La pintura metafísica (italiano: pittura metafísica) o arte metafísico fue un estilo de pintura desarrollado por los artistas italianos Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. El movimiento comenzó en 1910 con De Chirico, cuyas obras oníricas con fuertes contrastes de luz y sombra a menudo tenían una cualidad misteriosa y vagamente amenazante, «pintar lo que no se puede ver». De Chirico, su hermano menor Alberto Savinio y Carrà establecieron formalmente la escuela y sus principios en 1917.
El término «metafísica» fue utilizado por primera vez por el filósofo Andrónico de Rodas (siglo I a. C.) para titular aquellas obras de Aristóteles que no abordaban el tema anterior, la física por la misma razón, y que precisamente por esta razón fueron catalogados en la «metafísica» (literalmente «mitad» «tà» «physikà»), un término que si se traduce significa «después de la física».
El arte metafísico aplicado a la obra de Giortio de Chirico y Carlo Carrà antes y durante la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, a las obras producidas por los artistas italianos, que agrupados a su alrededor, Pittura Metafisica se caracterizó por una iconografía reconocible: se creó un espacio ficticio en el pintura, modelada en una perspectiva ilusionista de un punto pero deliberadamente subvertida. En las pinturas de De Chirico, esto estableció plazas de la ciudad inquietantemente profundas, bordeadas por arcadas en retroceso y paredes de ladrillo distantes; o interiores claustrofóbicos, con pisos abruptamente ascendentes. Dentro de estos espacios, las estatuas clásicas y, más típicamente, los maniquíes metafísicos (derivados de maniquíes de sastres) proporcionaron una presencia humana sustituta, sin rasgos distintivos y sin expresión, pelotas, juguetes de colores y sólidos no identificables, moldes de yeso, instrumentos geométricos, Las insignias militares y las pequeñas pinturas realistas se yuxtapusieron en plataformas exteriores o en interiores abarrotados y, particularmente en el trabajo de Carrà, se incluyeron junto a los maniquíes. En las mejores pinturas, estos elementos se combinaron para dar una imagen desconcertante de la realidad y capturar la naturaleza inquietante de lo cotidiano.
Característica
La pintura metafísica surgió del deseo de explorar la vida interior imaginada de los objetos cotidianos cuando se representan fuera de los contextos habituales que sirven para explicarlos: su solidez, su separación en el espacio que se les da, el diálogo secreto que podría tener lugar entre ellos. Esta atención a la simplicidad de las cosas ordinarias «que apunta a un estado de ser más elevado y más oculto» estaba vinculada a la conciencia de tales valores en las grandes figuras de la primera pintura italiana, en particular, Giotto y Paolo Uccello, en quienes Carrà había escrito en 1915.
Una característica de la Pittura metafísica es que lo suprasensible, lo que solo puede reconocerse en los actos de pensamiento y lo que está más allá del mundo sensorial, lo trascendente, se eleva a un sistema artístico. Las secuencias de contenido de la imagen a menudo están más allá de la experiencia sensual y una segunda realidad misteriosa se esconde detrás de las cosas visibles.
En este estilo de pintura, una realidad ilógica parece creíble. Utilizando una especie de lógica alternativa, Carrà y de Chirico yuxtapusieron varios temas comunes, que generalmente incluyen edificios, estatuas clásicas, trenes y maniquíes.
Su arte, normalmente visto como una representación naturalista de figuras, objetos y acciones en un espacio escénico controlado, también puede parecer inquietantemente quieto y aún aislado del mundo ordinario; En medio de la guerra, ofreció un lenguaje poético fuerte y un correctivo a las tendencias dañinas y fragmentadoras dentro de la modernidad. Este deseo de vincularse con el gran pasado italiano fue más fuerte en Carrà, cuyas pinturas de este período también son más baratas y más centradas que las de Chirico; Este último continuó explorando la naturaleza enigmática del mundo cotidiano en un estilo más amplio.
Desarrollo
Giorgio de Chirico, a diferencia de muchos artistas de su generación, encontró poco que admirar en las obras de Cézanne y otros modernistas franceses, pero se inspiró en las pinturas del simbolista suizo Arnold Böcklin y el trabajo de artistas alemanes como Max Klinger. Su pintura El enigma de una tarde de otoño (c. 1910) es considerada su primera obra metafísica; se inspiró en lo que de Chirico llamó una «revelación» que experimentó en la Piazza Santa Croce en Florencia. En trabajos posteriores, desarrolló una imagen inquietante de cuadrados desiertos, a menudo bordeados por arcadas empinadas que se muestran en una luz rasante. Pequeñas figuras en la distancia proyectan largas sombras, o en lugar de figuras hay maniquíes de modistas sin rasgos distintivos. El efecto fue producir una sensación de dislocación en el tiempo y el espacio.
En 1913, Guillaume Apollinaire hizo el primer uso del término «metafísico» para describir las pinturas de De Chirico.
En febrero de 1917, el pintor futurista Carlo Carrà conoció a Chirico en Ferrara, donde ambos estuvieron estacionados durante la Primera Guerra Mundial. Carrà desarrolló una variante del estilo metafísico en el que el dinamismo de su trabajo anterior fue reemplazado por la inmovilidad, y los dos artistas Trabajaron juntos durante varios meses en 1917 en un hospital militar en Ferrara. Según la historiadora de arte Jennifer Mundy, «Carrà adoptó las imágenes de maniquíes de Chirico en espacios claustrofóbicos, pero sus obras carecían del sentido de ironía y enigma de De Chirico, y siempre mantuvo una perspectiva correcta». Después de una exposición de la obra de Carrà en Milán en diciembre de 1917, los críticos comenzaron a escribir sobre Carrà como el inventor de la pintura metafísica, para disgusto de Chirico. Carrà hizo poco para disipar esta idea en Pittura Metafisica, un libro que publicó en 1919, y la relación entre los dos artistas terminó. Para 1919, ambos artistas habían abandonado en gran medida el estilo en favor del neoclasicismo.
Otros pintores que adoptaron el estilo incluyeron a Giorgio Morandi alrededor de 1917–1920, Filippo de Pisis y Mario Sironi. En la década de 1920 y más tarde, el legado de la pintura metafísica influyó en el trabajo de Felice Casorati, Max Ernst y otros. Las exposiciones de arte metafísico en Alemania en 1921 y 1924 inspiraron el uso de imágenes de maniquí en obras de George Grosz y Oskar Schlemmer. Muchas pinturas de René Magritte, Salvador Dalí y otros surrealistas hacen uso de elementos formales y temáticos derivados de la pintura metafísica.
Entre las dos guerras mundiales en Italia hubo numerosas vulgarizaciones arquitectónicas de la poética metafísica de la «Piazze d’Italia», cuya atmósfera atemporal parecía ser compatible con las necesidades de propaganda de la época. Se construyeron cuadrados de sabor metafísico en los centros históricos, como en Brescia o Varese, o en ciudades recién fundadas, como las del Agro Pontino (Sabaudia, Aprilia), para culminar en el espectacular E42 inacabado en Roma.
Revelaciones y acertijos – París
La génesis de la pintura metafísica se puede encontrar en la pintura de Giorgio de Chirico El enigma de una tarde de otoño de 1910, citado por el propio pintor en uno de sus manuscritos parisinos de 1912.
«…, ahora diré cómo tuve la revelación de una pintura que exhibí este año en el Salon d’Automne y que lleva el título: El enigma de una tarde de otoño. Durante una clara tarde de otoño, estaba sentado en un banco en medio de la Piazza Santa Croce en Florencia. Ciertamente no fue la primera vez que vi esta plaza. Acababa de salir de una enfermedad intestinal larga y dolorosa y estaba en un estado de sensibilidad casi mórbida. Toda la naturaleza, hasta el mármol de los edificios y fuentes, me pareció convaleciente.
En el centro de la plaza hay una estatua que representa a Dante envuelto en una larga capa, sosteniendo su trabajo contra su cuerpo e inclinando su pensativa cabeza coronada de laurel hacia el suelo. La estatua es de mármol blanco, pero el tiempo le ha dado un tinte gris, muy agradable de ver. El cálido y sin amor del sol de otoño iluminó la estatua y la fachada del templo. Entonces tuve la extraña impresión de ver todas esas cosas por primera vez. Y la composición de la imagen se me apareció a mi espíritu; y cada vez que veo esta foto revivo ese momento. Momento que, sin embargo, es un enigma para mí, porque es inexplicable. Entonces me gusta llamar al trabajo resultante también un enigma. »
En París, los hermanos de Chirico entran en contacto con los exponentes de la vanguardia artística del siglo XX y con sus obras de 1912, 1913 y 1914 contribuyen a anticipar la crisis que habría llevado al enorme cambio intelectual y estético. clima que tomó forma durante la primera guerra mundial.
En 1913 Guillaume Apollinaire en «L’Intransigeant» del 9 de octubre escribe:
«El signor de Chirico exhibe en su estudio en 115 Rue Notre-Dame-des-Champs cerca de treinta lienzos cuyo arte interior no debe dejarnos indiferentes. El arte de este joven pintor es un arte interior y cerebral que no tiene relación con el de los pintores que se han revelado en los últimos años. No proviene de Matisse o Picasso, y no deriva de los impresionistas. Esta originalidad es tan nueva que merece ser mencionada. Las sensaciones muy agudas y muy modernas de Signor de Chirico generalmente toman una forma arquitectónica. Son estaciones decoradas con un reloj, torres, estatuas, grandes plazas desiertas; los trenes pasan por el horizonte. Aquí hay algunos títulos singulares para estas pinturas extrañamente metafísicas: L’énigme de l’oacle, La tristesse du départ, L’énigme de l’héure, La soledad y Le sifflement de la locomotora. »
A finales de febrero de 1914, Carlo Carrà, Ardengo Soffici y Giovanni Papini llegaron a París. Soffici conocerá a De Chirico y Savinio y escribirá el artículo que marca su «conversión» al arte metafísico en la revista Lacerba (1 de julio de 1914). Alberto Savinio previamente (15 de abril) había publicado un texto teórico sobre música (Le drame e la musique) en el número 23 de las «Soirées de Paris», ampliando la discusión en un intento de definir la «metafísica moderna» en las artes.
Ferrara – Escuela de metafísica
En junio de 1915, Alberto Savinio y Giorgio de Chirico, inscritos en el ejército italiano, llegaron a Ferrara después de pasar por Turín y Florencia y establecieron contactos con Ardengo Soffici y Giovanni Papini en Italia y, en París, con el comerciante de arte y coleccionista Paul Guillaume. A partir de 1916, se reanudarán las cartas con Apollinaire y en el mismo año tendrá lugar el encuentro con el joven intelectual de Ferrarese, Filippo de Pisis. En este período entre los dos hermanos de Chirico y Soffici existe una estrecha comunidad de ideas e intenciones para describir el nacimiento De la nueva estrategia cultural y en este contexto, desde finales de marzo de 1917, precedido por un denso intercambio de cartas ansiosas del evento, la reunión con Carlo Carrà entonces militar en Pieve di Cento es parte. Hasta entonces, Carrà había seguido los caminos del divisionismo,
La «escuela metafísica», además del entusiasmo de los protagonistas, también surge de una inesperada coincidencia: tanto de Chirico como de Carrà, a principios de abril de 1917, fueron enviados en convalecencia al hospital neurológico Villa del Seminario en el campo de Ferrara, cultivado en cáñamo Ambos permanecieron allí hasta mediados de agosto, mientras tanto, Savinio había sido enviado a Salónica, Macedonia, como intérprete. Carrà fue exonerado del servicio militar y regresó a Milán con algunos lienzos de De Chirico, que permaneció solo en Ferrara.
El 18 de diciembre de 1917, en Milán, en la galería Paolo Chini, Carrà inauguró una de sus grandes exposiciones individuales donde había varias pinturas (El caballero borracho, La silla de ruedas, Los románticos) en las que la influencia de Chirico era muy evidente. El pintor había enviado algunas de sus pinturas a Milán (Ettore y Andromaca, Il trovatore, etc.), pero increíblemente no fueron exhibidas. La primera exposición de pintura metafísica en Italia, por lo tanto, tuvo lugar sin la participación de su máximo exponente, quien en ese momento, a diferencia de Carrà, era prácticamente desconocido.
Solo dos años después, el domingo 2 de febrero de 1919, Giorgio de Chirico inauguró su primera exposición en Italia en la galería Anton Giulio Bragaglia en Roma. La auto-presentación apareció en la crónica de arte de actualidad publicada por el propio Bragaglia. La revisión de Roberto Longhi apareció en «The Time» el 22 de febrero en un artículo titulado «At the Orthopaedic God».
Por lo tanto, la pintura metafísica creció en Italia, en particular en Ferrara, a partir de 1916. Fue una novedad en comparación con la pintura de vanguardia y futuristas, también debido al regreso de temas clásicos que recordaban la antigüedad griega y romana y los temas de El Risorgimento nacional. La palabra «metafísica» representa lo inconsciente y el sueño, lo surreal. Como en el sueño, los paisajes parecen realistas, pero confusamente ensamblados: un cuadrado no está necesariamente al lado de un campo de flores.
Los personajes fundamentales de la pintura metafísica son:
La perspectiva de la pintura se construye de acuerdo con múltiples puntos de fuga inconsistentes entre sí (el ojo se ve obligado a buscar el orden de disposición de las imágenes);
Ausencia de personajes humanos, por lo tanto, soledad: se representan maniquíes, estatuas, sombras y personajes mitológicos;
Regiones llenas de color plano y uniforme;
Escenas que tienen lugar fuera del tiempo;
Las sombras son demasiado largas en comparación con los momentos del día representados.
Los autores más importantes del movimiento fueron:
Giorgio de Chirico
Alberto Savinio (Andrea de Chirico, hermano de Giorgio de Chirico)
Carlo Carrà (anteriormente futurista)
Giorgio Morandi.
La corriente metafísica fue de fundamental importancia para muchos artistas del surrealismo.
Las pinturas metafísicas a menudo retratan cuadrados italianos considerados misteriosos y románticos: los personajes presentes en estos cuadrados son a menudo estatuas o maniquíes griegos. En las obras, toda la atención se dirige a la escena descrita, una escena inmóvil atemporal (como un sueño), a menudo un lugar silencioso y misterioso, un escenario de teatro sin emociones. Entre las dos guerras en Italia hubo numerosas vulgarizaciones arquitectónicas de la poética metafísica de los «Cuadrados de Italia», cuya atmósfera atemporal parecía ser compatible con las necesidades de propaganda de la época. Se construyeron cuadrados de sabor metafísico en centros históricos, como en Brescia o Varese, o en ciudades recién fundadas, como las del Agro Pontino (Sabaudia,), para culminar en el espectacular sistema inacabado del E42.