Danza moderna

La danza moderna como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de baile que busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción, como el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales del siglo XX y XXI.

Su origen se remonta a fines del siglo XIX. Al principio, se buscó una alternativa a la técnica estricta del ballet clásico, los bailarines comenzaron a aparecer bailando descalzos y haciendo saltos menos rígidos que los tradicionales en el escenario. Con el tiempo, aparecieron variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e incluso se introdujeron movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, los movimientos de danzas tribales e incluso el yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este estilo de baile renovado se llamaba danza moderna, pero su evolución a partir de finales de la década de 1940 condujo a la preferencia de usar la expresión a partir de entonces de la danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dan paso a un torbellino de mezclas de estilos, incluso sin ser claros a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen.

El coreógrafo generalmente toma decisiones creativas. Él o ella elige si la pieza tendrá un carácter abstracto o narrativo. Los bailarines son seleccionados en base a su habilidad y entrenamiento. La coreografía se determina en función de su relación con la música o los sonidos con los que se baila. El papel de la música en la danza contemporánea es diferente del de otros géneros, ya que puede servir de fondo para la pieza. El coreógrafo supervisa la elección de los trajes y su valor estético para la composición general de la actuación y también para ver cómo influye en los movimientos de los bailarines.

La danza moderna se considera a menudo como un rechazo o una rebelión contra el ballet clásico. Los factores socioeconómicos y culturales también contribuyeron a su desarrollo. A finales del siglo XIX, artistas de la danza como Isadora Duncan, Maud Allan y Loie Fuller fueron pioneros en nuevas formas y prácticas en lo que ahora se llama danza estética o libre para el rendimiento. Estos bailarines ignoraron el estricto vocabulario de movimientos del ballet, el conjunto particular y limitado de movimientos que se consideraban propios del ballet, y dejaron de usar corsés y zapatos de punta en la búsqueda de una mayor libertad de movimiento.

La danza moderna puede hablar sobre un concepto, proponer un entorno o presentar movimientos para lograr una cierta estética, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza clásica se construye a través de pasos existentes y siempre codificados, mientras que la danza contemporánea busca la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento según las necesidades del coreógrafo o el intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial; más bien está relacionado con el concepto de lo apolíneo. La danza moderna busca la conexión con lo terrenal, con lo humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; Está relacionado con el concepto de Dionisiaco.

A lo largo del siglo XX, las preocupaciones sociopolíticas, los principales acontecimientos históricos y el desarrollo de otras formas de arte contribuyeron al desarrollo continuo de la danza modernista en los Estados Unidos y Alemania. Pasando a la década de 1960, comenzaron a surgir nuevas ideas sobre la danza, como respuesta a las formas de danza anteriores y a los cambios sociales. Con el tiempo, los artistas de la danza posmoderna rechazarían el formalismo de la danza moderna e incluirían elementos como el arte interpretativo, la improvisación de contacto, la técnica de lanzamiento y la improvisación.

La danza moderna estadounidense se puede dividir (aproximadamente) en tres períodos o eras. En el período moderno temprano (hacia 1880-1923), caracterizado por el trabajo de Isadora Duncan, Loie Fuller, Ruth St. Denis, Ted Shawn y Eleanor King, la práctica artística cambió radicalmente, pero las técnicas de danza moderna claramente distintas todavía no emergió En el período Moderno Central (hacia 1923-1946), los coreógrafos Martha Graham, Doris Humphrey, Katherine Dunham, Charles Weidman y Lester Horton buscaron desarrollar estilos de movimiento y vocabularios distintivamente estadounidenses, y desarrollaron sistemas de entrenamiento de la danza claramente definidos y reconocibles. En el período Moderno tardío (hacia 1946-1957), José Limón, Pearl Primus, Merce Cunningham, Talley Beatty, Erick Hawkins, Anna Sokolow, Anna Halprin, Paul Taylor introdujeron el abstraccionismo claro y los movimientos vanguardistas, y allanaron el camino para danza postmoderna.

La danza moderna ha evolucionado con cada generación posterior de artistas participantes. El contenido artístico se ha transformado y cambiado de un coreógrafo a otro, al igual que los estilos y las técnicas. Artistas como Graham y Horton desarrollaron técnicas en el Período Moderno Central que todavía se enseñan en todo el mundo, y existen muchos otros tipos de danza moderna en la actualidad.

Fondo
La danza moderna se considera a menudo como un rechazo o una rebelión contra el ballet clásico, aunque los historiadores han sugerido que los cambios socioeconómicos tanto en los Estados Unidos como en Europa ayudaron a iniciar cambios en el mundo de la danza. En América, el aumento de la industrialización, el ascenso de una clase media (que tenía más ingresos disponibles y tiempo libre) y el declive de las restricciones sociales victorianas llevaron a, entre otros cambios, un nuevo interés en la salud y la buena forma física. «Fue en esta atmósfera que surgió una ‘nueva danza’ tanto por el rechazo de las estructuras sociales como por la insatisfacción con el ballet». Durante ese mismo período, «los campeones de la educación física ayudaron a preparar el camino para la danza moderna, y los ejercicios gimnásticos sirvieron como puntos de partida técnicos para las mujeres jóvenes que anhelaban bailar». Las universidades femeninas comenzaron a ofrecer cursos de «danza estética» a fines de la década de 1880. Emil Rath, quien escribió extensamente sobre esta forma de arte emergente en el momento indicado,

«La música y el movimiento corporal rítmico son hermanas gemelas del arte, ya que han existido simultáneamente … hoy vemos en el trabajo artístico de Isadora Duncan, Maud Allan y otros el uso de una forma de baile que se esfuerza por retratar en movimientos que el maestro de la música expresa en sus composiciones: baile interpretativo «.

Baile gratis
1877: Isadora Duncan fue predecesora de la danza moderna con su tensión en el centro o en el torso, los pies descalzos, el cabello suelto, los trajes sueltos y la incorporación del humor en la expresión emocional. Se inspiró en las artes clásicas griegas, danzas folclóricas, bailes sociales, la naturaleza, las fuerzas naturales y el nuevo atletismo estadounidense, como saltar, correr, saltar, brincar y movimientos abruptos. Ella pensó que el ballet era una gimnasia fea y sin sentido. Aunque regresó a los Estados Unidos en varios momentos de su vida, su trabajo no fue muy bien recibido allí. Ella regresó a Europa y murió en Niza en 1927.

1891: Loie Fuller (una bailarina de falda burlesca) comenzó a experimentar con el efecto que la iluminación de gas tenía en sus trajes de seda. Fuller desarrolló una forma de movimiento natural y técnicas de improvisación que se utilizaron junto con su equipo de iluminación revolucionario y trajes de seda translúcidos. Ella patentó sus aparatos y métodos de iluminación escénica que incluían el uso de geles de colores y productos químicos para la luminiscencia, y también patentó sus voluminosos trajes de seda.

1905: Ruth St. Denis, influenciada por la actriz Sarah Bernhardt y la bailarina japonesa Sada Yacco, desarrolló sus traducciones de la cultura y la mitología indias. Sus actuaciones rápidamente se hicieron populares y realizó numerosas giras mientras investigaba cultura y artes orientales.
Expresionista y danza moderna temprana en Europa

En Europa, Mary Wigman, Francois Delsarte, Émile Jaques-Dalcroze (Eurhythmics) y Rudolf Laban desarrollaron teorías del movimiento y la expresión humana, y métodos de instrucción que condujeron al desarrollo de la danza moderna y expresionista europea. Otros pioneros incluyeron a Kurt Jooss (Ausdruckstanz) y Harald Kreutzberg.

Danza radical
Preocupados por la Gran Depresión y la creciente amenaza del fascismo en Europa, los bailarines radicales intentaron aumentar la conciencia mediante la dramatización de las crisis económicas, sociales, étnicas y políticas de su época.

Hanya Holm, estudiante de Mary Wigman e instructora de la Wigman School de Dresde, fundó la Wigman School of Dance de Nueva York en 1931 (que se convirtió en Hanya Holm Studio en 1936) presentando la técnica de Wigman, las teorías de Laban sobre la dinámica espacial y luego su propias técnicas de baile a la danza moderna estadounidense. Una coreógrafa consumada, fue una de las artistas fundadoras del primer American Dance Festival en Bennington (1934). El trabajo de danza de Holm Metropolitan Daily fue la primera composición de danza moderna en ser televisada en NBC y su puntaje de labanotación para Kiss Me, Kate (1948) fue la primera coreografía en ser registrada en los Estados Unidos. Holm coreografió extensamente en los campos de la danza de concierto y el teatro musical.

Anna Sokolow: estudiante de Martha Graham y Louis Horst, Sokolow creó su propia compañía de danza (alrededor de 1930). Presentando imágenes dramáticas contemporáneas, las composiciones de Sokolow eran generalmente abstractas, a menudo revelando el espectro completo de la experiencia humana que refleja la tensión y la alienación del tiempo y la verdad del movimiento humano.

José Limón: en 1946, después de estudiar y actuar con Doris Humphrey y Charles Weidman, Limón estableció su propia compañía con Humphrey como director artístico. Fue bajo su tutela que Limón creó su baile característico La Pavane del moro (1949). Las obras y técnicas coreográficas de Limón siguen siendo una gran influencia en la práctica de la danza contemporánea.
Merce Cunningham, una ex estudiante de ballet y artista con Martha Graham, presentó su primer concierto en solitario en Nueva York con John Cage en 1944. Influenciado por Cage y adoptando la ideología modernista usando procesos posmodernos, Cunningham introdujo procedimientos aleatorios y movimiento puro a la coreografía y la técnica de Cunningham al cañón de las técnicas de baile del siglo XX. Cunningham sentó las bases de la danza posmoderna con su obra abstracta no lineal, no climática ni psicológica. En estos trabajos, cada elemento es en sí mismo expresivo, y el observador (en gran parte) determina lo que comunica.

Erick Hawkins: estudiante de George Balanchine, Hawkins se convirtió en solista y primer bailarín en la compañía de danza de Martha Graham. En 1951, Hawkins, interesado en el nuevo campo de la kinesiología, abrió su propia escuela y desarrolló su propia técnica (la técnica Hawkins), un precursor de la mayoría de las técnicas de danza somática.

Paul Taylor-Un estudiante de la Juilliard School of Music y la Connecticut College School of Dance. En 1952, su actuación en el American Dance Festival atrajo la atención de varios coreógrafos importantes. Actuando en las compañías de Merce Cunningham, Martha Graham y George Balanchine (en ese orden), fundó la Paul Taylor Dance Company en 1954. El uso de los gestos cotidianos y la ideología modernista es característico de su coreografía. Los ex miembros de Paul Taylor Dance Company incluyeron a Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner y Senta Driver.

Alwin Nikolais: estudiante de Hanya Holm. El uso de Nikolais de multimedia en obras como Masks, Props y Mobiles (1953), Totem (1960) y Count Down (1979) no tuvo comparación con otros coreógrafos. A menudo presentaba a sus bailarines en espacios constrictivos y trajes con sonidos y sets complicados, enfocaba su atención en las tareas físicas de superar los obstáculos que ponía en su camino. Nikolais veía al bailarín no como un artista de la autoexpresión, sino como un talento que podía investigar las propiedades del espacio físico y el movimiento.

Escuela Europea

Primera generación: pioneros europeos

Filósofos y pensadores

François Delsarte (francés, 1811-1871)
Él fue la inspiración para la danza contemporánea, en primer lugar con el nombre de «gimnasia expresiva» (Bode) o, más tarde, «gimnasia rítmica». Él afirma que los estados espirituales deben ser representados a través de las actitudes y movimientos del cuerpo como una unidad, y no solo de la cara. La preocupación por la técnica es mucho mayor que en la anterior. Divida el cuerpo en tres zonas variables:

Los miembros inferiores expresan fuerza
El torso y los brazos, expresan lo espiritual y emocional
Y la cabeza-cuello, el gesto, refleja el estado mental
Sus ideas fueron llevadas a los Estados Unidos. por uno de sus discípulos, Steele Mackaye, quien junto con Genevieve Sebbins difundió e introdujo estas ideas para las mejores escuelas de Nueva York.

En Europa es Hedwig Kallmeyer, un estudiante de Sebbins, quien difunde sus ideas. En 1930, fundó el Instituto de Cultura Expresiva y Corporal en Alemania, donde enseña el sistema Delsarte como una forma de educación física para mujeres, y con esto logra su inclusión en la escuela; también publica Belleza y salud, que es una reacción contra los movimientos gimnásticos tradicionales.

Delsarte desarrolla las «leyes del movimiento armonioso», que son:

Ley de la postura armónica: posición equilibrada y natural como la posición de descanso perfecta de las estatuas griegas.
Ley del movimiento opuesto: cada movimiento exige por principios de equilibrio un movimiento opuesto de los otros segmentos.
Ley de la función muscular armónica: la fuerza muscular debe estar directamente relacionada con el tamaño de los músculos.

Emile Jaques-Dalcroze (suizo, 1865-1950)
Él fue el creador de la gimnasia rítmica, euritmia. Era un hombre versátil: músico, coreógrafo, actor, compositor y pedagogo. Su conocimiento musical y corporal lo llevó a darse cuenta de la necesidad de aprender estas dos actividades para el desarrollo de la persona y desde allí comenzó a investigar las leyes del ritmo musical a través del movimiento corporal.

Las observaciones que hizo en sus estudiantes de solfeo en el Conservatorio de Ginebra fueron el origen de su método de gimnasia rítmica:

Observó que algunos progresaron auditivamente de una manera normal; sin embargo, carecían de la capacidad de medir los sonidos, el sentido de la duración y el ritmo de las sucesiones.
Descubrió que a menudo reaccionaban con movimientos involuntarios de ciertas partes del cuerpo como resultado de la música (por ejemplo, golpear el piso con los pies), lo que infiere que podría haber alguna relación entre la acústica y los centros nerviosos superiores.
No todos los niños reaccionaron de la misma manera. Muchos no pudieron coordinar sus movimientos, no respondieron correctamente al cuerpo de los nervios.

Sobre la base de estas observaciones, concluyó que:
Todo lo que es dinámico y dinámico en la música depende no solo de la oreja, sino también del tacto.
Consideró que la musicalidad puramente auditiva era incompleta.
La arritmia musical es el resultado de una arritmia general.
No es posible crear armonías musicales sin tener un estado musical armónico interno.
El método Dalcroze es un método de enseñanza musical a través del ritmo y el movimiento. Utiliza una variedad de movimientos como analogías para referirse a conceptos musicales, para desarrollar un sentimiento integrado y natural para la expresión musical. Para su método, señala tres elementos centrales: ritmo, solfeo e improvisación. Su objetivo es armonizar las facultades de percepción, conciencia y acción por parte del alumno. Su objetivo es regular las reacciones nerviosas del niño, desarrollar sus reflejos, proporcionarle automatismos temporales, luchar contra sus inhibiciones, refinar su sensibilidad y reforzar sus dinamismos.

Para Dalcroze, el ritmo no es un arte en sí mismo, sino un medio o instrumento para alcanzar las otras artes. Su contribución fue revolucionaria ya que fue el primero en señalar la importancia de la música en el desarrollo personal y para marcar los comienzos de lo que más tarde sería la musicoterapia.

Los contenidos de trabajo utilizados son:

ejercicios físicos de reacondicionamiento
ejercicios para la educación de la mente
estudio activo y creador del ritmo corporal.
estudio activo y creador del ritmo musical.

Creadores de técnicas

Rudolf Laban (húngaro, 1879-1958)
Interesado en las ciencias esenciales para comprender el movimiento, estudió matemáticas, física, química, anatomía y fisiología. Viajó por todo el mundo en busca de una actividad natural y cultivada. El ballet reclamaba su mayor atención. Era un enemigo declarado de los «puntos» y creía que el gesto expresivo debía dar lugar a una liberación total del alma y el cuerpo, en la misma línea que Isadora Duncan.

Labán elabora e interpreta los conceptos de movimiento y danza, definiendo tres sistemas:

Labanotación: es una forma de recordar movimientos por medio de símbolos. Se las arregla para establecer una técnica de lenguaje escrito y confiable de los movimientos, de los dinamismos, del espacio y de todas las acciones motoras del cuerpo.
La técnica del icosaedro: permite a los estudiantes de danza ver los puntos desde y hacia los que se mueven, mejorando su precisión en el movimiento.
La danza expresiva, libre y creativa o la danza educativa moderna: establece un conjunto de principios y conceptos sobre el movimiento con el propósito de servir como una guía para la investigación y la reflexión sobre la manera de efectuar y concebir el movimiento. De esta manera, el individuo, basado en temas específicos, debe explorar y familiarizarse con el movimiento, descubriendo su propia técnica y desarrollando su propio lenguaje corporal.
Para Labán, la danza es una forma de expresión corporal de un individuo o grupo, y cada uno tiene su propio baile; por eso la técnica del mismo debe facilitar diversas posibilidades de acción que lo hagan reforzar su personalidad.

Una sesión de danza contemporánea podría contener los siguientes elementos:

Entrenamiento corporal: cuerpo y acondicionamiento físico.
Estudio del movimiento: es el centro de la sesión; Se experimentan experiencias y secuencias de movimientos individuales y grupales.
Composición: verifica el dominio del tema trabajado anteriormente.
Observación consciente: observación de las composiciones anteriores para favorecer el espíritu crítico y la relajación activa o pasiva.

Otras contribuciones de Laban son:

Los coros de movimiento: que se caracterizan por el énfasis puesto en los movimientos idénticos de varios bailarines para expresar emociones.
Una técnica de los movimientos que los considera desde cuatro aspectos:
Tiempo: le interesan la velocidad, la lentitud y los cambios entre los dos (aceleración y desaceleración).
Peso: considere el movimiento fuerte y ligero. Los factores de tiempo y peso otorgan la cualidad dinámica al movimiento.
Espacio: se relaciona tanto con la forma en que nos movemos como con la dirección en la que lo hacemos.
Flujo: este factor penetra todo el movimiento y confiere la sensación de ser detenido o retenido.

Mary Wigman (alemán, 1886-1973)
Discípulo de RV Laban, aporta como elemento la «intuición creativa». Considera que el trabajo del bailarín es una vocación. Influyó en el entrenamiento de bailarines, creando su propia escuela. Su influencia en la evolución de la gimnasia moderna se basa en la exagerada expresividad de los gestos y la alternancia entre contracción y relajación, manteniendo actitudes tensas y tensas que varían hacia movimientos dinámicos y ritmos alegres. Utiliza diferentes etapas en su enseñanza y entrenamiento de la danza: parte de la danza sin ningún acompañamiento musical, luego introduce instrumentos de percusión (en los que se destacan los tambores) y finalmente llega la música.

Kurt Jooss (alemán, 1901-1979)
Fue profesor de alemán, bailarín y coreógrafo. Después de estudiar danza con Rudolf Laban, abrió una escuela y su compañía llamó Ballets Jooss. Se convirtió en profesor de danza en 1930 para la ópera en Essen, donde coreografió su ballet The Green
Segunda generación
Herald Kreutzberg
Gret Palucca
Vera Skonel
Dore Hoyer
El Sakharov: Alexandre Sakharov y Clotilde von Derp

Tercera generación
En medio de la Guerra Fría, la danza clásica contemporánea se desarrolló de maneras muy diferentes en diferentes países europeos. La influencia de las escuelas de Laban y Mary Wigman se ejerce sobre numerosos artistas y unos pocos intérpretes: coreógrafos que no logran crear una escuela aparecen en todas partes. Ni la situación económica (Europa se recupera de dos guerras) como la geopolítica (Europa dividida por el «Telón de Acero») favorecen la creación de escuelas o movimientos estables de Danza.

También es importante el establecimiento de varios coreógrafos y educadores norteamericanos, de Modern Dance en Francia, España, Suecia, Alemania y Austria. La difusión de las técnicas de Graham, Limón, Horton y Cunningham será importante en el desarrollo futuro de la danza europea actual.

En los Estados Unidos

Baile moderno temprano en América
En 1915, Ruth St. Denis fundó la escuela y compañía de danza Denishawn con su esposo Ted Shawn. St. Denis fue responsable de la mayor parte del trabajo creativo, y Shawn fue responsable de enseñar la técnica y la composición. Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Weidman fueron todos alumnos de la escuela y miembros de la compañía de danza. Al buscar una audiencia más amplia y más receptiva para su trabajo, Duncan, Fuller y Ruth St. Denis recorrieron Europa. El trabajo de Fuller también recibió poco apoyo fuera de Europa. St. Denis regresó a los Estados Unidos para continuar su trabajo.

Martha Graham a menudo es considerada como la madre fundadora de la danza de conciertos moderna del siglo XX. Graham veía el ballet como demasiado unilateral: europeo, imperialista y antiamericano. Se convirtió en estudiante en la escuela Denishawn en 1916 y luego se mudó a la ciudad de Nueva York en 1923, donde actuó en comedias musicales, salas de música y trabajó en su propia coreografía. Graham desarrolló su propia técnica de danza, la técnica Graham, que depende de los conceptos de contracción y liberación. En las enseñanzas de Graham, quería que sus alumnos «sintieran». Para «Sentir», significa tener una mayor sensación de conciencia de estar conectado a tierra en el piso, mientras que, al mismo tiempo, sentir la energía en todo su cuerpo, extendiéndolo a la audiencia. Sus principales contribuciones al baile son el enfoque del «centro» del cuerpo (como contraste al énfasis del ballet en las extremidades), la coordinación entre la respiración y el movimiento, y la relación de un bailarín con el piso.

1923: Graham deja a Denishawn para trabajar como solista en Greenwich Village Follies.
1928: Humphrey y Weidman abandonan Denishawn para establecer su propia escuela y compañía (Humphrey-Weidman).
1933: Shawn funda su grupo de baile masculino Ted Shawn y sus hombres bailarines con base en su granja Jacob’s Pillow en Becket, Massachusetts.
Después de deshacerse de las técnicas y los métodos de composición de sus maestros, los primeros bailarines modernos desarrollaron sus propios métodos e ideologías y técnicas de danza que se convirtieron en la base de la práctica de la danza moderna:

Martha Graham y Louis Horst

Doris Humphrey y Charles Weidman
Helen Tamiris, originalmente entrenada en movimiento libre (Irene Lewisohn) y ballet (Michel Fokine), Tamiris estudió brevemente con Isadora Duncan pero no le gustaba su énfasis en la expresión personal y el movimiento lírico. Tamiris creía que cada baile debe crear sus propios medios expresivos y, como tal, no desarrolló un estilo o técnica individual. Como coreógrafo, Tamiris hizo obras basadas en temas estadounidenses que trabajan tanto en la danza de concierto como en el teatro musical.

Lester Horton, eligiendo trabajar en California (a 3,000 millas de Nueva York, el centro de la danza moderna), Horton desarrolló su propio enfoque que incorporó diversos elementos, incluidas las danzas nativas americanas y el jazz moderno. La técnica de baile de Horton (Lester Horton Technique) enfatiza un enfoque de todo el cuerpo que incluye flexibilidad, fuerza, coordinación y conciencia corporal para permitir la libertad de expresión.

Popularización
En 1927, los periódicos comenzaron a asignar regularmente críticas de baile, como Walter Terry y Edwin Denby, quienes abordaron las presentaciones desde el punto de vista de un especialista en movimiento en lugar de como un crítico de música o drama. Los educadores aceptaron la danza moderna en los planes de estudio de la universidad y la universidad, primero como parte de la educación física y luego como arte escénico. Muchos profesores universitarios se formaron en la Escuela de Verano Bennington de la Danza, que se estableció en Bennington College en 1934.

Del programa de Bennington, Agnes de Mille escribió, «… hubo una buena mezcla de todo tipo de artistas, músicos y diseñadores, y en segundo lugar, porque todos los responsables de reservar las series de conciertos universitarios en todo el continente se reunieron allí. … libres de las limitaciones restrictivas de las tres grandes administraciones monopólicas, que presionaron por la preferencia de sus clientes europeos. Como consecuencia, por primera vez se contrataron bailarines estadounidenses para recorrer América a nivel nacional, y esto marcó el comienzo de su solvencia. »

Danza moderna afroamericana
El desarrollo de la danza moderna abrazó las contribuciones de artistas de la danza afroamericanos, independientemente de si hicieron obras de danza moderna pura o danza moderna mezclada con influencias africanas y caribeñas.

Katherine Dunham: una bailarina afroamericana y antropóloga. Originalmente una bailarina de ballet, fundó su primera compañía Ballet Negre en 1936 y más tarde la Katherine Dunham Dance Company con sede en Chicago, Illinois. En 1945, Dunham abrió una escuela en Nueva York donde enseñó Katherine Dunham Technique, una mezcla de movimiento africano y caribeño (torso y columna flexibles, pelvis articulada, aislamiento de las extremidades y movimiento polirrítmico) integrada con técnicas de ballet y danza moderna .

Pearl Primus: una bailarina, coreógrafa y antropóloga, Primus recurrió a danzas africanas y caribeñas para crear obras dramáticas fuertes caracterizadas por grandes saltos en el aire. Primus a menudo basó sus bailes en el trabajo de los escritores negros y en cuestiones raciales y afroamericanas. Primus creó obras basadas en Langston Hughes The Negro Speaks of Rivers (1944) y Lewis Allan’s Strange Fruit (1945). Su compañía de danza se convirtió en el Pearl Primus Dance Language Institute, que enseña su método de mezclar influencias afroamericanas, caribeñas y africanas con las técnicas modernas de danza y ballet.

Alvin Ailey: una estudiante de Lester Horton, Bella Lewitzky y más tarde Martha Graham, Ailey pasó varios años trabajando en danza de conciertos y teatro. En 1958, Ailey y un grupo de jóvenes bailarines afroamericanos actuaron como el Alvin Ailey American Dance Theatre en Nueva York. Ailey se inspiró en sus «recuerdos de sangre» de Texas, el blues, el espiritual y el evangelio como inspiración. Su obra más popular y aclamada por la crítica es Revelations (1960).

Legado de la danza moderna
El legado de la danza moderna se puede ver en el linaje de las formas de baile de concierto del siglo XX. Aunque a menudo producen formas de danza divergentes, muchos artistas de danza seminal comparten un legado común que se remonta a la danza libre.

Danza posmoderna
La danza posmoderna se desarrolló en la década de 1960 en Estados Unidos cuando la sociedad cuestionó verdades e ideologías en política y arte. Este período estuvo marcado por la experimentación social y cultural en las artes. Los coreógrafos ya no crearon ‘escuelas’ o ‘estilos’ específicos. Las influencias de los diferentes períodos de la danza se volvieron más vagas y fragmentarias. Es muy común que la danza posmoderna se realice con poca o ninguna música.

Danza contemporánea
La danza contemporánea surgió en la década de 1950 como la forma de danza que combina los elementos de danza moderna y los elementos de ballet clásico. Puede usar elementos de culturas de baile no occidentales, como el baile africano con las rodillas dobladas como rasgo característico, y Butoh, danza contemporánea japonesa que se desarrolló en la década de 1950. También se deriva de temas europeos modernos como elementos poéticos y cotidianos, líneas discontinuas, movimientos no lineales y repetición. Muchos bailarines contemporáneos son entrenados diariamente en el ballet clásico para mantenerse al día con el tecnicismo de la coreografía. Estos bailarines tienden a seguir ideas de movimientos corporales eficientes, ocupando espacio y prestando atención a los detalles. La danza contemporánea incluye danza de concierto y comercial debido a que las líneas están siendo difuminadas por la cultura pop y los programas de televisión. Según Treva Bedinghaus, «los bailarines modernos usan el baile para expresar sus emociones más íntimas, a menudo para acercarse a su yo interno. Antes de intentar una rutina de coreografía, el bailarín moderno decide qué emociones intentar transmitir a la audiencia. elija un tema cercano y querido para sus corazones, como un amor perdido o un fracaso personal. El bailarín elegirá la música que se relaciona con la historia que desea contar, o decidirá no usar música en absoluto, y luego elegirá un disfraz para reflejar sus emociones elegidas «.