Modernismo tardío

En las artes visuales, el modernismo tardío abarca la producción general del arte más reciente realizado entre las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del siglo XXI. La terminología a menudo señala similitudes entre el modernismo tardío y el posmodernismo, aunque existen diferencias. El término predominante para el arte producido desde la década de 1950 es el arte contemporáneo. No todo el arte etiquetado como arte contemporáneo es modernista o postmoderno, y el término más amplio abarca tanto a artistas que continúan trabajando en las tradiciones modernas modernas y tardías, como a artistas que rechazan el modernismo por el posmodernismo u otras razones. Arthur Danto argumenta explícitamente en After the End of Art que la contemporaneidad era el término más amplio, y que los objetos postmodernos representan un subsector del movimiento contemporáneo que reemplazó a la modernidad y el modernismo, mientras que otros críticos notables: Hilton Kramer, Robert C. Morgan, Kirk Varnedoe, Jean-François Lyotard y otros han argumentado que los objetos posmodernos son, en el mejor de los casos, relativos a las obras modernistas.

La jerga que abarca los dos términos modernismo tardío y arte posmoderno se utiliza para denotar lo que puede considerarse como la última fase del arte moderno, como el arte al final del modernismo o como ciertas tendencias del arte contemporáneo.

Hay quienes discuten contra una división en períodos modernos y posmodernos. No todos los críticos están de acuerdo en que la etapa llamada modernismo ha terminado o incluso cerca del final. No hay acuerdo de que todo el arte después del modernismo sea postmoderno. El arte contemporáneo es el término más utilizado para denotar trabajo desde aproximadamente 1960, aunque también tiene muchos otros usos. Tampoco el arte posmoderno está universalmente separado del modernismo, y muchos críticos lo ven como una mera fase en el arte moderno o como otra forma de modernismo tardío.

Como ocurre con todos los usos del término posmoderno, hay críticas sobre su aplicación, sin embargo, en este punto, estas críticas son minoría. Esto no quiere decir que se acepte la fase del arte denotada por el posmodernismo, sino simplemente que la necesidad de un término para describir los movimientos en el arte después de la cumbre del expresionismo abstracto esté bien establecida. Sin embargo, aunque el concepto de cambio ha llegado a un consenso, y si es un cambio posmodernista o tardío modernista, no está determinado, el consenso es que ha ocurrido un cambio profundo en la percepción de las obras de arte y una nueva era. ha estado surgiendo en el escenario mundial desde al menos la década de 1960.

En literatura, el término modernismo tardío se refiere a trabajos de literatura producidos después de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, existen varias definiciones diferentes de literatura moderna tardía. El más común se refiere a trabajos publicados entre 1930 y 1939, o 1945. Sin embargo, hay modernistas, como Basil Bunting (1900-85) y TS Eliot (1888-1965), que escribió más tarde que 1945, y Samuel Beckett, que murió en 1989, ha sido descrito como un “modernista posterior”. Eliot publicó dos obras en la década de 1950 y el largo poema modernista de Bunting, “Briggflatts”, se publicó en 1965. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y JH Prynne (1936-) son, entre otros escritos de la segunda mitad del siglo XX, que han sido descritos como modernistas tardíos. Existe la cuestión adicional de si la literatura modernista tardía difiere de alguna manera importante de las obras modernistas producidas antes de 1930. Para confundir las cosas, más recientemente el término modernismo tardío ha sido redefinido por al menos un crítico y utilizado para referirse a obras escritas después 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue significativamente reformulada por los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y la caída de la bomba atómica.

Diferencias del posmodernismo
El modernismo tardío describe movimientos que surgen y reaccionan en contra de las tendencias del modernismo y rechazan algún aspecto del modernismo, al tiempo que desarrollan plenamente la potencialidad conceptual de la empresa modernista. En algunas descripciones se completa el postmodernismo como un período en el arte, mientras que en otros es un movimiento continuo en el arte contemporáneo. En arte, los rasgos específicos del modernismo que se citan son generalmente pureza formal, especificidad media, arte por el arte, la posibilidad de autenticidad en el arte, la importancia o incluso la posibilidad de la verdad universal en el arte, y la importancia de una vanguardia y originalidad. Este último punto es particularmente controvertido en el arte, donde muchas instituciones argumentan que ser visionario, vanguardista, innovador y progresivo es crucial para la misión del arte en el presente, y que, por lo tanto, posmoderno representa una contradicción con el valor de ” arte de nuestros tiempos “.

Una definición compacta que se ofrece es que mientras el postmodernismo actúa rechazando las grandes narrativas de la dirección artística del modernismo, y eliminando los límites entre las formas altas y bajas del arte, interrumpe el género y sus convenciones con la colisión, el collage y la fragmentación. Se considera que el arte posmoderno cree que todas las posturas son inestables e insinceras, y que, por lo tanto, la ironía, la parodia y el humor son las únicas posiciones que no pueden ser revocadas por la crítica o los acontecimientos posteriores.

Muchos de estos rasgos están presentes en los movimientos modernos del arte, particularmente el rechazo de la separación entre las formas altas y bajas del arte. Sin embargo, estos rasgos se consideran fundamentales para el arte posmoderno, en lugar de simplemente estar presentes en un grado u otro. Sin embargo, uno de los puntos de diferencia más importantes entre el postmodernismo y el modernismo, como movimientos en el arte, es la postura progresista del modernismo de que las nuevas obras sean más “avanzadas” y avanzadas, mientras que los movimientos posmodernos generalmente rechazan la noción que puede haber avance o progreso en el arte per se, y así uno de los proyectos de arte debe ser el vuelco del “mito de la vanguardia”. Esto se relaciona con la negación de lo que los filósofos postestructuralistas llaman “metanarrativas”.

Rosalind Krauss fue uno de los anunciadores importantes de la visión de que el avant-gardismo había terminado, y que la nueva era artística existía en una normalidad post-liberal y posterior al progreso. Un ejemplo de este punto de vista lo explica Robert Hughes en The Shock of the New en su capítulo “The Future That Was”:

¿Dónde comenzó esta nueva academia? En sus orígenes, el mito de la vanguardia había considerado al artista como un precursor; el trabajo significativo es el que prepara el futuro. El culto del precursor terminó por llenar el paisaje con afirmaciones proféticas absurdas. La idea de una vanguardia cultural era inimaginable antes de 1800. Fue fomentada por el auge del liberalismo. Cuando el gusto de los tribunales religiosos o seculares determinaba el mecenazgo, la innovación “subversiva” no se consideraba como un signo de calidad artística. Tampoco era la autonomía del artista, eso vendría con los románticos.

– Robert Hughes, El impacto de lo nuevo
Como con todos los usos del término posmoderno, hay críticas sobre su aplicación. Kirk Varnedoe, por ejemplo, afirmó que no existe el postmodernismo y que las posibilidades del modernismo aún no se han agotado. Estas críticas actualmente están en minoría.

Hilton Kramer describe el posmodernismo como “una creación del modernismo al final de su vínculo”. Jean-François Lyotard, en el análisis de Frederic Jameson, no sostiene que exista una etapa posmoderna radicalmente diferente del período de la alta modernidad; en cambio, el descontento posmoderno con este o aquel estilo modernista elevado es parte de la experimentación del alto modernismo, dando lugar a nuevos modernismos.

Movimientos radicales en el arte moderno
Los movimientos radicales en el Modernismo, el arte moderno y las tendencias radicales consideradas como influyentes y potencialmente como precursores del modernismo tardío y el posmodernismo surgieron alrededor de la Primera Guerra Mundial y particularmente después de ella. Con la introducción del uso de artefactos industriales en el arte, movimientos como el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo, así como técnicas como el collage y las formas artísticas como el cine y el auge de la reproducción como medio para crear obras de arte. Tanto Pablo Picasso el Modernista como Marcel Duchamp el rebelde crearon obras importantes e influyentes de objetos encontrados.

Fauvismo, cubismo, dada, el surrealismo como precedente
A principios del siglo XX, siguiendo el impacto de Henri Matisse y André Derain como pintores fauvistas y las innovaciones monumentales de Pablo Picasso y Georges Braque y el éxito mundial del cubismo y la potenciación de la vanguardia, Marcel Duchamp exhibió un orinal como escultura. Su idea era que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte, porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como “Readymades”. The Fountain, fue un orinal firmado con el seudónimo de R. Mutt, que conmocionó al mundo del arte en 1917. Esto y las otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada.

El dadaísmo se puede ver como parte de la propensión modernista a desafiar estilos y formas establecidas, junto con el surrealismo, el futurismo y el expresionismo abstracto. Desde un punto de vista cronológico Dada se encuentra sólidamente dentro del modernismo, sin embargo, algunos críticos han sostenido que anticipa el posmodernismo, mientras que otros, como Ihab Hassan y Steven Connor, lo consideran un posible punto de cambio entre el modernismo y el posmodernismo.

El fauvismo y Henri Matisse, en particular, se convirtieron en una influencia importante tanto en el expresionismo abstracto como en la pintura de campo de color, importantes hitos del modernismo tardío. El baile es comúnmente reconocido como “un punto clave de la carrera de Matisse y en el desarrollo de la pintura moderna”. Con su gran extensión de azul, simplicidad de diseño y énfasis en la sensación de pureza, la pintura fue enormemente influyente para los artistas estadounidenses que la vieron en el MoMA en la ciudad de Nueva York.

Alto arte y cultura
El punto de ignición para la definición de modernismo como movimiento fue el austero rechazo de la cultura popular como kitsch por parte de importantes artistas de la posguerra y creadores de sabores, especialmente Clement Greenberg con su ensayo Avant-Garde and Kitsch, publicado por primera vez en Partisan Review en 1939. Durante las décadas de 1940 y 1950, Greenberg demostró ser un crítico de arte articulado y poderoso. En particular, sus escritos sobre el expresionismo abstracto estadounidense, y el modernismo europeo del siglo XX, hicieron convincentemente argumentos para el arte y la cultura superiores. En 1961, Arte y Cultura, se publicó por primera vez Beacon Press, una colección de ensayos muy influyente de Clement Greenberg. Greenberg es principalmente considerado como un crítico de arte formalista y muchos de sus ensayos más importantes son cruciales para la comprensión de la historia del arte moderno, y la historia del modernismo y el modernismo tardío.

Jackson Pollock: expresionismo abstracto
A fines de la década de 1940, el acercamiento radical de Pollock a la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que lo siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la propia obra de arte. Al igual que las reinvenciones innovadoras de la pintura y la escultura de Pablo Picasso en el cambio de siglo a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace el arte a mediados del siglo. El movimiento de Pollock, lejos de la pintura de caballete y la convencionalidad, fue una señal liberadora para sus artistas contemporáneos y para todo lo que vino después. Los artistas se dieron cuenta del proceso de Jackson Pollock: trabajar en el suelo, lienzo crudo sin estirar, desde los cuatro lados, utilizando materiales artísticos, materiales industriales, imágenes, sin imágenes, lanzando madejas lineales de pintura, goteando, dibujando, manchando, cepillando, esencialmente arruinado hacer arte más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto en general amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades que los artistas tenían disponibles para la creación de nuevas obras de arte. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que los siguió .

Neo-Dada, collage y ensamblaje
Relacionado con el expresionismo abstracto estaba el surgimiento de artículos manufacturados combinados, con materiales de artistas, alejándose de las convenciones previas de pintura y escultura. Esta tendencia en el arte se ejemplifica con el trabajo de Robert Rauschenberg, cuyas “cosechadoras” en la década de 1950 fueron precursoras del arte pop e instalación, y utilizaron el ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos peluches, pájaros y fotografía comercial.

Leo Steinberg usa el término postmodernismo en 1969 para describir el plano pictórico “plano” de Rauschenberg, que contiene una gama de imágenes culturales y artefactos que no han sido compatibles con el campo pictórico de la pintura premodernista y modernista. Craig Owens va más allá, identificando la importancia del trabajo de Rauschenberg no como una representación de, en opinión de Steinberg, “el cambio de la naturaleza a la cultura”, sino como una demostración de la imposibilidad de aceptar su oposición.

Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Marcel Duchamp, entre el modernismo y el posmodernismo. Ambos usaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, mientras conservaban la abstracción y los gestos pictóricos del alto modernismo.

Pintura abstracta y escultura en los años 60 y 70
En la pintura abstracta y la escultura durante los años 1950 y 1960, la abstracción geométrica surgió como una dirección importante en las obras de muchos escultores y pintores. Al pintar la pintura de campo de color, el minimalismo, la pintura de borde duro y la abstracción lírica constituyeron nuevas direcciones radicales.

Helen Frankenthaler, Morris Louis, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Richard Diebenkorn David Smith, Sir Anthony Caro, Mark di Suvero, Gene Davis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Isaac Witkin, Anne Truitt, Kenneth Snelson, Al Held, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Brice Marden, Robert Mangold, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Charles Hinman, Sam Gilliam, Peter Reginato, fueron algunos de los artistas cuyas obras caracterizaron la pintura abstracta y la escultura en la década de 1960. La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campo de color y el expresionismo abstracto, especialmente en el uso desenfrenado de la pintura: textura y superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de pintura cepillada, salpicada, manchada, escurrida, vertida y salpicada se asemejan superficialmente a los efectos observados en el expresionismo abstracto y la pintura de campo de color. Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes. Dejando de lado el expresionismo abstracto y la pintura de acción de las décadas de 1940 y 1950 es el enfoque de la composición y el drama. Como se ve en la pintura de acción, se hace hincapié en las pinceladas, el alto drama compositivo y la tensión compositiva dinámica. Mientras que en la abstracción lírica hay un sentido de aleatoriedad compositiva, en toda la composición, de baja clave y drama compositivo relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad en toda. Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan poderosos e influyentes como Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Richard Saba, Susan Crile, Mino Argento y docenas de otros continuaron produciendo pinturas vitales e influyentes.

Minimalismo y post-minimalismo
A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica a través de Malevich, la Bauhaus y Mondrian). Entre los artistas importantes que surgieron como pioneros del minimalismo se incluyen Frank Stella, Larry Bell, Ad Reinhardt, Agnes Martin, Barnett Newman, Donald Judd, Tony Smith, Carl Andre, Robert Smithson, Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Morris y Ronald. Bladen entre otros. Estos artistas también emplearon con frecuencia lienzos en forma, como en el ejemplo de Richard Tuttle que se muestra a la derecha. El arte minimalista rechazó la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el espíritu y las polémicas emocionales presentes en la arena de la pintura de acción. El minimalismo argumentó que la simplicidad extrema podría capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. Asociado con pintores como Frank Stella, el minimalismo en la pintura y la escultura, a diferencia de otras áreas, es un movimiento modernista tardío y, según el contexto, puede interpretarse como un precursor del movimiento posmoderno.

Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism, examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Sostiene que el minimalismo no es un “callejón sin salida” del modernismo, sino un “cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan siendo elaboradas hoy”.

A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término postminimalismo para describir el arte derivado minimalista que tenía contenido y matices contextuales rechazados por el minimalismo, y se aplicó al trabajo de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y el nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt y Barry Le Va, entre otros.

Rosalind Krauss sostiene que en 1968 artistas como Morris, LeWitt, Smithson y Serra habían “entrado en una situación cuyas condiciones lógicas ya no pueden describirse como modernistas”. La expansión de la categoría de escultura para incluir el land art y la arquitectura, “provocó el cambio hacia el posmodernismo”.

Minimalistas como Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken y otros continuaron produciendo sus pinturas y esculturas modernistas tardías para el resto de sus carreras.

Arte de proceso
Sin embargo, a fines de la década de 1960, el arte procesual emergió como un concepto y movimiento revolucionario que abarcaba la pintura y la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento postminimalista, y en el Arte Conceptual temprano. Eva Hesse, Robert Smithson, Walter De María, Keith Sonnier, Richard Serra, Nancy Graves, Jannis Kounellis, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Mel Bochner, Hannah Wilke, Lynda Benglis, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va, Michael Heizer, Lawrence Weiner, Joseph Kosuth y Alan Saret fueron algunos de los artistas de proceso que surgieron durante la década de 1960. El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y utilizar una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo, escala, tamaño y espacio plástico y real.

Arte pop
El término “arte pop” fue utilizado por Lawrence Alloway para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, en favor del arte que representaba, y con frecuencia celebraba, la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los primeros trabajos de David Hockney y los trabajos de Richard Hamilton, John McHale y Eduardo Paolozzi fueron considerados ejemplos fundamentales en el movimiento. Mientras que los ejemplos estadounidenses posteriores incluyen la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos de Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial. Existe una clara conexión entre las obras radicales de Duchamp, el Dadaísta rebelde, con sentido del humor; y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y los demás.

En general, el arte pop y el minimalismo comenzaron cuando los movimientos modernistas, un cambio en el paradigma y una división filosófica entre el formalismo y el antiformalismo a principios de la década de 1970 provocaron que esos movimientos fueran vistos por algunos como precursores o transicionando al arte posmoderno. Otros movimientos modernos citados como influyentes para el arte posmoderno son el arte conceptual, el dadaísmo y el surrealismo y el uso de técnicas como ensamblaje, montaje, collage, bricolaje y formas artísticas que utilizan la grabación o la reproducción como base para las obras de arte.

Existen diferentes opiniones sobre si el arte pop es un movimiento modernista tardío o si es posmoderno. Thomas McEvilly, coincidiendo con Dave Hickey, dice que la posmodernidad en las artes visuales comenzó con las primeras exhibiciones de arte pop en 1962, “aunque transcurrieron unos veinte años antes de que el posmodernismo se convirtiera en una actitud dominante en las artes visuales”. Frederic Jameson también considera que el arte pop es posmoderno.

Una forma en que el arte pop es posmoderno es que rompe lo que Andreas Huyssen llama la “Gran brecha” entre el arte elevado y la cultura popular. El postmodernismo surge de un “rechazo generacional de las certezas categóricas del alto modernismo”. Aunque presuponer que el modernismo representa solo el “arte superior”, y de alguna manera es cierto en cuanto a qué constituye el arte “elevado” es profundamente y básicamente malinterpretar el modernismo.

Arte de performance y happenings
Durante los últimos años de la década de 1950 y 1960, artistas con una amplia gama de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, y Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York fueron pioneros de las obras de arte basadas en el rendimiento. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores en la creación de ambientes; cambiando radicalmente la relación entre audiencia e intérprete, especialmente en su pieza Paradise Now. El Judson Dance Theatre ubicado en Judson Memorial Church, Nueva York, y los bailarines Judson, notablemente Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton y otros colaboraron con los artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Estas actuaciones a menudo se diseñaron para ser la creación de una nueva forma de arte, que combina escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Las obras se caracterizaron por las filosofías reductivas del minimalismo y la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto.

Durante el mismo período, desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la década de 1960, varios artistas de vanguardia crearon Happenings. Los happenings eran misteriosos y, a menudo, reuniones espontáneas y sin guiones de artistas y sus amigos y familiares en diversos lugares especificados. A menudo incorpora ejercicios de absurdidad, ejercicio físico, disfraces, desnudez espontánea y varios actos aleatorios y aparentemente desconectados. Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman, entre otros, fueron creadores notables de Happenings.

Fluxus
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus comienzos a las clases de Composición Experimental de 1957 a 1959 de John Cage en la Nueva Escuela de Investigación Social en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia en música. Los estudiantes de Cage incluyen a los miembros fundadores de Fluxus Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins.

Fluxus fomentó una estética propia y valorada la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que Dada antes, Fluxus incluyó una fuerte corriente de anti-comercialismo y una sensibilidad anti-arte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado a favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que estuviera a mano, y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.

Andreas Huyssen critica los intentos de reclamar a Fluxus por el posmodernismo como “ya sea el código maestro del posmodernismo o el movimiento de arte finalmente irrepresentable, por así decirlo, el postmodernismo es sublime”. En cambio, ve a Fluxus como uno de los principales fenómenos neodidatistas dentro de la tradición de la vanguardia. No representó un avance importante en el desarrollo de las estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra “la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió de apoyo ideológico a la Guerra Fría”.

Alto y bajo
Como una especie de respuesta a Clement Greenberg, Avant-Garde y Kitsch en 1990, Kirk Varnedoe y Adam Gopnik comisariaron High and Low: Modern Art and Popular Culture, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición intentó dilucidar en qué medida los artistas y la alta cultura se inspiraron en la cultura popular. Aunque universalmente criticado en el momento como el único evento que podría unir a Douglas Crimp y Hilton Kramer en un coro de desprecio. La exposición se recuerda hoy como un punto de referencia del conflicto entre el modernismo tardío y el posmodernismo.

Movimientos asociados con el arte posmoderno

Arte conceptual
El arte conceptual se convirtió en un desarrollo importante en el arte contemporáneo a fines de la década de 1960, y produjo una crítica influyente sobre el status quo. El modernismo tardío se expandió y contrajo a fines de la década de 1960 y para algunos, el arte conceptual hizo una ruptura completa con el modernismo. A veces se etiqueta como posmoderno porque está expresamente involucrado en la deconstrucción de lo que hace una obra de arte, el “arte”. El arte conceptual, porque a menudo está diseñado para confrontar, ofender o atacar las nociones sostenidas por muchas de las personas que lo ven, se considera con una controversia particular. Duchamp puede verse como un precursor del arte conceptual. Por lo tanto, debido a que se exhibió Fountain, fue una escultura. Marcel Duchamp renunció al “arte” a favor del ajedrez. El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunion (1968), escrita conjuntamente con Lowell Cross que presenta un juego de ajedrez, donde cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. En el estreno, el juego se jugó entre John Cage y Marcel Duchamp. Algunos otros ejemplos famosos son los 4 ’33 “de John Cage, que son cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio y el dibujo borrado de De Kooning de Rauschenberg. Muchos trabajos conceptuales toman la posición de que el arte es creado por el espectador viendo un objeto o actuando como arte, no de las cualidades intrínsecas del trabajo mismo.

Arte de instalación
Una serie importante de movimientos en el arte que han sido consistentemente descritos como arte postmoderno de instalación y creación de artefactos que son de naturaleza conceptual. Un ejemplo son los signos de Jenny Holtzer, que utilizan los dispositivos de arte para transmitir mensajes específicos, como “Protégeme de lo que quiero”. Instalación El arte ha sido importante para determinar los espacios seleccionados para los museos de arte contemporáneo con el fin de poder sostener las grandes obras que se componen de grandes collages de objetos fabricados y encontrados. Estas instalaciones y collages a menudo están electrificados, con partes móviles y luces.

A menudo están diseñados para crear efectos medioambientales, como la cortina de hierro de Christo y Jeanne-Claude, que era una hilera de barriles destinados a crear un atasco de tráfico.

Intermedia y multimedia
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia, un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte a lo largo de las líneas de Fluxus, Poesía concreta, Objetos encontrados, Arte de performance y Arte de la computadora. Higgins fue el editor de Something Else Press, un poeta concreto, casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan incluye, “Intermedia, la fusión de formas, la confusión de los reinos”, en su lista de las características del arte posmoderno. Una de las formas más comunes de “arte multimedia” es el uso de video-tape y monitores CRT, denominados Video Art. Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un solo arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el performance art, donde se elimina el subtexto dramático, y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en pregunta o la declaración conceptual de su acción.

Arte de apropiación y arte neo-conceptual
En su ensayo de 1980 The Allegorical Impulse: Toward a Theory of Postmodernism, Craig Owens identifica el resurgimiento de un impulso alegórico como característica del arte posmoderno. Este impulso se puede ver en el arte de la apropiación de artistas como Sherrie Levine y Robert Longo porque “las imágenes alegóricas son imágenes apropiadas”. El arte de la apropiación desacredita las nociones modernistas de genialidad artística y originalidad y es más ambivalente y contradictorio que el arte moderno, al mismo tiempo que instala y subvierte las ideologías, “siendo críticas y cómplices”.

Neoexpresionismo
El retorno a las formas artísticas tradicionales de la escultura y la pintura a finales de los años setenta y principios de los ochenta, visto en la obra de artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel, ha sido descrito como una tendencia posmoderna, y uno de los primeros movimientos coherentes en emerger en la era posmoderna. Sin embargo, sus fuertes vínculos con el mercado de arte comercial han suscitado dudas acerca de su estatus como movimiento posmoderno y la definición de posmodernidad en sí misma. Hal Foster afirma que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en los EE. UU. Félix Guattari hace caso omiso de las “grandes operaciones promocionales llamadas ‘neoexpresionismo’ en Alemania”, (un ejemplo de una “moda que mantiene sí mismo por medio de la publicidad “) como una manera demasiado fácil para él” de demostrar que el posmodernismo no es más que el último suspiro del modernismo “. Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas realmente sostuvieron la credibilidad mundial del arte contemporáneo en los Estados Unidos durante el mismo período en que las prácticas artísticas conceptuales y feministas reevaluaban sistemáticamente el arte moderno.

Crítica institucional
Las críticas a las instituciones de arte (principalmente museos y galerías) están hechas en el trabajo de Marcel Broodthaers, Daniel Buren y Hans Haacke.

Pintura y escultura del modernismo tardío en el siglo XXI
A comienzos del siglo XXI, la pintura contemporánea, la escultura contemporánea y el arte contemporáneo en general continúan en varios modos contiguos, caracterizados por la idea de pluralismo. La “crisis” en la pintura, la escultura y el arte actual y la crítica de arte actual hoy en día es provocada por el pluralismo. No hay consenso, ni es necesario que exista, en cuanto a un estilo representativo de la edad. Hay una actitud de todo vale que prevalece; un “todo lo que sucede” y, por consiguiente, el síndrome de “nada sucede”; esto crea un embotellamiento estético sin una dirección firme y clara y con cada carril en la superautopista llena de arte. En consecuencia, se siguen realizando magníficas e importantes obras de arte, aunque en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos, dejando al mercado para juzgar el mérito.La ciencia de la pereza, de Frank Stella, de 1984, es un ejemplo de la transición de Stella de bidimensionalidad a tridimensionalidad y un excelente ejemplo del modernismo tardío.

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