Para el barroco en Milán nos referimos al estilo artístico dominante entre el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII en la ciudad. De hecho, gracias al trabajo de los cardenales Borromeo y su importancia en Italia, primeros dominios españoles y luego austríacos, Milán experimentó una animada temporada artística en la que asumió el papel de la fuerza motriz del Barroco Lombardo.
Características generales
La experiencia barroca milanesa se puede dividir en tres partes: la primera del siglo XVII, la segunda del siglo XVII y la del siglo XVIII. El primer siglo XVII comienza con el nombramiento como obispo de Milán de Federico Borromeo en 1595 en continuidad con la obra de su primo Carlo: en esta primera fase los principales exponentes de la pintura milanesa son tres, Giovan Battista Crespi, llamado el Cerano, Giulio Cesare Procaccini y Pier Francesco Mazzucchelli, llamados Morazzone. En esta primera fase, la evolución del nuevo estilo barroco sigue con continuidad el arte manierista tardío difundido en Milán en la época de Carlo Borromeo; la formación de los tres pintores tuvo lugar de hecho en los modelos del difunto estilo toscano y romano de Cerano y Morazzone, mientras que el Procaccini se formó en modelos de Emilia. Desde un punto de vista arquitectónico, las comisiones religiosas dominan la escena, ya que la dominación española se ocupó más de las obras de utilidad militar que las no civiles; muchas iglesias preexistentes fueron completamente reconstruidas y decoradas en estilo barroco, y muchas construidas a partir de nuevas: si el estilo barroco fue introducido en Milán por Lorenzo Binago, otros dos son los principales arquitectos que en ese momento dividieron la escena, que es Fabio Mangone, de las líneas más clásicas y por esta razón a menudo elegida para las comisiones de Federico Borromeo, y Francesco Maria Richini simplemente llamaron Richini, desde las líneas más inspiradas por el barroco romano temprano. Habiendo superado este dualismo, Richini representa la mejor figura del arquitecto de la Milán del siglo XVII, y para encontrar una figura tan prestigiosa en la arquitectura milanesa tendremos que esperar hasta la llegada de Giuseppe Piermarini.
La segunda fase del barroco, que comienza aproximadamente después de los primeros años treinta del siglo XVII, comienza después de un breve intermezzo lleno de eventos significativos: primero los principales intérpretes del movimiento desaparecieron entre 1625 (Giulio Cesare Procaccini) y 1632 (el Cerano) , a lo que se sumó la muerte del cardenal Federico Borromeo, una de las figuras más importantes del lombardo del siglo XVII, y especialmente la gran plaga de Manzoni, que redujo a la mitad la población de la ciudad y afectó al joven milanés que prometió a Daniele Crespi entre las miles de víctimas , que entre otras cosas conducirá al cierre de la Academia Ambrosiana, fundada en 1621 por Federico Borromeo para formar a jóvenes artistas de la escuela milanesa, donde asumió los principales intérpretes del Barroco temprano, en todo el Cerano y Fabio Mangone, como docentes .
La pintura del segundo siglo XVII se renovó por completo en sus intérpretes, viendo el trabajo de los hermanos Giuseppe y Carlo Francesco Nuvolone, Francesco Cairo, Giovan Battista Discepoli y otros; En este caso jugó un papel fundamental la ahora cerrada Accademia Ambrosiana, que primero dio una cierta continuidad en el estilo y luego volvió a abrir algunos años, tanto el trabajo en algunos sitios de construcción de artistas del resto de Italia de la escuela Emilia, genoveses y Veneto. La arquitectura, con la desaparición de Fabio Magone, ve el trabajo de Francesco Richini, que permaneció casi sin rival en su producción milanesa, flanqueado por artistas menores como Gerolamo Quadrio y Carlo Buzzi. Gracias a este último hecho, los logros de este período rompieron por completo con las influencias manieristas, para acercarse a una experiencia marcadamente barroca, con influencias de las escuelas emiliana, genovesa y romana. El último cuarto de siglo vio la apertura de la segunda Academia Ambrosiana reabierta en 1669 bajo la dirección de Antonio Busca, un alumno de Carlo Francesco Nuvolone, y Dionigi Bussola, quien junto con la nueva Academia Milanesa de San Luca, vinculada al homónimo La academia romana contribuyó al regreso de un actual clasicista vinculado a la escuela boloñesa y romana.
El primer siglo XVII
La primera parte del siglo XVII representa el período de transición entre el manierismo y las primeras fases del Barroco, aunque ya hay ejemplos maduros de la lengua barroca en el momento. Para el período particular, en el que el legado de Charles Borromeo fue aún fuerte y en el que los intereses del gobierno español se centraron en aspectos más militares y estratégicos, el arte religioso y la arquitectura guían la transición al nuevo gusto barroco.
La Ambrosiana
Federico Borromeo fue uno de los principales promotores de la cultura y el arte lombardos en los años de su cardenal: influyó mucho en este sentido la formación romana del cardenal, durante la cual pudo entrar en contacto con los mejores artistas de la época, convirtiéndose gran pasión por el arte y el coleccionista. De este interés nació la idea de crear un centro cultural para la ciudad para la formación de artistas y escritores de acuerdo con los cánones de la Contrarreforma, a los que se pondrían a disposición imágenes y textos, así como maestros, para promover el arte y la cultura dentro de la ciudad.
Las obras para el complejo comenzaron en 1603: después de haber comprado y demolido un bloque de pisos en la zona de Piazza San Sepolcro, los proyectos del palacio Ambrosiana fueron asignados al arquitecto Lelio Buzzi, quien comenzó las obras directamente el mismo año; las obras, que continuaron a través de varios cambios hasta 1630, cambiaron de manos a Alessandro Tesauro y finalmente a Fabio Mangone. La fachada se completó en 1609: la entrada al centro consiste en un vestíbulo con tres bahías de pilares dóricos que terminan en elarchitrave, en el que está grabada la inscripción BIBLIOTHECA AMBROGIANA; el emblema del Borromeo está tallado en un tímpano triangular que corona el vestíbulo. Muchos de los contemporáneos de Borromeo comentaron positivamente sobre la solución clásica de la estructura, que incluso fue llamada «un tiempo de las musas» por el teólogo Luigi Rossi, elogiado por el «vestíbulo romano» y el «peristilo archivado por el viejo» por Ambrogio Mazenta o aún en comparación con las arquitecturas de la Roma imperial para «solidez y majestuosidad» por Girolamo Borsieri.
La primera estructura fue la biblioteca en 1609; en el momento de la apertura contenía quince mil manuscritos y treinta mil obras impresas, muchas de las cuales pertenecían anteriormente a la vasta colección privada del Cardenal Borromeo, que incluía piezas de Europa y Asia: fue una de las primeras bibliotecas públicas de Europa y a la actividad de la biblioteca se unieron una imprenta y una escuela para el estudio de las lenguas clásicas y las lenguas orientales; este fue el primer paso hacia la creación del vasto complejo cultural y museístico de la Ambrosiana.
La segunda estructura para hacer su aparición fue el Museo Ambrosiano, precursor de la actual Pinacoteca Ambrosiana, en 1618, creado a partir de la colección privada de pinturas, grabados, esculturas y varios diseños del Cardenal Borromeo: la colección inicial incluía 172 obras, de las cuales casi la mitad tenía historias de tradición cristiana o temas devocionales como tema. Este hecho no debería ser sorprendente, ya que estaba de acuerdo con la doctrina tridentina de Borromeo, que atribuía al arte un papel fundamental en la difusión de la religión católica: más curiosa era la pasión del cardenal por las pinturas naturales como naturalezas muertas y paisajes, por la mayoría de los artistas extranjeros, en cuya categoría podemos incluir algo menos del 30% de las obras. Actualmente pertenece a la galería de imágenes, del período tratado, podemos mencionar la gran colección de pintura lombarda del siglo XVII, que incluye pinturas de Giulio Cesare Procaccini, Giuseppe Vermiglio, Morazzone y Carlo Francesco Nuvolone, y la sección de pintura flamenca con obras de Paul Brill y Jan Brueghel el Viejo.
La tercera y última institución que hizo su aparición fue la Academia Ambrosiana en 1620, una escuela de Bellas Artes para la formación de jóvenes artistas: aunque por último, fueron los tres más importantes, de hecho, la biblioteca y la galería se hicieron para ser utilizable en particular para sus estudiantes. El papel de la academia fue inmediatamente claro; de hecho, escribió Federico Borromeo en su estatuto: «Por ninguna otra razón se fundó esta Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura si no para ayudar a los artistas a crear obras para el culto divino, mejores que las que están actualmente»: su objetivo era la creación de una escuela de arte sacro, especialmente pintura, que habría enseñado a los fieles y promovido las doctrinas de la Iglesia Católica Reformada, en particular, descrita en la De pictura sacra del mismo Borromeo.
La última fundación de la academia se debe al hecho de que a principios del siglo XVII la Academia de la Aurora del pintor Giovanni Battista Galliani ya estaba activa en Milán, pero se cerró en 1611 debido a un escándalo al cual el pintor estaba vinculado; a lo que el cardenal Borromeo, después de haber adquirido el espacio necesario para ampliar el palacio Ambrosiana, comenzó a solicitar la creación de la nueva academia, estudiando las regulaciones y programas de las mejores escuelas de bellas artes de la época, incluida la Accademia dei Carracci en Bolonia, la Accademia del Disegno en Florencia y la Academia Romana de San Luca. Después de la fundación, el programa habitual de los estudiantes fue reproducir, supervisado por los maestros, partes de obras de diversos temas a partir de pinturas originales, dibujos y esculturas con diferentes tipos de técnicas y materiales: las obras terminadas serían luego discutidas colectivamente, y la mejor recompensa Si este método fue generalizado en la mayoría de las academias, la importancia dada al estudio de las obras originales de la Galería de la Academia puso a disposición de los estudiantes un número mucho mayor, y con frecuencia de mejor calidad, en comparación con las escuelas contemporáneas, donde fue el uso de copias, impresiones o trabajos creados por los propios estudiantes. Entre los maestros de las tres disciplinas se destacan Cerano por la pintura, Gian Andrea Biffi por la escultura y Fabio Mangone por la arquitectura, mientras que hubo colaboraciones con Camillo Procaccini y con Morazzone; en cambio, entre los estudiantes recordamos a Melchiorre Gherardini, Francesco Morone, Ercole Procaccini the Younger y Daniele Crespi, probablemente los más dotados entre los estudiantes de la academia.
La vida de la academia fue corta, ya comienzos de los años treinta del siglo XVII se pudo decir que la experiencia terminó, debido a la plaga, que llevó a la desaparición de muchos alumnos y maestros, y especialmente a la muerte del Cardenal Borromeo. , aunque la academia no cerró oficialmente. Los resultados de la academia son controvertidos: si es indudable que contribuyó a la formación de muchos artistas jóvenes, algunos de gran esplendor como Crespi, y sobre todo para difundir los cánones del arte contrarreformado; muchos creen que la orientación religiosa declarada de la academia representa la principal limitación de esto. La actividad de la academia tuvo una breve fase en la segunda mitad del siglo diecisiete, 1776.
Arquitecturas religiosas
Iglesia de San Giuseppe
La iglesia de San Giuseppe es considerada uno de los edificios más representativos del Barroco lombardo antiguo, así como una de las obras maestras de Richini: la iglesia representa el punto de partida de la arquitectura manierista, y también se utilizó como prototipo de las iglesias barrocas en el uso de la planta longitudinal, especialmente en el norte de Italia y, a veces en el centro de Europa. El proyecto fue confiado después de varios pasajes a Richini en 1607, que por primera vez se presentó como el único diseñador de un edificio importante: el motivo de la innovación del proyecto es el uso de espacios, es decir, una evolución de la solución utilizada en el iglesia de Sant’Alessandro en Zebedia por Lorenzo Binago, su profesor. El plano longitudinal está formado por la fusión de dos espacios con un plano central: el primero de forma octogonal, obtenido como un cuadrado al que se redondean las esquinas, en estas esquinas hay dos columnas de orden gigante que soportan pequeños balcones; el segundo espacio, que alberga el presbiterio, es un poco más pequeño y tiene forma cuadrada, con dos capillas laterales; los dos espacios están unidos por un arco que pertenece espacialmente a ambos entornos, creando una especie de unión entre los dos. Para la solución de las columnas gigantes en las esquinas, el Richini se inspiró en la iglesia de San Fedele diPellegrino Tibaldi: la evolución consiste en el uso de una cúpula en lugar de una cubierta de velas que se alinea con las nuevas tendencias del Barroco romano, aunque moviéndose en continuidad con la tradición lombarda, para lo cual el arquitecto eligió una linterna octogonal.
Otras arquitecturas religiosas
Una de las primeras iglesias milanesas en estilo barroco fue la iglesia de Sant’Alessandro en Zebedia, cuyos proyectos de Lorenzo Binago fueron aprobados en 1601: los sitios de construcción finalmente terminaron en 1710 con la construcción del campanario izquierdo. A pesar de la larga construcción de las obras, se cree que en 1611 las obras deberían estar en una etapa avanzada, de hecho en ese año se celebró en el edificio la fiesta de San Carlos: una de las razones de los retrasos en la construcción eran signos de hundimiento de la cúpula en el trabajo completado en 1627, que luego fue demolido y reconstruido. La iglesia tiene un plan combinado central y longitudinal, es decir, el cuerpo principal adquiere una forma rectangular, mientras que el interior tiene una estructura de cruz griega, con los espacios restantes organizados en cuatro capillas coronadas por tantas cúpulas y la cúpula principal sobre la centro del plan cruzado griego; la regularidad del plano rectangular se rompe por el ábside en la parte inferior de la iglesia.
La fachada fue construida en dos períodos diferentes: el orden inferior concluyó en 1623 organizado en tres portales intercalados con pilastras, la más grande en el centro, introducida por dos columnas corintias que sostienen un arco falso, en el que se encuentra el relieve de Sant ‘ Alessandro que indica el dibujo de la iglesia de Stefano Sampietri; siempre en el orden inferior están los nichos que contienen las estatuas de San Pietro y San Paolo siempre del Sampietri. El orden superior se concluyó en el siglo XVIII en un proyecto de Marcello Zucca, y está compuesto por una cruz mística, en la que se disponen estatuas de putti.
El interior de la iglesia, definido como un «museo de las artes figurativas del lombardo del siglo XVII», presenta una nave completamente pintada al fresco por varios artistas según el tema de algunos episodios bíblicos; El fresco en la cúpula representa la Gloria de Todos los Santos (1696) y fue creado por Filippo Abbiati y Federico Bianchi, así como el ábside y el presbiterio, episodios pintados de San Alejandro de la vida. Las cuatro capillas están profusamente pintadas y decoradas, entre las que se encuentran las pinturas de la ‘Asunción de María y la pala Navita deCamillo Procaccini, y los frescos de los Ángeles de Fiammenghini, la Adoración de los Reyes Magos de Moncalvo y finalmente la Decollación del Bautista sobre lienzo de Daniele Crespi. Sobre el tema de las artes aplicadas, observe los confesionarios y el púlpito en madera o mármol con incrustaciones.
Todavía en el centro histórico, aunque la iglesia de Sant’Antonio Abate ha sufrido la reconstrucción completa de la fachada en el período neoclásico, los interiores están, sin embargo, entre los mejores ejemplos decorativos del barroco lombardo. La construcción de la iglesia fue decidida en 1582 y confiada a Dionigi Campazzo, el plano es una cruz latina, la nave y la contrafachada están pintadas al fresco con el ciclo de Historias de la Vera Cruz de Giovanni Carlone, y luego concluido por su hermano Giovanni Battista hasta la muerte por la plaga de John. A los lados de la nave se encuentran las capillas: la capilla de S. Andrea Avellino alberga el retablo de la Surrence del Beato Andrea Avellino de Francesco Cairo y pintado al fresco por Ercole Procaccini the Younger y Filippo Abbiati; siempre a la derecha, la capilla de la Virgen del Sufragio creada por Carlo Buzzi alberga el grupo escultórico del Cristo Muerto de Giuseppe Rusnati. En el crucero se pueden ver las pinturas de Morazzone, Annibale y Ludovico Carracci, mientras que la bóveda está pintada al fresco por Tanzio da Varallo. En el lado izquierdo, la tercera capilla está adornada con tres pinturas de Giulio Cesare Procaccini, mientras que la segunda, basada en un proyecto de Gerolamo Quadrio, contiene otro ciclo escultórico de Rusnati, y Las Estasi de San Gaetano sobre lienzo de Cerano.
Pintura
Los protagonistas de la primera pintura barroca milanesa son, como ya se ha especificado, el Cerano, Giulio Cesare Procaccini y la Morazzone. Estos tres personajes fueron los principales autores de los ciclos del Quadroni de San Carlo, contados entre los principales ciclos pictóricos del primer Barroco milanés.
Los Quadroni di san Carlo consisten en dos ciclos pictóricos que narran episodios de la vida de San Carlos Borromeo, uno de los principales personajes del Concilio de Trento y la Contrarreforma: estos ciclos fueron encargados en estrecha relación con la propuesta de canonización. del Cardenal Borromeo: tuvieron que mostrar la vida ejemplar de Carlo Borromeo a través de un viaje iconográfico. El primer ciclo, realizado entre 1602 y 1604, incluía veinte lonas alquitranadas, a las cuales se agregaron posteriormente, que van desde la descripción de la actividad pública del cardenal, como la difusión de las doctrinas de la Contrarreforma y las visitas a las víctimas de la peste. , a la vida privada, como episodios de caridad y penitencia; las pinturas ven el trabajo de los mencionados Cerano y Morazzone, a los cuales se añaden Paolo Camillo Landriani, conocido como Il Duchino, Giovanni Battista della Rovere, conocido como Fiammenghino, y otros como Carlo Antonio Procaccini, primo del más famoso Giulio Cesare, y Domenico Pellegrini. El segundo ciclo de los grandes ladrillos se remonta a 1610, se produjo la canonización y tiene como tema los milagros del santo: se compone de veinticuatro pinturas al temple; el Cerano, Giulio Cesare Procaccini y el Duchino, realizaron seis cada uno, mientras que los otros fueron realizados por maestros menores, como Giorgio Noyes y Carlo Buzzi: algunas pinturas adicionales serán encargadas hacia el final del siglo XVII.
Si los Quadroni di San Carlo en el complejo son uno de los ciclos pictóricos más representativos del primer arte del Barroco milanés, los críticos a menudo comparten la uniformidad de la calidad de las obras: si los trabajos de Cerano son elogiados por la crítica por su excelente resultado , Duchino y Fiammenghino no pueden obtener el mismo consentimiento, y luego pasar al trabajo de Carlo Antonio Procaccini y Domenico Pellegrini, cuya evidencia raramente se considera de la misma calidad que los artistas anteriores.
La obra maestra de la pintura lombarda del siglo XVII es el Martirio de los santos Rufina y Seconda, más conocido como el Quadro delle tre mani, tal como se realizó en una colaboración entre el Cerano, Giulio Cesare Procaccini y Morazzone, o la era de los grandes pintores. La pintura representa el martirio de dos hermanas jóvenes en la época de la Roma imperial y puede idealmente dividirse en las tres partes en las que trabajaron los pintores: en el centro está el verdugo de Morazzone con una espada en la mano, sus asistentes y el pequeño ángel con la palma del martirio, Procaccini se ocupó de Santa Rufina sobre la derecha y del ángel que le da consuelo, al Cerano se le debe el lado izquierdo con el caballero, el segundo santo decapitado y el ángel que sostiene un perro, atenta arrojándose sobre la cabeza del santo. Analizando las carreras y el estilo de los artistas individuales, se puede afirmar cómo el cliente, Scipione Toso, encomendó cada una de las partes de la pintura de acuerdo con los temas y estilos más acordes con los pintores: si el Cerano era particularmente hábil para crear una Tono dramático En el trabajo, los Procaccini pudieron representar adecuadamente la esperanza cristiana, mientras que Morazzone se distinguió por un carácter más enérgico y dinámico de su representación.
Finalmente, los artistas antes mencionados tomaron parte en la corriente restringida del retrato: la colección más famosa de la época es la de los benefactores del hospital principal, en la que destacan Daniele Crespi y Tanzio da Varallo con retratos de Pozzobonelli y Francesco Pagano.
Arquitecturas civiles
A principios del siglo XVII, las comisiones religiosas superaban con creces a los civiles: en un número decididamente menor de edificios religiosos y arte sacro, también se construyeron edificios civiles, a menudo todavía vinculados a comisiones religiosas.
El principal ejemplo de arquitectura civil de la época es el Palazzo del Senato, encargado en 1608 por Federico Borromeo para albergar el Collegio Elvetico: el proyecto fue originalmente asignado a Fabio Mangone, reanudado veinte años más tarde por Richini. La particularidad del edificio es la parte central de la fachada cóncava, diseñada por Richini, que se desprende del estilo mésés más sobrio, acercándose a un Barroco romano más decorado, en su interior hay dos patios con las formas más clasicistas de Mangone, definidas a partir de un doble orden de architrave loggias.
El segundo siglo XVII
Arquitectura religiosa
Comparado con el comienzo del siglo XVII, los sitios de construcción religiosa ya no tenían la misma vivacidad del período de Federico Borromeo, a pesar de que todavía representaban las principales comisiones de la época; sin embargo, la decoración interior de las iglesias existentes era más privilegiada que la construcción de nuevos edificios.
La construcción de la iglesia de Santa Maria della Passione se inició en el siglo XVI, disminuyendo con los años de intensidad, para reanudar la vitalidad en el siglo XVII, la iglesia es por lo tanto una mezcla de arte barroco y renacentista lombardo. La fachada de la iglesia, que data de 1692 sobre un proyecto de Giuseppe Rusnati, está marcada por cuatro pilastras: en los lados más alejados hay dos nichos típicamente barrocos, mientras que los otros tres espacios marcados por las pilastras están decorados con relieves que representan el Flagelación, la coronación de espinas y la deposición; tenga en cuenta la similitud con la iglesia de Sant’Alessandro en Zebedia en los putti en los lados de la fachada. Las decoraciones adentro datan de principios del siglo XVII.
En la nave central, en la base de la cúpula, el ciclo de las Historias de la Pasión, de Daniele Crespi; en el pasillo derecho, la tercera capilla alberga la pintura de Julio César Procaccini representando a Cristo en la columna, mientras que la quinta capilla presenta las pinturas de Ester y Assuero y la Virgen del Rosario entre Santo Domingo y Santa Catalina de Siena, de Giuseppe Nuvolone. En el pasillo izquierdo se encuentran las pinturas de Camillo Procaccini, fechadas en 1610, con San Francisco recibiendo los estigmas y Cristo en el jardín de los olivos, así como la obra siempre sobre lienzo de Giuseppe Vermiglio Funerale de Thomas Beckett (1625); en la cuarta capilla están la Virgen y los santos de Duchino, y la Flagelación y el Cristo del olivar, esta vez de Enea Salmeggia conocida como Talpino; finalmente en la primera capilla está la famosa pintura del ayuno de San Carlos Daniele Crespi que, respetando cuidadosamente los dictámenes artísticos señalados por el mismo Carlo Borromeo, quiere representar en su esencialidad la alteza moral y religiosa del santo.
El otro logro importante de la época fue la iglesia de Santa Maria alla Porta, completamente reconstruida en la antigua iglesia que data del siglo XII: el proyecto fue inicialmente diseñado por Francesco Maria Richini a partir de 1652, y luego pasó a la muerte del arquitecto en 1658 a Francesco Borromini que terminó el proyecto, al cual le debemos en particular el portal principal. La fachada, más bien esbelta, está dividida en dos órdenes, respectivamente jónicos y corintios, unidos por pergaminos y que terminan en un tímpano sobre el cual se colocan las estatuas de la virginidad y de dos ángeles; en los lados hay nichos, mientras que la parte central está más decorada, con el portal arquitrabe principal coronado por un relieve de Carlo Simonetta de la Incoronazione della Vergine de 1670; el orden superior se decora con una ventana barroca tardía. El interior consta de una sola nave con capillas laterales introducidas por serliane, que termina con el presbiterio que sostiene una cúpula con una linterna atribuida a Gerolamo Quadrio; en el tambor hay nichos con esculturas de Angelsby Giuseppe Vismara y Carlo Simonetta que datan de 1662. Entre las cuatro capillas se observa la primera en el lado derecho, diseñada por Giuseppe Quadrio, con las obras Gloria y Angeli siempre de Simonetta: es uno de los mejores ejemplos de escultura del segundo siglo XVII lombardo.
Arquitecturas civiles
Aunque la segunda mitad del siglo XVII en Milán ve un interés creciente en la arquitectura civil en comparación con la primera mitad del siglo, el predominio del arte religioso no falló, especialmente considerando que muchos edificios todavía tenían una comisión religiosa.
Una comisión religiosa se puede encontrar en el Seminario Arzobispal, en particular la entrada, un ejemplo perfecto de portal barroco, fue diseñado por Richini en 1652: consiste en un sillar liso y coronado con un dintel trapezoidal en los lados presenta dos cariátides que representan la esperanza y Caridad. A los efectos de las escuelas en las que se construyó Barnabiti, se construyó el Colegio de Sant’Alessandro, construido sobre un diseño de Lorenzo Binago entre 1663 y 1684; la fachada barroca tardía, a veces atribuida a Borromini, está dividida en dos órdenes: en la planta baja hay un impacto inmediato en el portal con arquitrabe curvilíneo decorado con dos cartelas rizadas en los lados, mientras que en el piso superior las ventanas muestran los frontones mixtilíneos medallones que representan alegorías relacionadas con la cultura. Se hicieron modificaciones menores en el palacio del arzobispo por Andrea Biffi, quien terminó sus modificaciones en el patio interior en 1680.
A pocos minutos a pie del Palazzo Arcivescovile se encuentra el Palazzo Durini: encargado en 1645 por el comerciante banquero Giovan Battista Durini, el proyecto fue asignado a Richini; el palacio es uno de los mejores ejemplos de edificios del siglo XVII en la ciudad. La fachada, como era tradición establecida en la ciudad, es bastante sobria y lineal en comparación con los estilos barrocos de las otras ciudades de Italia se centra en una puerta monumental en sillar que soporta un balcón igualmente monumental. de la planta principal, donde los ventanales decorados con tímpanos triangulares y curvilíneos alternados están decorados con soportes en la base en forma de máscara, esta decoración se toma en el marco. Los interiores son definitivamente dignos de mención: subiendo desde la gran escalera decorada con mármol rojo en el piso principal, se ingresa al trompe-l’œil decorado con antirian, mientras se pasa por una serie de pasillos decorados con medallones pintados se llega al hall de honor decorado al fresco por el Triunfo de Eros de la escuela lombarda; siempre en la planta principal se pueden admirar los techos de madera tallada procedentes del demolido Palazzo Arnaboldi.
Completado en la cuarta década del siglo XVII, el Palazzo Annoni fue construido una vez más sobre un proyecto de Filippo Maria Richini; la fachada, adornada en la planta baja con una base en relieve, se centra en la puerta de entrada insertada entre dos columnas jutting iónicas que sostienen el balcón del piso principal; en el nivel superior las ventanas con frontones triangulares o curvilíneos alternantes presentan balaustradas [109], la fachada está finalmente bordeada por pilastras rusticadas. En el patio interior, construido repitiendo la decoración externa, se llega pasando por la puerta de hierro forjado original de la época. El palacio en el siglo XVIII fue el hogar de una rica biblioteca y la galería de arte privada de Annoni, que incluía entre otras pinturas de Rubens, Gaudenzio Ferrari y Antoon van Dyck, confiscadas por los austriacos en 1848.
Frente al Palazzo Annoni se encuentra el Palazzo Acerbi, que data de principios del siglo XVII, pero muy restaurado durante los años de la gran plaga: la fachada, bastante delgada en comparación con el frente, se enriqueció en el siglo XVIII con balcones curvilíneos y máscaras ornamentales con figuras de león cerca del portal de entrada, mientras que dentro, después del primer patio ajardinado sobrio, podemos mencionar el segundo patio rococó. Curiosamente gracias a la posición frente a los dos edificios, hacia la segunda mitad del siglo XVII hubo una batalla con golpes de «grandeza» entre la familia Annoni y Acerbi: el primero afectado por la riqueza de la remodelación de Acerbi, no quería ser menos; así fue que un largo duelo de renovaciones y obras de los palacios comenzó a definir cuál de las dos familias era más rica y más poderosa.
El palacio de las Escuelas Palatinas, que se construyó en el sitio de un palacio quemado, era de uso público: las obras comenzaron en 1644 en un proyecto de Carlo Buzzi, quien reasumió la estructura del palacio Giureconsulti]. Del edificio original solo queda la fachada, dispuesta en varios órdenes: en la planta baja hay una logia salpicada de columnas gemelas, mientras que en el piso superior hay ventanas decoradas con un nicho en el centro que contiene la estatua de Sant’Agostino di Giovan Pietro Lasagna, mientras está más a la derecha, en el frontón que conduce a un pasaje cubierto, también está la estatua de Ausonio siempre del mismo autor.
Pintura
El segundo siglo XVII, desaparecieron los principales intérpretes de los pintores «pestanti» de principios del siglo XVII Lombard, recoge el legado de este último, superando definitivamente los vínculos con los manierismos que se pueden encontrar en algunas de las obras de los artistas Federician: gran parte de los artistas de este período eran, de hecho, estudiantes de la Academia Ambrosiana o formados en los talleres de los maestros de Lombardía a principios del siglo XVII.
Para marcar el punto de quiebre es Carlo Francesco Nuvolone, el mayor de los dos hermanos y alumno de Cerano, que muestra en su estilo el dinamismo típico del arte barroco, del que recordamos los frescos en la iglesia de Sant’Angelo di Milano; mientras que Francesco Cairo muestra una evolución constante de estilo, que está influenciada por sus muchos viajes entre Turín y Roma, donde tiene la oportunidad de tratar con exponentes de las escuelas emiliana y genovesa.Estos dos pintores, junto con Giuseppe Nuvolone, se enfrentaron constantemente, surgiendo de numerosas colaboraciones en varios sitios de construcción, en todos los de la Sagrada Montaña de Lombardía, lo que llevó a una evolución de la pintura sagrada de los principios del siglo XVII, abandonando su lenguaje a favor de una mayor variedad narrativa. Para completar la evolución de la pintura milanesa, Giovan Battista Discepoli, formado en Camilo Procaccini, su pintura está más influenciada por la influencia de Morazzone: él también muestra una fuerte evolución del estilo; entre sus obras se encuentran las pinturas de la iglesia de San Vittore al Cuerpo y la Adoración de los Magos en vez de estar en la iglesia de San Marcelino.
Muertes Carlo Francesco Nuvolone o El Cairo, y gracias a la influencia de recién llegado Papa Clemente IX y sus relaciones con el arzobispo Alfonso Litta, el arte lombardo ve un acercamiento con los romanos hacia un sabor más marcadamente barroco, esto ayuda a traer a Milán , Roma artistas como Salvator Rosa y Pier Francesco Mola, mientras que los viajes de jóvenes artistas a Roma vuelven a ser favoritos, incluidos los de Giovanni Ghisolfi y Antonio Busca, de los que surgen una nueva actualización del entorno artístico milanés; no fue por casualidad que la cátedra de la Academia Ambrosiana fue posteriormente asignada a Antonio Busca. Con estas dos últimas corrientes también se destinarán al siglo XVIII, una corriente más clásica de la búsqueda, contrasta con un estilo más exuberante e imaginativo de la maduración de Giuseppe Nuvolone,transportando en la ciudad de Ambrosian esa misma controversia entre los dos estilos del ambiente romano.
Muchos años después de los impactantes pintores hay un pequeño resurgimiento de la tradición pictórica del Borromeo; en particular, el trabajo de Giorgio Bonola y Andrea Lanzani, que prefiere una orientación más clasicista, y Filippo Abbiati, con un estilo barroco declarado, se suman a la gran obra del Cuadrángulo de San Carlos, a la que pertenecen las obras de Giacomo Parravicini se agrega más tarde: Abbiati y Lanzani continúa esta dualidad entre el clasicismo y el barroco, incluso principios del siglo XVIII. Es de destacar que muchos de los artistas que acabamos de mencionar estaban en contacto para la comisión del ciclo de vida de San Rocco para la Iglesia de San Rocco en Miasino, donde trabajaon Bonola, Abbiati, Lanzani y Giuseppe Nuvolone. En los últimos años del siglo XVII observamos el primer trabajo de Stefano Legnani,llamado Legnanino y Sebastiano Ricci: el trabajo de estos se hace sin embargo para coincidir y poner en continuidad con el Lombard del siglo XVIII.
Como en la primera parte del siglo, la galería de los benefactores del hospital principal recoge los mejores testimonios del retrato milanés de la segunda mitad del siglo XVII; gracias a la imagen podemos ver la evolución hacia un estilo barroco más maduro: la mejor evidencia se atribuye a Giuseppe Nuvolone.