Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Niza, Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia

El Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, también llamado Mamac, es un museo dedicado al arte moderno y contemporáneo abierto desde el 21 de junio de 1990 en Niza. Ubicado en el corazón de la ciudad, junto a la Place Garibaldi y en la extensión de la “Coulée Verte”, MAMAC ofrece una inmersión en el Arte Internacional de Posguerra desde los años 50 hasta la actualidad. Con una colección de casi 1 400 obras de más de 350 artistas (con un promedio de 200 en exhibición), el museo ofrece, entre otros, un diálogo original entre el nuevo realismo europeo y el arte pop estadounidense. El museo también exhibe obras clave de arte mínimo y arte povera. Dos grandes artistas del arte del siglo XX forman el corazón de las colecciones: Yves Klein, con una sala permanente única en el mundo, posible gracias a los préstamos a largo plazo de los Archivos de Yves Klein y Niki de Saint Phalle.

El museo también arroja luz sobre la singularidad y la prominencia de la escena artística local desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de 1970. Niza y la Costa Azul fueron entonces un lugar importante para la experimentación e invención de nuevos gestos artísticos con artistas destacados como Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben y grupos como Supports / Surface. A pesar de la singularidad de personalidades y prácticas, surgen tres cuestiones clave: el acto de apropiación de la vida cotidiana (con los nuevos realistas en particular), un arte de gesto y actitud (con Fluxus) y una exploración analítica de la pintura (con Support / Superficie y Grupo 70). Esta investigación se pone en perspectiva con la creación artística europea y americana de los últimos sesenta años.

El edificio del museo ubicado junto a la Place Garibaldi, diseñado por los arquitectos Yves Bayard y Henri Vidal, tiene la forma de un arco tetrápodo a caballo entre el Cours du Paillon. La monumentalidad del proyecto desarrollado en la portada del Paillon permite vincular el museo a un teatro a través de una terraza, denominada Promenade des arts. De planta cuadrada, su arquitectura se inspira en las reglas del neoclasicismo. La superficie disponible es de unos 4.000 m 2 repartidos en nueve salas de exposición en tres niveles. Sus fachadas lisas están cubiertas de mármol blanco de Carrara. La entrada y la tienda están al nivel de la Esplanade Niki de Saint Phalle con vistas a la Place Yves Klein, donde también se encuentran el auditorio y la galería contemporánea del museo. Los espacios del museo están dedicados en el primer piso a exposiciones temporales,

Los espacios abarcan cinco niveles, incluidos dos conjuntos de 1.200 m2 dedicados a las colecciones del museo. Una planta y una sala de proyectos están dedicadas a muestras temporales internacionales que alternan exposiciones temáticas y monografías de los principales artistas de los últimos sesenta años. Una terraza en la azotea accesible al público ofrece una vista panorámica impresionante de Niza.

Historia
El Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Niza fue inaugurado el 21 de junio de 1990. En la segunda mitad del siglo XX aparecieron en Niza varios proyectos coherentes para la creación de dicho museo. El primero estuvo vinculado a la reestructuración de la Galerie des Ponchettes, un proyecto apoyado por Henri Matisse y Pierre Bonnard, desarrollado por el doctor Thomas, luego por Jean Cassarini, la primera prefiguración del Museo de Arte Moderno de Niza. La segunda hipótesis que surgió fue la de construir un ala moderna en el jardín del Museo Masséna. Este proyecto fue abandonado para construir un aparcamiento.

La idea revivió a mediados de los años 70 con el nombramiento de Claude Fournet como Director de los Museos de Niza. La inauguración de la Galería de Arte Contemporáneo (GAC) y un programa contemporáneo en la Galerie des Ponchettes, ofrecieron al público de Niza una importante muestra de arte.

En 1985, la exposición “Autour de Nice” (“Alrededor de Niza”) en la Acrópolis, que presenta un primer grupo de obras de los nuevos realistas, la Escuela de Niza y Support / Surfaces en particular, certificaba la necesidad de un museo de Arte moderno y contemporáneo en Niza. Ese mismo año, un convenio firmado con el Estado prevé la implementación durante cinco años de un ambicioso programa de compras de obras de arte. La ayuda económica del Estado a la ciudad en su campaña de adquisiciones pondrá en marcha el proceso de clasificación de la futura institución bajo la etiqueta “musée contrôlé par l’état”. Ya en 1987, se firmó un acuerdo entre la ciudad de Niza y el Estado para financiar el proyecto arquitectónico.

El edificio
Los arquitectos Yves Bayard y Henri Vidal hicieron una propuesta original de una especie de arco tetrápodo a caballo, por un lado sobre el río Paillon, y por otro lado sobre el eje de la antigua autovía N7 que une el distrito portuario y el casco antiguo. a los barrios que se desarrollaron en los siglos XIX y XX. La arquitectura del museo debía armonizar dos elementos que componen el tejido urbano de Niza: el urbanismo sardo y la exótica utopía de la Belle Epoque.

Una monumentalidad inspirada en los principios del Clasicismo (planta cuadrada, arcada) responde al trazado de la Piazza Garibaldi. Los tonos ocre rojo de la base se entrelazan con las superficies lisas de mármol de Carrara de las torres, sobre las que están tallados los olivos, para crear un juego óptico que traspone al corazón de la ciudad los registros del orden y la paz de la naturaleza mediterránea. La cobertura del Paillon brinda una rara oportunidad de tener un terreno en el centro de la ciudad y permite el amplio desarrollo de un dispositivo llamado “Promenade des Arts” que consiste en un museo y un teatro y se extiende por el “coulée verte” hoy.

Esta ubicación crucial en el corazón de la ciudad requería un desarrollo de gran altura compuesto por cuatro torres cuadradas sobre una base de 20 metros de cada lado para una elevación de 30 metros. Desde el exterior, son ciegos pero conectados por pasarelas de vidrio. Los espacios expositivos se distribuyen en cuatro niveles, más un nivel para el vestíbulo y otro para las terrazas accesibles al público. El segundo nivel alberga las exposiciones temporales, mientras que los niveles 3 y 4 están dedicados a las colecciones. El primer piso alberga la galería contemporánea del museo. Los espacios de exposición se despliegan en 10 salas de exposición.

Las terrazas se tratan como miradores desde los cuales la vista abarca en gran medida la ciudad. En uno de ellos se presenta Le Mur de Feu (El muro de fuego) de Yves Klein, creado con la ayuda de la “Direction des Musées de France”; es una edición de uno de los proyectos desarrollados por el artista para su exposición Krefeld en 1961.

La plaza que une el museo con el teatro, por un lado, y con el Palais des Congrès, por otro, permite la instalación de esculturas monumentales como Stabile Mobile de Alexander Calder o el monstruo del Lago Ness de Niki de Saint Phalle.

Las colecciones
Incluyen 1331 obras de 346 artistas a 13 de octubre de 2014, entre 436 pinturas y 292 esculturas e instalaciones, que ofrecen un panorama vanguardista de la creación artística desde finales de la década de 1950 hasta la actualidad, articulado en torno a diferentes movimientos.

Nuevo realismo – Pop Art
Habitación 4
La colección MAMAC es testimonio del surgimiento, a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, de movimientos que tomaron prestado de la realidad y la reinterpretación de la naciente cultura de masas que estaba emergiendo tanto en Francia, particularmente en París y alrededor de un centro de artistas. en Niza y en los Estados Unidos.

Este nuevo movimiento artístico fue testigo tanto como creó un nuevo lenguaje visual. Este movimiento “pop”, que suena a onomatopeya, encarna una aspiración colectiva por lo “moderno”, lo higienizado, lo espectacular, el glamour, el ocio, el hedonismo y la proyección hacia una forma de vida del futuro.

Viniendo de la calle, de sus carteles, de la eficacia de los anuncios, de revistas esmaltadas con retratos de iconos en boga; estimulada por las posibilidades que ofrecen los nuevos materiales – redondos, flexibles, plásticos, colores brillantes – esta estética acerca el arte y la vida, reestructura la creación en cepas populares y deslumbrante, abraza la emergente cultura de masas.

Como el arte cinético al mismo tiempo, el pop -sin ser político- lleva un ideal democrático, el desafío de la inmediatez de la percepción, el ardor de una juventud ávida de inventar su nuevo mundo. El nombre de este movimiento será Pop en su trayectoria británico-estadounidense y luego en su órbita internacional; “Nuevo Realismo” en su predominio franco-europeo y su reinvención de una actitud dada “.

Niki de Saint Phalle
Habitación 5
“En la historia del arte, Niki de Saint Phalle (1930-2002) es una excepción. Pocas mujeres artistas gozan del mismo nivel de reconocimiento de un público amplio que ella. Se hizo de un nombre y de su destino a través de la libertad de expresión. , la iconoclasia de sus gestos y la desmesura de sus proyectos. Sin embargo, durante mucho tiempo ha sido objeto de malentendidos, confinada a sus icónicas “Nanas”, sus declaraciones apasionadas y su feroz sentido del adorno, fue rechazada por una franja de masculinidad críticas por su obra “femenina” y sus comentarios sobre el matriarcado, y por historiadoras del arte feministas con el pretexto de una posible complicidad con los estereotipos sexistas. Su obra es finalmente reconsiderada hoy en toda su riqueza y complejidad; considerada por su contribución indiscutible y única a la una historia de formas y gestos;medido por su compromiso y atención a los problemas y luchas de su tiempo.

MAMAC posee una de las tres colecciones de referencia en el mundo de la obra de la artista franco-americana, desde sus primeros cuadros y ensamblajes de finales de los 50, los primeros cuadros a balazos de principios de los 60, las icónicas “nanas” y novias, hasta su prolíficos estampados “.
Hélène Guenin

Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle nació el 29 de octubre de 1930 en Neuilly-sur-Seine. Fue la segunda de cinco hijos de Jeanne Jacqueline (de soltera Harper) y André Marie Fal de Saint Phalle, originalmente de una familia de banqueros franceses. El desplome de Wall Street tuvo una serie de consecuencias en el negocio familiar y los llevó a mudarse a Estados Unidos. Luego, Niki fue educada en escuelas estadounidenses, pasando regularmente sus vacaciones de verano en Francia.

Este doble sentido de pertenencia es un símbolo de los vínculos artísticos existentes entre Francia y Estados Unidos desde principios de la década de 1960. Así lo ejemplificó la presencia en París de artistas de renombre internacional como Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Jackson Pollock, quienes fueron invitados a exponer en reconocidas galerías parisinas, incluidas las de Ileana Sonnaben, y museos como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París.

Sin ninguna educación artística formal más que su propio instinto y la certeza de que era su destino, Niki de Saint Phalle, quien comenzó a pintar su universo mental lleno de lo fantástico de una manera heredada de Matisse, Ensor, de Dubuffet y Pollock, creó ensamblajes. , recogiendo todo tipo de pequeños objetos y escombros. Ella perfeccionó estas ideas en sus relieves monumentales y en sus acciones-tirs, que, por su propia naturaleza, convencieron al crítico Pierre Restany de la absoluta necesidad de incluirlas en el grupo de “Nouveaux Réalistes”.

Desarrollando un enfoque que implicaba una especie de liberación, reflejando su necesidad de expulsar una cierta violencia, Niki de Saint Phalle comenzó a trabajar en esculturas en 1963. De ensamblajes de bajorrelieve, pasó a creaciones en 3D con sus primeras Nanas en 1964. Estas esculturas , en colores atrevidos y con generosas curvas, simboliza a la mujer moderna, liberada de las tradiciones. Las Nanas son negras, amarillas y rosas, son multirraciales para reflejar el mundo.

Se dedicó incansablemente durante muchos años a la defensa de las minorías culturales y la integración de las poblaciones negras en la sociedad estadounidense.

Yves Klein
Habitación 6
Nacido en 1928 en Niza, Yves Klein fue el primero en convertirse en judoka. En 1954 se inclina definitivamente hacia el arte y comienza su «aventura monocromática». Adoptó el azul ultramar, al que dio su nombre «IKB» (International Klein Blue). Luego se embarcó en la búsqueda de lo inmaterial y realizó performances con sus «pinceles vivos». Klein va más allá de toda representación artística aceptando que la belleza está presente en el estado invisible y que su misión como artista es apoderarse de ella donde quiera que esté. Su obra atraviesa los límites del arte conceptual, corpóreo y del acontecer, e ilustra una diversidad de prácticas y formas que indudablemente hacen de Yves Klein uno de los artistas más innovadores de su tiempo.

La segunda mitad del siglo XX ha estado profundamente marcada por la creatividad de Yves Klein, a través de sus monocromos, el evento fundamental del vacío, el uso del oro y del rosa entre una trilogía de colores. Estampó su tiempo gracias también a su uso de esponjas empapadas de color puro, así como al uso del fuego como pincel. Hoy su creatividad sigue influyendo en las nuevas generaciones de artistas e investigadores. Yves Klein murió en 1962, a los 34 años, y dejó tras de sí una gran obra intensa, pero también audaz e infinita.

Esta sala, única en el mundo, ha contado con el apoyo de Archives Klein y de coleccionistas privados que generosamente depositaron sus obras en el MAMAC.

En la pared de un sótano de la familia de Arman, Klein pintó sus primeros monocromos azules, alrededor de 1947-1948. En 1955 conoció a Tinguely, César, Raysse y Restany en París y mostró en el Salon des Réalités Nouvelles un nuevo cuadro de un solo color, que fue rechazado y provocó una polémica. A partir de 1956, las exposiciones de Monocromos se sucedieron.

Inició su «Periodo Azul» en 1956 eligiendo un azul ultramarino ya existente, extremadamente saturado que es, según Klein, «la expresión más perfecta del color azul». Klein está en ese momento fascinado por el pigmento puro ultramar, de una intensidad incomparable. Muestra por primera vez la instalación «pigmentos puros» en Colette Allendy’s en mayo de 1957, intentando mostrar el «color en sí»:

Pigmentos puros: el pigmento puro, exhibido en el suelo, se convirtió en pintura en sí mismo en lugar de un cuadro colgado; siendo el medio fijador lo más inmaterial posible, es decir, es una fuerza de atracción que se dirige únicamente hacia sí mismo. No alteró los granos de pigmento, como inevitablemente lo hace el aceite, el pegamento o incluso mi propio fijador especial. El único problema con esto: uno naturalmente se pone de pie y mira hacia el horizonte. »

Movimientos y artistas
Los nuevos realistas europeos con los artistas de Niza Arman, Yves Klein y Martial Raysse, junto a César, Christo, Niki de Saint Phalle, Mimmo Rotella, François Dufrêne, Jean Tinguely, Gérard Deschamps, Daniel Spoerri, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Alain Jacquet
La versión estadounidense con arte pop está representada por una colección de obras de Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, John Chamberlain, Jim Dine, George Segal y el neo-dadaísta Robert Rauschenberg.
La Escuela de Niza con Ben está vinculada a varias obras representativas de Fluxus como con Robert Filliou
El Arte Povera reúne a varios artistas como Pier Paolo Calzolari, Michelangelo Pistoletto o Enrica Borghi
Supports / Surfaces está representado por Noël Dolla, Marcel Alocco, André-Pierre Arnal, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Vincent Bioulès, Marcel Devade, Christian Jaccard, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pincemin y Claude Viallat.
Morris Louis, Paul Jenkins, Kenneth Noland, Jules Olitski, Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Larry Poons (en), Frank Stella y Joseph Kosuth ilustran el minimalismo estadounidense y el campo del color.
Minimalismo europeo con François Morellet, Olivier Mosset, Jean-Pierre Raynaud, John Armleder, Bernar Venet, Jan Voss
La figuración de los años 60 y 80, de Hervé Télémaque, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Ernest Pignon-Ernest, Keith Haring, Sandro Chia, Robert Combas, Hervé di Rosa, Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Longo, Jean-Charles Blais
También hay obras de Serge Charchoune, Alexander Calder, Joseph Cornell, Hans Hartung, Lucio Fontana, Nicolas de Staël, Simon Hantai, Pierre Soulages, Olivier Debré, Victor Vasarely, Karel Appel, Paul Mansouroff, Annette Messager, Jan Fabre, Ai Weiwei etc.

Donaciones y depósitos
Desde la inauguración, Yves Klein se ha beneficiado de una sala donde se reúnen veinte de sus obras, varias de las cuales pertenecen a la colección permanente del museo.

En octubre de 2001, Niki de Saint Phalle lega una gran parte de su colección a la ciudad de Niza para el museo: el cuerpo de la donación está compuesto por 170 obras que incluyen 63 pinturas y esculturas, 18 grabados, 40 litografías, 54 serigrafías y muchos documentos originales. Entre las esculturas monumentales se encuentra El monstruo del lago.

Los envoltorios de Christo forman parte del depósito realizado por Lilja Art Fund Foundation.

En 2004, el artista suizo Albert Chubac ofreció alrededor de un centenar de obras al Musée Niçois.

En 2010, el coleccionista Khalil Nahoul donó 94 obras (pinturas, dibujos, grabados) que incluyen piezas de Pierre Soulages, Francis Bacon y Hans Hartung.

En 2014, el legado de Berggreen comprende obras de John Armleder, Jean-Charles Blais, François Morellet, Claude Viallat o Jean Michel Alberola.

Exposiciones temporales
A lo largo de los años, MAMAC ha propuesto importantes exposiciones colectivas internacionales: Klein Byars Kapoor (2012), Intra-Muros (2004), De Klein à Warhol (1997); Chimériques polymères, le plastique dans l’art du XXème siècle (1996); exposiciones monográficas de destacados artistas Liz Magor (2017), Ernest Pignon-Ernest (2016), Wim Delvoye (2010), Robert Longo (2009), Richard Long (2008), Robert Rauschenberg (2005), Niki de Saint-Phalle (2002) ), Arman (2001), Yves Klein (2000), Tom Wesselmann (1996); al tiempo que enfatiza la especial relación con la región vecina del norte de Italia con las exposiciones individuales de Giovanni Anselmo (1996), Gilberto Zorio (1992), Pier Paolo Calzolari (2003) o Michelangelo Pistoletto (2007).

Sobre Niza. 1947-1977
Los elementos aquí reunidos forman parte de la gran exposición “Con respecto a Niza. 1947-1977” organizada en 2017 en el marco de la Bienal “Niza 2017. Ecole (s) de Nice” y con motivo del presunto aniversario del nacimiento de esta efervescencia artística.

La Escuela de Niza dada o la lista de sus figuras clave, existió desde finales de la década de 1950 una ola de fuerzas artísticas, dinámicas y fuertes en Niza. El museo y sus colecciones dan testimonio de la riqueza de esta historia, puesta en perspectiva en un contexto internacional, en un momento en el que aparecen estos gestos. Una constelación de acciones y actitudes apareció en el área, mientras personalidades carismáticas dejaron su huella, con el objetivo de crear conexiones entre Niza y las capitales internacionales del mundo del arte.

En París, en 1977, el Centre Pompidou celebró esta vitalidad con la exposición “A propos de Nice”, orquestada por Ben, uno de los principales protagonistas de este movimiento épico. Un episodio célebre inició el nacimiento legendario del movimiento, el de la división simbólica del mundo compartida por tres jóvenes en la playa de Niza en 1947: Yves Klein apropiándose del infinito azul del cielo; el poeta Claude Pascal se apodera del aire y Arman recupera la tierra y sus riquezas. Esta acción inaugural, una búsqueda de lo absoluto, el espíritu de desafío y la indiferencia, abrió el camino para una escena activa en el corazón y en reacción a la tranquilidad de la ciudad costera.

Más allá de las narrativas que tradicionalmente definen la Escuela de Niza en una sucesión de movimientos: Nuevo Realismo, Fluxus, Apoyos / Superficies, etc., actitudes y gestos primordiales aglutinan a estas generaciones de artistas con prácticas heterogéneas: una revolución de formas, una insolencia de actitudes, apetito por la irreverencia y fascinación por las narrativas. Más allá de una historia estética, “La escuela de Niza” atestigua el surgimiento de personalidades en un contexto cosmopolita y en una ciudad entonces en plena mutación.

Riviera Francesa
En la película de 1930 A Propos de Nice, el cineasta Jean Vigo hace una mirada satírica a la ciudad de ocio donde viven turistas ricos y holgazanes junto a los residentes locales ocupados con las actividades de la temporada. Una generación más tarde, Niza ofrece un contraste sorprendente entre cierta modernidad, con su “manada de transatlánticos de colores brillantes y chillones, un escaparate de utensilios de plástico baratos” * y sus trotamundos veraniegos, y el aislamiento cultural de los jóvenes artistas obsesionados con el acto de crear, – esos contrastes sin duda actúan como caldo de cultivo para su energía y comportamientos disidentes.

Aunque el surgimiento de una escena artística no puede explicarse únicamente por su contexto local, sería igualmente improductivo ignorar la especificidad de Niza como ciudad y lo que produjo y prohibió en los albores de la década de 1960. Fue en la playa de Niza donde Yves Klein soñó con apropiarse del infinito del cielo y en el paseo marítimo que Ben y sus compañeros soñaron acciones que conectaran arte y vida. Entre las sillas azules y la multitud de verano, los artistas se encontraron y reformaron el mundo, desafiando los estereotipos que representaban el glamour de la Costa Azul en el extranjero. Arman coleccionó fichas de casino, Martial Raysse creó deslumbrantes evocaciones pop del mundo costero y Claude Gilli evocó los paisajes de Azure en paneles cortados de colores brillantes. Estas referencias a los buscadores de placer,

¿Maravillas modernas?
En los albores de la década de 1960, influenciada por el desarrollo del turismo internacional y la americanización de la sociedad francesa, Niza se identificó con la juventud, el hedonismo y el próspero consumo masivo. Esta búsqueda perpetua de lo nuevo y la producción en masa sentaría las bases de la relación de los artistas con la apropiación y subversión de la realidad. “Sí, Niza es nuestro paraíso pacífico y pasteurizado. Desde aquí, se podría crear arte que se adhiera a esta realidad fabricada”, escribió el crítico Jean-Jacques Lévêque en 1967.

Ante esta vertiginosa obsesión por lo nuevo, la fabricación de objetos baratos y la ilusión, los artistas inventaron nuevas formas. Distorsionaron este mundo, con su ridícula aspiración a la posesión, de formas satíricas o antisistema, destacando a través de una fascinación por lo aséptico su búsqueda fatal de la eterna juventud. A partir de este espectáculo de la vida cotidiana, los artistas produjeron una nueva belleza aunando exceso y mal gusto. Propusieron una sociología de las “maravillas modernas” inspirada en los restos de una sociedad impulsada por la acumulación, utilizando la repetición hasta el punto de ruptura y la proliferación para corromper y degradar objetos, y destruyeron con alegría los iconos del mundo moderno. Al hacerlo, compusieron una oda desenfrenada a los excesos del culto a la posesión y la obsolescencia programada.

La búsqueda de lo absoluto: la invención de acciones
En 1947, tres jóvenes en los albores de su práctica artística, compartieron el mundo “de cara a este mar estúpido donde los viejos consumen Francia y el arte”. * Este original y mítico relato presenta el horizonte de la ambición, testimonio de una búsqueda de la absoluto que era a la vez indiferente y obsesionado con la conquista. En una ciudad aún dividida entre el conservadurismo y el modernismo, alejada de los círculos parisinos, desencadenó una serie de futuras acciones radicales y prácticas artísticas basadas en gestos performativos y la búsqueda del exceso. Yves Klein creó su Saut dans le vide (Salto al vacío) en los suburbios parisinos, Bernar Venet compuso su propia “caída” en un montón de detritos durante su servicio militar en Tarascon, y Ben arrojó a Dios al mar desde el puerto de Agradable.

Estas acciones representan el retrato de este espíritu indagador, entre la trivialidad, la irreverencia y el deseo de omnipotencia, incluido el gusto por el humor infantil y la competencia. Algunas acciones pueden verse como una parodia de la abstracción lírica entonces todavía dominante, un acto de crítica a la sociedad; otros utilizaron un enfoque analítico y material o intentaron capturar los “estados momentáneos” del ser y el mundo. A partir de la marca de objetos cotidianos o elementos de la naturaleza en un bautismo de fuego, ¿podrían estas acciones ofrecer una forma de conectar la naturaleza transitoria del ser con el deseo de eternidad del arte?

Cuestionando pinturas y actitudes – Théâtre Total
A mediados de la década de 1960, la revista Ben y la Escuela de Artes Decorativas de Niza reunieron a varios artistas jóvenes, con Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla y su profesor Viallat, que terminaron siendo despedidos en 1966-67 por causar disturbios políticos. . Comprometidos en la exploración analítica y material de la pintura, Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen e Isnard se reunieron en el contexto de una exposición en la casa de Chacallis en Vieux-Nice en enero de 1971. Este evento fue la primera exposición oficial del Groupe 70, más tarde seguido de una invitación al teatro de Niza.

La experiencia colectiva llegó a su fin en 1973 tras su participación en la VIII Bienal de París. Entre 1968 y 1973, el crítico de arte y poeta Raphaël Monticelli y el artista Marcel Alocco crearon “INterVENTION”, reuniendo a los miembros del Groupe 70 y varios miembros de Supports / Surface para debates teóricos y organización de exposiciones. Fue entonces cuando Marcel Alocco comenzó su trabajo con las figuras, primero aplicando patrones estilizados en las sábanas, antes de cortarlos y deconstruirlos en sus famosos patchworks. Por último, al margen de esta investigación académica, Jacques Martínez, quien trabajó en el área, desveló su propio lenguaje pictórico, basado en los conceptos de superficies, materiales y acciones.

La Cédille qui Sourit
El artista estadounidense George Brecht, pionero del arte conceptual, y el artista francés Robert Filliou, que dominaba el arte de lo ordinario, decidieron instalarse en Villefranche-sur-Mer, cerca de Niza, para abrir una librería que no sea tienda “. Un centro internacional de creación permanente “bajo el símbolo del humor, La Cédille qui Sourit (la Cedilla que sonríe).

Desde octubre de 1965 hasta marzo de 1968, se exhibieron sin jerarquías joyas, ediciones facsímiles, grabados y obras de arte originales. Las actividades de La Cédille qui Sourit a veces se llevaban a cabo en un lugar en el número 12 de la Rue de May, que estaba “siempre cerrado, solo abierto a pedido”, pero con mayor frecuencia en las calles y bares del casco antiguo. Robert Filliou lo describió de la siguiente manera: “Jugamos, inventamos y reinventamos objetos, nos relacionamos con los humildes y los poderosos, y bebimos y hablamos con los vecinos”. * Presagiando las formas críticas reflexionando sobre el significado de nuestra existencia y su mundo. que surgió en los movimientos culturales occidentales alrededor de mayo de 1968, La Cedille qui Sourit fue un intento de acercar el arte y la vida en un pequeño pueblo de la Côte d’Azur, cuya historia acecha la creación artística internacional moderna.

Soportes / Superficies
Considerada como la última aventura artística del movimiento de vanguardia en Francia, Supports / Surfaces fue una influencia efímera pero poderosa (1970-1972) en Niza, convirtiéndola en el escenario de importantes experimentos. Ante los desafíos que conlleva el arte de la apropiación y el arte de las actitudes, los artistas del movimiento mantuvieron que la pintura aún era posible y comenzaron a reinventar los fundamentos del arte. Las herramientas tradicionales fueron reemplazadas por materias primas. Los lienzos extendidos sobre marcos fueron reemplazados por lienzos libres y telas ordinarias. Se hizo énfasis en el proceso artístico y la interacción entre acciones y apoyos. Paralelamente a estos actos críticos, también se cuestionó la presentación de obras de arte mediante el uso de métodos de exhibición no convencionales.

Los proyectos realizados al aire libre en las calles del pueblo de Coaraze en el verano de 1969 bajo el impulso de Jacques Lepage, luego en la costa mediterránea en el verano de 1970 representaron importantes períodos de experimentación e interacción con el público, dando protagonismo a lo nómada y carácter experimental de las obras de arte de Soportes / Superficies.

Cuestionar la pintura
A mediados de la década de 1960, la revista Ben y la Escuela de Artes Decorativas de Niza reunieron a varios artistas jóvenes, con Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla y su profesor Viallat, que terminaron siendo despedidos en 1966-67 por causar disturbios políticos. . Comprometidos en la exploración analítica y material de la pintura, Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen e Isnard se reunieron en el contexto de una exposición en la casa de Chacallis en Vieux-Nice en enero de 1971. Este evento fue la primera exposición oficial del Groupe 70, más tarde seguido de una invitación al teatro de Niza. La experiencia colectiva llegó a su fin en 1973 tras su participación en la VIII Bienal de París.

Entre 1968 y 1973, el crítico de arte y poeta Raphaël Monticelli y el artista Marcel Alocco crearon “INterVENTION”, reuniendo a los miembros del Groupe 70 y varios miembros de Supports / Surface para debates teóricos y organización de exposiciones. Fue entonces cuando Marcel Alocco comenzó su trabajo con las figuras, primero aplicando patrones estilizados en las sábanas, antes de cortarlos y deconstruirlos en sus famosos patchworks. Por último, al margen de esta investigación académica, Jacques Martínez, quien trabajó en el área, desveló su propio lenguaje pictórico, basado en los conceptos de superficies, materiales y acciones.

Proyectos
Cerca de un centenar de eventos al año hacen del museo un lugar para vivir y compartir. Visitas guiadas, talleres, encuentros con artistas o investigadores, giras de cuentacuentos, conferencias o proyecciones, visitas de danza, conciertos, performances y eventos, promueven la accesibilidad del arte contemporáneo a un público más amplio y transforman el museo en un patio de recreo para artistas de diferentes ámbitos. Durante todo el año, el equipo del museo construye una constelación de redes con empresas, asociaciones, estudiantes, trabajadores sociales para inventar programas específicos y formas de reinventar el museo.

Desde hace varios años, MAMAC está comprometida con nuevas lecturas activas de la historia del arte, ancladas en los problemas sociales contemporáneos; el realce de figuras singulares y la producción de nuevas historias. Nuestra relación con la naturaleza y la forma en que los artistas afrontan los desafíos ecológicos es uno de los temas clave planteados en el programa.

La sala de proyectos o galería contemporánea está dedicada a los experimentos o lenguajes visuales más actuales en el arte contemporáneo local e internacional.

Biblioteca
El museo cuenta con una biblioteca propia enfocada al panorama artístico internacional de posguerra, que reúne: Documentación relacionada con las actividades del museo: catálogos, grabados y folletos de artistas; Más de 13.000 catálogos de exposiciones, ensayos, monografías, revistas …

Rama
Entre otros organizó el MAMAC: Gustav Metzger. Recuerde la naturaleza (febrero de 2017); A propos de Nice. 1947 – 1977 (verano de 2017); Cosmogonies, au gré des éléments, una exposición colectiva multidisciplinar e histórica centrada en la co-creación con la naturaleza desde Yves Klein hasta Thu-Van Tran y Otobong Nkanga (verano de 2018); Inventing Dance: en Judson y sus alrededores, Nueva York, 1959-1970 (invierno de 2018); Le diable au corps. Quand l’Op art électrise le cinéma (verano de 2019) sobre la relación entre arte y cine en los años sesenta.

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