El arte moderno incluye el trabajo artístico producido durante el período que se extiende aproximadamente desde la década de 1860 hasta la década de 1970, y denota los estilos y la filosofía del arte producido durante esa época. El término generalmente se asocia con el arte en el cual las tradiciones del pasado han sido dejadas de lado en un espíritu de experimentación. Los artistas modernos experimentaron con nuevas formas de ver y con nuevas ideas sobre la naturaleza de los materiales y las funciones del arte. Una tendencia alejada de la narrativa, que era característica de las artes tradicionales, hacia la abstracción es característica de mucho arte moderno. La producción artística más reciente a menudo se llama arte contemporáneo o arte posmoderno.

El arte moderno comienza con la herencia de pintores como Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Georges Seurat y Henri de Toulouse-Lautrec, todos ellos esenciales para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y otros artistas jóvenes como los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy, Jean Metzinger y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con paisajes «salvajes», multicolores y expresivos. y figuras de pinturas que los críticos llamaron Fauvismo. Las dos versiones de Matisse de The Dance significaron un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. Reflejaba la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo: el intenso color cálido de las figuras sobre el fondo verde azulado y la sucesión rítmica de los desnudos dan lugar a los sentimientos de liberación emocional y hedonismo.

Inicialmente influenciado por Toulouse-Lautrec, Gauguin y otros innovadores de finales del siglo XIX, Pablo Picasso realizó sus primeras pinturas cubistas basadas en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d’Avignon (1907), Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y radical que representa una escena burda y primitiva de burdel con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerdan las máscaras tribales africanas y sus propios inventos cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Picasso y Georges Braque, ejemplificado por Violin y Candlestick, París, desde 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y varios otros artistas en la década de 1920. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y una gran variedad de temas fusionados.

La noción de arte moderno está estrechamente relacionada con el modernismo.

Historia del arte moderno

Raíces en el siglo XIX
Aunque la escultura y la arquitectura modernas se calcula que surgieron a fines del siglo XIX, los comienzos de la pintura moderna pueden ubicarse antes. La fecha más comúnmente identificada como marca del nacimiento del arte moderno es 1863, el año en que Édouard Manet mostró su pintura Le déjeuner sur l’herbe en el Salon des Refusés en París. También se propusieron fechas anteriores, entre ellas 1855 (el año en que Gustave Courbet exhibió The Artist’s Studio) y 1784 (el año en que Jacques-Louis David completó su pintura The Oath of the Horatii). En palabras del historiador del arte H. Harvard Arnason: «Cada una de estas fechas tiene importancia para el desarrollo del arte moderno, pero ninguna marca categóricamente un comienzo completamente nuevo … Una metamorfosis gradual tuvo lugar en el curso de cien años. »

Los hilos de pensamiento que finalmente llevaron al arte moderno se remontan a la Ilustración, e incluso al siglo XVII. El importante crítico de arte moderno Clement Greenberg, por ejemplo, llamó a Immanuel Kant «el primer verdadero modernista» pero también hizo una distinción: «La Ilustración criticada desde el exterior … El Modernismo critica desde adentro». La Revolución francesa de 1789 arrancó de raíz supuestos e instituciones que durante siglos habían sido aceptados con pocas preguntas y que habían acostumbrado al público a un vigoroso debate político y social. Esto dio lugar a lo que el historiador de arte Ernst Gombrich llamó una «autoconciencia que hizo que las personas seleccionaran el estilo de su edificio a medida que uno selecciona el patrón de un fondo de pantalla».

Los pioneros del arte moderno eran románticos, realistas e impresionistas. A fines del siglo XIX, comenzaron a surgir movimientos adicionales que debían influir en el arte moderno: el postimpresionismo y el simbolismo.

Las influencias sobre estos movimientos fueron variadas: desde la exposición a artes decorativas orientales, particularmente el grabado japonés, a las innovaciones colorísticas de Turner y Delacroix, a la búsqueda de más realismo en la representación de la vida común, como se encuentra en el trabajo de pintores como Jean -François Millet. Los defensores del realismo se opusieron al idealismo del arte académico tradicional que gozaba del favor público y oficial. Los pintores más exitosos de la época trabajaron a través de comisiones o mediante grandes exhibiciones públicas de su propio trabajo. Hubo sindicatos oficiales de pintores patrocinados por el gobierno, mientras que los gobiernos celebraban regularmente exhibiciones públicas de nuevas artes de bellas artes y artes decorativas.

Los impresionistas argumentaron que las personas no ven los objetos sino solo la luz que reflejan, y por lo tanto los pintores deberían pintar con luz natural (plein air) en lugar de los estudios y capturar los efectos de la luz en su trabajo. Los artistas impresionistas formaron un grupo, Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Asociación de Pintores, Escultores y Grabadores») que, a pesar de las tensiones internas, montó una serie de exposiciones independientes. El estilo fue adoptado por artistas en diferentes naciones, en preferencia a un estilo «nacional». Estos factores establecieron la opinión de que era un «movimiento». Estos rasgos -establecimiento de un método de trabajo integral para el arte, establecimiento de un movimiento o núcleo de apoyo activo y visible, y adopción internacional- serían repetidos por movimientos artísticos en el período Moderno en el arte.

Principios del siglo 20
Entre los movimientos que florecieron en la primera década del siglo XX se encuentran el fauvismo, el cubismo, el expresionismo y el futurismo.

Durante los años comprendidos entre 1910 y el final de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo, surgieron varios movimientos en París. Giorgio de Chirico se mudó a París en julio de 1911, donde se unió a su hermano Andrea (el poeta y pintor conocido como Alberto Savinio). A través de su hermano conoció a Pierre Laprade, miembro del jurado en el Salon d’Automne donde exhibió tres de sus obras de ensueño: Enigma del Oráculo, Enigma de una Tarde y Autorretrato. Durante 1913 expuso su obra en el Salon des Indépendants y Salon d’Automne, y su obra fue notada por Pablo Picasso, Guillaume Apollinaire y muchos otros. Sus pinturas convincentes y misteriosas se consideran instrumentales para los comienzos del surrealismo. Song of Love (1914) es una de las obras más famosas de De Chirico y es un ejemplo temprano del estilo surrealista, aunque fue pintado diez años antes de que el movimiento fuera «fundado» por André Breton en 1924.

La Primera Guerra Mundial puso fin a esta fase, pero indicó el comienzo de una serie de movimientos antiarte, como Dada, incluida la obra de Marcel Duchamp, y del surrealismo. Grupos de artistas como De Stijl y Bauhaus desarrollaron nuevas ideas sobre la interrelación de las artes, la arquitectura, el diseño y la educación artística.

El arte moderno se introdujo en los Estados Unidos con el Armory Show en 1913 y a través de artistas europeos que se mudaron a los Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial.

Rechazo
El rechazo al arte moderno fue muy fuerte desde que el concepto comenzó a acuñarse, no solo en los ambientes sociales y conservadores que los artistas modernos intentaban difundir, sino entre intelectuales que tomaron su análisis muy en serio, como lo fueron, en España, por Eugenio d’Ors, autor de la frase lapidaria: Todo lo que no es tradición, es plagio; o José Ortega y Gasset, que tituló una de sus obras: La deshumanización del arte.

El comunismo soviético y el fascismo italiano, que desde sus inicios y durante la década de 1920 estuvieron estrechamente ligados a la vanguardia (constructivismo, futurismo), probaron desde 1930 la necesidad de canalizar su manipulación propagandística en el campo de la estética a través de un arte mucho más fácilmente digerible por las masas. Encontraron soluciones casi idénticas en lo que se conocía como el realismo socialista o el arte fascista. En el caso del nazismo, identificó el arte moderno con lo que llamó el arte degenerado de las razas dementes e inferiores, en oposición a los valores de una estética aria prevista o el arte ario. Sin embargo, la persecución de los judíos y la ocupación alemana de Europa durante la Segunda Guerra Mundial dio oportunidad al saqueo más o menos disfrazado de muchas piezas de arte moderno por parte de los líderes nazis (que no lo destruyeron, sino a quién se apropiaron).

Simultáneamente, el capitalismo estadounidense, por su parte, asumió el arte moderno con gran dinamismo, involucrándolo en el proceso productivo y aprovechando sus grandes posibilidades para el mercado.

Impresionismo y vanguardia
El impresionismo y el post – impresionismo marcaron un decidido experimentar con nuevos modos de representación de la luz y el espacio a través del color y el arte de la pintura, y la vibración de la materia en la escultura (Rodin). En los años previos a la Primera Guerra Mundial, se produjo una explosión de creatividad con el fovismo, el cubismo, el expresionismo y el futurismo.

La Primera Guerra Mundial trajo consigo el final de esta fase, pero indicó el comienzo de una serie de movimientos antiartísticos, como el dado y el trabajo de Marcel Duchamp y el surrealismo. También grupos como Stijl y Bauhaus acababan de comenzar a desarrollar nuevas ideas sobre la interrelación de las artes, la arquitectura, el diseño y la educación artística.

Estados Unidos
El concepto vanguardista del arte moderno se introdujo en los Estados Unidos en el Armory Show de 1913, y especialmente con la llegada de artistas que huyeron de Europa a causa de la Primera Guerra Mundial, como Francis Picabia. Sin embargo, París continuó siendo la capital del arte durante todo el período de entreguerras, condición que no llegó a Nueva York hasta la Segunda Guerra Mundial. En los años cincuenta, sesenta y setenta aparecieron, por primera vez en la historia del arte, estilos surgidos en Estados Unidos (expresionismo abstracto, op art, pop art, minimalismo, happening, Fluxus, land art, performance, arte conceptual, fotorrealismo, etc.)

La muerte del arte y el fin de la modernidad
La teoría postestructuralista ha acuñado el término «posmoderno» para describir la imposibilidad de crear desde los preceptos de originalidad y novedad (elementos propios de la modernidad); en cambio, apunta a elementos tales como reinterpretaciones y resignificaciones (el llamado «giro lingüístico») 10 para ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.

El cuestionamiento del arte como institución era mucho más antiguo. Tal era la posición de Marcel Duchamp, ejemplificada en su obra Fuente (1917), un objeto cotidiano descontextualizado y exhibido provocativamente como una obra de arte (un urinario volcado). La provocación estética, que provenía del damnismo, el dandismo y el decadentismo del siglo XIX (que pretendía épater le bourgeois – escandalizar a la burguesía), 11 se convirtió en un lugar común en el período de entreguerras (dadaísmo y surrealismo) y se extendió en mediados del siglo XX con happenings, el teatro del absurdo y otras provocaciones estéticas del entorno cultural existencialista, beatniks y psicodelia y pop art posteriores. La imposibilidad de continuar manteniendo una separación ficticia entre el arte y el resto de los productos se evidenció en el trabajo de artistas como Robert Rauschemberg y Andy Warhol, quienes lo identificaron explícitamente con otros productos de consumo masivo; la expresión teórica ocurrió en los escritos de Rosalind Kraus y la escuela postestructuralista, o críticos como Giulio Carlo Argan (quien acuñó el concepto de la muerte del arte).

A finales del siglo XX, en el contexto intelectual del «giro lingüístico» y el debate entre el modernismo y el posmodernismo, comenzó a difundirse en el mundo del arte etiquetado como «posmoderno» (arte posmoderno, arquitectura posmoderna, pintura posmoderna, escultura posmoderna). Se proclama la crisis de vanguardia e incluso los géneros o artes tradicionales (pintura, escultura) dejan de ser el principal vehículo de expresión artística para quienes buscan medios más innovadores, en beneficio de «instalaciones artísticas», «intervenciones», multimedia «(videoarte, arte digital, arte multimedia, etc.)

Después de la Segunda Guerra Mundial
Sin embargo, solo después de la Segunda Guerra Mundial, los EE. UU. Se convirtieron en el punto focal de los nuevos movimientos artísticos. Las décadas de 1950 y 1960 presenciaron el surgimiento del expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, el arte pop, el arte de Op. Sys., La pintura de borde duro, el arte minimalista, la abstracción lírica, Fluxus, Happening, videoarte, postminimalismo, fotorrealismo y otros movimientos. A fines de la década de 1960 y en la década de 1970, Land art, Performance art, Conceptual art y otras nuevas formas de arte habían atraído la atención de curadores y críticos, a expensas de los medios más tradicionales. Las instalaciones y actuaciones más grandes se generalizaron.

A fines de la década de 1970, cuando los críticos culturales comenzaron a hablar del «fin de la pintura» (el título de un ensayo provocativo escrito en 1981 por Douglas Crimp), el arte de los nuevos medios se convirtió en una categoría en sí misma, con un número creciente de artistas experimentando con medios tecnológicos como el videoarte. La pintura adquirió una importancia renovada en los años ochenta y noventa, como lo demuestra el surgimiento del neoexpresionismo y la reactivación de la pintura figurativa.

Hacia el final del siglo 20, una serie de artistas y arquitectos comenzaron a cuestionar la idea de «lo moderno» y crearon obras típicamente posmodernas.

Antecedentes
Los precedentes de las ideas artísticas modernas ya se pueden ver en la obra de los grandes maestros del barroco (Velázquez o Rembrandt); de autores de finales del siglo XVIII y principios del XIX, más o menos cercanos al romanticismo (Goya, David, Delacroix, Gericault, Friedrich, Turner, William Blake); y autores de mediados del siglo XIX más o menos cercanos al realismo (Corot, Millet, Courbet, escuela de Barbizon, William Morris). Para estas fechas, la percepción del artista moderno como una sociedad incomprendida, ajena a las instituciones, comienza a ser habitual; aunque paradójicamente, termina creando su propia institucionalidad alternativa (Salon des Refusés, 1863 -uno de los rechazados-). Crucial fue el papel de los intelectuales de prestigio que actuaron como críticos de arte, como Rimbaud.

Movimientos de arte y grupos de artistas

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Siglo 19
Romanticismo y el movimiento romántico – Francisco de Goya, JMW Turner, Eugène Delacroix
Realismo: Gustave Courbet, Camille Corot, Jean-François Millet, Rosa Bonheur
Prerrafaelistas – William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti
Macchiaioli – Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Telemaco Signorini
Impresionismo – Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte, Mary Cassatt, Edgar Degas, Armand Guillaumin, Édouard Manet, Claude Monet, Berthe Morisot, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley
Postimpresionismo: Georges Seurat, Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec, Henri Rousseau, Henri-Jean Guillaume Martin, Albert Lebourg, Robert Antoine Pinchon
Puntillismo – Georges Seurat, Paul Signac, Maximilien Luce, Cruz de Henri-Edmond
Divisionismo – Gaetano Previati, Giovanni Segantini, Pellizza da Volpedo
Simbolismo – Gustave Moreau, Odilon Redon, Edvard Munch, James Whistler, James Ensor
Les Nabis – Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton, Maurice Denis, Paul Serusier
Art Nouveau y variantes – Jugendstil, Secession, Modern Style, Modernisme – Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Gustav Klimt,
Arquitectura y diseño Art Nouveau – Antoni Gaudí, Otto Wagner, Wiener Werkstätte, Josef Hoffmann, Adolf Loos, Koloman Moser
Los primeros escultores modernistas – Aristide Maillol, Auguste Rodin

Principios del siglo XX (antes de la Primera Guerra Mundial)
Arte abstracto – Francis Picabia, Wassily Kandinsky, František Kupka, Robert Delaunay, Léopold Survage, Piet Mondrian
Fauvismo – André Derain, Henri Matisse, Mauricio de Vlaminck, Georges Braque, Kees van Dongen
Expresionismo y relacionado – Die Brücke, Der Blaue Reiter – Ernst Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Marc, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Emil Nolde, Axel Törneman, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein
Cubismo – Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Francis Picabia, Juan Gris
Futurismo – Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov
Orphism – Robert Delaunay, Sonia Delaunay, František Kupka
Suprematismo – Kazimir Malevich, Alexander Rodchenko, El Lissitzky
Sincronismo – Stanton MacDonald-Wright, Morgan Russell
Vorticismo – Wyndham Lewis
Escultura – Constantin Brâncuşi, Joseph Csaky, Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Ossip Zadkine, Henri Laurens, Elie Nadelman, Chaim Gross, Chana Orloff, Jacob Epstein, Gustave Miklos
Fotografía – Pictorialismo, fotografía directa

Primera Guerra Mundial a la Segunda Guerra Mundial
Dada – Jean Arp, Marcel Duchamp, Max Ernst, Francis Picabia, Kurt Schwitters
Surrealismo – Marc Chagall, René Magritte, Jean Arp, Salvador Dalí, Max Ernst, Giorgio de Chirico, André Masson, Joan Miró
Pittura Metafisica – Giorgio de Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi
De Stijl – Theo van Doesburg, Piet Mondrian
Nueva objetividad – Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz
Pintura figurativa – Henri Matisse, Pierre Bonnard
Modernismo americano – Stuart Davis, Arthur G. Dove, Marsden Hartley, Georgia O’Keeffe
Constructivismo – Naum Gabo, Gustav Klutsis, László Moholy-Nagy, El Lissitzky, Kasimir Malevich, Vadim Meller, Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin
Bauhaus – Wassily Kandinsky, Paul Klee, Josef Albers
Coloristas escoceses: Francis Cadell, Samuel Peploe, Leslie Hunter, John Duncan Fergusson
Realismo social – Grant Wood, Walker Evans, Diego Rivera
Precisionism – Charles Sheeler, Charles Demuth
Escultura – Alexander Calder, Alberto Giacometti, Gastón Lachaise, Henry Moore, Pablo Picasso, Julio González

Después de la Segunda Guerra Mundial
Figuratifs – Bernard Buffet, Jean Carzou, Maurice Boitel, Daniel du Janerand, Claude-Max Lochu
Escultura – Henry Moore, David Smith, Tony Smith, Alexander Calder, Isamu Noguchi, Alberto Giacometti, Sir Anthony Caro, Jean Dubuffet, Isaac Witkin, René Iché, Marino Marini, Louise Nevelson, Albert Vrana
Expresionismo abstracto – Willem de Kooning, Jackson Pollock, Arshile Gorky, Hans Hofmann, Franz Kline, Robert Motherwell, Clyfford Still, Lee Krasner, Joan Mitchell
Artistas abstractos estadounidenses: Ilya Bolotowsky, Ibram Lassaw, Ad Reinhardt, Josef Albers y Burgoyne Diller
Art Brut – Adolf Wölfli, August Natterer, Ferdinand Cheval, Madge Gill, Paul Salvator Goldengreen
Arte Povera – Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Mario Merz, Piero Manzoni, Alighiero Boetti
Pintura de campo de color: Barnett Newman, Mark Rothko, Adolph Gottlieb, Sam Francis, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Helen Frankenthaler
Tachisme – Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Hans Hartung, Ludwig Merwart
COBRA – Pierre Alechinsky, Karel Appel, Asger Jorn
De-collage – Wolf Vostell, Mimmo Rotella
Neodada: Robert Rauschenberg, Jasper Johns, John Chamberlain, Joseph Beuys, Lee Bontecou, ​​Edward Kienholz
Expresionismo figurativo – Larry Rivers, Grace Hartigan, Elaine de Kooning, Robert De Niro, Sr., Lester Johnson, George McNeil, Earle M. Pilgrim, Jan Müller, Robert Beauchamp, Bob Thompson
Fluxus – George Maciunas, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik, Daniel Spoerri, Dieter Roth, Carolee Schneeman, Alison Knowles, Charlotte Moorman, Dick Higgins
Sucediendo – Allan Kaprow, Joseph Beuys, Lobo Vostell, Claes Oldenburg, Jim Dine, novios rojos, Nam June Paik, Charlotte Moorman, Robert Whitman, Yoko Ono
Dau-al-Set – fundado en Barcelona por el poeta / artista Joan Brossa, – Antoni Tàpies
Grupo El Paso – fundado en Madrid por los artistas Antonio Saura, Pablo Serrano
Abstracción geométrica – Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Nadir Afonso, Manlio Rho, Mario Radice, Mino Argento
Pintura de borde duro: John McLaughlin, Kelly Ellsworth, Frank Stella, Al Held, Ronald Davis
Arte cinético – George Rickey, Getulio Alviani
Land art: Christo, Richard Long, Robert Smithson, Michael Heizer
Les Automatistes – Claude Gauvreau, Jean-Paul Riopelle, Pierre Gauvreau, Fernand Leduc, Jean-Paul Mousseau, Marcelle Ferron
Arte minimalista – Sol LeWitt, Donald Judd, Dan Flavin, Richard Serra, Agnes Martin
Postminimalismo – Eva Hesse, Bruce Nauman, Lynda Benglis
Abstracción lírica – Ronnie Landfield, Sam Gilliam, Larry Zox, Dan Christensen, Natvar Bhavsar, Larry Poons
Arte neofigurativo – Fernando Botero, Antonio Berni
Neo-expresionismo – Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Jean-Michel Basquiat
Transavanguardia – Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Sandro Chia, Enzo Cucchi
Figuración libre – Hervé Di Rosa, François Boisrond, Robert Combas
Nuevo realismo – Yves Klein, Pierre Restany, Arman
Op art – Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Jeffrey Steele
Arte del forastero: Howard Finster, Grandma Moses, Bob Justin
Fotorrealismo – Audrey Flack, Chuck Close, Duane Hanson, Richard Estes, Malcolm Morley
Arte pop: Richard Hamilton, Robert Indiana, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Ed Ruscha, David Hockney
Pintura figurativa europea de posguerra – Lucian Freud, Francis Bacon, Frank Auerbach, Gerhard Richter
Nueva pintura europea: Luc Tuymans, Marlene Dumas, Neo Rauch, Bracha Ettinger, Michaël Borremans, Chris Ofili
Lona en forma – Frank Stella, Kenneth Noland, Ron Davis, Robert Mangold.
Arte soviético – Aleksandr Deyneka, Aleksandr Gerasimov, Ilya Kabakov, Komar y Melamid, Alexandr Zhdanov, Leonid Sokov
Espacialismo – Lucio Fontana
Video arte – Nam June Paik, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Bill Viola
Arte visionario – Ernst Fuchs, Paul Laffoley, Michael Bowen

Importantes exposiciones de arte moderno y museos

Bélgica
SMAK, Gante

Brasil
MASP, São Paulo, SP
MAM / SP, São Paulo, SP
MAM / RJ, Río de Janeiro, RJ
MAM / BA, Salvador, Bahia

Colombia
MAMBO, Bogotá

Croacia
Galería Ivan Meštrović, Split
Galería moderna, Zagreb
Museo de Arte Contemporáneo, Zagreb

Ecuador
Museo Antropológico y de Arte Contemporáneo, Guayaquil
La Capilla del Hombre, Quito

Finlandia
EMMA, Espoo
Kiasma, Helsinki

Francia
Museo de Arte Moderno, Contemporáneo y Outsider de Lille Métropole, Villeneuve d’Ascq
Musée d’Orsay, París
Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, París
Museo Nacional de Arte Moderno, París
Musée Picasso, París
Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Estrasburgo
Museo de arte moderno de Troyes

Alemania
documenta, Kassel (Alemania), una exposición de arte moderno y contemporáneo que se celebra cada 5 años
Museo Ludwig, Colonia
Pinakothek der Moderne, Munich

India
Galería Nacional de Arte Moderno – Nueva Delhi,
Galería Nacional de Arte Moderno – Mumbai,
Galería Nacional de Arte Moderno – Bangalore,

Corrí
Museo de Arte Contemporáneo, Teherán

Irlanda
Galería Hugh Lane, Dublín
Museo Irlandés de Arte Moderno, Dublín

Italia
Palazzo delle Esposizioni
Galleria Nazionale d’Arte Moderna
Bienal de Venecia, Venecia
Palazzo Pitti, Florencia

Méjico
Museo de Arte Moderno, México DF

Países Bajos
Museo Van Gogh, Amsterdam
Museo Stedelijk, Amsterdam

Noruega
Museo de Arte Moderno Astrup Fearnley, Oslo
Centro de Arte Henie-Onstad, Oslo

Katar
Mathaf: Museo Árabe de Arte Moderno, Doha

Rumania
Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Bucarest

Rusia
Museo del Hermitage, San Petersburgo
Museo Pushkin, Moscú
Galería Tretyakov, Moscú

Serbia
Museo de Arte Contemporáneo, Belgrado

España
Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, ​​Barcelona
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Institut Valencià d’Art Modern, Valencia
Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria

Suecia
Moderna Museet, Estocolmo

Taiwan
Museo de Arte Moderno de Asia, Taichung
Reino Unido
Colección Estorick de Arte Italiano Moderno, Londres
Saatchi Gallery, Londres
Tate Britain, Londres
Tate Liverpool
Tate Modern, Londres
Tate St Ives

Estados Unidos
Galería de arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York
Instituto de Arte de Chicago, Chicago, Illinois
Museo Guggenheim, Nueva York, Nueva York y Venecia, Italia; más recientemente en Berlín, Alemania, Bilbao, España y Las Vegas, Nevada
High Museum, Atlanta, Georgia
Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Los Ángeles, California
Museo de Arte McNay, San Antonio, Texas
Colección Menil, Houston, Texas
Museo de Bellas Artes, Boston, Massachusetts
Museo de Arte Moderno, Nueva York, Nueva York
Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco, California
El Museo Baker, Naples, Florida
Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota
Whitney Museum of American Art, Nueva York

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