Lucio Fontana

Lucio Fontana (19 de febrero de 1899 – 7 de septiembre de 1968) fue un pintor, escultor y teórico italiano de origen argentino. Lo conocían sobre todo como el fundador del Spatialism y sus lazos con Arte Povera. Se ha convertido en un escultor internacional como escultor y pintor. En su trabajo se ocupó principalmente de los conceptos de espacio. Comenzó como un artista realista, después de la Segunda Guerra Mundial se convirtió en la figura líder del arte de vanguardia en Italia.

Nacido en Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina de padres inmigrantes italianos, fue hijo del escultor Luigi Fontana (1865 – 1946). Fontana pasó los primeros años de su vida en Italia y volvió a Argentina en 1905, donde permaneció hasta 1922, trabajando como escultor junto con su padre, y luego por su cuenta. Ya en 1926, participó en la primera exposición de Nexus, un grupo de jóvenes artistas argentinos que trabajan en Rosario de Santa Fé.

En 1927 Fontana regresó a Italia y estudió bajo el escultor Adolfo Wildt, en la Accademia di Brera de 1928 a 1930. Fue allí donde presentó su primera exposición en 1930, organizada por la galería Milano Il Milione. Durante la década siguiente viajó Italia y Francia, trabajando con pintores abstractos y expresionistas. En 1935 se unió a la asociación Abstraction-Création en París y de 1936 a 1949 realizó esculturas expresionistas en cerámica y bronce. En 1939, se unió al Corrente, un grupo de artistas expresionistas de Milán.

En 1940 regresó a la Argentina. En Buenos Aires (1946) fundó la Academia de Altamira junto con algunos de sus alumnos y dio a conocer el Manifiesto Blanco, donde se afirma que “La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo constituye el nuevo arte” . En el texto, que Fontana no firmó pero al que colaboró ​​activamente, comenzó a formular las teorías que debía expandir como spazialismo, o espacialismo, en cinco manifiestos de 1947 a 1952. A su regreso de Argentina en 1947, Apoyó, junto con escritores y filósofos, el primer manifiesto del espacialismo (Spazialismo) **. Fontana había encontrado su estudio y obras completamente destruidas en los bombardeos aliados de Milán, pero pronto también reanudó sus trabajos de cerámica en Albisola. En Milán colaboró ​​con importantes arquitectos milaneses para decorar varios edificios nuevos que formaban parte del esfuerzo por reconstruir la ciudad después de la guerra.

Después de su regreso a Italia en 1948, Fontana expuso su primera Ambiente spaziale a luce nera (1949) en la Galleria del Naviglio de Milán, una instalación temporal consistente en una gigantesca forma de ameba suspendida en el vacío en un cuarto oscuro Y encendido por la luz de neón. A partir de 1949 inició el llamado Concepto Espacial o serie de barras, que consiste en agujeros o barras en la superficie de pinturas monocromas, dibujando un signo de lo que él llamó “un arte para la era espacial”. Él ideó el título genérico Concetto spaziale (‘concepto espacial’) para estas obras y lo usó para casi todas sus pinturas posteriores. Éstos se pueden dividir en categorías amplias: los Buchi (“agujeros”), comenzando en 1949, y Tagli (“barras”), que él instituyó en los mediados de los años 50.

Fontana a menudo alineaba el reverso de sus lienzos con gasa negra para que la oscuridad brillara detrás de los cortes abiertos y creara una misteriosa sensación de ilusión y profundidad. Luego creó un elaborado techo de neón llamado “Luce spaziale” en 1951 para la Triennale de Milán. En su importante serie de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-64), Fontana utiliza la forma del huevo. Con su serie Pietre (piedras), iniciada en 1952, Fontana fusionó el escultórico con la pintura incrustando las superficies de sus lienzos con impasto pesado y vidrio coloreado. En su ciclo de Buchi (agujeros), iniciado en 1949-50, pinchó la superficie de sus lienzos, rompiendo la membrana de la bidimensionalidad para resaltar el espacio detrás de la imagen. A partir de 1958, purificó sus pinturas creando superficies mate y monocromáticas, enfocando así la atención del espectador sobre las rebanadas que desgarran la piel del lienzo. En 1959, Fontana expuso cuadros cortados con múltiples elementos combinables (llamó a los conjuntos quanta), y comenzó la Naturaleza, una serie de esculturas hechas cortando un corte a través de una esfera de arcilla de terracota, que posteriormente moldeó en bronce.

Fontana participó en muchos proyectos de colaboración con los arquitectos más importantes de la época, en particular con Luciano Baldessari, quien compartió y apoyó su investigación para la Estructura Espacial-Luz en Neón (1951) en la IX Trienal y, entre otras cosas, le encargó Diseñar el techo del cine en el Pabellón Sidercomit en la 21 Feria de Milán en 1953.

Alrededor de 1960, Fontana comenzó a reinventar los cortes y punciones que habían caracterizado su estilo muy personal hasta ese momento, cubriendo lienzos con capas de pintura gruesa de aceite aplicada a mano y pincel y utilizando un bisturí o cuchillo Stanley para crear grandes fisuras en su superficie . En 1961, después de una invitación a participar junto a los artistas Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis y otros en una exposición de pintura contemporánea titulada “Arte y Contemplación”, celebrada en el Palazzo Grassi de Venecia, creó una serie de 22 obras dedicadas A la ciudad de la laguna. Manipuló la pintura con sus dedos y varios instrumentos para hacer surcos, a veces incluyendo fragmentos dispersos de vidrio de Murano. Fontana fue posteriormente invitado por Michel Tapié para exponer las obras en la Galería Martha Jackson en Nueva York. Como consecuencia de su primera visita a Nueva York en 1961, creó una serie de trabajos metálicos realizados entre 1961 y 1965. Las obras consistieron en grandes hojas de cobre brillante y rayado, perforadas y arrancadas, atravesadas por dramáticos gestos verticales que Recordar la fuerza de la construcción de Nueva York y el metal y el vidrio de los edificios.

Entre las últimas obras de Fontana se encuentran una serie de Teatrini (“pequeños teatros”), en la que volvió a un lenguaje esencialmente plano usando unos paños encerrados en alas que parecían un marco; La referencia al teatro enfatiza el acto de mirar, mientras que en primer plano una serie de esferas irregulares o siluetas oscilantes y onduladas crea un juego de sombras animado. Otra obra de esa época, Trinità (Trinity) (1966), consta de tres grandes lienzos blancos puntuados por líneas de agujeros, abrazados en un escenario teatral hecho de láminas de plástico ultramarino que se asemejan vagamente a las alas.

En los últimos años de su carrera, Fontana se interesó cada vez más en la puesta en escena de su obra en las numerosas exposiciones que le honraron en todo el mundo, así como en la idea de pureza alcanzada en sus últimos lienzos blancos. Estas preocupaciones fueron prominentes en la Bienal de Venecia de 1966, para las cuales él diseñó el ambiente para su trabajo. En Documenta IV en Kassel en 1968, colocó una gran barra inclinada como el centro de un laberinto totalmente blanco, incluyendo el techo y el piso (Ambiente spaziale bianco).

Poco antes de su muerte, estuvo presente en la demostración “Destruction Art, Destroy to Create” en el Finch College Museum de Nueva York. Luego abandonó su hogar en Milán y se fue a Comabbio (en la provincia de Varese, Italia), la ciudad natal de su familia, donde murió en 1968.

Fontana creó una prolífica cantidad de trabajos gráficos con motivos abstractos y figuras poco conocidas en el mundo del arte, al mismo tiempo que producía sus obras abstractas perforadas. También fue escultor del busto de Ovidio Lagos, fundador del diario La Capital, en mármol de Carrara.

Fontana tuvo sus primeras exposiciones individuales en la Galleria del Milione, Milán, en 1931. En 1961, Michel Tapié organizó su primer show en los Estados Unidos, una exposición de la serie de Venecia, en la Martha Jackson Gallery de Nueva York. Su primera exposición individual en un museo americano se llevó a cabo en el Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Participó en la Bienal de São Paulo y en numerosas exposiciones alrededor del mundo. La Colección Peggy Guggenheim, Venecia (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) y el Centre Georges Pompidou (1987), han viajado a La Fundación ‘la Caixa’ Barcelona, ​​Museo Stedelijk, Amsterdam, Galería Whitechapel, Londres). Desde 1930, la obra de Fontana había sido exhibida regularmente en la Bienal de Venecia, y representaba a la Argentina varias veces; Fue galardonado con el Gran Premio de Pintura en la Bienal de Venecia de 1966. En 2014, el Museo de Arte Moderne de la Ciudad de París dedica una retrospectiva al artista. El arte de Tornabuoni realizó un espectáculo paralelo en su galería Avenue Matignon Paris.

Hoy las obras de Fontana se pueden encontrar en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. En particular, los ejemplos de la serie Pietre se encuentran en el Museo Stedelijk, Amsterdam, el Centro Pompidou, París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nazionale d’Arte Moderna de Roma y el van Abbemuseum de Eindhoven. La joyería de Fontana está incluida en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Boston.

En el año 2006, Lucía Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini y Silvia Ardemagni publicaron un catálogo en tres volúmenes de las obras de Fontana sobre papel, incluyendo más de 5.500 obras en orden cronológico.

Una obra rara y carmesí con una sola barra, que Fontana dedicó a su esposa y que siempre ha sido conocida como la Teresita, obtuvo 6,7 millones de libras esterlinas (11,6 millones de dólares) en Christie’s London en 2008, y luego un récord de subasta para el artista. La colección de Anna-Stina Malmborg Hoglund y Gunnar Hoglund establecieron un nuevo récord para una pintura de slash en 8,4 millones de libras esterlinas en Sotheby’s London en 2015. Aún más populares son los lienzos ovalados de Fontana. Sotheby’s vendió una obra titulada Concetto spaziale, la multa di dió (1963) por £ 10,32 millones en 2008. Parte del círculo de Venecia de Fontana, Festival en el Gran Canal fue vendido en Christie’s en Nueva York por $ 7 millones en 2008.