Música de Filipinas

La música de Filipinas incluye artes escénicas musicales en Filipinas o filipinos compuestos en varios géneros y estilos. Las composiciones son a menudo una mezcla de diferentes influencias asiáticas, españolas, latinoamericanas, americanas e indígenas.

La música de Filipinas es una mezcla de sonidos europeos, estadounidenses y nativos. Influenciado por la música de las Filipinas 377 años de herencia de la España colonial, el rock and roll occidental, el hip-hop y la música popular de los Estados Unidos, la música folclórica de la población de música austronesia e indo-malaya Gamelan.

Música primigenia
Una serie de grabaciones realizadas en música reproducida en el lugar es música original. No tiene que repetirse y debe realizarse solo una vez.

Música Indígena
Entre los compositores de canciones populares destacan el artista nacional de música Lucio San Pedro, que compuso el famoso “Sa Ugoy ng Duyan” que recuerda el toque amoroso de la madre con su hijo. Otro gran compositor que es conocido como compositor patriótico, Antonio Buenaventura.

Música Gong
La música gong filipina se puede dividir en dos tipos: el gong plano comúnmente conocido como gangsà y jugado por los grupos en la región Cordillera de los gongos gobernados que se tocan entre el Islam y los grupos animistas en el sur de Filipinas.

Kulintang se refiere a un instrumento de carillón gong atormentado que se toca en las islas del sur de las Filipinas, junto con sus variados conjuntos de acompañamiento. Los diferentes grupos tienen diferentes formas de jugar el kulintang. Dos grupos principales parecen destacarse en la música kulintang. Estos son el Maguindanaon y el Maranaw. El instrumento kulintang en sí podría ser rastreado ya sea a la introducción de gongs en el sudeste asiático desde la India antes del siglo 10 dC, o más probablemente, a la introducción de campanas de gong dirigidas desde Java a través de la India en el siglo XV. Sin embargo, el conjunto kulintang es la forma de música más avanzada de antes del siglo XVI y el legado de los europeos en el archipiélago filipino.

La tradición de la música del conjunto kulintang es regional, anterior al establecimiento de las actuales Filipinas, Indonesia y Malasia. Trasciende la religión, con budistas, animistas hindúes y grupos étnicos cristianos en Borneo, Flores y Sulawesi jugando kulintangan; y grupos musulmanes que tocan el mismo género musical en Mindanao, Palawan y el archipiélago de Sulu. Está lejanamente relacionado con los conjuntos de gamelan de Java y Bali, así como con las formas musicales en el sudeste asiático continental, principalmente debido al uso de las mismas campanas de gong atormentadas que suenan melódicas y percusivas.

Música influenciada por los hispanos
España gobernó Filipinas durante 333 años, y la influencia hispana en la cultura filipina es omnipresente. Esta influencia se puede ver fácilmente en la música popular y tradicional, especialmente en las regiones de Tagalog y Visayan, donde la influencia española fue mayor.

Música Rondalla
La Rondalla es una orquesta de cuerdas tradicional que comprende instrumentos de dos cuerdas tipo mandolina, como banduria y laud; una guitarra; un contrabajo; y a menudo un tambor para percusión. La rondalla tiene sus orígenes en la tradición de la rondalla ibérica, y se utiliza para acompañar varias formas y bailes de canciones de influencia hispana.

Harana y Kundiman
Harana y Kundiman son canciones líricas populares que se remontan a la época española, y se utilizan habitualmente en los rituales de cortejo. El Harana tiene sus raíces en la tradición mexicano-española y se basa en los patrones rítmicos de la habanera. El Kundiman, por su parte, tiene orígenes precoloniales de las partes de Tagalophone del país, utiliza un ritmo de tres metros y se caracteriza por comenzar en una tecla menor y cambiar a uno mayor en la segunda mitad.

En la década de 1920, Harana y Kundiman se volvieron más convencionales después de que artistas como Atang de la Rama, Jovita Fuentes, Conching Rosal, Sylvia La Torre y Ruben Tagalog los presentaran a un público más amplio.

Tinikling
El Tinikling es un baile de Leyte que consiste en dos intérpretes individuales golpeando cañas de bambú, usándolas para golpear, golpear y deslizarse en el suelo, en coordinación con uno o más bailarines que pisa y se coloca entre los postes. Esta es una de las danzas filipinas más icónicas, y es similar a otras danzas de bambú del sudeste asiático.

Cariñosa
La Cariñosa (que significa “cariñosa” o “cariñosa”) es la danza nacional y forma parte del conjunto de danzas folclóricas de María Clara. Es notable por el uso del abanico y del pañuelo para amplificar los gestos románticos expresados ​​por la pareja que realiza el tradicional baile de cortejo. El baile es similar al mexicano Jarabe Tapatío, y está relacionado con los bailes Kuracha, Amenudo y Kuradang en el área de Visayas y Mindanao.

Música original de Pilipino
La música original de Pilipino, ahora más comúnmente llamada música Pinoy original, música original de Filipinas u OPM, originalmente se refería solo a canciones pop filipinas, particularmente baladas, como las populares después del colapso de su predecesor, el Manila Sound de finales de los 70.

Entre los años 1950, 1960 y antes de la década de 1970 surgieron Sylvia La Torre, Diomedes Maturan, Ric Manrique Jr., Rubén Tagalog, Helen Gamboa, Vilma Santos, Edgar Mortiz, Carmen Camacho, entre muchos otros.

En la década de 1970, los artistas populares fueron Nora Aunor, Tirso Cruz III, Pilita Corrales, Eddie Peregrina, Ramón Jacinto, Victor Wood y Asin. Los principales artistas comerciales de la música pop filipina fueron Claire dela Fuente, Didith Reyes, Rico Puno, Ryan Cayabyab, Basil Valdez, Celeste Legaspi, Hajji Alejandro, Rey Valera, Freddie Aguilar, Imelda Papin, Eva Eugenio, Marco Sison, Nonoy Zuniga, Leah. Navarro, Cenicienta, Tillie Moreno, Ric Segreto, Janet Basco, Novios (banda filipina), Hotdog, VST & Co., y muchos otros.

Entre los años 1980 y 1990, OPM fue dirigida por artistas como Regine Velasquez, Pops Fernández, APO Hiking Society, Kuh Ledesma, José Mari Chan, Dingdong Avanzado, Rodel Naval, Janno Gibbs, Ogie Alcasid, Joey Albert, Lilet, Martin Nievera. , Manilyn Reynes, Lea Salonga, Kristina Paner, Rachel Alejandro, Raymond Lauchengco, JoAnne Lorenzana, Francis Magalona, ​​Sharon Cuneta, Sheryl Cruz, Keno, Lou Bonnevie, Zsa Zsa Padilla y Gary Valenciano, entre muchos otros.

En la década de 1990, artistas famosos como Eraserheads, The Company (grupo vocal), April Boy Regino, Smokey Mountain, Rivermaya, Jaya, Agot Isidro, Dessa (cantante filipina), Isabel Granada, Vina Morales, Donna Cruz, Jolina Magdangal, Jessa Zaragoza , Ariel Rivera, South Border, Carol Banawa, AfterImage, Lado A, Andrew E., Lani Misalucha, Ella May Saison, Joey Ayala, Viktoria (cantante), April Boys, Color It Red, Roselle Nava y Blakdyak, entre muchos otros.

En los años 2000 y 2010, los principales artistas de OPM incluyen a Sarah Geronimo, Julie Anne San José, Angeline Quinto, Jonalyn Viray, Kitchie Nadal, Barbie’s Cradle, KZ Tandingan, Aiza Seguerra, Toni Gonzaga, Nina, Yeng Constantino, Piolo Pascual, Jovit Baldivino. , KZ Tandingan, Nyoy Volante, Spongecola, Jennylyn Mercado, Kim Chiu, Mark Bautista, Christian Bautista, Charice, Jed Madela, Erik Santos, Parokya Ni Edgar, Kamikazee, Sam Milby, Abra, James Reid, Sheryn Regis y Gloc-9, Entre muchos otros.

Aparecieron bandas subterráneas y junto con ellas se encontraban sus percepciones de idealismo y autoexpresión. El famoso letrista de Circle’s End, Geno Georsua llegó a la cima como el expresionista melodramático. El bajista Greg Soliman de la UST Pendong capta el título como el mejor bajista de la música underground.

Desde su origen, OPM se ha centrado en Manila, donde el tagalo y el inglés son los idiomas dominantes. Otros grupos etnolingüísticos como Visayan, Bikol y Kapampangan, a pesar de hacer música en sus lenguas nativas, rara vez han sido reconocidos como OPM. Casos inusuales incluyen la canción de Bisrock (música de rock de Visayan) “Charing” de Davao Band, 1017. Los defensores del multiculturalismo y los federalistas a menudo asocian la discrepancia con la hegemonía cultural centrada en tagalo de Manila. Habiendo creado con éxito un subgénero del rock filipino al que llaman “Bisrock”, los Visayans, de lejos, tienen la mayor colección de música moderna en su lengua materna, con grandes contribuciones de las bandas de Visayan Phylum y Missing Filemon. Sin embargo, una banda llamada Groupies ‘Panciteria que proviene de Tacloban, una ciudad de habla Winaray, lanzó un álbum descargable gratuito en mp3 en Soundclick.com en 2009 que contiene 13 canciones de Tagalog y una sola canción muy corta en el idioma Cebuano.

Los siguientes son los Kapampangans. El video musical debut de “Oras” (“Time”) de la banda de Kapampangan de Tarlac City, Mernuts, penetró en MTV Pilipinas, convirtiéndolo en el primer video musical de Kapampangan en unirse a otros videos filipinos de la corriente principal de la música. RocKapampangan: The Birth of Philippine Kapampangan Rock, un álbum de remakes modernos de canciones improvisadas folclóricas de Kapampangan por varias bandas de Kapampangan también se lanzó en febrero de 2008, y se jugó regularmente a través del canal de cable Kapampangan Infomax-8 y a través de una de las radio FM más grandes de Central Luzon estaciones, GVFM 99.1. Inspirado por lo que los lugareños llaman “renacimiento cultural de Kapampangan”, Ronnie Liang, baladista nacido en la ciudad de Los Ángeles, interpretó traducciones de Kapampangan de algunas de sus canciones populares como “Ayli” (versión de Kapampangan de “Ngiti”) e “Ika” (versión de Kapampangan de “Ikaw”) para su álbum reenvasado.

A pesar del creciente clamor por la música no tagalog y no inglesa y la mayor representación de otras lenguas filipinas, la industria local de la música filipina, que se centra en Manila, no está dispuesta a aventurar inversiones en otros lugares. Algunas de sus principales razones incluyen la barrera del idioma, el pequeño tamaño del mercado y el énfasis sociocultural lejos del regionalismo en Filipinas.

La primera competencia de composición de canciones del país, Metro Manila Popular Music Festival, se estableció por primera vez en 1977 y fue lanzada por la Popular Music Foundation of the Philippines. El evento contó con muchos cantantes y compositores destacados durante su tiempo. Se celebró anualmente durante siete años hasta su suspensión en 1985. Más tarde se revivió en 1996 como el “Festival de la Canción Metropop”, que se prolongó durante otros siete años antes de suspenderse en 2003 debido a la disminución de su popularidad. Se había establecido otra variante del festival llamada el concurso Himig Handog, que comenzó en el año 2000, operado por ABS-CBN Corporation y su filial, el sello musical Star Records. Hasta el momento, se han celebrado cinco competiciones desde el año 2000 hasta el 2003 y finalmente se reanimaron en 2013. A diferencia de sus predecesores, el concurso tiene diferentes temas que reflejan el tipo de entradas de canciones elegidas como finalistas cada año. En 2012, se lanzó el Festival de Música Popular de Filipinas y se dice que está inspirado en la primera competencia de composición.

Música pop
OPM pop ha sido exhibido regularmente en la escena de banda en vivo. Grupos como Neocolours, Side A, Introvoys, The Teeth, Yano, True Faith, Passage y Freestyle popularizaron canciones que reflejan claramente el carácter sentimental de OPM pop.

En el nuevo milenio hasta la década de 2010, artistas famosos de la música pop filipina incluyeron a Sarah Gerónimo, Erik Santos, Yeng Constantino, Mark Bautista, KZ Tandingan y Christian Bautista, entre muchos otros.

Coro
La música coral se ha convertido en una parte importante de la cultura musical filipina. Se remonta a los coros de iglesias que cantan durante la misa en los viejos tiempos. A mediados del siglo XX, comenzaron a surgir grupos corales que se hicieron cada vez más populares a medida que pasaba el tiempo. Además de las iglesias, las universidades, las escuelas y las comunidades locales han establecido coros.

Arreglistas corales filipinos como Robert Delgado, Fidel Calalang, Lucio San Pedro, Eudenice Palaruan, entre otros, han incluido en los vastos repertorios de coros hermosos arreglos de OPM, canciones populares, canciones patrióticas, canciones de novedad, canciones de amor e incluso canciones extranjeras.

Los Philippine Madrigal Singers (originalmente la Universidad de Filipinas Madrigal Singers) es uno de los grupos corales más famosos no solo en Filipinas, sino también en todo el mundo. Al ganar competiciones internacionales, el grupo se convirtió en uno de los grupos corales más formidables del país. Otros grupos corales galardonados son la Universidad de Santo Tomás, los filipinos Meistersingers (ex embajadores de la Universidad Adventista de Filipinas), UP Singing Ambassadors y UP Concert Chorus, entre otros.

La música rock
Estados Unidos ocupó las islas desde 1898 hasta 1946 e introdujo el blues estadounidense, la música folklórica, el R & B y el rock & roll, que se popularizaron. A finales de la década de 1950, los artistas nativos adaptaron letras de Tagalo para la música norteamericana de rock & roll, lo que resultó en los orígenes fundamentales del rock filipino. El logro más notable en el rock filipino de la década de 1960 fue la canción de éxito “Killer Joe”, que impulsó al grupo Rocky Fellers, alcanzando el número 16 en las listas de radio de Estados Unidos.

Hasta la década de 1970, los músicos de rock populares comenzaron a escribir y producir en inglés. A principios de la década de 1970, la música rock comenzó a escribirse utilizando idiomas locales, con bandas como la Banda de Juan Dela Cruz, entre las primeras bandas populares en hacerlo. Mezcla de tagalo y letras en inglés también se usaban popularmente en la misma canción, en canciones como “Ang Miss Universo Ng Buhay Ko” (“The Miss Universe of My Life”) de la banda Hotdog, que ayudó a innovar el Manila Sound. La mezcla de los dos idiomas (conocida como “Taglish”), aunque común en el habla informal en Filipinas, fue vista como un movimiento audaz, pero el éxito de Taglish en canciones populares, incluido el primer éxito de Sharon Cuneta, “Mr. DJ” rompió la barrera para siempre.

Los músicos de rock de Filipinas agregaron música folclórica y otras influencias, lo que ayudó a conducir al éxito arrollador de 1978 de Freddie Aguilar. “Anak” de Aguilar (“Child”), su grabación debut, es la grabación filipina más comercialmente exitosa, y fue popular en Asia y Europa, y ha sido traducida a numerosos idiomas por cantantes de todo el mundo. Asin también irrumpió en la escena musical en el mismo período y fue popular.

El rock popular se convirtió en la música de protesta filipina de la década de 1980, y “Bayan Ko” (“Mi país”) de Aguilar se hizo popular como himno durante la Revolución EDSA de 1986. Al mismo tiempo, una contracultura rechazó el surgimiento de letras políticamente enfocadas. En Manila, se desarrolló una escena de punk rock liderada por bandas como Betrayed, The Jerks, Urban Bandits y Contras. La influencia de la nueva ola también se sintió durante estos años, encabezada por The Dawn.

La década de 1980 vio la aparición de Asin (banda), Sampaguita (cantante), Coritha, Florante, Mike Hanopol y Heber Bartolome.

La década de 1990 vio el surgimiento de Eraserheads, considerado por muchos ciudadanos filipinos como el grupo número uno en la escena de grabación filipina. A raíz de su éxito fue la aparición de una serie de influyentes bandas de rock filipinas como True Faith (banda), Yano, Siakol, Teeth (banda), Parokya ni Edgar y Rivermaya, cada una de las cuales mezcla la influencia de una variedad de rock subgéneros en su estilo.

El rock filipino en la década de 2000 también se ha desarrollado para incluir rock duro, heavy metal y rock alternativo como Razorback, Wolfgang, Greyhoundz, Slapshock, Queso, Bamboo, Kamikazee, Franco, Urbandub y las bandas progresivas Paradigm, Fuseboxx, Earthmover y Eternal Now. .

La década de 2010 vio el surgimiento de varios actos sin firmar de diferentes subgéneros de otro formato de rock: la música independiente. Actos independientes como Autotelic, Bullet Dumas, Ang Bandang Shirley, Trucos, BP Valenzuela, She’s Only Sixteen, The Ransom Collective, Oh, Flamingo !, Sud, Jensen y The Flips, MilesExperience, Tom’s Story, Ben & Ben, IV de Picas, Clara Benin, y Reese Lansangan entre otros.

Los festivales de rock han surgido a través de los últimos años y ha sido un evento anual para algunos de los entusiastas del rock / metal. Un gran evento es el Pulp Summer Slam en el que han actuado bandas locales de rock / metal y bandas internacionales como Lamb of God, Anthrax, Death Angel y Arch Enemy.

El género neo-tradicional en la música filipina también está ganando popularidad, con artistas como Joey Ayala, Grace Nono, Bayang Barrios y Pinikpikan cosechando un relativo éxito comercial mientras utilizan los sonidos musicales tradicionales de muchas tribus indígenas en las Filipinas.

Hip hop
El hip-hop filipino es música hip hop interpretada por músicos de ascendencia filipina, tanto en Filipinas como en el extranjero, especialmente por filipinoamericanos. Filipinas es conocida por haber tenido la primera escena musical de hip-hop en Asia desde principios de la década de 1980, en gran parte debido a las conexiones históricas del país con Estados Unidos, donde se originó el hip-hop. La música rap lanzada en Filipinas ha aparecido en diferentes idiomas, como tagalo, chavacano, cebuano, llocano e inglés. En Filipinas, Francis M, Gloc-9, Abra (rapero), Michael V. y Andrew E. son citados como los raperos más influyentes en el país, siendo el primero en lanzar álbumes de rap convencionales. Luego vinieron las raperoras MC Lara y Lady Diane.

Otros géneros
Varios otros géneros están creciendo en popularidad en la escena musical filipina, incluyendo una serie de grupos alternativos y bandas tribales que promueven la conciencia cultural de las Islas Filipinas.

Del mismo modo, el jazz ha experimentado un resurgimiento en popularidad. El impulso inicial fue proporcionado por WDOUJI (Brujos Doctores de la Improvisación del Jazz Subterráneo) con su galardonado lanzamiento independiente “Ground Zero” distribuido por los ahora difuntos N / A Records en 2002 y el cuarteto de jazz Buhay dirigido por Tots Tolentino en el año anterior . Esto abrió el camino para los intentos posteriores, entre los que destaca el grupo filipino de jazz Johnny Alegre Affinity, que lanzó su álbum debut homónimo en 2005 bajo la firma londinense Candid Records. Mon David también hizo las rondas del circuito de música de Las Vegas. Entre las intérpretes femeninas, Mishka Adams ha sido la más destacada. Un desarrollo reciente es la fusión de la palabra hablada y el jazz y también con el rock, principalmente atribuido al Proyecto de Sago Radioactivo. Otros nombres notables últimamente son Bob Aves con su jazz etno-infundido, The Jazz Volunteers y Akasha que han anclado los ya legendarios jams de jazz underground en Freedom Bar durante casi la mitad de los 11 años de su existencia. Hoy en día, las jam sessions de jazz underground se llevan a cabo en un bar llamado TAGO jazz bar, ubicado en Main Avenue, Cubao. Grupos de jazz más nuevos surgieron en la escena del jazz local, concretamente Swingster Syndicate, pionera en el jazz trad moderno y post-bop, y Camerata Jazz, conocida por sus arreglos y sonido de jazz filipino.

Las canciones de la novedad de Pinoy se hicieron populares en la década de 1970 hasta principios de la década de 1980. Los cantantes de novedad más populares de esta época fueron Reycard Duet, Fred Panopio y Yoyoy Villame. Los actos de novedad pop en los años 90 y 2000 incluyen a Michael V., Bayani Agbayani, Masculados, Vhong Navarro, Sexbomb Girls, Joey de León (“Itaktak Mo”), Viva Hot Babes y Willie Revillame.

Bossa nova y la música latina han sido populares desde la década de 1970. Artistas como Annie Brazil estuvieron activos en la década de 1970, mientras que más recientemente, Sitti ha estado obteniendo excelentes críticas por sus covers de bossa nova de canciones populares.

Si bien durante mucho tiempo ha existido una floreciente escena underground de reggae y ska, particularmente en la ciudad de Baguio, solo recientemente los géneros han sido aceptados en la corriente principal. Actos como Brownman Revival, Put3ska, Roots Revival of Cebu y The Brown Outfit Bureau of Tarlac City han sido fundamentales para popularizar lo que se llama “Island Riddims”. También hay un reavivamiento de mod floreciente, encabezado por Juan Pablo Dream y una gran escena indie pop.

La música electrónica comenzó a mediados de la década de 1990 en el metro de Manila encabezada por luminarias como Manolet Darío del Consorcio. En 2010, los artistas locales comenzaron a crear canciones de electropop ellos mismos. A partir de ahora, la mayoría de las canciones electrónicas se utilizan en comerciales. La única estación de radio hasta ahora que solo reproduce música electrónica es 107.9 U Radio. La década de 2010 también comenzó el surgimiento de productores electrónicos independientes, DJs y artistas con artistas como Somedaydream, Borhuh, Kidwolf, Zelijah, John Sedano, MVRXX, MRKIII, Bojam, CRWN, NINNO, Kidthrones y Jess Connelly.

Música folclórica de Filipinas
La música folclórica de Filipinas como la música folclórica de otros países refleja la vida de la gente común, que generalmente vive en ciudades en lugar de ciudades. Al igual que otras músicas indígenas en Asia, la mayoría de la música indígena de Filipinas está relacionada con el medio ambiente. Por el contrario, la mayoría usa escala diatónica en lugar de escala pentatónica.

Integración Este y Oeste
Al igual que el paisaje del país, la música indígena de Filipinas es producto de su colorida historia. La música indígena de Filipinas ha sido influenciada por el tipo de cultura que alguna vez haya visto, y no sorprende que sea tan buena como la música en China o India, ya que suena a Europa.

Como gente que trabaja y lo usa, la música indígena de Filipinas puede considerarse occidental o no occidental, y aunque hay otras divisiones en cada categoría, todavía muestra la civilización de un grupo. A través de la música folklórica, es bueno ver que los filipinos tienen una fe profunda en Dios, en las familias cercanas y en el respeto al medio ambiente.

Música vocal
La música vocal sigue siendo la forma más importante de la música que se encuentra el grupo étnico en Filipinas. Y aunque también hay musicales hechos para bailar, la música sigue siendo la mejor organizada por los académicos filipinos.

Según el libro Philippine Literature: Folk Songs de Mauricia Borromeo, las canciones indígenas del país se pueden clasificar como canciones occidentales, mala-salmo y sékular de grupos indígenas.

Despertar occidental
Según Borromeo, las canciones indígenas de Filipinas en Occidente tienen características:

melodiyang madaling awitin,
silabik y verso,
forma simple,
en el alcalde o menor,
con giros o vueltas,
y simple acompañamiento.
Melodiya
La música occidental influyó en la canción popular de Filipinas a través de España. Debido a que Filipinas ha estado sujeta a la ocupación española durante más de 300 años, no es de extrañar que una persona pueda escuchar similitudes en la música popular de estos dos países.

Este tipo de música se encuentra generalmente entre los nativos que aceptan las creencias cristianas porque han tenido una relación más larga con los españoles que los grupos no cristianos.

The Broadcasting Music of the Philippines también ha sido testigo de los exámenes de Dorothy Scarborough, que dijo:

(en inglés)

Una canción que comienza como una partitura, debidamente acreditada para autor y compositor, puede ser alterada en cuanto a las palabras o la música, o ambas, por cantantes que la aprenden y la transmiten oralmente, como para convertirse en una canción popular. El hecho de que eleswhere se conozca como música publicada no hace diferencia. “… ninguna música popular genuina es el duplicado exacto de cualquier otra versión, incluso de la misma canción. Cada versión o variante tiene su propio valor”. (Scarborough 1935: Prólogo)
(en tagalo)

Una canción comienza como una pieza de música, que está en las alabanzas del autor y del compositor, que puede ser reemplazada como palabras o música, o ambas, por cantantes que aprendieron y trajeron la boca, que parece ser una canción popular. El hecho de que sea donde sea que se pueda aprender como música impresa no es diferente. “… no hay música folclórica genuina con una copia exacta de ninguna versión a través de la misma canción. Cada versión o variación tiene su propia privacidad”. (Scarborough 1935: Prefacio)
Es evidente que canciones como Bisaya-Bisaya como Matud Nila y Ocasionalmente también se consideran canciones populares, aunque algunos pasajes dicen que están hechas por Ben Zubiri y Nitoy Gonzales.

En el caso del registro, es fácil cantar incluso si un cantante no estudia la música. La mayoría de estas canciones solo tienen un rango de registro de entre seis y once tonos, mientras que el registro de voz estándar normal es de 14 tonos o una avena y media.

También se cantan de forma no estresada y, aunque puede usarse con falsete, como los anteriores, también puede que no se use. Si hay ocasiones en que estas canciones son plagiadas, muchas de ellas son bien habladas por la voz, como se usa en la música popular.

Estimado y stele
A la mayoría de los músicos de estilo occidental se les puede asignar un corredor clásico, tienes cuatro líneas con un sudario o canción, tienes cuatro líneas con 12 sílabas cada una. Y aunque no coincide, las líneas terminan en asonancia.

A pesar de las similitudes en las canciones populares españolas, la música folclórica indígena de Filipinas no usó largos mellismas. Por lo tanto, una palabra para cada nota en la película The Sound of Music es fácil de ver en las canciones folclóricas de Filipinas.

Las características de la Canción Indígena Común de Filipinas también son características de ser estrópico, donde solo se usa una melodía en todas las etapas. Se verá bien en los Ballads, aunque la llamada estrofia modificada, como la canción irlandesa ‘Red Is the Rose’, es difícil de encontrar. El modo dual también se utiliza comúnmente, mientras que aunque un solo tono en todas las etapas hay otro estribillo de tono diferente.

Popularidad
A diferencia de los países de Irlanda, Hungría y la República Checa, siempre ha sido la identidad nacional de la música indígena de Filipinas. Este es probablemente el resultado de que cada región tenga su propio idioma.

Y aunque hay quienes intentan participar de diferentes idiomas, nadie ha logrado enseñarlo en el nivel de la escuela primaria. A excepción de las canciones infantiles, la música indígena no presta atención a las aulas. En consecuencia, es evidente que las canciones populares son solo canciones infantiles.

La entrada a la televisión también contribuyó a su rápida pérdida de popularidad, ya que los filipinos vieron de inmediato la cultura popular de Europa y Estados Unidos. Y aunque a muchos europeos les encanta decir música, los filipinos siempre corren el riesgo de perder la música popular.

Intentos de reclutamiento
Ha habido ocasiones en la Música Nativa de Filipinas para casi todos ellos como la pieza central de la música. Bajo los 300 años de ocupación española en Filipinas, no se ha producido ninguna reunión de música folklórica. Y aunque ha habido ocasiones en la era estadounidense, solo ha tenido lugar a finales del siglo XX, mientras que los románticos europeos ven la importancia de las canciones indígenas.

Durante la ocupación estadounidense de Filipinas, hubo intentos de recopilar música folclórica, pero solo fueron los últimos años. La primera colección del p. Morice Vanoverberg en 1919 sobre la música indígena del Lepanto Igorot del Norte. Es solo que las únicas letras incluidas en esta colección no son los tonos.

La colección titulada Filipino Folk Songs de Emilia Cavan se considera la primera colección con un tono. Fue publicado en 1942. Pero la colección hecha por Norberto Romualdez en la década de 1950 sigue siendo la más importante de esta disciplina. Lleva el nombre de la serie de música progresiva filipina y también se ha convertido en un libro de música de enseñanza estándar para las escuelas.

Desafortunadamente, los estadounidenses fueron los asistentes de Romualdez y tradujeron las letras de estas canciones de los idiomas originales al filipino e inglés. Esto se debe al deseo de esta colección de traer los sentimientos patrióticos filipinos. Este es el hecho de que el Folklore Nacional Filipino, Filipinas Nuestra Tierra Nativa e incluso Filipinas, el Hermoso, son una adaptación de América la Bella en la lista de canciones. También tiene algunas canciones de las canciones populares de otros países.

Uso comercial
Algunos cantantes de rock han intentado trenzar las canciones populares en la década de 1970 y esa vez en los Estados Unidos. Incluyen a los cantantes Joey Ayala, Bayang Barrios, Freddie Aguilar y el grupo Salt.

Varios músicos serios también lo han trenzado, pero nadie ha logrado colocarlo en los cuadros como lo hizo en los Estados Unidos. Hoy en día, ya no es suficiente atraer a los cantantes populares y solo aquellos que están estudiando música en universidades lo han estado promoviendo.