Neo-impresionismo

Neo-Impresionismo es un término acuñado por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1886 para describir un movimiento artístico fundado por Georges Seurat. La gran obra maestra de Seurat, Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte, marcó el comienzo de este movimiento cuando apareció por primera vez en una exposición de la Société des Artistes Indépendants (Salón de los Independientes) en París. Alrededor de esta época, surgió el auge de la era moderna de Francia y muchos pintores buscaron nuevos métodos. Los seguidores del neo-impresionismo, en particular, se sintieron atraídos por escenas urbanas modernas, así como paisajes y costas. La interpretación basada en la ciencia de líneas y colores influyó en la caracterización de los neoimpresionistas de su propio arte contemporáneo. Las técnicas puntillistas y divisionistas a menudo se mencionan en este contexto, porque era la técnica dominante en el comienzo del movimiento neoimpresionista.

El término neo-impresionismo se aplica a un movimiento de arte europeo de vanguardia que floreció de 1886 a 1906. El término neo-impresionismo fue acuñado por el crítico de arte Félix Fénéon en una crítica, “Les Impressionistes” (en La Vogue; París, 1886), de la octava y última exposición impresionista Camille Pissarro había convencido a sus colegas impresionistas de permitir que las pinturas de él, su hijo Lucien Pissaro, Paul Signac y Georges Seurat se mostraran juntas en una habitación individual, afirmando una visión compartida e invitando a la comparación Fénéon consideraba a Albert Dubois-Pillet como uno de los “nuevos impresionistas”; el grupo pronto incluyó a Charles Angrand, Louis Hayet, Henri Edmond Cross, Léo Gausson, Hippolyte Petitjean y Maximilien Luce.

Algunos sostienen que el neo-impresionismo se convirtió en el primer movimiento de vanguardia verdadero en la pintura. Los neoimpresionistas pudieron crear un movimiento muy rápidamente en el siglo XIX, en parte debido a su fuerte conexión con el anarquismo, que marcó el ritmo de las manifestaciones artísticas posteriores. El movimiento y el estilo fueron un intento de impulsar la visión “armoniosa” de la ciencia moderna, la teoría anarquista y el debate a fines del siglo XIX sobre el valor del arte académico. Los artistas del movimiento “prometieron emplear teorías ópticas y psicobiológicas en busca de una gran síntesis de lo ideal y lo real, lo fugitivo y lo esencial, la ciencia y el temperamento”.

Visión de conjunto

Principios de estética: luz y color
Durante la aparición del neoimpresionismo, Seurat y sus seguidores se esforzaron por refinar los gestos artísticos impulsivos e intuitivos del impresionismo. Los neoimpresionistas usaron redes disciplinadas de puntos y bloques de color en su deseo de inculcar un sentido de organización y permanencia. Al definir aún más el movimiento, Seurat incorporó la explicación reciente de las percepciones ópticas y de color.

El desarrollo de la teoría del color por Michel Eugène Chevreul y otros a fines del siglo XIX jugó un papel fundamental en la configuración del estilo neoimpresionista. El libro de Ogden Rood, Modern Chromatics, con Aplicaciones para el Arte y la Industria, reconoció los diferentes comportamientos exhibidos por la luz coloreada y el pigmento coloreado. Mientras que la mezcla del primero creaba un color blanco o gris, el del último producía un color oscuro y turbio. Como pintores, los neoimpresionistas tuvieron que lidiar con pigmentos coloreados, por lo que para evitar el embotamiento idearon un sistema de yuxtaposición de color puro. La mezcla de colores no era necesaria. La utilización efectiva del puntillismo facilitó la obtención de un efecto luminoso distinto, y desde la distancia, los puntos se juntaron como un todo, mostrando el máximo brillo y conformidad con las condiciones reales de luz.

Orígenes del término
Hay una serie de alternativas al término “neo-impresionismo” y cada una tiene su propio matiz: cromoluminarismo fue un término preferido por Georges Seurat. Enfatizó los estudios de color y luz que fueron centrales para su estilo artístico. Este término rara vez se usa hoy en día. El divisionismo, que se usa más comúnmente, se usa para describir un modo de pintura neoimpresionista. Se refiere al método de aplicar trazos individuales de colores complementarios y contrastantes. A diferencia de otras designaciones de esta época, el término “neo-impresionismo” no se dio como una crítica. En cambio, adopta los ideales de Seurat y sus seguidores en su enfoque del arte. Nota: El puntillismo simplemente describe una técnica posterior basada en el divisionismo en la que se aplican puntos de color en lugar de bloques de color.

El grupo de pintores neo-impresionistas
El neo-impresionismo se presentó por primera vez al público en 1886 en el Salon des Indépendants. Los Independientes siguieron siendo su principal espacio de exhibición durante décadas con Signac como presidente de la asociación. Pero con el éxito del neo-impresionismo, su fama se extendió rápidamente. En 1886, Seurat y Signac fueron invitados a exponer en la octava y última exposición impresionista, más tarde con Les XX y La Libre Esthétique en Bruselas.

En 1892, un grupo de pintores neo-impresionistas se unieron para mostrar sus obras en París, en los salones del Hôtel Brébant, 32, bulevar Poissonnière. El año siguiente exhibieron en 20, rue Laffitte. Las exposiciones fueron acompañadas por catálogos, el primero con referencia a la impresora: Imp. Vve Monnom, Bruselas; el segundo se refiere a M. Moline, secretario. Pissarro y Seurat se conocieron en Durand-Ruel’s en el otoño de 1885 y comenzaron a experimentar con una técnica utilizando pequeños puntos de colores yuxtapuestos. Esta técnica se desarrolló a partir de lecturas de la historia del arte popular y la estética (el administrador francés, Charles Blanc, y el esteticista suizo, David Sutter), y manuales para las artes industriales y decorativas, la ciencia de la óptica y la percepción. En este momento Pissarro comenzó a involucrarse con la camarilla que ayudó a fundar la Société des Artistes Independants en 1884. Algunos miembros del grupo asistieron a reuniones para autores naturalistas y simbolistas en la casa de Robert Caze, que era un ex comunista y periodista republicano radical. . Fue aquí donde los pintores se conocieron, y muchos mostraron su trabajo en shows independientes durante toda su vida. Pissarro pidió a Seurat y Signac que participaran en la octava exposición impresionista en mayo de 1886. Aquí fue donde se mostró el domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte. Tenían una habitación separada en el espectáculo. La liberalización republicana de las leyes de prensa en 1881 también ayudó a este movimiento de vanguardia. Facilitó que las personas comenzaran sus propios periódicos, lo que permitió publicar más críticos de arte.

La idea del “primitivo moderno” atrajo a este grupo y comenzó con Signac. Después de que Seurat exhibiera La Grande Jatte, el crítico Fénéon acuñó el término neo-impresionismo. Pissarro, su hijo Lucien y Signac también mostraron trabajo al mismo tiempo. Pronto otros artistas comenzaron a unirse al movimiento, incluidos Charles Angrand, Henri-Edmond Cross, Albert Dubois-Pillet, Léo Gausson, Louis Hayet y Maximilien Luce. El encanto de las nuevas técnicas científicas cautivó a los jóvenes artistas de este movimiento. El movimiento luego se extendió al exterior cuando Seurat y Pissarro fueron invitados a Les Vingt, una sociedad de vanguardia en Bruselas. Este estilo se convirtió en la forma dominante en Bélgica en 1889 e incluso artistas como Van Gogh probaron este estilo.

La misión de Seurat como artista era celebrar el poder del color puro, el poder expresivo de la línea, el color y el valor, la reforma del Impresionismo y la tradición de los Bellas Artes. Seurat “quería ser percibido como un técnico de arte, por lo que tomó prestados de la ciencia algunos de los signos de su autoridad, incluida la regularidad y la claridad del patrón”. Esto se puede comparar a cómo Signac “vio y enfatizó una conexión entre el anarquismo, la técnica neoimpresionista, la ubicación mediterránea y la tradición clásica en la pintura”. Signac también vio el Mediterráneo como el lugar para el arte vanguardista anarquista. El Mediterráneo fue raramente representado por los pintores de vanguardia en parte debido a la asociación entre el sur de Francia y el clasicismo académico, así como el conservadurismo cultural y político. Al establecer sus pastorales en el sur, Signac siguió los ejemplos literarios de Stendhal y Guy de Maupassant, que vinculó a la región con la libertad. Stendhal “describió el sur como un lugar de libertad donde las peores fallas de la sociedad capitalista estaban menos arraigadas que en el norte”. Stendhal también vio al Sur como una conexión con otros países “latinos” que están “fuera del interés de las sociedades civilizadas por el dinero”.

Evolución
Los años cumbres de este movimiento duraron aproximadamente cinco años (1886-1891), pero no terminaron con la muerte de Georges Seurat en 1891. El impresionismo continuó evolucionando y expandiéndose durante la próxima década con características aún más distintivas. La incorporación de ideas políticas y sociales, especialmente el anarquismo, comenzó a mostrar prominencia. Después de la muerte de Seurat por difteria y su amigo Albert Dubois-Pillet por viruela en el año anterior, los neoimpresionistas comenzaron a cambiar y fortalecer su imagen a través de alianzas políticas y sociales. Forjaron vínculos con el movimiento anarco-comunista y, a través de esto, muchos más artistas jóvenes se sintieron atraídos por esta “combinación de teoría social y artística”. A finales de la década de 1890, Signac volvió a su creencia anterior en la armonía visual del estilo neoimpresionista y la creencia de que significaba sus ideales. También enfatizó que los neoimpresionistas no estaban buscando el realismo. No querían imitar, sino tener “la voluntad de crear lo bello … Somos falsos, falsos como Corot, como Carrière, falsos, falsos! Pero también tenemos nuestro ideal, al que hay que sacrificarlo todo” . Este regreso a un estilo anterior era alienante y causaba fisuras y tensiones dentro de la comunidad de neoimpresionistas previamente unida.

Crítica
Al comienzo del movimiento, el neo-impresionismo no fue bien recibido por el mundo del arte y el público en general. En 1886, la primera exposición de Seurat de su obra más famosa, A Sunday Afternoon en la isla de La Grande Jatte, inspiró torrentes de críticas negativas. La conmoción que evoca esta obra de arte solo se puede describir con palabras como “alboroto” y “escándalo”.

El uso de pequeños segmentos de color por parte de los neoimpresionistas para componer una imagen completa fue considerado aún más controvertido que su movimiento anterior; El impresionismo había sido notorio por su representación espontánea de momentos fugaces y aspereza en pinceladas. El neo-impresionismo provocó respuestas similares por razones opuestas. La regularidad meticulosamente calculada de pinceladas se consideró demasiado mecánica y antitética a las nociones comúnmente aceptadas de procesos creativos establecidos para el siglo XIX.

Según fuentes modernas, gran parte de la crítica a los neoimpresionistas en ese momento está fuera de foco. En diciembre de 1894, el diario socialista independiente La Petite République presentó una columna de la primera página del crítico Adolphe Tabarant. Comentó sobre la nueva galería cooperativa neoimpresionista en la Rue Laffitte, centrándose en Luce y Signac, también conocidos como los jóvenes maestros: “El arte tiene, tal vez, una tendencia hacia una síntesis malhumorada, hacia una observación científica que es demasiado seco. Pero cómo vibra, y cómo suena con verdad! Qué gasto de coloración, qué profusión de nociones agitadas, en las que uno percibe las pasiones nobles y sinceras de esos jóvenes que, después de lamentarse de Seurat, luchan por capturar todos los secretos de la luz del sol! ”

Los Neoimpresionistas fueron apoyados desde el comienzo en 1884 por el Journal des Artistes. Otros documentos también discutieron los futuros neoimpresionistas juntos, mostrando así que se habían formado como grupo a través de la creación de niveles de un espacio de exhibición democrático, no de su movimiento o estilo artístico.

Después del cambio de siglo, el crítico Félix Fénéon criticó el idealismo de Signac en su obra posterior. Comparó a Signac con Claude y Poussin al decir que Claude Lorrain conocía todos los detalles del mundo real y que podía expresar el mundo que contenía su hermoso espíritu. Él relaciona a Signac con un “heredero de la tradición del paisaje que imaginaba el reino de la armonía”.

Divisionismo
El divisionismo (también llamado cromo-luminarismo) fue el estilo característico de la pintura neoimpresionista definida por la separación de colores contrastantes o complementarios en parches individuales que interactuaban ópticamente para crear sombra y dimensión. Al requerir que el espectador combine los colores ópticamente en lugar de mezclar físicamente los pigmentos, los divisionistas creían que estaban logrando la máxima luminosidad que era científicamente posible. También creían que representaba filosóficamente la armonía, ya que los colores imprevistos trabajan juntos por igual para formar una sola imagen. Georges Seurat fundó el estilo alrededor de 1884 como cromo-luminarismo, basándose en su comprensión de las teorías científicas de Michel Eugène Chevreul, Ogden Rood y Charles Blanc, entre otros. El divisionismo se desarrolló junto con el puntillismo, que se define específicamente por el uso de puntos de pintura, pero no se centra principalmente en la separación de colores. Fundamentos teóricos y desarrollo.

El divisionismo se desarrolló en la pintura del siglo XIX cuando los artistas descubrieron teorías científicas de la visión que alentaban una desviación de los principios del Impresionismo. En particular, como la ciencia que rodea la vibración de la luz y el efecto sobre las retinas desarrolladas, las paletas de colores han cambiado. Los neoimpresionistas comenzaron a colocar colores complementarios uno al lado del otro para crear dimensiones y sombras en lugar de trabajar en una variedad de tonos. Esta división del lienzo en secciones individuales de colores complementarios y contrastantes condujo al nombre de “divisionismo”, un término acuñado por Signac.

Las teorías científicas y las reglas del contraste de colores que guiarían la composición de los divisionistas ubicaron el movimiento del neoimpresionismo en contraste con el impresionismo, que se caracteriza por el uso del instinto y la intuición. Los científicos y artistas cuyas teorías de la luz o el color tuvieron algún impacto en el desarrollo del divisionismo incluyen a Charles Henry, Charles Blanc, David Pierre Giottino Humbert de Superville, David Sutter, Michel Eugène Chevreul, Ogden Rood y Hermann von Helmholtz.

Georges Seurat
El divisionismo, junto con el movimiento neo-impresionista como un todo, encontró sus inicios en la obra maestra de Georges Seurat, A Sunday Afternoon en la isla de La Grande Jatte. Seurat recibió formación clásica en la École des Beaux-Arts y, como tal, sus trabajos iniciales reflejaron el estilo de Barbizon. Al estudiar con Pierre Puvis de Chavannes, Seurat persiguió intensamente intereses en línea y color, teoría del color y efectos ópticos, todos los cuales formaron la base del divisionismo. En 1883, Seurat y algunos de sus colegas comenzaron a explorar formas de expresar la mayor cantidad de luz posible sobre el lienzo. En 1884, con la exposición de su primera gran obra, Bathing at Asnières, así como croquetas de la isla de La Grande Jatte, el estilo de Seurat comenzó a tomar forma con una conciencia del impresionismo, pero no fue hasta que terminó La Grande Jatte en 1886 que estableció su teoría del cromor luminarismo. Aunque este cuadro fue originalmente rechazado por el salón oficial, atrajo al Salon des Indépendants, donde Paul Signac estaba comprometido.

Tras el controvertido éxito de La Grande Jatte, Camille Pissarro y Paul Signac se convirtieron al neoimpresionismo y, junto con el hijo de Pissarro, Lucien, formaron la base de los movimientos neoimpresionista y divisionista. Más tarde, promovido por artistas y críticos simbolistas, el divisionismo se convirtió en el estilo vanguardista del postimpresionismo. El soporte que recibió Seurat inicialmente se disipó lentamente a medida que se volvía cada vez más hostil hacia otros artistas, creyendo que estaban corrompiendo su estilo y técnica. Al final de su vida, pocas obras suyas recibieron la atención que solían tener. Circus, una obra inconclusa exhibida después de su muerte, apenas fue notada por la crítica o el público en general.

Camille Pissarro
Camille Pissarro, nacido en 1830, es un notable artista radical y el único pintor que exhibió en los ocho espectáculos impresionistas de 1874 a 1886. Durante la larga carrera de Pissarro permaneció en el primer plano del arte de vanguardia francés, aunque su fase neoimpresionista es uno de sus más populares y más estudiados. Pissarro estudió con Fritz Melbye, pasando los primeros 15 años de su carrera pintando paisajes rurales, escenas de mercado y puertos, todos los cuales hacen que el sujeto regrese a lo largo de su carrera posterior.

Durante su fase impresionista, Pissarro cambió a un trazo de pincel más claro y una paleta de colores más brillante, frecuentemente aplicada en secciones de color puro. Este estilo de impresionismo dio paso a unirse a Seurat en el neoimpresionismo en 1885. Fue el primer converso a lo que ahora se llama divisionismo. Pissarro desarrolló lo que llamó “impresionismo científico” y luego abandonó el movimiento como un todo, encontrando las reglas de composición demasiado estrictas.

Paul Signac
Paul Signac, nacido en 1863, era el amigo más cercano de Seurat y el rostro del movimiento neoimpresionista. No tenía formación artística formal, pero fue capaz de refinar sus habilidades a través del viaje y la replicación, ya que nació en una familia de estabilidad financiera. Signac fue alentado a eliminar tonos de la tierra de su paleta por Seurat, y a su vez introdujo Seurat al simbolismo, creando conjuntamente el movimiento neo-impresionista. También se destaca por iniciar a Vincent van Gogh, Théo Van Rysselberghe y Henry Van de Velde al movimiento.

En 1891, un año después de la muerte de Seurat, Signac comenzó a introducir ritmos visuales abstractos y subjetividad en sus obras y en el tránsito hacia el neo-impresionismo. La experimentación creativa de Signac inspiró a artistas como Matisse y Henri Edmond Cross para definir aún más el neoimpresionismo en el siglo XX. Su conocimiento del movimiento llevó a ilustrar Cerle Chromatique et Rapporteur Esthétique de Charles Henry, un libro ampliamente influyente sobre la teoría del color y más tarde a su autoría el manifiesto del neoimpresionismo, D’Eugène Delacroix au Néo-Impressionisme en 1899.

Teoría del color
La Grammaire des arts du dessin de Charles Blanc introdujo a Seurat en las teorías del color y la visión que inspirarían el cromo-luminarismo. El trabajo de Blanc, basado en las teorías de Michel Eugène Chevreul y Eugène Delacroix, afirmó que la mezcla óptica produciría colores más vibrantes y puros que el proceso tradicional de mezclar pigmentos. Mezclar pigmentos físicamente es un proceso sustractivo con cian, magenta y amarillo como colores primarios. Por otro lado, si la luz coloreada se mezcla, se produce una mezcla aditiva, un proceso en el que los colores primarios son rojo, verde y azul. La mezcla óptica que caracteriza el divisionismo -el proceso de mezclar color mediante la yuxtaposición de pigmentos- es diferente de la mezcla aditiva o sustractiva, aunque la combinación de colores en la mezcla óptica funciona de la misma manera que la mezcla aditiva, es decir, los colores primarios son los mismos. En realidad, las pinturas de Seurat en realidad no lograron una verdadera mezcla óptica; para él, la teoría era más útil para causar vibraciones de color al espectador, donde los colores contrastantes colocados uno cerca del otro intensificarían la relación entre los colores al tiempo que preservarían su singular identidad separada.

En la teoría del color divisionista, los artistas interpretaron la literatura científica haciendo que la luz operara en uno de los siguientes contextos:

Color local: como elemento dominante de la pintura, el color local se refiere al color verdadero de los sujetos, por ejemplo, pasto verde o cielo azul.
Luz solar directa: según corresponda, los colores amarillo anaranjado que representan la acción del sol se intercalarán con los colores naturales para emular el efecto de la luz solar directa.
Sombra: si la iluminación es solo indirecta, se pueden usar otros colores, como azules, rojos y morados, para simular la oscuridad y las sombras.
Luz reflejada: un objeto adyacente a otro en una pintura podría proyectar colores reflejados sobre él.
Contraste: para aprovechar la teoría de contraste simultáneo de Chevreul, los colores contrastantes pueden colocarse muy cerca.
Las teorías de Seurat intrigaron a muchos de sus contemporáneos, mientras otros artistas que buscaban una reacción contra el impresionismo se unieron al movimiento neo-impresionista. Paul Signac, en particular, se convirtió en uno de los principales defensores de la teoría divisionista, especialmente después de la muerte de Seurat en 1891. De hecho, el libro de Signac, D’Eugène Delacroix au Néo-Impressionnisme, publicado en 1899, acuñó el término divisionismo y se hizo ampliamente reconocido como el manifiesto del Neo-Impresionismo.

Divisionismo en Francia y el norte de Europa
Además de Signac, otros artistas franceses, principalmente a través de asociaciones en la Société des Artistes Indépendants, adoptaron algunas técnicas divisionistas, como Camille y Lucien Pissarro, Albert Dubois-Pillet, Charles Angrand, Maximilien Luce, Henri-Edmond Cross e Hippolyte Petitjean. Además, a través de la defensa del divisionismo de Paul Signac, se puede ver una influencia en algunas de las obras de Vincent van Gogh, Henri Matisse, Jean Metzinger, Robert Delaunay y Pablo Picasso.

Después de las revoluciones de 1848, una fuerte corriente subterránea de anarquismo radical corrió a través de la comunidad artística de Francia. La combinación de arte social y libertad artística y la desviación de las técnicas tradicionales de pintura en color atrajeron radicales al movimiento del neoimpresionismo. Sin embargo, estos radicales a menudo fueron criticados por representar un enfoque pacífico y reflexivo de la revolución social, combinando la ciencia y la armonía moral.

En 1907, Metzinger y Delaunay fueron seleccionados por el crítico Louis Vauxcelles como divisionistas que utilizaban grandes “cubos” en forma de mosaico para construir composiciones pequeñas pero altamente simbólicas. Ambos artistas habían desarrollado un nuevo sub-estilo que tuvo gran importancia poco después en el contexto de sus obras cubistas. Piet Mondrian y Nico van Rijn, en los Países Bajos, desarrollaron una técnica de divisionista similar a mosaico alrededor de 1909. Los futuristas posteriores (1909-1916) adaptarían el estilo, en parte influenciado por la experiencia parisina de Gino Severini (desde 1907), a su pinturas dinámicas y escultura.

Divisionismo en Italia
La influencia de Seurat y Signac en algunos pintores italianos se hizo evidente en la Primera Triennale en 1891 en Milán. Encabezado por Grubicy de Dragon, y codificado más tarde por Gaetano Previati en su Principi scientifici del divisionismo de 1906, varios pintores principalmente en el norte de Italia experimentaron en diversos grados con estas técnicas. Estos artistas italianos fusionaron el neoimpresionismo con el simbolismo creando pinturas alegóricas usando un método divisionista. Por ejemplo, Pellizza da Volpedo aplicó la técnica a sujetos sociales (y políticos); en esto se unieron a Angelo Morbelli y Emilio Longoni. Entre las obras divisionistas de Pellizza se encuentran Speranze deluse (1894) e Il Sole nascente (1904). Sin embargo, en el tema de los paisajes, el divisionismo encontró fuertes defensores, incluidos Segantini, Previati, Morbelli y Carlo Fornara. Otros partidarios en la pintura de temas de género fueron Plinio Nomellini, Rubaldo Merello, Giuseppe Cominetti, Angelo Barabino, Camillo Innocenti, Enrico Lionne y Arturo Noci. El divisionismo también fue una influencia importante en el trabajo de los futuristas Gino Severini (Souvenirs de Voyage, 1911); Giacomo Balla (Lámpara de Arco, 1909); Carlo Carrà (Dejando la escena, 1910); y Umberto Boccioni (La ciudad se levanta, 1910).

Crítica y controversia
El divisionismo recibió rápidamente tanto la atención negativa como la positiva de los críticos de arte, quienes generalmente abrazaron o condenaron la incorporación de teorías científicas en las técnicas neo-impresionistas. Por ejemplo, Joris-Karl Huysmans habló negativamente de las pinturas de Seurat, diciendo “Desnudan sus figuras de las pulgas de color que las cubren, debajo no hay nada, ni pensamiento, ni alma, nada”. Los líderes del impresionismo, como Monet y Renoir, se rehusaron a exhibir con Seurat, e incluso Camille Pissarro, quien inicialmente apoyó el divisionismo, más tarde habló negativamente de la técnica.

Mientras que la mayoría de los divisionistas no recibió mucha aprobación crítica, algunos críticos fueron leales al movimiento, entre los que destacan Félix Fénéon, Arsène Alexandre y Antoine de la Rochefoucauld. Además, los divisionistas a menudo eran criticados por ser demasiado pacíficos y lógicos en la revolución. Debido a que sus elecciones de color a menudo fueron planificadas y construidas científicamente, carecían de la libertad radical que encarnaban los anarquistas. La anarquía francesa, particularmente después de Haussmannization, puso énfasis en una sociedad sin clases, pero los divisionistas y todos los artistas reforzaron las clases a través del consumismo de clase media de sus obras. Estos ideales conflictivos colocan al divisionismo bajo la lente crítica de los anarquistas radicales.

Conceptos erróneos científicos
Aunque los artistas divisionistas creen firmemente que su estilo se fundó en principios científicos, algunas personas creen que hay evidencia de que los divisionistas malinterpretaron algunos elementos básicos de la teoría óptica. Por ejemplo, uno de estos conceptos erróneos se puede ver en la creencia general de que el método de pintura divisionista permitió una mayor luminosidad que las técnicas anteriores. La luminosidad aditiva solo es aplicable en el caso de la luz coloreada, no de los pigmentos yuxtapuestos; en realidad, la luminosidad de dos pigmentos uno al lado del otro es solo el promedio de sus luminosidades individuales. Además, no es posible crear un color utilizando una mezcla óptica que tampoco podría crearse mediante una mezcla física. También se pueden encontrar incoherencias lógicas con la exclusión del divisionista de colores más oscuros y su interpretación del contraste simultáneo.

Artistas notables
Charles Angrand
Anna Boch
Henri-Edmond Cross
Robert Delaunay
Albert Dubois-Pillet
Willy Finch
Georges Lemmen
Maximilien Luce
Henri Matisse
Jean Metzinger
Hippolyte Petitjean
Robert Antoine Pinchon
Camille Pissarro
Lucien Pissarro
Théo van Rysselberghe
Georges Seurat
Paul Signac
Jan Toorop
Henry van de Velde