Arte Moderno y Contemporáneo, Museo de Bellas Artes de Virginia

La colección moderna y contemporánea del Museo de Bellas Artes de Virginia incluye arte europeo después de 1900, arte estadounidense después de 1950 y una colección global de arte del siglo XXI.

Expresionismo alemán
La mayor parte del arte expresionista alemán de VMFA fue comprado originalmente de 1905 a 1925 por Ludwig y Rosy Fischer, coleccionistas con visión de futuro de Frankfurt, Alemania. La colección más tarde pasó a sus hijos, Max y Ernst. En 1934, Ernst y su esposa, Anne, abandonaron Alemania y finalmente se establecieron en Richmond. En 2009, VMFA adquirió la mitad de la colección de Ernst, alrededor de 200 obras, a través de un acuerdo de compra de regalos. Dos obras adicionales representan la mitad de la colección de Max Fischer.

La colección de Sydney y Francis Lewis
Sydney y Frances Lewis donaron más del ochenta por ciento del arte desde la década de 1950 hasta la década de 1980 que se exhibe actualmente en VMFA. Su colección comenzó modestamente a principios de los años sesenta, pero a fines de los años sesenta, alcanzaron el nivel más alto de aquellos que coleccionaban arte contemporáneo estadounidense. En 1985, los Lewises dieron lo mejor de su colección privada a VMFA. Las galerías Sydney y Frances Lewis de VMFA ahora representan una de las mejores colecciones de posguerra en un museo integral en los Estados Unidos.

Arte del siglo XXI
Con obras de artistas globales, la colección de VMFA refleja la naturaleza expandida del arte contemporáneo. La movilidad y la diversidad le han dado al arte del siglo XXI una calidad caleidoscópica sin estilo, medio o movimiento dominante. Las nuevas tecnologías reflejan el trabajo realizado en formatos innovadores y tradicionales. En los últimos años, los regalos de donantes como Pamela K. y William A. Royall, Jr. han catalizado el crecimiento de la colección de VMFA, con un compromiso especialmente fuerte con los artistas afroamericanos.

Reflejos
La Colección Ludwig y Rosy Fischer del Expresionismo alemán y la Colección T. Catesby Jones del Modernismo francés brindan ejemplos sobresalientes de arte europeo a principios del siglo XX. La colección de Sydney y Frances Lewis representa el arte icónico estadounidense desde la década de 1950 hasta la década de 1980, más el arte europeo de la década de 1980. Con el apoyo de donantes como Pamela K. y William A. Royall, Jr., nuestra colección dinámica y diversa de arte contemporáneo continúa creciendo.

Seis bailarines
Ernst Ludwig Kirchner, alemán, 1880-1938
Al pintar tanto la piel como el vestuario de cada una de estas bailarinas del mismo color malva intenso, Kirchner las convirtió en muñecas. Sus posturas rígidas e incómodas aumentan aún más esta impresión, lo que sugiere que Kirchner estaba tan interesado en escenificar el ritmo general y la armonía de la imagen como en las figuras mismas. La atención de Kirchner al diseño, junto con su brillante paleta, es paralela al arte de Matisse y los Fauvists, mientras que la pincelada distintiva y el espacio plano recuerdan el trabajo de Cézanne.

Melodía de mamá ganso
Helen Frankenthaler, estadounidense, 1928 – 2011
El pintor hace algo mágico, espacial y vivo en una superficie plana y con materiales inertes. Esa magia es lo que hace que una pintura sea única y necesaria. La pintura, en muchos sentidos, es una ilusión gloriosa. —Helen Frankenthaler

En Mother Goose Melody, Frankenthaler combina las salpicaduras gestuales y las gotas de la pintura expresionista abstracta con la innovadora técnica de lienzo teñido que ayudó a iniciar en 1952. La variedad de colores, formas y líneas hace que esta composición sea rítmica y dinámica. La forma roja en espiral a la derecha contrarresta el área densa de color a la izquierda, mientras que la ancha banda amarilla que se extiende por la parte inferior une a ambos. La artista señaló que las tres formas marrones podían referirse a ella y a sus dos hermanas, y que las líneas rojas y negras “formaban una especie de figura de cigüeña, todo tenía una sensación de canción de cuna”.

Sinopsis de una batalla
Cy Twombly, estadounidense, 1928-2011
“Lo que estoy tratando de establecer es que el arte moderno no está dislocado, sino algo con raíces, tradición y continuidad. Para mí, el pasado es la fuente (porque todo el arte es vitalmente contemporáneo). ”- Cy Twombly (De la solicitud de beca de 1952 al Museo de Bellas Artes de Virginia)

Las composiciones vibrantes y despreocupadas de Cy Twombly, nacido en Virginia, a menudo aluden a temas históricos y mitológicos. En Sinopsis de una batalla, lo que parecen ser garabatos al azar, como tizas en una pizarra gris pizarra, en realidad son signos y símbolos dibujados y pintados que se refieren a un evento específico: la Batalla de Issus (333 a. C.), en la que Alejandro Magno derrotó a Darío. del ejército mucho más grande de Persia.

Entre las crípticas marcas de graffiti de la obra, las palabras “Issus” (arriba a la izquierda) y “flanco” (izquierda y derecha) proporcionan pistas sobre el tema militar de la pintura. La forma radiante o flanqueante sugiere diagramas de movimientos de tropas.

Twombly combina la energía del gesto expresionista abstracto con los impulsos simplificadores del minimalismo. La pintura también refleja la actitud inquisitiva del arte conceptual. Twombly está interesado en el lenguaje como una forma visual y una construcción mental, aquí capaz de traer el pasado vitalmente al presente.

Entre el reloj y la cama
Jasper Johns, estadounidense, nacido en 1930
“Estaba viajando en un automóvil, yendo a los Hamptons durante el fin de semana, cuando un automóvil vino en la dirección opuesta. Estaba cubierto con estas marcas, pero solo lo vi por un momento, luego desapareció, solo un breve vistazo. Pero inmediatamente pensé que lo usaría para mi próxima pintura. ”—Jasper Johns

Las marcas de sombreado aparecen como detalles o como un patrón general en muchas de las pinturas y grabados de John, comenzando a principios de la década de 1970. En Between the Clock and the Bed, lo que al principio parecen ser marcas aleatorias son, de hecho, un sistema cuidadosamente estructurado de patrones repetidos e invertidos. Las secciones izquierda y derecha de la pintura de tres partes se reflejan casi exactamente.

Las pinturas de John son a menudo acertijos visuales en capas densas que exploran las paradojas inherentes a los polos gemelos de la pintura: abstracción y representación. El título de esta pieza, Between the Clock and the Bed, proviene de un autorretrato tardío del artista noruego Edvard Munch (1863-1944), después de que Johns notó la semejanza entre su propio patrón de marca de sombreado y el patrón de la colcha de Munch.

Triple Elvis
Andy Warhol, estadounidense, 1928-1987
“En mi trabajo de arte, la pintura a mano tomaría demasiado tiempo y de todos modos esa no es la edad en que vivimos. Los medios mecánicos son hoy. . . El trabajo en serigrafía es un método tan honesto como cualquier otro, incluida la pintura a mano. ”—Andy Warhol

Warhol basó este retrato machista convertido en pistolero de Elvis Presley en una fotografía publicitaria de la Estrella Flaming occidental de 1960. Esta personalidad pública, tan cuidadosamente empaquetada como la sopa de Campbell, era ideal para los objetivos de Warhol y para su enfoque en la apariencia superficial en lugar de la interpretación psicológica. La repetición de Warhol de imágenes idénticas y su técnica de serigrafía a menudo aluden a la omnipresencia de la cultura del consumidor. Las múltiples figuras superpuestas aquí también sugieren fotogramas de películas individuales y movimiento cinemático, mientras que el fondo metálico del trabajo evoca la pantalla plateada de Hollywood.

La historia del arte no es lineal
Ryan McGinness, estadounidense, nacido en 1972
“La historia del arte no es lineal; aunque a menudo se enseña como tal. La cultura es una red multidimensional que se alimenta y construye sobre sí misma en una mezcla que trasciende el tiempo”. —Ryan McGinness

Nacido y criado en Virginia Beach y ahora con sede en Nueva York, McGinness es conocido internacionalmente por su exuberante matrimonio de abstracción y representación. Su temprano interés en el diseño, la ilustración y la cultura popular lo llevó a un estilo plano y limpio de imágenes audaces como logol. Se refiere a sus imágenes como iconos, un guiño a su interés en fusionar la cultura corporativa y las bellas artes.

Esta pintura multiparte fue encargada específicamente para su ubicación actual. Sus doscientos iconos se basan en obras de la colección de VMFA, que McGinness estudió durante varios años a través de la observación directa, la investigación de libros y las visitas al sitio web del museo. McGinness reinterpretó las obras a través de un proceso de dibujo a mano y diseño por computadora, produciendo un repertorio de nuevos iconos representativos. Con la intuición como su guía, luego combinó las nuevas imágenes usando el proceso de serigrafía para crear un conjunto de pinturas vibrantes y densamente estratificadas que juntas sirven como una introducción a las propiedades del museo.

Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, Estados Unidos
El Museo de Bellas Artes de Virginia, o VMFA, es un museo de arte en Richmond, Virginia, en los Estados Unidos, que se inauguró en 1936.

El museo es propiedad y está operado por la Commonwealth de Virginia, mientras que las donaciones privadas, las donaciones y los fondos se utilizan para el apoyo de programas específicos y toda la adquisición de obras de arte, así como apoyo general adicional. La entrada en sí es gratuita (excepto para exhibiciones especiales). Es uno de los primeros museos en el sur de Estados Unidos en ser operado por fondos estatales. También es uno de los museos de arte más grandes de América del Norte. VMFA se ubica como uno de los diez mejores museos de arte integrales en los Estados Unidos.

El Museo de Bellas Artes de Virginia, junto con la Sociedad Histórica de Virginia adyacente, ancla el epónimo “Distrito de los Museos” de Richmond (alternativamente conocido como “West of the Boulevard”).