Colección de Arte Moderno Parte 2, Modernismo, Museo Nacional de Arte de Cataluña

Como escenario del poder burgués y la lucha de clases, la ciudad en crisis a principios de siglo también fue el escenario por excelencia del arte moderno. Todos los efectos de la industrialización, de la tecnificación, del mercado de bienes de lujo y de los nuevos mercados de masas en consumo, moda y entretenimiento, de la exaltación de la imagen y de la violencia iconoclasta, de la construcción y la destrucción, de la libertad y la represión. se encuentran allí. El artista moderno, en su doble capacidad como dandy y bohemio, cree que puede frecuentar todos sus estratos, desde los salones de la burguesía, sus clientes, hasta la taberna, el burdel, el music hall o la calle, donde él identifica su libertad bohemia con la de los marginados y los desposeídos. En la ciudad, las artes tradicionales encuentran su lugar entre las artes y oficios y los nuevos medios de comunicación –fotografía, ilustración, cine– para crear los estilos del siglo XX. El modernismo era el equivalente en Barcelona a movimientos como el Art Nouveau, Sezession, Jugendstil o Liberty, nombres en los que están presentes los conceptos de novedad, ruptura y juventud. Al igual que en estos casos, el modernismo abarcó no solo el arte sino todos los campos de la cultura, la vida social y la política, y fue decisivo en la producción simbólica del nacionalismo catalán de principios de siglo.

El Museo Nacional de Arte de Cataluña reabrió el primer piso del museo, dedicado al arte moderno, después de un proceso de renovación de las colecciones, las galerías y la museografía. La nueva pantalla ofrece una nueva narrativa crítica y compleja que evita la mera sucesión de estilos y nombres e incluye todas las producciones artísticas de la época: escultura y pintura, dibujos y grabados, fotografía, carteles, cine, arquitectura y artes decorativas. Ahora existe una mayor presencia de elementos que lo ayudarán a comprender el contexto social, histórico y artístico, y que resaltan las conexiones internacionales de artistas y movimientos de Barcelona y Cataluña. La nueva exhibición llega por primera vez hasta la década de 1950, incluido el movimiento Dau al Set (el primer movimiento artístico posterior a la Segunda Guerra Mundial en Cataluña).

La exposición permanente de arte moderno se divide en cuatro secciones y un epílogo: El ascenso del artista moderno, Modernismo (s), Novecentismo (s), Arte y Guerra Civil, y El renacimiento vanguardista de los años de la posguerra.

Destacar

Art Nouveau en Paris
Durante los años del cambio de siglo, París fue la capital de la modernidad. Un centro indiscutible para la moda y el mercado de artículos de lujo, fue también el centro del mercado de masas y del popular mercado del ocio y de los nuevos medios: publicidad, carteles, etc. París ofreció las condiciones adecuadas para un arte independiente: influyente críticos, abundantes publicaciones, encuentros intelectuales de todo tipo, galeristas y clientes interesados ​​en las vanguardias. Cualquier artista moderno tuvo que probar suerte aquí y el hecho es que muchos de ellos, llegando de todas partes del mundo, produjeron su mejor trabajo en esos breves años de París, bajo el impacto de la ciudad del entretenimiento.

Art Nouveau en Barcelona
Si había un lugar en Barcelona que representaba la modernidad con raíces parisinas, esta era la taberna Els Quatre Gats (1897-1903), fundada por un grupo de artistas que habían vivido en París –Casas, Rusiñol, Utrillo– y dirigida por Pere Romeu, una de las figuras centrales de la bohemia Barcelona. Además de promocionar revistas y otras publicaciones, reunió a entusiastas y artistas de diferentes edades, incluido, como es bien sabido, el joven Picasso. Al igual que los lugares de Montmartre que lo inspiraron, fue el hogar de exposiciones, conciertos y espectáculos de marionetas, coincidiendo con la invención del cine, del cual Barcelona se convertiría en un importante centro de producción.

El pintor de la vida moderna
En The Painter of Modern Life, un ensayo publicado en 1863, Baudelaire identificó el arte con lo fugaz y circunstancial, lo inconstante que caracteriza a la modernidad, y el artista con el flâneur, el eufórico y curioso «paseante» que se desvanece entre la multitud. El teatro y el music-hall, el bulevar y el parque, la noche, la moda, el maquillaje femenino … son los lugares y objetos de esta vida moderna, inseparable del ritmo de la ciudad de las masas, que se ha convertido en un espectáculo en sí mismo. Alrededor de 1900, en París o en Barcelona, ​​como en tantas ciudades europeas, los artistas parecían culminar el papel que les asignó Baudelaire.

La casa de los «modernistas»
Durante la segunda mitad del siglo XIX, como reacción a la producción ornamental industrializada y producida en masa, los oficios tradicionales revivieron en toda Europa. Artistas y arquitectos diseñaron todo, desde vitrinas hasta pavimentos, y artesanos de todo tipo –cabineros, tapiceros, orfebres, herreros, alfareros, vidrieros, etc.– encontraron un hogar común en una arquitectura que soñaba con conducir una nueva armonía en el artes y oficios tanto como anhelaba la síntesis del arte y la vida. Frente a una ciudad dividida por la violencia y la lucha de clases –recuerda que Barcelona tenía un floreciente movimiento de la clase trabajadora en esos días y era conocida en todo el mundo como la Rosa de Fuego–, el hogar se convirtió en el refugio ideal para esa utopía burguesa.

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Antoni Gaudí y Josep Maria Jujol
Gaudí es el nombre más conocido del Modernismo y es, con mucho, su figura más destacada. Pero en lugar de verlo como un genio aislado, como ha sucedido tantas veces, deberíamos ubicarlo en el rico contexto de Barcelona a principios de siglo. Su obra no surgió de su imaginación solitaria, sino que llevó las aspiraciones que caracterizan el Modernismo al extremo más radical, en particular las de su arquitectura: lograr la síntesis de las artes y oficios, del arte y la vida, bajo el liderazgo de la arquitecto. A pesar de todo, y en vista de su radicalismo, Gaudí tuvo pocos alumnos. Jujol, que trabajó con Gaudí alrededor de 1906, fue la única persona capaz de preservar la tensión del maestro en su trabajo, utilizando un enfoque que finalmente convergió con las técnicas de las vanguardias: collage, ensamblaje, etc.

Conservadores «modernistas»
Existen innumerables lados en la producción simbólica de la modernidad y muchos de ellos son, paradójicamente, conservadores. Tanto la Iglesia como las instituciones de la burguesía desarrollaron arte público monumental –arquitectura, escultura, pintura mural, etc.– que, a través de las técnicas de la modernidad, transmitía un mensaje tradicional de poder y jerarquía. Los propios artistas encontraron formas adecuadas en los circuitos convencionales del mercado (galerías, exposiciones o salones) para satisfacer la conciencia culpable de la burguesía: la pobreza, la vejez, las dificultades humanas, la caridad o el sentimentalismo religioso se convirtieron en temas artísticos exitosos.

Simbolismos 1
A finales del siglo XIX, hubo una serie de reacciones contra el realismo y el naturalismo que tomaron el nombre general de Simbolismo. En el campo del arte, esta reacción también fue contra la falta de trascendencia en el impresionismo y lo que se propuso fue el idealismo dominado por los valores poéticos y espirituales. Pero el simbolismo, que también se expresó en la fotografía, la ilustración y el póster, era de muchos tipos diferentes: desde el más suave, con vínculos con el sentimentalismo religioso o el mundo de los cuentos de hadas, hasta el más inquietante, vinculado al erotismo, el mal y el Temores individuales y colectivos de la época.

Bohemia, miserabilismo y pintura negra.
El pensamiento bohemio lleva al artista a interesarse por el lado más oscuro y primitivo de la sociedad en la que vive. Esto puede suceder como una reacción al pintoresco oficial o al sentimentalismo religioso o como una identificación perturbadora con las infamias de las dificultades y la «degeneración». El caso de Nonell y sus retratos de mendigos, cretinas o, especialmente, de mujeres gitanas, siempre diferentes pero siempre iguales, fue uno de los puntos álgidos de la ideología bohemia.

Simbolismos 2
Los valores poéticos y espirituales sostenidos por el simbolismo y su deseo de trascendencia contra el anti-idealismo del realismo y el impresionismo también se reflejaron en los formatos de sus pinturas o fotografías, que a veces intentaron evocar las del arte religioso. En oposición a la sencilla pintura de caballete que es característica de la modernidad, el simbolismo propuso la complejidad del ciclo o el retablo –tríptico o políptico– y extendió el trabajo desde el interior de la pintura hasta el diseño del marco.

Museo Nacional de Arte de Cataluña
El Museo Nacional de Arte de Cataluña, también conocido por sus siglas MNAC, es un museo de arte en la ciudad de Barcelona que reúne todas las artes cuya misión es preservar y exhibir la colección del mundo más importante del arte catalán, mostrando todo desde el románico hasta el presente. Su actual director es Josep Serra.

El MNAC es un consorcio con personalidad jurídica propia constituido por la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona y la Administración General del Estado. Además de las administraciones públicas, los individuos y las entidades privadas que colaboran con la administración están representados en el consejo de administración del museo.

La sede principal se encuentra en el Palacio Nacional de Montjuïc, inaugurado en 1929 con motivo de la Exposición Internacional. Otras tres instituciones también forman parte del museo en su conjunto: la Biblioteca del Museo Víctor Balaguer en Vilanova i la Geltrú, el Museo Garrotxa en Olot y el Museo Cau Ferrat en Sitges, cuya gestión es independiente y su titularidad se basa en los respectivos consejos. .

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