inició en 1978, fue su obra más completa. Ella autofinancia todo el proyecto y le tomó más de 20 años completarlo. El arte puede haberle salvado la vida, pero el aire que respiró mientras creaba sus esculturas de poliéster fue la causa de problemas pulmonares que sufriría por el resto de su vida. Un año antes de su muerte en 2001, donó muchas obras importantes al MAMAC,

Yves Klein
La aventura monocromática
Explora una galería, única en el mundo, dedicada al maestro de lo inmaterial. Yves Klein nació en Niza en abril de 1928; sus padres eran ambos pintores (Marie Raymond y Fred Klein). En 1946 conoció a Arman y al poeta Claude Pascal en Niza, con quienes compartiría poéticas aventuras en las playas locales.

Aprendió judo con Claude Pascal, (se convertiría en 4º dan), y los dos pasearían por la Avenue Jean Médecin descalzos, vestidos con camisas blancas con las huellas de las manos y los pies de Klein. Klein y Arman estaban interesados ​​en la filosofía zen, y fue en la pared de un sótano perteneciente a la familia de Arman donde Klein pintó sus primeros monocromos azules entre 1947-1948. En 1955, en París, conoció a Tinguely, César, Raysse y Restany, y en el Salon des Réalités Nouvelles, mostró un cuadro en un solo color, Expression de l’univers de la couleur mine orange [Expresión del universo del Color Lead Orange], (M60), 1955, firmado «Yves le Monochrome», que fue rechazado y causó gran revuelo.

A partir de 1956, siguieron las exposiciones «Yves: pinturas»: Propositions Monochromes, Galería Colette Allendy en París, Yves Klein: Proposte monocrome epoca blu, en Milán y Pigment pur en 1957, nuevamente en la Galería Allendy, durante la cual presentó la práctica aplicaciones del «período azul», después de establecer un azul ultramar, que vendría a ser conocido como IKB (International Klein Blue). Fue en 1958, tras el gran acontecimiento mediático que fue la exposición Vide en la Galería Iris Clert de París, donde Klein presentó una galería completamente vacía; las paredes fueron pintadas de blanco por el artista y la ventana de la galería fue pintada de azul. Organizado por su amigo Robert Godet, en Ile Saint-Louis, orquestó la primera de sus experiencias de «pinceles vivos»,

Las primeras Antropometrías se mostraron en público en la Galerie internationale d’Art contemporain de París en marzo de 1960, con una performance en la que tres modelos desnudas, cubiertas de pintura azul, se arrastraron y se movieron por el suelo cubierto de papel para la ocasión; los modelos también imprimieron sus cuerpos en las paredes, bajo la dirección del «director» Klein, al son de la Sinfonía Monotone-Silence. Klein murió en junio de 1962 en París, dejando atrás obras de gran profundidad lírica, después de haber demostrado el poder del vacío, esculpido el agua y el fuego, inventado la arquitectura del aire, etc. Prueba de ello está en la serie «Cosmogonies», momentos-estados de la naturaleza «, que registra los signos de comportamiento atmosférico de lienzos que viajan en el techo de su automóvil entre París y Niza,

3er piso
Juego de palabras. Juega con las señales.
Una obra icónica del MAMAC, La Cambra o «Museo de Ben» da cuenta del lugar de la escritura en la obra de este artista imprescindible. Su caligrafía suave, desenfrenada, casi infantil nos transporta a los vientos del cambio y al arte de la actitud iniciado a finales de los años cincuenta en Niza. En torno a esta monumental obra se exhiben otros juegos con palabras, escrituras y lenguajes. En las paredes, pinturas y hojas de papel, se inventan glifos y alfabetos, se dibujan anagramas, poemas de danza, etiquetas y crucigramas. Esta exposición combina obras de la colección así como préstamos y presentaciones de artistas de diferentes generaciones relacionados con la historia del museo. Se destaca la relación entre la pared y la escritura.

La obra compromete el cuerpo del espectador, lector, enunciador o incluso actor. Algunas obras tienen un perfil muy bajo y requieren que los visitantes presten atención, otras les gritan, les llevan a la tarea, invocan su imaginación. La cuestión central de descifrarlos se hace eco de la de comprender la obra y las claves para interpretarla. Si bien las palabras invocan los mundos de la poesía y la infancia, entablan una relación eminentemente política con el mundo, en el lugar del artista en nuestra sociedad.

Arte abstracto americano
El arte minimalista surgió en los Estados Unidos a mediados de la década de 1960.
Con el minimalismo, el arte se consideraba desde una perspectiva totalmente nueva y atravesaba una transición radical que evitaba las convenciones tradicionales. El aspecto más notable de esta transformación fue la nueva relación entre el espectador y la obra de arte, que reinventó la percepción estética de un objeto hasta su sustancia. Las obras de arte acapararon el espacio, que se convirtió en un espacio existencial y ya no en un espacio estético. Anteriormente, una obra de arte ocupaba un territorio propio que estaba separado del espectador. El arte minimalista abrió una nueva esfera de actividad para el artista en la que predominó la conciencia de su propio cuerpo en su relación con el espacio circundante dando como resultado lienzos extragrandes y la obsolescencia del pedestal.

Comprado con la ayuda de FRAM Photo Muriel Anssens, Ville de Nice – ADAGP, París, triángulos de 2019 y así sucesivamente) y sobre cuestiones de volumen, superficie y planitud. Esforzándose por lograr el máximo efecto con el mínimo de recursos, estos artistas eliminaron cualquier rastro de subjetividad en su trabajo y, a menudo, incorporaron materiales y técnicas industriales.

Los defensores del movimiento incluyen: Donald Judd, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Kenneth Noland, Franck Stella y Richard Serra.

El arte conceptual surgió en la década de 1960. Afirmó la primacía de la idea sobre el objeto, en la medida en que producir la obra ya ni siquiera era estrictamente necesario. Empujó los límites del campo artístico tradicional al cuestionar el significado y el propósito de la práctica artística. En 1969, Sol LeWitt declaró: «Las ideas pueden ser obras de arte. Están en una cadena de desarrollo que eventualmente puede encontrar alguna forma. No es necesario que todas las ideas sean físicas».

Los siguientes artistas conceptuales se presentan en esta sala: Sol LeWitt, Joseph Kosuth, Robert Morris, James Lee Byars y Ed Ruscha.

Albert Chubac
Albert Chubac nació en Ginebra en 1925. Tras sus estudios de Artes Decorativas y Bellas Artes en Ginebra, su obra estuvo influida por algunos periodos formativos: su interés por Klee, Kandinsky, Miró, Matisse y Picasso; conocer a Nicolas de Staël en 1950; y sus viajes por Italia, España, Grecia, Egipto y Argelia.

Exposiciones creadas con obras de la colección MAMAC y la inestimable ayuda de: Archivos de Yves Klein, Centre national des arts plastiques (París), Jean Dupuy, Estate Robert Filliou, Peter Freeman, Inc. (Nueva York / París), JeanBaptiste Ganne, Eric Guichard , Arnaud Labelle-Rojoux, La sucesion Arman, Lilja Art Fund Foundation, Loevenbruck (París), Stéphanie Marin, Tania Mouraud, Niki Charitable Art Foundation, Emmanuel Régent, Sharing Art Foundation, Ben Vautier, Bernar Venet y coleccionistas que deseaban permanecer en el anonimato .

Desde sus primeras pinturas, que eran casi abstractas, utilizó una paleta de colores primarios, aplicada en bloques. Luego aplicó esta técnica a esculturas de madera «transformables». La idea detrás de estas esculturas era permitir al espectador cambiar los elementos. En un período posterior, exploró las propiedades luminiscentes del plexiglás coloreado.

En 2004, Albert Chubac donó alrededor de un centenar de obras a la ciudad de Niza para el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo. El MAMAC exhibió esta donación en 2004, convirtiéndose así en el punto de referencia de la obra del artista en Francia.

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