El Museo Matisse de Niza está dedicado a la obra del pintor francés Henri Matisse. Reúne una de las colecciones más grandes del mundo de sus obras, lo que nos permite rastrear su recorrido artístico y sus desarrollos desde sus inicios hasta sus últimas obras. Ubicado en la Villa des Arenes, una villa genovesa del siglo xvii en la zona de Cimiez, el museo abrió sus puertas en 1963.

Clasificado como «Musée de France», el Musée Matisse cubre una superficie total de 2.800 m2, de los cuales 1.200 m2 de espacios expositivos abarcan la villa y la ampliación. En 2013, la cerámica La Piscine, un regalo de Claude y Barbara Duthuit, fue instalado en una sala dedicada, en el nivel de entrada. En 2017 se inició una campaña de renovación, que se inició con una remodelación del itinerario de visitantes, la remodelación del espacio de entrada y la instalación de dispositivos educativos.

El Musée Matisse forma parte de un vasto complejo patrimonial del sitio de Cimiez que incluye las arenas y ruinas romanas, un jardín con olivos centenarios, así como el monasterio de Cimiez.

Henri Matisse
Henri Matisse fue un artista, pintor, dibujante y escultor francés, conocido principalmente como pintor, tanto por su uso del color como por su forma fluida y original del dibujo. Matisse es comúnmente considerado, junto con Pablo Picasso, como uno de los artistas que mejor ayudó a definir los desarrollos revolucionarios en las artes visuales a lo largo de las primeras décadas del siglo XX, responsable de desarrollos significativos en pintura y escultura.

Importante figura del siglo XX, su influencia en el arte de la segunda mitad de este siglo es considerable por el uso de la simplificación, la estilización, la síntesis y el color como tema único de la pintura, tanto para los numerosos pintores figurativos como abstractos que reclamará a él y a sus descubrimientos. Fue el líder del fauvismo. Muchas de sus mejores obras fueron creadas en la década posterior a 1906, cuando desarrolló un estilo riguroso que enfatizaba las formas planas y los patrones decorativos. En 1917, se trasladó a un suburbio de Niza en la Riviera francesa, y el estilo más relajado de su trabajo durante la década de 1920 le valió elogios de la crítica como defensor de la tradición clásica de la pintura francesa. Después de 1930, adoptó una simplificación de forma más audaz. Cuando la mala salud en sus últimos años le impidió pintar,

Su dominio del lenguaje expresivo del color y el dibujo, mostrado en un cuerpo de trabajo que abarca más de medio siglo, le valió el reconocimiento como una figura destacada del arte moderno. Pablo Picasso, que era su amigo y lo consideraba su rival, de Andy Warhol que «quería ser Matisse» todos los pintores del siglo XX se enfrentaron a la gloria y el genio de Matisse.

Fauvismo
El fauvismo como estilo comenzó alrededor de 1900 y continuó más allá de 1910. El movimiento como tal duró solo unos pocos años, 1904-1908, y tuvo tres exposiciones. Los líderes del movimiento fueron Matisse y André Derain. La primera exposición individual de Matisse fue en la galería de Ambroise Vollard en 1904, sin mucho éxito. Su afición por los colores brillantes y expresivos se hizo más pronunciada después de que pasó el verano de 1904 pintando en St. Tropez con los neoimpresionistas Signac y Henri-Edmond Cross. En ese año, pintó la más importante de sus obras en estilo neoimpresionista, Luxe, Calme et Volupté. En 1905, viajó nuevamente hacia el sur para trabajar con André Derain en Collioure. Sus pinturas de este período se caracterizan por formas planas y líneas controladas, utilizando el puntillismo de una manera menos rigurosa que antes.

Matisse y un grupo de artistas ahora conocidos como «Fauves» exhibieron juntos en una sala del Salon d’Automne en 1905. Las pinturas expresaban emoción con colores salvajes, a menudo disonantes, sin tener en cuenta los colores naturales del sujeto. Matisse mostró Ventana abierta y Mujer con sombrero en el Salón. El crítico Louis Vauxcelles comentó sobre una escultura solitaria rodeada de una «orgía de tonos puros» como «Donatello chez les fauves» (Donatello entre las fieras), en referencia a una escultura de tipo renacentista que compartía habitación con ellos. Su comentario se imprimió el 17 de octubre de 1905 en Gil Blas, un diario, y pasó a ser de uso popular. La exposición recibió duras críticas — «Se ha arrojado un bote de pintura a la cara del público», dijo la crítica Camille Mauclair — pero también una atención favorable.

Matisse fue reconocido como líder de los fauvistas, junto con André Derain; los dos eran rivales amistosos, cada uno con sus propios seguidores. Otros miembros fueron Georges Braque, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck. El pintor simbolista Gustave Moreau (1826-1898) fue el maestro inspirador del movimiento. Como profesor en la École des Beaux-Arts de París, instó a sus alumnos a pensar más allá de las líneas de formalidad y seguir sus visiones.

A principios de 1905, Matisse participó en el Salon des Indépendants. En el verano de 1905, se quedó a orillas del Mediterráneo, en Collioure, en compañía de Derain. Conoce al escultor Maillol. En el Salon d’Automne de 1905, la colocación de obras de Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain y Kees van Dongen provocó un escándalo por los colores puros y violentos colocados en sus lienzos. Al ver estos cuadros agrupados en una misma habitación, el crítico Louis Vauxcelles, en un artículo titulado «Le Salon d’automne», publicado en Gil Blas, el 17 de octubre de 1905, describe el salón habitación por habitación. Escribe en particular «Sala no VII. MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Sala archi-clara, atrevida, indignante, cuyas intenciones deben ser descifradas, dejando a los inteligentes y a los tontos el derecho a reír, la crítica demasiado fácil. En el centro de la sala, el torso de un niño y un pequeño busto de mármol, de Albert Marque, que modela con delicada ciencia. La candidez de estos bustos sorprende en medio de la orgía de tonos puros: Donatello chez les fauves… ”.

El nombre de «fauve» fue adoptado y reclamado inmediatamente por los propios pintores. Este período también marca el reconocimiento de la obra de Matisse, permitiéndole finalmente una relativa facilidad material; se convierte en el líder del fauvismo.

Matisse lo explica así:
el color se proporcionó a la forma. La forma cambió, según las reacciones de los barrios coloreados. Porque la expresión proviene de la superficie coloreada que el espectador capta en su totalidad. »

André Gide escribe en Promenade au salon d’Automne:
«Quiero admitir que el señor Henri Matisse tiene los mejores dones naturales. Los lienzos que presenta hoy tienen la apariencia de presentaciones de teoremas. Todo se puede deducir, explicar, la intuición no tiene nada que ver».

.. Mientras estaba en las paredes de Montparnasse, se podía leer: «Matisse enloquecedor, Matisse es más peligroso que la absenta». El mismo año, conoce a Edmond-Marie Poullain y Signac compra Luxe, Calme et Volupté. En 1907, Guillaume Apollinaire escribió en sus reseñas:
«Cada pintura, cada dibujo de Henri Matisse tiene una virtud que no siempre podemos identificar, pero que es una fuerza real. Y es la fuerza del artista no molestarla, dejarla actuar. Si tuviera que comparar la obra de Henri Matisse para algo, habría que elegir el naranja. Como ella, la obra de Henri Matisse es fruto de una luz deslumbrante. Con total buena fe y un puro deseo de conocerse y realizarse a sí mismo, este pintor nunca ha dejado de seguir su instinto. Él deja que ella elija entre las emociones, juzgar y limitar la fantasía y la de escudriñar profundamente la luz, nada más que la luz. De un vistazo, su arte se despojó y a pesar de su cada vez mayor sencillez no dejó de convertirse en más suntuoso. No es la habilidad lo que hace que este arte sea más simple y la obra más legible. Pero,la belleza de la luz mezclándose cada día más con la virtud del instinto en el que el artista confía por completo, todo lo que se oponía a esta unión desaparece, ya que los recuerdos a veces se funden en las brumas del pasado .. »

En 1907, Guillaume Apollinaire, comentando sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, escribió: «No estamos aquí en presencia de una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable». Pero el trabajo de Matisse de la época también se enfrentó a críticas vehementes y le resultó difícil mantener a su familia. Su pintura Nu bleu (1907) fue quemada en efigie en el Armory Show de Chicago en 1913.

El 18 de septiembre de 1909 Matisse firma su contrato con la galería Josse and Gaston Bernheim que lo exhibe. Este contrato establece que Matisse recibe el 25% del precio de venta de las pinturas. El contrato de tres años se renovó por diecisiete años. Matisse se encontró, en sus propias palabras: «condenado a hacer sólo obras maestras».

El declive del movimiento fauvista después de 1906 no afectó la carrera de Matisse; muchas de sus mejores obras fueron creadas entre 1906 y 1917, cuando formó parte activa del gran encuentro de talento artístico de Montparnasse, aunque no encajaba del todo, con su aspecto conservador y sus estrictos hábitos de trabajo burgués. Continuó absorbiendo nuevas influencias. Viajó a Argelia en 1906 estudiando arte africano y primitivismo. Después de ver una gran exposición de arte islámico en Munich en 1910, pasó dos meses en España estudiando arte morisco. Visitó Marruecos en 1912 y nuevamente en 1913 y mientras pintaba en Tánger hizo varios cambios en su trabajo, incluido el uso del negro como color. El efecto en el arte de Matisse fue una nueva audacia en el uso del color intenso y sin modular, como en L’Atelier Rouge (1911).

Matisse tenía una larga relación con el coleccionista de arte ruso Sergei Shchukin. Creó una de sus obras principales La Danse especialmente para Shchukin como parte de un encargo de dos pinturas, la otra pintura es Música, 1910. Una versión anterior de La Danse (1909) se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Ciudad.

Gertrude Stein
Matisse conoció a Leo y Gertrude Stein, coleccionistas estadounidenses, residentes en París, que le compraron Mujer con sombrero (Museo de Arte Moderno de San Francisco), un retrato de Madame Matisse que se exhibía en la «jaula aux fauves». En 1907, en casa, conoció a Picasso. Gertrude Stein definió a los dos artistas como el «Polo Norte» (Matisse) y el «Polo Sur» (Picasso) del Arte Moderno. Fernande Olivier recuerda que en las cenas en la ciudad, Matisse parecía culto y profeso, respondiendo solo sí o no, o empantanándose de repente en interminables teorías. «Matisse, mucho mayor, serio, nunca tuvo las ideas de Picasso». Entonces Matisse encuentra al crítico Louis Vauxcelles, a quien dice haber visto en el jurado del Salón un cuadro de Georges Braque «hecho en pequeños cubos», que Matisse bautiza con el nombre de «cubismo».

Alrededor de abril de 1906, conoció a Pablo Picasso, 11 años menor que Matisse. Los dos se hicieron amigos y rivales para toda la vida y, a menudo, se los compara. Una diferencia clave entre ellos es que Matisse dibujó y pintó de la naturaleza, mientras que Picasso estaba más inclinado a trabajar desde la imaginación. Los temas pintados con mayor frecuencia por ambos artistas fueron mujeres y naturalezas muertas, y es más probable que Matisse coloque sus figuras en interiores completamente realizados. Matisse y Picasso se reunieron por primera vez en el salón de París de Gertrude Stein con su compañera Alice B. Toklas. Durante la primera década del siglo XX, los estadounidenses en París —Gertrude Stein, sus hermanos Leo Stein, Michael Stein y la esposa de Michael, Sarah— fueron importantes coleccionistas y partidarios de las pinturas de Matisse. Además, Gertrude Stein ‘ s dos amigas estadounidenses de Baltimore, las hermanas Cone Claribel y Etta, se convirtieron en importantes patrocinadoras de Matisse y Picasso, coleccionando cientos de sus pinturas y dibujos. La colección Cone se exhibe ahora en el Museo de Arte de Baltimore.

En 1908, Matisse publicó Note of a Painter. El mismo año, con la ayuda económica de Sarah y Michael Stein, entre otros, Matisse abrió una academia gratuita en el Couvent des Oiseaux, luego en el Hôtel de Biron (donde Rodin tenía su taller de presentación). El éxito fue inmediato: de los 120 estudiantes matriculados en total, había estudiantes en su mayoría extranjeros, ya que no había franceses y principalmente jóvenes pintores escandinavos, así como alemanes, del círculo del café du Dôme. El pintor Hans Purrmann es llamado «gran masivo». La Academia Matisse cerró en 1911.

Si bien numerosos artistas visitaron el salón Stein, muchos de estos artistas no estaban representados entre las pinturas en las paredes en 27 rue de Fleurus. Donde las obras de Renoir, Cézanne, Matisse y Picasso dominaron la colección de Leo y Gertrude Stein, la colección de Sarah Stein enfatizó particularmente a Matisse.

Los contemporáneos de Leo y Gertrude Stein, Matisse y Picasso se convirtieron en parte de su círculo social y se unieron habitualmente a las reuniones que tenían lugar los sábados por la noche en 27 rue de Fleurus. Gertrude atribuyó los inicios de los salones nocturnos de los sábados a Matisse, y señaló:
«Cada vez con más frecuencia, la gente empezó a visitar para ver las pinturas de Matisse y los Cézannes: Matisse traía gente, todo el mundo traía a alguien, y venían a cualquier hora y empezó a ser un fastidio, y así fue que los sábados por la noche empezó.»

Matisse recuerda su actividad docente en 1951: «Solía ​​pasar de vez en cuando, por la noche, para ver qué estaban haciendo. Rápidamente me di cuenta de que tenía que dedicarme primero a mi propio trabajo, que me arriesgaba a gastar demasiado. mucha energía en esta actividad. Después de cada crítica, me encontraba frente a corderos, que tenía que volver a poner en pie sin cesar, semana tras semana, para convertirlos en leones. Luego me pregunté si en realidad era un pintor o profesor; llegué a la conclusión de que era pintor y rápidamente abandoné la escuela «.

En 1909, el coleccionista ruso Sergei Chtchoukine le encargó dos cuadros: La Danse y La Musique. Estos dos lienzos, considerados dos obras maestras del pintor, se presentaron en el Salón de Otoño de 1910 y se instalaron en Moscú en 1911.

La Danza es descrita por Marcel Sembat: «Un círculo frenético se convierte en movimientos rosados ​​sobre un fondo azul. A la izquierda una gran figura conduce toda la cadena. Qué borrachera. Qué bacante. Este arabesco soberano, esta curva apasionante que va de la vuelta la cabeza hacia la cadera saliente desciende a lo largo de la pierna extendida «.

Entre 1908 y 1912, sus obras se exhibieron en Moscú, Berlín, Munich y Londres. Matisse y Amélie regresan a Ajaccio, diciembre de 1912. En 1913, Matisse se exhibió en el Armory Show de Nueva York, junto a obras de Marcel Duchamp y Francis Picabia, como tantos representantes del arte más moderno.

Después de París
En 1917, Matisse se trasladó a Cimiez en la Riviera francesa, un suburbio de la ciudad de Niza. Su trabajo de la década siguiente a esta reubicación muestra una relajación y suavidad de su enfoque. Este «regreso al orden» es característico de gran parte del arte posterior a la Primera Guerra Mundial y puede compararse con el neoclasicismo de Picasso y Stravinsky, así como con el regreso al tradicionalismo de Derain. Las pinturas odaliscas orientalistas de Matisse son características de la época; Si bien este trabajo fue popular, algunos críticos contemporáneos lo encontraron superficial y decorativo.

A finales de la década de 1920, Matisse volvió a participar activamente en colaboraciones con otros artistas. Trabajó no solo con franceses, holandeses, alemanes y españoles, sino también con algunos estadounidenses e inmigrantes estadounidenses recientes.

Después de 1930, apareció en su obra un nuevo vigor y una simplificación más audaz. El coleccionista de arte estadounidense Albert C. Barnes convenció a Matisse de producir un gran mural para la Fundación Barnes, The Dance II, que se completó en 1932; la Fundación posee varias docenas de otras pinturas de Matisse. Este movimiento hacia la simplificación y un presagio de la técnica del recorte también es evidente en su pintura Large Reclining Nude (1935). Matisse trabajó en esta pintura durante varios meses y documentó el progreso con una serie de 22 fotografías, que envió a Etta Cone.

La escultura
En 1924, Matisse se dedicó a la escultura y produjo Grand nu assis, que es ejemplar de su estilo, tanto en arabescos como en ángulos, en la ronda. Matisse practica la escultura desde que fue alumno de Antoine Bourdelle, del que Matisse conserva el gusto por las grandes estilizaciones, como puede verse en la gran serie de Nu de dos, serie de yesos monumentales que crea. entre 1909 y 1930. Matisse se enfrenta a los problemas pictóricos que encuentra en el bajorrelieve: el contorno de las figuras monumentales (la producción de Nu de dos I, de 1909, es contemporánea a la de las grandes composiciones La Musique y La Danse), la relación entre forma y sustancia (los frescos destinados a la Fundación Barnes fueron realizados en 1930, como Nu de dos IV). Sin embargo,

Los recortes
Diagnosticado con cáncer abdominal en 1941, Matisse se sometió a una cirugía que lo dejó postrado en la silla y en la cama. La pintura y la escultura se habían convertido en desafíos físicos, por lo que recurrió a un nuevo tipo de medio. Con la ayuda de sus asistentes, comenzó a crear collages de papel cortado o decoupage. Cortaba hojas de papel, previamente pintadas con gouache por sus asistentes, en formas de diferentes colores y tamaños, y las arreglaba para formar composiciones animadas. Inicialmente, estas piezas eran de tamaño modesto, pero finalmente se transformaron en murales u obras del tamaño de una habitación. El resultado fue una complejidad distinta y dimensional: una forma de arte que no era del todo pintura, pero no del todo escultura.

Aunque el recorte de papel fue el medio principal de Matisse en la última década de su vida, su primer uso registrado de la técnica fue en 1919 durante el diseño de la decoración de Le chant du rossignol, una ópera compuesta por Igor Stravinsky. Albert C. Barnes dispuso que se hicieran plantillas de cartón con las inusuales dimensiones de las paredes en las que Matisse, en su estudio de Niza, fijaba la composición de formas de papel pintado. Otro grupo de recortes se realizó entre 1937 y 1938, mientras Matisse trabajaba en la escenografía y el vestuario de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. Sin embargo, fue solo después de su operación que, postrado en cama, Matisse comenzó a desarrollar la técnica del recorte como una forma propia, en lugar de su origen utilitario anterior.

Se mudó a la cima de la colina de Vence, Francia en 1943, donde produjo su primer gran proyecto recortado para su libro de artista titulado Jazz. Sin embargo, estos recortes fueron concebidos como diseños para impresiones de estarcido para ser vistas en el libro, más que como obras pictóricas independientes. En este punto, Matisse todavía pensaba en los recortes como algo separado de su forma de arte principal. Su nueva comprensión de este medio se desarrolla con la introducción de Jazz en 1946. Tras resumir su trayectoria, Matisse se refiere a las posibilidades que ofrece la técnica del recorte, insistiendo en que «un artista nunca debe ser prisionero de sí mismo, prisionero de un estilo, prisionero de una reputación, prisionero del éxito …»

El número de recortes concebidos de forma independiente aumentó constantemente después de Jazz, y finalmente condujo a la creación de obras del tamaño de un mural, como Oceania the Sky y Oceania the Sea de 1946. Bajo la dirección de Matisse, Lydia Delectorskaya, su asistente de estudio, cubrió libremente las siluetas de aves, peces y vegetación marina directamente en las paredes de la habitación. Las dos piezas de Oceanía, sus primeros recortes de esta escala, evocaban un viaje a Tahití que hizo años antes.

Capilla y museo
En 1948, Matisse comenzó a preparar diseños para la Chapelle du Rosaire de Vence, lo que le permitió expandir esta técnica dentro de un contexto verdaderamente decorativo. La experiencia de diseñar las ventanas de la capilla, las casullas y la puerta del tabernáculo —todo planificado usando el método del recorte— tuvo el efecto de consolidar el médium como su enfoque principal. Terminando su última pintura en 1951 (y la escultura final el año anterior), Matisse utilizó el recorte de papel como su único medio de expresión hasta su muerte.

En 1952, estableció un museo dedicado a su trabajo, el Museo Matisse en Le Cateau, y este museo es ahora la tercera colección más grande de obras de Matisse en Francia.

En 1963, el museo Matisse de Niza también abrió sus puertas y, en 1970, se organizó la primera retrospectiva de la obra de Matisse en Francia en el Grand Palais de París. Al año siguiente, Aragón publicó Henri Matisse, una novela, una colección de una veintena de artículos, textos y prefacios de catálogos, conferencias de Aragón, dedicadas al pintor. El trabajo de Matisse se encuentra con el público francés.

Desde entonces, exposiciones y retrospectivas se han sucedido en todo el mundo. Durante la exposición en la Tate Modern de Londres, en 2014, dedicada a los recortes de papel, la crítica Laura Cumming de The Guardian escribe: «El arte de Matisse es una lección de vida y una fuente de inspiración para el espectador: esto es lo que todos deberíamos poder, estar preparados para disfrutar de la belleza de la vida incluso cuando nos enfrentamos al final «.

Influencia
Famoso y celebrado durante su vida, Matisse tendrá una influencia preponderante en la pintura estadounidense, y en particular en la Escuela de Nueva York, Mark Rothko, Barnett Newman, Motherwell, pero también en Alemania, a través de los estudiantes de su academia, Marg Moll, Oskar. Moll, Hans Purrmann …

A la New York First School, dirigida por los dos críticos Harold Rosenberg y Clement Greenberg, cabe añadir la New York Second School con figuras como Frank Stella y el movimiento que Greenberg define como Post-Painterly-Abstraction., Colorfield Painting (Morris Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix), o incluso el borde duro (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer …).

Pero también los pintores del Pop Art, entre ellos Warhol que declaró en 1956: «Quiero ser Matisse», o Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein, que citará extensamente al pintor francés.

En Francia, la influencia de Matisse se encuentra en los pintores de Apoyos / Superficies, y en los textos teóricos del crítico Marcelin Pleynet, como Sistema de pintura.

Otra particularidad es que muchos descendientes de Henri Matisse son pintores o escultores, como su hijo Jean, escultor, su hijo Pierre, galerista, sus nietos, Paul Matisse, escultor, Jacqueline, artista y su bisnieta -hija, Sophie, pintor.

En 2015, un estudio realizado en la Instalación Europea de Radiación Sincrotrón en Grenoble reveló al mundo del arte que el sulfuro de cadmio, también conocido como el pigmento amarillo de cadmio utilizado por Matisse, está sujeto a un proceso de oxidación durante la exposición a la luz, transformándose así en cadmio. sulfato muy soluble en agua y sobre todo incoloro.

Historia del Museo
La Villa des Arènes, cuya construcción comenzó en 1670, se completó en 1685 y luego se llamó Palacio de Gubernatis, en honor a su propietario y patrocinador, Jean-Baptiste Gubernatis, cónsul de Niza. La villa tomó su nombre actual en 1950, cuando la ciudad de Niza, ansiosa por conservarla, la compró a una empresa inmobiliaria.

Inaugurado en 1963 en el segundo piso de la Villa des Arènes, situado dentro del sitio arqueológico de Cimiez, el Musée Matisse guarda los obsequios del artista y sus herederos a la ciudad de Niza.

En 1989, el Museo Arqueológico, que compartía el mismo edificio, se mudó a su propio edificio dedicado para iniciar una remodelación del Museo. El museo Matisse podría entonces ampliarse: fue objeto de una gran renovación y de un proyecto de ampliación que lo obligó a permanecer cerrado durante cuatro años.

El arquitecto Jean-François Bodin repensó los espacios interiores de la antigua villa genovesa y concibió la ampliación que acomodaba un amplio vestíbulo, un auditorio y una librería. El nuevo edificio fue inaugurado en 1993, con una nueva ala moderna a su disposición así como espacios renovados, lo que le permite exponer en su totalidad la colección permanente, que ha seguido creciendo desde 1963 a través de donaciones y depósitos. sucesivo. En 2002 se añadió un taller educativo y en 2003 un Cabinet des dessin.

Colecciones
La colección permanente del museo se construyó gracias a varias donaciones, primero la de Matisse en persona, que vivió y trabajó en Niza de 1917 a 1954, luego las de sus herederos y los depósitos de obras realizadas por el Estado. El museo reúne así 68 pinturas y gouaches recortados, 236 dibujos, 218 grabados, 57 esculturas y 14 libros ilustrados de Matisse a los que se suman 95 fotografías, 187 objetos que pertenecieron al pintor, así como serigrafías, tapices, cerámicas, vidrieras. y otros tipos de documentos.