Op art 1960 – 1970

Término utilizado como abreviatura de “arte óptico” para referirse a la pintura y la escultura que explora las ilusiones u efectos ópticos de los procesos perceptivos Fue utilizado por primera vez por un escritor en un artículo sin firmar en la revista Time (23 de octubre de 1964) La exposición, The responsive eye, celebrada en 1965 en MOMA, Nueva York, bajo la dirección de William C Seitz, mostró al lado dos tipos de solicitaciones visuales ya Practicada por los artistas durante algún tiempo: la ambigüedad perceptiva creada por las superficies coloreadas, luego en los EE.UU. y la sugerencia coercitiva del movimiento creado por líneas y patrones en blanco y negro, utilizado abundantemente por artistas europeos dedicados al arte kinetik. Artistas como Victor Vasarely, Bridget Riley, Jesús Soto, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc y François Morellet

Op art, abreviatura de arte óptico, es un estilo de arte visual que utiliza ilusiones ópticas

Las obras de arte op son abstractas, con muchas piezas mejor conocidas creadas en blanco y negro. Típicamente, dan al espectador la impresión de movimiento, imágenes ocultas, patrones intermitentes y vibrantes, o hinchazón o deformación

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Esta escuela alemana, fundada por Walter Gropius, hizo hincapié en la relación de la forma y la función dentro de un marco de análisis y racionalidad Los estudiantes aprendieron a centrarse en el diseño general o la composición entera para presentar unificado Obras Op art también proviene de Trompe-l’oeil y Anamorphosis Enlaces con la investigación psicológica también se han hecho, sobre todo con la teoría de la Gestalt y Psicofisiología Cuando la Bauhaus se obligó a cerrar en 1933, muchos de sus instructores huyeron a los Estados Unidos. El movimiento se enraizó en Chicago y finalmente en el Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte, donde Anni y Josef Albers eventualmente enseñó

El arte op es una experiencia perceptual relacionada con la forma en que funciona la visión Es un arte visual dinámico que se deriva de una relación discordante entre la figura y el suelo que sitúa los dos planos en primer plano y fondo en una yuxtaposición tensa y contradictoria. El primer método más conocido es crear efectos a través del patrón y la línea. A menudo, estas pinturas son en blanco y negro, o de otro modo grisaille, como en la famosa pintura de Bridget Riley, Current (1964), en la portada de The Responsive Eye catalog Here , Las líneas onduladas en blanco y negro se acercan unas a otras en la superficie del lienzo, creando una volátil relación entre la figura y el suelo Getulio Alviani utilizó superficies de aluminio, que trató de crear patrones de luz que cambian a medida que el observador se mueve (superficies de textura vibratoria) Se produce es que las líneas crean post-imágenes de ciertos colores debido a cómo la retina recibe y procesa la luz Como Goethe demuestra en su tratado Teoría de los colores, un T el borde donde la luz y la oscuridad se encuentran, el color surge porque la ligereza y la oscuridad son las dos propiedades centrales en la creación del color

A partir de 1965, Bridget Riley comenzó a producir arte óptico basado en el color, sin embargo, otros artistas, como Julian Stanczak y Richard Anuszkiewicz, siempre estaban interesados ​​en hacer de los colores el foco principal de su trabajo Josef Albers enseñó a estos dos practicantes primarios del “Color Función “en Yale en la década de 1950 A menudo, el trabajo del colorista está dominado por las mismas preocupaciones del movimiento de la figura-tierra, pero tienen el elemento añadido de colores contrastantes que producen efectos diferentes en el ojo Por ejemplo, en las pinturas del templo de Anuszkiewicz, La yuxtaposición de dos colores altamente contrastantes provoca una sensación de profundidad en el espacio tridimensional ilusionista, de modo que parece que la forma arquitectónica está invadiendo el espacio del espectador