Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia, Roma, Italia
El Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia es un museo en Roma dedicado a la civilización etrusca y faliscana, alojado desde principios del siglo XX en Villa Giulia. El Museo, propiedad de MiBAC, se convirtió en parte de los 43 museos del Polo Museo de Lacio en diciembre de 2014, y luego reconoció su autonomía especial con el Decreto Ministerial 44 de 23 de enero de 2016.
Villa Giulia es un edificio en Roma que se encuentra a lo largo del actual Viale delle Belle Arti, en las laderas de las montañas Parioli, no lejos de Via Flaminia. Construido como una residencia de verano frente a la puerta del Papa Julio III, a quien debe su nombre, pasó al Estado italiano con la captura de Roma en 1870 y luego se utilizó como sede del Museo Nacional Etrusco, su uso previsto actual.
Historia
La villa fue construida para el papa Julio III, de quien recibió su nombre. Permaneció en propiedad papal hasta 1870, cuando, a raíz del Risorgimento y la desaparición de los Estados Pontificios, se convirtió en propiedad del Reino de Italia. El museo fue fundado en 1889 como parte del mismo movimiento nacionalista, con el objetivo de reunir todas las antigüedades prerromanas de Lacio, el sur de Etruria y Umbría pertenecientes a las civilizaciones etruscas y faliscanas, y ha estado alojado en la villa desde el principios del siglo 20.
Como en las villas de la antigüedad, el edificio residencial relativamente modesto era inseparable del jardín: un jardín arquitectónicamente construido con terrazas conectadas por escalones escénicos, ninfeos y fuentes adornadas con esculturas.
Los mejores artistas de la época participaron en el proyecto y la realización de la Villa, dividida en una serie de tres patios que se extienden profundamente detrás del «palazzo»: el pintor, arquitecto y crítico de arte de Arezzo, Giorgio Vasari, l arquitecto Jacopo Barozzi da Vignola y el escultor y arquitecto florentino Bartolomeo Ammannati, cuya firma se puede leer en un pilar, dentro de la logia, entre el primer y el segundo patio.
El aparato decorativo de la villa se enriqueció con frescos, solo parcialmente conservados, como en el pórtico de un hemiciclo, debido a Pietro Venale da Imola, en las habitaciones de la planta baja y en el atrio, por Taddeo Zuccari y el primer piso, Venus, de las Siete Colinas, de las Artes y las Ciencias, debido a Prospero Fontana.
Después del esplendor papal del siglo XVI, la Villa experimentó un largo período de decadencia hasta que en 1889, a raíz de la unidad política italiana, a instancias de Felice Barnabei, arqueólogo y político italiano, finalmente se transformó en un museo basado en un ambicioso y futurista programa de exploraciones arqueológicas y un innovador proyecto de museo. Este último tenía como objetivo proporcionar a la ciudad de Roma un «Museo Nacional que es uno de los principales centros de cultura histórica y artística», dividido en una sección destinada a las «antigüedades urbanas» (coincidiendo hoy con uno de los actuales «Nacional Romano Museo «, en los Baños de Diocleciano) y uno centrado en» antigüedades extraurbanas «.
Este último, ubicado en la Villa del Papa Julio III en Flaminia, tenía la intención de acomodar todos los objetos descubiertos en el área que gravitaban hacia la capital para extenderse a una parte de los territorios que una vez dependían del estado de la Iglesia, desde Lacio a Umbría
El proyecto de Barnabei, que se materializó gracias al Real Decreto del 7 de febrero de 1889, tenía como objetivo recuperar uno de los lugares más fascinantes del Renacimiento italiano y, al mismo tiempo, equipar a la nación recién nacida con un museo totalmente dedicado a la reflexión sobre Los orígenes más remotos de la identidad italiana, gracias a una exposición centrada en las antigüedades prerromanas de pueblos como los etruscos y los itálicos (en particular Falisci, Umbri, Latini y Sabini).
Durante la década de 1900, después de una autonomía inicial, el Museo se convirtió en la sede central de la Superintendencia Arqueológica para la protección del norte del Lacio, coincidiendo con el área ocupada por algunas de las ciudades etruscas más importantes: Veio, Cerveteri, Tarquinia y Vulci.
Un elemento característico de la Villa es el ninfeo, originalmente rico en decoraciones, impulsado por una canalización del Acueducto de la Virgen que se extiende profundamente y se manifiesta en la fuente inferior, el primer «teatro del agua» en Roma.
En 1912, como parte de un nuevo arreglo urbano del área circundante, se agregó la construcción, desde hace mucho tiempo, de un nuevo ala larga flanqueada por el edificio histórico, a la que se agregó un segundo arreglo simétrico para encerrar el patio renacentista, completado en 1923
Villa Giulia es hoy el museo más representativo de la civilización etrusca y acoge no solo algunas de las creaciones más importantes de esta civilización, sino también productos griegos del más alto nivel, fusionados en un área que fue entre los siglos VIII y V aC un extraordinario punto de encuentro de diferentes personas.
Por estas razones, Villa Giulia, mientras tanto también enriquecida por la cercana Villa Poniatowski (la residencia del último descendiente de los reyes de Polonia en el siglo XIX, se ha convertido en el museo etrusco más importante del mundo, pudiendo presumir de sus colecciones Algunas de las obras maestras más famosas de esta civilización, para un total de más de 6000 objetos distribuidos en 50 salas, en un área de exposición de más de 3000 metros cuadrados.
Por su extraordinaria historia e importancia cultural, en 2016 [Decreto Ministerial n. 44 del 23 de enero de 2016], el Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia ha sido incluido entre los 32 institutos de «interés nacional significativo» con autonomía científica y administrativa, comenzando una nueva página en su historia centenaria.
El Museo
Desde principios del siglo XX alberga el Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia, fundado en 1889 con el objetivo de reunir todas las antigüedades prerromanas de Lacio, Etruria meridional y Umbría pertenecientes a los etruscos, faliscanos y usted comprende. El hallazgo más famoso es el monumento funerario de terracota, el Sarcófago de los cónyuges, que representa a una pareja casada casi de tamaño natural que felizmente se reclina como si estuviera en un almuerzo.
Espacios
ETRU National Etruscan Museum se encuentra en dos espectaculares villas renacentistas, rodeadas de vegetación y llenas de espacios abiertos: templos de cultura, pero también lugares de paz donde se respira la magnificencia de uno de los períodos más felices de la historia y arquitectura italiana.
Villa Giulia
Construida por el papa Julio III, Giovanni Maria Ciocchi del Monte, entre 1550 y 1555, Villa Giulia es un espléndido ejemplo de villa renacentista, equipada con un jardín arquitectónico con terrazas conectadas por escaleras escénicas, ninfeos y fuentes.
Los artistas más grandes de la época, Jacopo Barozzi da Vignola («arquitecto de S. Santidad») y Bartolomeo Ammannati, participan en el diseño de la Villa, con la contribución de Michelangelo Buonarroti y Giorgio Vasari, mientras que el aparato decorativo fue encomendado a Prospero. Fontana con el apoyo de un equipo de artistas, incluidos Pietro Venale da Imola y el joven Taddeo Zuccari.
El hemiciclo está decorado con delicadas intervenciones pictóricas inspiradas en los grotescos de la Domus Aurea. Las habitaciones de la planta principal acogen un extraordinario ciclo de frescos, incluidas las representaciones de las Siete Colinas de Roma.
En 1889, la Villa se convirtió en la sede del Museo Nacional Etrusco.
Tempio di Alatri
Es la reproducción a tamaño real de un templo etrusco-itálico que data de los siglos III y II aC, construido entre 1889 y 1890 en los jardines de Villa Giulia para la inauguración del Museo.
Nacida con fines didácticos y científicos, realizada con una previsión museológica excepcional, la reconstrucción se basó en los datos de una excavación realizada unos años antes en Alatri por Felice Barnabei.
ETRU realiza su misión también a través de la recuperación completa del templo de Alatri y la creación dentro de él de una ruta multimedia inmersiva y emocionante, con proyecciones de video de alta resolución y dispositivos multisensoriales (vista, oído, olfato, tacto).
Colecciones
El tesoro único más famoso del museo es el monumento funerario de terracota, la novia y el novio casi de tamaño real (el llamado Sarcofago degli Sposi, o Sarcófago de los cónyuges), recostados como si estuvieran en una cena.
Otros objetos sostenidos son:
Las tabletas de pyrgi etrusco-fenicio
El apolo de veii
El Cista Ficoroni
Un friso reconstruido que muestra a Tydeus comiendo el cerebro de su enemigo Melanippus
El jarrón Tita Vendia
El Sarpedon krater (o «Euphronios krater»): ahora está en el Museo Arqueológico de Cerveteri, fue en la Villa Giulia de 2008-2014
El centauro de Vulci
Aspectos destacados de las obras
Kylix atribuido al pintor Euaion
El kylix (copa de vino) proviene de una tumba descubierta en Vulci en 1931 por el arqueólogo Raniero Mengarelli y es uno de los muchos recipientes de producción del ático que se encuentran en Etruria.
En el fondo interior hay un hombre barbudo acostado en una kline (cama para banquete) escuchando a una joven tocando la flauta doble. En el exterior, en cada uno de los lados principales, se representan dos klinai, que albergan parejas de comensales, cada uno formado por un hombre joven y un hombre más maduro y barbudo. Algunos de ellos escuchan la actuación de un flautista elegante, mientras que otros conversan, servidos por un joven mayordomo.
La decoración se atribuye al pintor Euaion, alumno del famoso Duride y artista especializado en la producción de tazas.
El kylix ilustra un simposio, o una recepción en la que los invitados bebían vino diluido en agua y se entretenían con conversaciones agradables e ingeniosas, música, poesía, bailes, espectáculos y juegos.
Los etruscos adoptaron banquetes y simposios «al estilo griego» y los abrieron a mujeres, mientras que en Grecia estos eventos fueron, y permanecieron durante mucho tiempo, reservados para hombres. La difusión de este tipo de recepciones favoreció el comercio de vajillas y variedades finas de vino y la circulación de «activos intangibles», como repertorios musicales y literarios, juegos y, en general, prácticas relacionadas específicamente con el entretenimiento de los invitados.
Kyathos de figura negra
La copa de figura negra con el mango elevado (kyathos) es una forma nacida dentro del taller del ático de Nikosthenes a partir de la reelaboración de los modelos etruscos y estaba destinada a la exportación.
Doce divinidades aparecen en el tanque de este espécimen, dispuestas en pares: de izquierda a derecha reconocemos a Zeus y Hebe (o Iris), Hephaestus y Afrodita, Hércules y Atenea, Dioniso y Hermes, Neptuno y Anfitrite (o Demeter), Ares y Era (o Estia). Dioniso, rodeado de ramas de plantas, está en el centro de la composición y tiene un gran brote de loto; Las diosas, excepto Atenea, ofrecen una flor a sus compañeras. Margherita Guarducci reconoció en la escena una referencia a los festivales Antesterie en Atenas, dedicados a Dioniso.
En el borde de los kyathos se traza la inscripción: «Ludos egraphsen doulos …» (el esclavo Lydos pintó …). El significado de las siguientes palabras no está muy claro. Lydos (homónimo del famoso cemógrafo Lydos activo entre 560 y 540 aC) fue quizás un esclavo de «Mydea» u «originario de Myrina», en cualquier caso la inscripción pretendía celebrar su habilidad.
El estilo de los kyathos está cerca, en algunos aspectos, del pintor etrusco de Micali y del pintor de Mónaco 892. Una hipótesis sugerente, que requeriría más confirmación, identifica a Lydos con un artesano etrusco que emigró a Atenas, una circunstancia que explicaría Tanto las características estilísticas del jarrón es el nombre del pintor, Lido, en homenaje a la tradición, ya vivo en Atenas, que quería a los descendientes etruscos de los Lidos.
Estatua votiva de una niña con una paloma
La estatua representa a una niña desnuda sentada con las piernas cruzadas, regordeta y sonriente, mientras que con su mano izquierda ofrece una granada a una paloma doméstica. La niña usa un collar, que originalmente sostenía una bulla, o un colgante con soporte de amuleto. Los niños etruscos y romanos usaban comúnmente una bulla desde el nacimiento hasta la edad adulta: los amuletos contenidos en su interior, aún desconocidos para nosotros, tuvieron que defenderlos de los peligros y enfermedades de la infancia.
La estatua es una de las muchas ofrendas votivas descubiertas en la puerta norte de Vulci y casi con certeza fue donada por la familia de la niña, tal vez para invocar protección divina o para celebrar un aniversario, como la feliz superación de la primera infancia, o incluso Gracias a un escape estrecho. Pero el peinado inusual de la niña puede haber tenido un significado preciso.
El cabello se adelanta y se recoge en un nudo en la frente, de una forma que no tiene rival en el arte etrusco, pero que recuerda mucho al peinado de la «Fanciulla di Anzio» (siglo III a. C.) ahora en el Museo Nacional Romano. La estatua, en mármol griego, representa a una sacerdotisa llevando una bandeja con objetos sagrados. De esta analogía surgió la hipótesis de que el peinado tiene un carácter ritual específico y que, por lo tanto, la estatua votiva celebra a una niña destinada a convertirse en sacerdotisa.
Ánfora Panatenaica
El ánfora proviene de la Tumba del Guerrero de Vulci, que pertenecía a un personaje de alto rango, que vivió en la segunda mitad del siglo VI aC y fue enterrado con un rico conjunto que incluía armas ofensivas y de defensa, un carro y un precioso vajilla de bronce y cerámica.
A un lado de la ánfora, entre dos columnas que soportan gallos, la diosa Atenea avanza hacia la izquierda blandiendo una lanza. El lado opuesto muestra a dos boxeadores en combate, en presencia de un compañero y el árbitro, quien está envuelto y realiza una subasta. Los atletas tienen una barba espesa, parecen haber pasado su primera juventud y usan protecciones en sus manos.
El jarrón, atribuido al pintor de Antimenes, está claramente inspirado en las ánforas panathenaicas pero tiene una forma ligeramente diferente (el cuello es más ancho y el pie menos cónico), dimensiones más pequeñas y carece de la inscripción «ton Athenethen Athlon» ([ premio] de las carreras de Atenas). Las ánforas de Panathenaic constituyeron el premio oficial para las competiciones artísticas y deportivas de las Grandes Panathenae de Atenas (organizadas cada cuatro años en julio, durante el festival dedicado a Atenea, patrona de la ciudad) y contenían aceite obtenido de olivos sagrados.
Los propietarios de las ánforas «tipo» de Panathenaic vieron en sus jarrones una referencia directa a los prestigiosos trofeos atenienses y los consideraron un símbolo de rango y distinción social.
Sarcófago De Los Recién Casados
Reconstruido a partir de unos cuatrocientos fragmentos, el sarcófago de los cónyuges es en realidad una urna destinada a recibir los restos materiales del difunto.
Con forma redonda, la obra representa a una pareja casada acostada en una cama (kline) con el busto levantado frontalmente en la típica posición de banquete. El hombre rodea los hombros de la mujer con su brazo derecho, de modo que sus rostros con la típica «sonrisa arcaica» están muy cerca; La disposición de las manos y los dedos sugiere la presencia original de objetos ahora perdidos, como una copa para beber vino o un pequeño jarrón desde el cual verter un perfume precioso.
Los etruscos toman la ideología del banquete de los griegos como un signo de distinción económica y social y recuerdan la adhesión a esta práctica también en la esfera funeraria, como lo demuestran las frecuentes escenas de banquetes pintadas en las tumbas etruscas y la gran cantidad de objetos relacionados con el consumo del vino y las carnes que se encuentran en ellos.
Sin duda, es una novedad en comparación con el traje griego, la presencia de la mujer junto al hombre en una posición completamente igual, de hecho, con la elegancia de su ropa y la imperiosidad de sus gestos, la figura femenina parece dominar la escena capturando toda nuestra atención. .
Cabeza de leucotea
La cabeza femenina debía formar parte del alto relieve que en el santuario de Pyrgi (Santa Severa), el antiguo puerto de Caere (Cerveteri), cubría la cabeza delantera de la viga del techo del templo A en su reconstrucción alrededor de 350 ANTES DE CRISTO. C.
Dedicado a Thesan, la diosa etrusca de Aurora, templo A en fuentes griegas, que recuerda el terrible saqueo de Dionisio de Siracusa (384 a. C.), es atribuido a Leucotea (literalmente la «diosa blanca»), por los romanos asimilados a Mater Matuta , diosa profundamente vinculada a los ritos de paso y transición, como el nacimiento y, por lo tanto, también el amanecer.
La cabeza parece referirse a esta divinidad, que nos da una fuerte imagen en movimiento con el cabello rizado movido por el viento y la expresión «patética» dada por la boca abierta.
Casi cien años después del alivio con Tideo y Capaneo, la nueva decoración del templo presenta otro mito de la saga Theban en la que Ino / Leucotea y su hijo Palemone, como dice Ovidio, perseguidos por Era y huyendo de Tebas son bienvenidos desde Heracles. , al que pertenece el torso con una cabeza coronada de álamo expuesta en el mismo escaparate.
Láminas de oro de Pyrgi
Encontraron tres enterrados en el área del santuario extraurbano de Pyrgi (Santa Severa), el antiguo puerto de Caere (Cerveteri), las tres placas de oro fueron colocadas originalmente en la jamba de la puerta del templo B que data del año 510 a. C. las placas han devuelto tantas inscripciones, dos en etrusco y la tercera que constituye su síntesis en el idioma fenicio.
El texto recuerda la dedicación del templo B a la diosa etrusca Uni, Astarte en la inscripción fenicia, de Thefarie Velianas «rey de Caere», o tirano de la ciudad.
La información proporcionada se confirma en los hallazgos arqueológicos parcialmente expuestos en las salas del Museo y abre una sección transversal sobre las relaciones entre los etruscos y los cartagineses, precisamente de origen fenicio, en la lucha común contra los griegos por el dominio del Mediterráneo, solo piense en la famosa batalla del mar de Cerdeña (545-540 a. C. aprox.) Descrita por Heródoto en la que, frente a la ciudad de Alalia en Córcega, los etruscos (en particular Ceriti) y los aliados cartagineses se habían opuesto a los focios, Más tarde huyó a la conquista persa de la ciudad de Focea en Jonia, actual Turquía.
Apolo De Veii
Encontrada en fragmentos en 1916, la escultura policromada de terracota representa al dios Apolo, vestido con un quitón y una capa, mientras camina descalzo con el brazo izquierdo estirado hacia adelante y el otro bajado, tal vez sosteniendo el arco.
Junto con otras estatuas, esto también tenía la intención de decorar la parte superior del techo del templo de Portonaccio en Veio, dedicado a la diosa etrusca Menerva (Atenea) y fechado a fines del siglo VI a. C. C.
La actitud amenazante de Apolo es, por lo tanto, relacionarse con la estatua de Heracles que se muestra en la habitación frente a él y que pertenece al mismo contexto: el dios está listo para pelear con el héroe que acaba de capturar a la cierva con cuernos dorados. , sagrado para su hermana Artemisa.
Las estatuas de Portonaccio han sido atribuidas al «Maestro del Apolo» perteneciente a la última generación de escultores de arcilla (coroplastos) del taller de Vulca, autor de la famosa estatua de Júpiter en el templo Capitolino (ca 580 aC) encargado por el primer rey etrusco, Tarquinio Prisco; para el mismo templo a fines del siglo VI, el Rey Tarquinius el Superb habría pedido al «Maestro del Apolo», tal vez, hasta dos cuadrigas como adorno en el techo.
Alto alivio de Pyrgi
Una escena densamente poblada con figuras caracteriza el alto relieve que cubría la cabeza trasera de la viga del techo del templo A; este último construido alrededor de 470 a. C. C. en el santuario extraurbano de Pyrgi (Santa Severa), puerto de Caere (Cerveteri), se dedicó a Thesan, la diosa etrusca del amanecer.
El artista con un esfuerzo de síntesis extrema y originalidad logra contar las historias de dos personajes del mito, Tideo y Capaneo, cuyos antecedentes deben ser conocidos.
Estamos debajo de los muros de la ciudad de Tebas, donde Eteocles y Polynice, los dos hijos malditos de Edipo, luchan por el poder: Eteocles, rey legítimo, está cercado con los tebanos en la ciudad, mientras que afuera de los guerreros de Argos, aliados de el usurpador Polynice, intentan el asalto. Como siempre, los dioses presencian el choque e intervienen.
Y, de hecho, en el centro de la escena, Zeus enojado arroja su rayo a Capaneo que maldijo a los dioses, mientras que a la izquierda al ver a Tideo, quien aunque herido de muerte muerde el cráneo de Melanippo, la diosa Atenea se va disgustada. la poción de que ella le habría dado la inmortalidad a su protegido.
La desnudez de Tydeus y Capaneus enfatiza la bestialidad de sus actos y su castigo es el castigo de cualquier comportamiento marcado por el desprecio de los dioses y las leyes de los hombres (hybris), en términos políticos es una condena de la tiranía de la que Polynice Es un símbolo.
Ánfora de figura negra del ático
En el ánfora de la figura negra del ático atribuida al pintor de Michigan hay una representación de uno de los doce trabajos infligidos por Eurystheus en Heracles: el asesinato de la Hidra de Lerna, uno de los temas mitológicos más antiguos representados en el arte griego. La Hidra, un monstruo acuático de varias cabezas (de cinco a cien, según fuentes antiguas), hijo de Echidna y Typhon, había sido criado por Hera en los pantanos de Lerna, en Argólida, debajo de un árbol plano, cerca del manantial de Amimone. , solo para servir de prueba a Heracles. El héroe logró derrotar al monstruo, cuyas cabezas cortadas con la espada se regeneraron, gracias a una astucia inspirada por Athena y llamando a su nieto Iolao al rescate: mientras el héroe mantenía al monstruo quieto, Iolao cauterizó cada herida con brasas hechas del fuego. situado en el bosque cercano, y este es precisamente el momento de la empresa reproducida en el ánfora. Se decía que la cabeza del medio era inmortal: Heracles la cortó, la enterró y colocó una enorme roca sobre ella, luego sumergió sus flechas en la sangre de la Hidra, haciéndolas venenosas al más mínimo rasguño.
Broche Micromosaico Con Retrato De Dante
Broche redondo con marco dorado con múltiples vueltas de cordones y trenzas; En el centro, sobre un fondo dorado, retrato de Dante en micromosaico ejecutado por Luigi Podio (1826-1888), primo de Augusto y director del laboratorio de micromosaicos al servicio del taller de Castellani. El diseño de la obra, del cual existen variantes conocidas, incluida una en un brazalete del «período medieval» vendido en Ginebra en 1972 por la casa de subastas Christie’s, se remonta al año 1865, en el que el sexto centenario de su nacimiento ocurrió. del Divino Poeta, adoptado como símbolo patriótico y cuya conmemoración entró en el programa de celebraciones por la unificación de Italia.
La inspiración se debe probablemente a Michelangelo Caetani, asesor y colaborador de la familia Castellani y también estimado Dantista. El retrato de Dante realizado por Luigi Podio para este precioso broche retoma lo que apareció en el ciclo de los frescos de Giotto (1334-1337) descubierto en Florencia en 1840 por Antonio Marini en la Capilla de la Maddalena del Palazzo del Podestà, ahora hogar del Bargello Museo Nacional. La cara larga, la nariz aguileña, las mandíbulas grandes, el labio inferior que sobresale del superior, los ojos grandes y la mirada melancólica y pensativa corresponden a la descripción de las características del Poeta que Giovanni Boccaccio trazará en su Tratado en laude di Dante (1362).
Antefix de cabeza de Acheloo
La cabeza de Acheloo, una divinidad fluvial caracterizada por un cuerpo alcista y una cara masculina con cuernos y orejas bovinas junto a los humanos, no es infrecuente como motivo decorativo en los prefijos arquitectónicos, pero este tipo en particular no encuentra resultados precisos, lo que constituye un Unicum interesante.
El antideslizante moldeado se caracteriza por un rico policromo: el color rojo-marrón para el cutis; negro para el cabello, barba, bigote y otros detalles de la cara (cejas, contorno de ojos, pupila, línea entre los labios, aurícula humana); marrón para la bocina; el blanco crema para el interior de los ojos y la ingubbiatura del azulejo detrás.
El cabello cae en dos bandas ligeramente onduladas debajo de las orejas, mientras que en la frente forman pequeños caracoles en relieve, que recuerdan al vellón. Los ojos en forma de almendra, la típica «sonrisa» arcaica y el mentón triangular, algo prominentes, han permitido acercar estilísticamente la antefix a la cabeza masculina del sarcófago de los cónyuges y proponer una datación similar, confirmada por su encontrando un relleno debajo del piso golpeado de una casa, en el que se habían encontrado fragmentos de cerámica de los últimos veinte años del siglo VI.
Dinos áticos con figuras negras de exekias
Este gran jarrón, utilizado durante el simposio para mezclar vino con agua, siete fragmentos del hombro y parte del borde se conservan, recomponen e integran en 1999. Ya en la antigüedad se había restaurado, como lo indica la presencia de un agujero para insertar una grappa de bronce debajo del hombro. El perfil del cuerpo, esférico, sin pies y casi completamente cubierto de pintura negra, se hipotetizó sobre la base de especímenes intactos. La decoración externa del hombro tiene dos bandas negras separadas por un hilo salvador y, debajo de la segunda y más angosta banda, otra banda salvada y distinguida en la parte inferior por un hilo rojo; en ella, dentro de las conchas, alternando lenguas negras y rojas cuidadosamente delineadas. La pintura exterior negra es compacta,
Perfectamente centrado en el hombro, en los lados opuestos de los dinosaurios, hay dos inscripciones, grabadas después de la creación del jarrón (o según algunos después de cocinar) dentro de la banda de charol negro entre el filete de ahorro y el friso con pestañas, tal vez en Especificación de la solicitud del comprador. La primera inscripción, en el alfabeto ático, lleva la firma del gran ceramista (Exekìas m’epòiese) y es el único caso seguro de una firma Exekias hecha por grabado y no pintada. El segundo, en el alfabeto Sicioniano, informa que el jarrón fue donado por Epainetos a Charop (o) s (Epàinetos m’èdoken Charopoi), aunque no faltan aquellos que sugirieron reconocer en Charops / Charopos no el nombre del destinatario ,
Librería
La librería ETRU tiene los mismos horarios y días de apertura que el museo.
Aquí puedes comprar entradas y alquilar audioguías. Hay varias guías cortas multilingües en venta. La selección de publicaciones se divide en temas relacionados con Etruria, Grecia y la antigua Roma, a los que se agregan áreas dedicadas al arte y a los niños.
El surtido también incluye reproducciones de artefactos etruscos (cerámica, bronce, joyas), así como una amplia selección de postales, calendarios, papelería, carteles, objetos de cerámica inspirados en las colecciones del museo. La librería está gestionada por Opera Laboratori Fiorentini – Civita Group.
Educativo
Pabellón El nuevo pabellón dedicado a actividades didácticas-educativas es una gran estructura ubicada dentro de uno de los jardines de Villa Giulia. Está equipado para albergar talleres, seminarios y conferencias.
Restaurante
El restaurante está rodeado de vegetación, en una espléndida estructura acristalada. El museo está preparando una renovación que conducirá a su futura reapertura.
Villa Poniatowski
La Villa, inaugurada en 2012, es la segunda sede de ETRU. Sus habitaciones albergan los hallazgos del Latium Vetus y Umbria. La restauración de una gran área destinada a exposiciones temporales está en marcha.
Giuseppe Valadier lo transformó en una villa a principios del siglo XIX en nombre de Stanislao Poniatowski, nieto del último rey de Polonia. Con la vista principal en Via Flaminia, está adornada con piscinas y fuentes, mientras que el gran jardín formado por terrazas en terrazas está decorado con esculturas antiguas.
El trabajo de restauración en 1997 condujo a numerosos descubrimientos: en esa ocasión salió a la luz el primer diseño de la Villa del siglo XVI, con los restos de dos fuentes, muebles para piscinas y fuentes, ciclos pictóricos y decorativos.