Minimalismo

En artes visuales, música y otros medios, el minimalismo es un movimiento de arte que comenzó en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en la década de 1960 y principios de 1970. Destacados artistas asociados con el minimalismo incluyen a Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt y Frank Stella. Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y se interpreta a menudo como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas de arte posminimal.

Término utilizado en el siglo XX, en particular desde la década de 1960, para describir un estilo caracterizado por una austeridad impersonal, configuraciones geométricas simples y materiales industrialmente procesados. Fue utilizado por primera vez por David Burlyuk en la introducción del catálogo para una exposición de las pinturas de John Graham en la Galería Dudensing en Nueva York en 1929. Burlyuk escribió: «El minimalismo deriva su nombre del mínimo de medios operativos. La pintura minimalista es puramente realista; la pintura en sí «. El término ganó vigencia en la década de 1960 Las cuentas y explicaciones del minimalismo variaron considerablemente, al igual que el rango de trabajo con el que se relacionó. Esto incluyó las pinturas monocromáticas de Yves Klein, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt, Frank Stell y Brice Marden, e incluso aspectos de arte pop y post-pictórico. Abstracción Típicamente, los precedentes citados fueron los ready-mades de Marcel Duchamp, las composiciones suprematistas de las pinturas expresionistas abstractas de Kazimir Malevich y Barnett Newman. Las pinturas de grillas racionales de Agnes Martin también se mencionaron en relación con artistas minimalistas como Sol Lewitt.

El minimalismo en la música a menudo presenta repeticiones e iteraciones como las de las composiciones de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Julius Eastman y John Adams. El término minimalista a menudo se refiere coloquialmente a todo lo que es de repuesto o despojado de sus elementos esenciales. En consecuencia, se ha utilizado para describir las obras de teatro y las novelas de Samuel Beckett, las películas de Robert Bresson, las historias de Raymond Carver y los diseños de automóvil de Colin Chapman.

Arte minimalista, minimalismo en el arte visual
El minimalismo en el arte visual, generalmente conocido como «arte minimalista», «arte literalista» y «arte ABC» surgió en Nueva York a principios de la década de 1960 a medida que los artistas nuevos y antiguos avanzaban hacia la abstracción geométrica; explorando a través de la pintura en los casos de Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman y otros; y escultura en las obras de varios artistas, entre ellos David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y otros. La escultura de Judd se exhibió en 1964 en Green Gallery en Manhattan, al igual que las primeras obras de luz fluorescente de Flavin, mientras que otras galerías líderes de Manhattan como Leo Castelli Gallery y Pace Gallery también comenzaron a exhibir artistas centrados en la abstracción geométrica. Además, hubo dos exposiciones de museos seminales e influyentes: Estructuras primarias: esculturas estadounidenses menores y británicas del 27 de abril al 12 de junio de 1966 en el Museo Judío de Nueva York, organizadas por el curador de pintura y escultura del museo, Kynaston McShine y Sistémica Pintura, en el Solomon R. Guggenheim Museum comisariado por Lawrence Alloway, también en 1966, que mostró la abstracción geométrica en el mundo del arte estadounidense a través del lienzo en forma, color campo y pintura de borde duro. A raíz de esas exposiciones y algunas otras surgió el movimiento artístico llamado arte minimalista.

En un sentido más amplio y general, se encuentran las raíces europeas del minimalismo en las abstracciones geométricas de los pintores asociados con la Bauhaus, en las obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento De Stijl y el movimiento constructivista ruso. y en el trabajo del escultor rumano Constantin Brâncuşi.

En Francia, entre 1947 y 1948, Yves Klein concibió su Monotone Symphony (1949, formalmente The Monotone-Silence Symphony) que consistía en un único acorde sostenido de 20 minutos seguido de un silencio de 20 minutos, un precedente de la música de drones de La Monte Young. y 4’33 «de John Cage. Klein había pintado monocromos ya en 1949, y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, pero su primera muestra pública fue la publicación del libro del artista Yves: Peintures en noviembre de 1954.

El arte minimalista también está inspirado en parte por las pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers y las obras de artistas tan diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi y otros. El minimalismo también fue una reacción contra la subjetividad pictórica del expresionismo abstracto que había sido dominante en la Escuela de Nueva York durante los años cuarenta y cincuenta.

El artista y crítico Thomas Lawson señaló en su ensayo de 1981 Artforum Last Exit: Painting, que el minimalismo no rechazó las afirmaciones de Clement Greenberg sobre la reducción de la pintura modernista a la superficie y los materiales, sino que tomó sus afirmaciones literalmente. Según Lawson, el minimalismo fue el resultado, aunque el término «minimalismo» no fue generalmente aceptado por los artistas asociados con él, y muchos profesionales del arte designados como minimalistas por los críticos no lo identificaron como un movimiento como tal. También tomando como excepción a este reclamo fue el propio Clement Greenberg; en su postdata de 1978 a su ensayo Pintura modernista, renegó de esta interpretación de lo que dijo, escribiendo:

Ha habido algunas construcciones adicionales de lo que escribí que se convierten en ridiculeces: que considero la llanura y el encerramiento de la llanura no solo como las condiciones limitantes del arte pictórico, sino como criterios de calidad estética en el arte pictórico; que cuanto más avance una obra en la autodefinición de un arte, mejor será el trabajo. El filósofo o el historiador de arte que puede imaginarme a mí, o a cualquier otra persona, que llegue a los juicios estéticos de esta manera, sorprende mucho más por sí mismo que por mi artículo.

En contraste con los Expresionistas abstractos más subjetivos de la década anterior, con las excepciones de Barnett Newman y Ad Reinhardt; los minimalistas también fueron influenciados por los compositores John Cage y LaMonte Young, el poeta William Carlos Williams y el arquitecto paisajista Frederick Law Olmsted. Expresaron muy explícitamente que su arte no era sobre la autoexpresión y, a diferencia de la filosofía más subjetiva de la década anterior sobre el arte, la suya era «objetiva». En general, las características del minimalismo incluían formas geométricas, a menudo cúbicas, purgadas de mucha metáfora, igualdad de partes, repetición, superficies neutrales y materiales industriales.

Robert Morris, un teórico y artista, escribió un ensayo de tres partes, «Notes on Sculpture 1-3», originalmente publicado en tres números de Artforum en 1966. En estos ensayos, Morris intentó definir un marco conceptual y elementos formales para sí mismo y uno que abarcaría las prácticas de sus contemporáneos. Estos ensayos prestaron gran atención a la idea de la gestalt – «partes … unidas de tal manera que crean una resistencia máxima a la separación perceptual». Más tarde, Morris describió un arte representado por una «diseminación lateral marcada y sin unidades regularizadas o intervalos simétricos …» en «Notes on Sculpture 4: Beyond Objects», publicado originalmente en Artforum, 1969, que continúa diciendo que «la indeterminación de la disposición» de partes es un aspecto literal de la existencia física de la cosa «. El cambio general en la teoría del cual este ensayo es una expresión sugiere la transición hacia lo que más tarde se denominaría postminimalismo.

Uno de los primeros artistas asociados específicamente con el minimalismo fue el pintor Frank Stella, cuatro de cuyas primeras «pinturas negras» se incluyeron en la muestra de 1959, 16 estadounidenses, organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El ancho de las rayas en las pinturas negras de Frank Stellas a menudo se determinaba por las dimensiones de la madera que utilizaba para las camillas para sostener el lienzo, visible contra el lienzo como la profundidad de la pintura cuando se mira desde un lado. Las decisiones de Stella sobre las estructuras en la superficie frontal del lienzo, por lo tanto, no eran del todo subjetivas, sino que estaban condicionadas por una característica «dada» de la construcción física del soporte. En el catálogo del espectáculo, Carl Andre señaló: «El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha descubierto que es necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura». Estas obras reductivas contrastaban agudamente con las pinturas cargadas de energía y aparentemente altamente subjetivas y emocionalmente cargadas de Willem de Kooning o Franz Kline y, en términos de precedentes entre la generación previa de expresionistas abstractos, se inclinaban más hacia lo menos gestual, a menudo sombrío. , pinturas de campo de color de Barnett Newman y Mark Rothko. Stella recibió atención inmediata del espectáculo MoMA, pero otros artistas -incluidos Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell y Robert Ryman- también comenzaron a explorar formatos de rayas, monocromáticos y de bordes duros desde finales de los años 50 hasta la década de 1960.

Debido a una tendencia en el arte minimalista a excluir lo pictórico, lo ilusionista y lo ficticio a favor de lo literal, hubo un movimiento que se alejaba de las preocupaciones pictóricas y escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor, y terminó como creador de objetos. Su ensayo seminal, «Objetos específicos» (publicado en Arts Yearbook 8, 1965), fue una piedra de toque de la teoría para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense, y un rechazo simultáneo de valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló la evidencia de este desarrollo en las obras de una serie de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia «preliminar» para Judd fue el trabajo de George Earl Ortman, quien había concretizado y destilado las formas pictóricas en geometrías contundentes, duras y filosóficamente cargadas. Estos Objetos Específicos habitaban un espacio que no era cómodamente clasificable como pintura o escultura. Que la identidad categórica de tales objetos estaba en cuestión, y que evitaban la asociación fácil con convenciones gastadas y demasiado familiares, era una parte de su valor para Judd.

Este movimiento fue muy criticado por los críticos e historiadores de arte formalistas modernistas. Algunos críticos pensaron que el arte minimalista representaba un malentendido de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura, tal como la definió el crítico Clement Greenberg, posiblemente el crítico estadounidense dominante de la pintura en el período previo a la década de 1960. La crítica más notable del minimalismo fue producida por Michael Fried, un crítico formalista, que objetó el trabajo sobre la base de su «teatralidad». En Art and Objecthood (publicado en Artforum en junio de 1967) declaró que la obra de arte mínima, especialmente la escultura mínima, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Argumentó que una obra como la de Robert Morris transformó el acto de ver en un tipo de espectáculo en el que se descubría el artificio de la observación del acto y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético dentro de un evento fuera de la obra de arte como un fracaso del arte minimalista. El ensayo de Fried fue cuestionado inmediatamente por el artista postminimalista y de la tierra Robert Smithson en una carta al editor en la edición de octubre de Artforum. Smithson declaró lo siguiente: «Lo que Fried teme más es la conciencia de lo que está haciendo, a saber, ser él mismo teatral».

Además de los ya mencionados Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman y Donald Judd, otros artistas minimalistas incluyen: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis y David. Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Agnes Martin, Jo Baer, ​​John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson y Anne Truitt.

Ad Reinhardt, en realidad un artista de la generación expresionista abstracta, pero cuyas pinturas reductivas, casi todas negras, parecían anticipar el minimalismo, tenía esto que decir sobre el valor de un enfoque reductivo del arte:

Cuantas más cosas, cuanto más ocupada sea la obra de arte, peor será. Mas es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para despejar la vista. La desnudez de uno mismo es obscena. El arte comienza con deshacerse de la naturaleza.

La observación de Reinhardt aborda y contradice directamente la consideración de Hans Hofmann por la naturaleza como fuente de sus propias pinturas expresionistas abstractas. En un famoso intercambio entre Hofmann y Jackson Pollock, contado por Lee Krasner en una entrevista con Dorothy Strickler (1964-11-02) para el Smithsonian Institution Archives of American Art. En palabras de Krasner:

Cuando llevé a Hofmann a conocer a Pollock y ver su trabajo que era antes de mudarnos aquí, la reacción de Hofmann fue una de las preguntas que le hizo a Jackson: «¿Trabajas desde la naturaleza?» No había bodegones o modelos alrededor y la respuesta de Jackson fue: «Yo soy la naturaleza». Y la respuesta de Hofmann fue: «Ah, pero si trabajas de memoria, te repetirás». A lo que Jackson no respondió en absoluto. El encuentro entre Pollock y Hofmann tuvo lugar en 1942.

Diseño minimalista y arquitectura
El término minimalismo también se usa para describir una tendencia en el diseño y la arquitectura, donde el sujeto se reduce a sus elementos necesarios. Los diseñadores arquitectónicos minimalistas se centran en la conexión entre dos planos perfectos, la iluminación elegante y los espacios vacíos que dejan la eliminación de formas tridimensionales en un diseño arquitectónico. [¿Según quién?]

El diseño minimalista ha sido muy influenciado por el diseño y la arquitectura tradicional japonesa. Las obras de los artistas de De Stijl son una referencia importante: De Stijl amplió las ideas de la expresión organizando meticulosamente elementos básicos como líneas y planos. Con respecto al diseño del hogar, los diseños «minimalistas» más atractivos no son realmente minimalistas porque son más grandes y usan materiales y acabados de construcción más caros.

Hay observadores que describen el surgimiento del minimalismo como respuesta al descaro y caos de la vida urbana. En Japón, por ejemplo, la arquitectura minimalista comenzó a ganar fuerza en la década de 1980 cuando sus ciudades experimentaron una rápida expansión y una población en auge. El diseño fue considerado un antídoto contra la «presencia abrumadora de tráfico, publicidad, escalas de construcción desordenadas y carreteras imponentes». El entorno caótico no solo estuvo impulsado por la urbanización, la industrialización y la tecnología, sino también por la experiencia japonesa de tener que demoler estructuras a causa de la destrucción provocada por la Segunda Guerra Mundial y los terremotos, incluidas las calamidades que conlleva como el fuego. Cabe señalar que la filosofía del diseño minimalista no llegó a Japón por otro país. Ya era parte de la cultura japonesa enraizada en la filosofía Zen. Hay quienes específicamente atribuyen el movimiento de diseño a la espiritualidad y visión de la naturaleza de Japón.

El arquitecto Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) adoptó el lema «Menos es más» para describir su estética. Su táctica consistía en organizar los componentes necesarios de un edificio para crear una impresión de extrema simplicidad: reclutó cada elemento y detalle para servir a múltiples propósitos visuales y funcionales; por ejemplo, diseñando un piso para que también sirva como radiador o una chimenea masiva para albergar el baño. El diseñador Buckminster Fuller (1895-1983) adoptó el objetivo del ingeniero de «Hacer más con menos», pero sus preocupaciones se orientaban hacia la tecnología y la ingeniería más que hacia la estética.

Luis Barragán es un diseñador minimalista moderno ejemplar. [¿Según quién?] Otros arquitectos contemporáneos minimalistas incluyen a Kazuyo Sejima, John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza Vieira, Tadao Ando, ​​Alberto Campo Baeza, Yoshio Taniguchi, Peter Zumthor y Hugh Newell. Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini y Richard Gluckman. [Página necesaria] [se necesita verificación]

Arquitectura y espacio minimalistas
La arquitectura minimalista se hizo popular a fines de la década de 1980 en Londres y Nueva York, donde arquitectos y diseñadores de moda trabajaron juntos en las boutiques para lograr la simplicidad, utilizando elementos blancos, iluminación fría, un gran espacio con un mínimo de objetos y muebles.

Conceptos y elementos de diseño
El concepto de arquitectura minimalista es reducir todo a su calidad esencial y lograr la simplicidad. La idea no está completamente desprovista de ornamentación, sino que todas las piezas, detalles y carpintería se consideran reducidos a una etapa en la que nadie puede eliminar nada más para mejorar el diseño.

Las consideraciones para «esencias» son luz, forma, detalle de material, espacio, lugar y condición humana. Los arquitectos minimalistas no solo consideran las cualidades físicas del edificio. Consideran la dimensión espiritual y lo invisible escuchando la figura y prestando atención a los detalles, las personas, el espacio, la naturaleza y los materiales, creyendo que esto revela la calidad abstracta de algo que es invisible y ayuda a la búsqueda de la esencia de aquellos cualidades invisibles, como la luz natural, el cielo, la tierra y el aire. Además, «abren un diálogo» con el entorno para decidir los materiales más esenciales para la construcción y crear relaciones entre los edificios y los sitios.

En la arquitectura minimalista, los elementos de diseño se esfuerzan por transmitir el mensaje de simplicidad. Las formas geométricas básicas, los elementos sin decoración, los materiales simples y las repeticiones de estructuras representan un sentido de orden y calidad esencial. El movimiento de la luz natural en los edificios revela espacios simples y limpios. A finales del siglo XIX, cuando el movimiento de las artes y las artesanías se hizo popular en Gran Bretaña, la gente valoraba la actitud de «verdad con los materiales» con respecto a las características profundas e innatas de los materiales. Los arquitectos minimalistas escuchan humildemente la figura, buscando la esencia y la simplicidad redescubriendo las cualidades valiosas en materiales simples y comunes.

Influencias de la tradición japonesa
La idea de la simplicidad aparece en muchas culturas, especialmente en la cultura tradicional japonesa de la filosofía zen. Los japoneses manipulan la cultura zen en elementos estéticos y de diseño para sus edificios. Esta idea de la arquitectura ha influido en la sociedad occidental, especialmente en América desde mediados del siglo XVIII. Además, inspiró la arquitectura minimalista en el siglo XIX.

Los conceptos Zen de simplicidad transmiten las ideas de libertad y esencia de la vida. La simplicidad no es solo un valor estético, sino que tiene una percepción moral que mira hacia la naturaleza de la verdad y revela las cualidades internas y la esencia de los materiales y los objetos. Por ejemplo, el jardín de arena en el templo de Ryoanji demuestra los conceptos de simplicidad y la esencialidad de la configuración considerada de unas pocas piedras y un enorme espacio vacío.

El principio estético japonés de Ma se refiere al espacio vacío o abierto. Elimina todas las paredes internas innecesarias y abre el espacio. El vacío de la disposición espacial reduce todo a la calidad más esencial.

La estética japonesa de Wabi-sabi valora la calidad de los objetos simples y simples. Aprecia la ausencia de características innecesarias, atesora una vida en silencio y pretende revelar el carácter innato de los materiales. Por ejemplo, el arte floral japonés, también conocido como Ikebana, tiene el principio central de dejar que la flor se exprese. Las personas cortan las ramas, hojas y flores de las plantas y solo retienen la parte esencial de la planta. Esto transmite la idea de calidad esencial y carácter innato en la naturaleza.

Sin embargo, lejos de ser solo un concepto espacial, Ma está siempre presente en todos los aspectos de la vida cotidiana japonesa, ya que se aplica tanto al tiempo como a las tareas diarias.

Arquitectos minimalistas y sus obras
El arquitecto minimalista japonés, Tadao Ando, ​​transmite el espíritu tradicional japonés y su propia percepción de la naturaleza en sus obras. Sus conceptos de diseño son materiales, geometría pura y naturaleza. Normalmente usa madera concreta o natural y una forma estructural básica para lograr la austeridad y los rayos de luz en el espacio. También establece un diálogo entre el sitio y la naturaleza para crear relaciones y orden con los edificios. Las obras de Ando y la traducción de los principios estéticos japoneses tienen una gran influencia en la arquitectura japonesa.

Otro arquitecto minimalista japonés, Kazuyo Sejima, trabaja solo y en conjunto con Ryue Nishizawa, como SANAA, produciendo icónicos edificios japoneses minimalistas. Acreditado con la creación e influencia de un género particular del minimalismo japonés, los diseños delicados e inteligentes de Sejimas pueden usar color blanco, secciones de construcción delgadas y elementos transparentes para crear el tipo de construcción fenomenal a menudo asociado con el minimalismo. Las obras incluyen New Museum (2010) Nueva York, Small House (2000) Tokyo, House rodeada por Plum Trees (2003) Tokyo.

En el Vitra Conference Pavilion, Weil am Rhein, 1993, los conceptos son reunir las relaciones entre la construcción, el movimiento humano, el sitio y la naturaleza. Lo cual como un punto principal de la ideología minimalista que establece el diálogo entre el edificio y el sitio. El edificio usa formas simples de círculo y rectángulo para contrastar el espacio vacío y lleno del interior y la naturaleza. En el vestíbulo, hay una gran ventana de paisaje que mira hacia el exterior. Esto logra el simple y el silencio de la arquitectura y mejora la luz, el viento, el tiempo y la naturaleza en el espacio.

John Pawson es un arquitecto minimalista británico; sus conceptos de diseño son alma, luz y orden. Él cree que aunque el desorden reducido y la simplificación del interior a un punto que va más allá de la idea de la calidad esencial, hay una sensación de claridad y riqueza de simplicidad en lugar de vacío. Los materiales en su diseño revelan la percepción hacia el espacio, la superficie y el volumen. Además, le gusta usar materiales naturales debido a su vitalidad, sentido de la profundidad y la calidad de un individuo. También se siente atraído por las influencias importantes de la filosofía zen japonesa.

Calvin Klein Madison Avenue, Nueva York, 1995-96, es una boutique que transmite las ideas de moda de Calvin Klein. Los conceptos de diseño interior de John Pawson para este proyecto son crear arreglos espaciales simples, pacíficos y ordenados. Usó pisos de piedra y paredes blancas para lograr la simplicidad y la armonía del espacio. También enfatiza la reducción y elimina las distorsiones visuales, como el aire acondicionado y las lámparas para lograr una sensación de pureza en el interior.

Alberto Campo Baeza es un arquitecto español y describe su trabajo como arquitectura esencial. Él valora los conceptos de luz, idea y espacio. La luz es esencial y logra la relación entre los habitantes y el edificio. Las ideas son para cumplir con la función y el contexto del espacio, las formas y la construcción. El espacio está formado por las formas geométricas mínimas para evitar la decoración que no es esencial.

Gasper House, Zahora, 1992 es una residencia que el cliente quería ser independiente. Las paredes altas crean el espacio cerrado y los pisos de piedra utilizados en la casa y el patio muestran la continuidad del interior y el exterior. El color blanco de las paredes revela la simplicidad y la unidad del edificio. La característica de la estructura hace que las líneas formen la casa continuamente horizontal, por lo tanto, la luz natural se proyecta horizontalmente a través del edificio.

Minimalismo literario
El minimalismo literario se caracteriza por una economía con palabras y un enfoque en la descripción de la superficie. Los escritores minimalistas evitan los adverbios y prefieren que el contexto dicte el significado. Se espera que los lectores tomen un papel activo en la creación de la historia, que «elijan lados» basándose en indirectas indirectas e insinuaciones, en lugar de reaccionar a las instrucciones del escritor.

En algunos casos, la ficción criminal de los escritores de la década de 1940, como James M. Cain y Jim Thompson, adoptó un estilo de prosa despojado y práctico con un efecto considerable; algunos clasifican este estilo de prosa como minimalismo. [palabras comadrejas]

Otra línea de minimalismo literario surgió en respuesta a la tendencia de metaficción de los años sesenta y principios de los setenta (John Barth, Robert Coover y William H. Gass). Estos escritores también estaban libres de prosa y mantenían una distancia psicológica de su tema.

Escritores minimalistas, o aquellos que se identifican con el minimalismo durante ciertos períodos de sus carreras de escritura, incluyen los siguientes: Raymond Carver, Ann Beattie, Bret Easton Ellis, Charles Bukowski, Ernest Hemingway, KJ Stevens, Amy Hempel, Bobbie Ann Mason, Tobias Wolff , Grace Paley, Sandra Cisneros, Mary Robinson, Frederick Barthelme, Richard Ford, Patrick Holland, Cormac McCarthy y Alicia Erian.

Poetas estadounidenses como Stephen Crane, William Carlos Williams, principios de Ezra Pound, Robert Creeley, Robert Grenier y Aram Saroyan a veces se identifican con su estilo minimalista. El término «minimalismo» también se asocia a veces con el más breve de los géneros poéticos, el haiku, que se originó en Japón, pero ha sido domesticado en la literatura inglesa por poetas como Nick Virgilio, Raymond Roseliep y George Swede.

El escritor irlandés Samuel Beckett es conocido por sus obras de teatro minimalistas y su prosa, al igual que el escritor noruego Jon Fosse.

En su novela The Easy Chain, Evan Dara incluye una sección de 60 páginas escrita en el estilo del minimalismo musical, en particular inspirada por el compositor Steve Reich. Con la intención de representar el estado psicológico (agitación) del personaje principal de la novela, las sucesivas líneas de texto de la sección se basan en frases repetitivas y en desarrollo.

Música mínima
El término «música mínima» fue derivado hacia 1970 por Michael Nyman del concepto de minimalismo, que se aplicó anteriormente a las artes visuales. Más precisamente, fue en una reseña de 1968 en The Spectator que Nyman utilizó por primera vez el término, para describir una composición de piano de diez minutos del compositor danés Henning Christiansen, junto con varias otras piezas sin nombre interpretadas por Charlotte Moorman y Nam June Paik en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres.