Kandinsky: todo comienza en un punto, el Centro Cultural Banco do Brasil en Río de Janeiro

La exposición «Kandinsky: todo comienza en un punto», presenta la historia y el universo creativo de Wassily Kandinsky (1866-1944). La exposición reúne más de cien obras y objetos del artista, sus contemporáneos y sus influencias. Son pinturas, fotos, libros y cartas de artistas rusos y contemporáneos. Se exhiben obras que forman parte de la colección de museos, como el Museo Estatal Ruso en San Petersburgo, y obras de Alemania, Austria, Inglaterra y Francia.

La colección diversa se basa en la colección del Museo Estatal Ruso en San Petersburgo, enriquecida con obras de siete museos más en Rusia y colecciones de Alemania, Austria, Inglaterra y Francia. La exposición ofrece una inmersión real en las raíces del universo creativo de lo que se considera uno de los precursores del abstraccionismo.

La exposición lleva a los visitantes a descubrir no solo las principales obras de Kandinsky, sino también sus influencias y la relación con otros artistas; Todo esto organizado en cinco bloques: «Kandinsky y las raíces de su trabajo en relación con la cultura popular y el folklore ruso», «Kandinsky y el universo espiritual del chamanismo en el norte de Rusia», «Kandinsky en Alemania y las experiencias en el grupo Der Blaue Reiter, vida en Murnau «,» Diálogo entre música y pintura: la amistad entre Kandinsky y Schonberg «y» Caminos abiertos por la abstracción: Kandinsky y sus contemporáneos «.

Esta exposición presenta el prólogo de esta historia enriquecida, que es el arte moderno y contemporáneo. La forma en que se forjó la transición a la abstracción, los recursos de los cuales la figuración ya no es la única forma posible de representar los estados más vitales del ser humano, y finalmente el nuevo camino abierto desde esta ruptura.

Más que presentar obras del pintor ruso, «Kandinsky: todo comienza en un punto» ofrece al público la oportunidad de conocer las referencias de su trabajo, como la relación entre arte y espiritualidad, cultura popular en el norte de Siberia, folklore ruso , música y rituales chamánicos.

En la exposición, hay pinturas de todas las fases del pintor, ilustraciones de cuentos populares, símbolos religiosos, series de paisajes, ropa y tambores utilizados en rituales chamánicos, colecciones de objetos de cerámica y litografías. Además de Kandinsky, la muestra presenta pinturas de artistas contemporáneos, como la ex esposa Gabriele Münter, Alexej Von Jawlensky, Mikhail Larionov, Pavel Filonov, Nikolai Kulbin y Aristarkh Lentulov.

Las piezas en exhibición se dividen en tres espacios, uno interactivo. Con anteojos especiales, el público puede verificar una de las obras del pintor, separándose de acuerdo con el movimiento del visitante y emitiendo sonidos. También es posible escuchar la descripción de los colores y sus características.

Biografía
Wassily Wassilyevich Kandinsky (16 de diciembre de 1866 – 13 de diciembre de 1944) fue un pintor y teórico del arte ruso. Kandinsky es generalmente reconocido como el pionero del arte abstracto. Nacido en Moscú, Kandinsky pasó su infancia en Odessa (hoy Ucrania), donde se graduó en la escuela de arte Grekov Odessa. Se matriculó en la Universidad de Moscú, estudiando derecho y economía. Exitoso en su profesión —se le ofreció una cátedra (cátedra de derecho romano) en la Universidad de Dorpat (hoy Tartu, Estonia) – Kainsinsky comenzó a estudiar pintura (dibujo de vida, dibujo y anatomía) a la edad de 30 años.

En 1896, Kandinsky se instaló en Munich, estudiando primero en la escuela privada de Anton Ažbe y luego en la Academia de Bellas Artes. Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución Rusa, Kandinsky «se convirtió en un conocedor de la administración cultural de Anatoly Lunacharsky» y ayudó a establecer el Museo de la Cultura de la Pintura. Sin embargo, para entonces «su perspectiva espiritual … era ajena al materialismo argumentativo de la sociedad soviética», y las oportunidades atrajeron en Alemania, a la que regresó en 1920. Allí enseñó en la escuela de arte y arquitectura Bauhaus desde 1922 hasta el Los nazis lo cerraron en 1933. Luego se mudó a Francia, donde vivió el resto de su vida, se convirtió en ciudadano francés en 1939 y produjo algunos de sus trabajos más destacados. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1944.

Concepción del arte
Al escribir que «la música es el maestro supremo», Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez composiciones. Los primeros tres sobreviven solo en fotografías en blanco y negro tomadas por su colega artista y amiga Gabriele Münter. Si bien existen estudios, bocetos e improvisaciones (particularmente de Composición II), una incursión nazi en la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de las tres primeras Composiciones de Kandinsky. Se exhibieron en la exposición patrocinada por el Estado «Arte degenerado», y luego se destruyeron (junto con obras de Paul Klee, Franz Marc y otros artistas modernos).

Fascinado por la escatología cristiana y la percepción de una nueva era venidera, un tema común entre las primeras siete composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Al escribir el «artista como profeta» en su libro, Sobre lo espiritual en el arte, Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que mostraban un cataclismo que alteraría la realidad individual y social. Con una creencia devota en el cristianismo ortodoxo, Kandinsky se basó en las historias bíblicas del Arca de Noé, Jonás y la ballena, la resurrección de Cristo, los cuatro jinetes del Apocalipsis en el libro de Apocalipsis, los cuentos populares rusos y las experiencias mitológicas comunes de la muerte y el renacimiento. Nunca trató de imaginar una de estas historias como una narrativa, usó sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de la muerte, el renacimiento y la destrucción, la creación que sintió era inminente en el mundo anterior a la Primera Guerra Mundial.

Como afirmó en Concerning the Spiritual In Art (ver más abajo), Kandinsky sintió que un artista auténtico que crea arte a partir de «una necesidad interna» habita en la punta de una pirámide que se mueve hacia arriba. Esta pirámide progresiva está penetrando y avanzando hacia el futuro. Lo que ayer era extraño o inconcebible es común hoy; Lo que hoy es de vanguardia (y solo unos pocos lo entienden) es el conocimiento común de mañana. El artista-profeta moderno se encuentra solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y dando paso a la realidad del mañana. Kandinsky estaba al tanto de los recientes desarrollos científicos y los avances de los artistas modernos que habían contribuido a formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo.

La composición IV y las pinturas posteriores se ocupan principalmente de evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Al igual que en su pintura del apocalipsis por el agua (Composición VI), Kandinsky pone al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos al traducirlos en términos contemporáneos (con un sentido de desesperación, ráfaga, urgencia y confusión). Esta comunión espiritual de espectador-pintura-artista / profeta puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.

Teórico artístico y espiritual
Como lo indican los ensayos del Almanaque Der Blaue Reiter y las teorías con el compositor Arnold Schoenberg, Kandinsky también expresó que la comunión entre artista y espectador está disponible tanto para los sentidos como para la mente (sinestesia). Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del medio C en una trompeta de latón; el negro es el color del cierre y el final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el cello.

Kandinsky también desarrolló una teoría de figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea a plano (ver más abajo).

El legendario diseño escénico de Kandinsky para una presentación de «Pictures at an Exhibition» de Mussorgsky ilustra su concepto sinestésico de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. En 1928 en el teatro de Dessau, Wassily Kandinsky se dio cuenta de la producción teatral de «Pictures at an Exhibition». En 2015, los diseños originales de los elementos del escenario fueron animados con tecnología de video moderna y sincronizados con la música de acuerdo con las notas preparatorias de Kandinsky y el guión del director de Felix Klee.

Durante los estudios que Kandinsky realizó en preparación para la Composición IV, se agotó mientras trabajaba en una pintura y salió a caminar. Mientras estaba fuera, Gabriele Münter ordenó su estudio y, sin darse cuenta, giró su lienzo hacia un lado. Al regresar y ver el lienzo (pero aún no lo reconoce) Kandinsky se arrodilló y lloró, diciendo que era la pintura más hermosa que había visto en su vida. Había sido liberado del apego a un objeto. Como cuando vio por primera vez los Pajares de Monet, la experiencia cambiaría su vida.

En otro episodio con Münter durante los años expresionistas abstractos bávaros, Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI. Después de casi seis meses de estudio y preparación, tenía la intención de que el trabajo evocara una inundación, bautismo, destrucción y renacimiento simultáneamente. Después de describir el trabajo en un panel de madera del tamaño de un mural, quedó bloqueado y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapado en su intelecto y no estaba alcanzando el verdadero tema de la imagen. Ella sugirió que simplemente repitiera la palabra uberflut («diluvio» o «inundación») y se concentrara en su sonido más que en su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la monumental obra en un lapso de tres días.

Escritos teóricos sobre arte
Los análisis de Kandinsky sobre formas y colores resultan no de asociaciones de ideas simples y arbitrarias, sino de la experiencia interna del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas, sensorialmente ricas, trabajando con forma y color, observando incansablemente sus propias pinturas y las de otros artistas, notando sus efectos en su sentido del color. Esta experiencia subjetiva es algo que cualquiera puede hacer, no observaciones científicas objetivas, sino internas, subjetivas, lo que el filósofo francés Michel Henry llama «subjetividad absoluta» o la «vida fenomenológica absoluta».

Sobre lo espiritual en el arte
Publicado en Munich en 1911, el texto de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, define tres tipos de pintura; Impresiones, improvisaciones y composiciones. Si bien las impresiones se basan en una realidad externa que sirve como punto de partida, las improvisaciones y las composiciones representan imágenes emergentes del inconsciente, aunque la composición se desarrolla desde un punto de vista más formal. Kandinsky compara la vida espiritual de la humanidad con una pirámide: el artista tiene la misión de guiar a otros al pináculo con su trabajo. El punto de la pirámide son esos pocos, grandes artistas. Es una pirámide espiritual, avanza y asciende lentamente, incluso si a veces parece inmóvil. Durante los períodos de decadencia, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide; la humanidad solo busca el éxito externo, ignorando las fuerzas espirituales.

Los colores en la paleta del pintor evocan un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que está encantado por la belleza de los colores, similar a la impresión alegre cuando comemos un manjar. Sin embargo, este efecto puede ser mucho más profundo, causando una vibración del alma o una «resonancia interna», un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma.

La «necesidad interior» es, para Kandinsky, el principio del arte y el fundamento de las formas y la armonía de los colores. Lo define como el principio del contacto eficiente de la forma con el alma humana. Toda forma es la delimitación de una superficie por otra; posee un contenido interno, el efecto que produce en quien lo mira atentamente. Esta necesidad interna es el derecho del artista a una libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se funda en tal necesidad. El arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática y mística a través de la cual adquiere una vida autónoma; se convierte en un sujeto independiente, animado por un aliento espiritual.

Las propiedades obvias que podemos ver cuando observamos un color aislado y dejamos que actúe solo, por un lado, es la calidez o la frialdad del tono de color, y por el otro lado, la claridad u oscuridad de ese tono. El calor es una tendencia al amarillo, y el frío una tendencia al azul; amarillo y azul forman el primer gran contraste dinámico. El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un movimiento concéntrico; una superficie amarilla parece acercarse a nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser dolorosa y agresiva. El azul es un color celestial que evoca una profunda calma. La combinación de azul y amarillo produce total inmovilidad y calma, que es verde.

La claridad es una tendencia hacia el blanco, y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. El blanco y el negro forman el segundo gran contraste, que es estático. El blanco es un silencio profundo y absoluto, lleno de posibilidades. El negro es la nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena fuertemente en sus vecinos. La mezcla de blanco con negro conduce al gris, que no posee fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la del verde. Gray corresponde a la inmovilidad sin esperanza; tiende a desesperarse cuando oscurece, recuperando poca esperanza cuando se aclara.

El rojo es un color cálido, vivo y agitado; Es contundente, un movimiento en sí mismo. Mezclado con negro se vuelve marrón, un color duro. Mezclado con amarillo, gana calor y se vuelve naranja, lo que imparte un movimiento de irradiación en su entorno. Cuando el rojo se mezcla con el azul, se aleja del hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo frío. Rojo y verde forman el tercer gran contraste, y naranja y púrpura el cuarto.

Punto y línea al plano
En sus escritos, publicados en Munich por Verlag Albert Langen en 1926, Kandinsky analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y la superficie material sobre la cual el artista dibuja o pinta el plano básico, o BP. No los analizó objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto interno sobre el observador.

Un punto es un poco de color puesto por el artista en el lienzo. No es un punto geométrico ni una abstracción matemática; Es extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa, pero, de acuerdo con su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Se puede aislar o resonar con otros puntos o líneas.

Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección dada: la fuerza ejercida sobre el lápiz o el pincel por el artista. Las formas lineales producidas pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicada en una sola dirección; una línea angular, resultante de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una línea curva (o en forma de onda), producida por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Se puede obtener un plano por condensación (a partir de una línea girada alrededor de uno de sus extremos). El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una línea horizontal corresponde con el suelo sobre el cual el hombre descansa y se mueve; Posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar al negro o azul. Una línea vertical corresponde con la altura y no ofrece soporte; Posee una tonalidad luminosa y cálida cercana al blanco y al amarillo. Una diagonal posee una tonalidad más o menos cálida (o fría), de acuerdo con su inclinación hacia la horizontal o la vertical.

Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como la que produce una línea recta corresponde con el lirismo; Varias fuerzas que se enfrentan (o molestan) entre sí forman un drama. El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interna que es cálida y cercana al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), frío y similar al azul para un ángulo obtuso (un círculo), y similar al rojo para un ángulo recto (un cuadrado).

El plano básico es, en general, rectangular o cuadrado. por lo tanto, se compone de líneas horizontales y verticales que lo delimitan y lo definen como una entidad autónoma que apoya la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad está determinada por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales dan una tonalidad tranquila y fría al plano básico, mientras que las verticales imparten una tonalidad cálida y tranquila. El artista intuye el efecto interno del formato y las dimensiones del lienzo, que elige de acuerdo con la tonalidad que desea dar a su trabajo. Kandinsky consideró el plano básico un ser vivo, que el artista «fertiliza» y siente «respiración».

Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva; Esto influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que se dibujarán en él y contribuye a la riqueza de la composición resultante de su yuxtaposición en el lienzo. Lo anterior del plano básico corresponde con la flojedad y la ligereza, mientras que lo siguiente evoca condensación y pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir pinturas que no son solo el efecto de un proceso aleatorio, sino el fruto del trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior.

Este libro contiene muchos ejemplos fotográficos y dibujos de las obras de Kandinsky que ofrecen la demostración de sus observaciones teóricas, y que le permiten al lector reproducir en él la evidencia interna siempre que se tome el tiempo de mirar esas imágenes con cuidado, que las deje actuando sobre su propia sensibilidad y dejando que vibre las cuerdas sensibles y espirituales de su alma.

La exposición
El objetivo del espectáculo es hacer que el espectador entienda la vida y el trabajo del pintor y también la relación con otros artistas y con la cultura de su tiempo. La idea es comprender el contexto que ayudó en su formación, sumergirse en el mundo que rodeó e influyó en Kandinsky.

La selección de las obras siguió la biografía del artista hasta su partida definitiva de Rusia, en 1922, los recuerdos, artículos y catálogos de las exposiciones organizadas durante la vida del pintor, especialmente «El Caballero Azul» y el «Salón Izdebsky». Dedicado precisamente a los detalles que explican y completan nuestro conocimiento sobre Kandinsky

Comprender el genio creativo implica comprender la sensibilidad que marcó la historia del arte en el siglo XX. Esta exposición presenta el prólogo de esta historia enriquecida, que es el arte moderno y contemporáneo. La forma en que se forjó la transición a la abstracción, los recursos de los que la figuración ya no es la única forma posible de representar los estados más vitales del ser humano, y finalmente el nuevo camino que se ha explorado desde esta ruptura.

La exposición también retrata a Kandinsky como un personaje poético y lírico y aborda momentos de descubrimiento a lo largo de su trayectoria. En uno de los espacios, el público también puede ver las letras intercambiadas entre el pintor y el compositor clásico Arnold Schoenberg, creador del dodecafonismo, un sistema de organización musical en el que se tocan las 12 notas sin seguir las escalas por tonos.

Destacar
El carácter espiritual es una de las características más llamativas del conjunto de más de 150 obras, que incluyen pinturas, grabados y objetos, que se exhiben en cuatro pisos del centro cultural.

Justo en la entrada de la exposición, la pintura São Jorge (1911), en trazos abstractos, con la figura del caballero llevando su lanza casi irreconocible. La presencia de elementos espirituales se vuelve constante a lo largo del espectáculo.

El pintor ruso nacido en 1866 fue influenciado por los rituales chamánicos de la región y los utilizó como tema incluso en composiciones menos figurativas. No era exactamente un practicante chamán, pero aprovechó la simbología en sus obras.

Kandinsky fue único al dar expresión gráfica a sentimientos como la ira y la angustia a través del color de sus imágenes ”, dice Athayde. Se las arregló en pinceladas abstractas para representar lo subjetivo de cada persona.

Máscaras, collares, botas y otros accesorios de las tribus del norte de Rusia, colgadas junto a las pinturas, sirven como referencia cultural de la época. Muchos de estos artículos están pintados en algunas obras. Los videos ayudan a reconstruir la trayectoria de Kandinsky, desde la infancia en Moscú hasta la formación de abogado y mudarse a Alemania, donde enseñó en la famosa Bauhaus, una escuela de diseño de vanguardia.

Los amigos de Kandinsky, como el ruso Kazimir Malevich, uno de los mentores del suprematismo, ganan espacio en el segundo piso. El triunfo del cielo está en exhibición (1907). Expuestos uno al lado del otro, Dois Ovais (1919) y Crepuscular (1917) muestran la importancia de los colores para el pintor. En la primera imagen, los colores primarios representan una especie de ritual de pesca. En el segundo, los tonos oscuros le dan un aire melancólico a la composición.

Detalles como fotos, libros y carteles registran la amistad de Kandinsky con el compositor austríaco Schoenberg underground. Y, como no podía faltar, hay una instalación multimedia en la que el visitante usa gafas 3D y auriculares para «sumergirse» en una de las obras más conocidas del ruso, No Branco (1920), que finaliza el Tour.

Centro Cultural Banco do Brasil en Río de Janeiro
El Centro Cultural Banco do Brasil Río de Janeiro, brevemente CCBB Río de Janeiro o CCBB RJ, es un centro cultural ubicado en el centro del distrito, en la zona central de la ciudad de Río de Janeiro. Es parte de una red de espacios culturales, llamada Centro Cultural Banco do Brasil, administrado y mantenido por Banco do Brasil.

El edificio ocupado por CCBB RJ, ubicado en el n ° 66 de la Rua Primeiro de Março, tiene una superficie construida de 19.243 m², de los cuales 15.046 m² están ocupados por el centro. Ubicado en Orla Conde, frente a Largo da Candelária.

El edificio tiene los siguientes espacios en su interior: salas de exhibición en el primer y segundo piso; una sala de cine con 110 asientos en la planta baja; una sala con 53 asientos para mostrar videos en el entrepiso; tres salas para espectáculos de teatro, una en la planta baja, con 175 asientos, y dos más en el segundo piso, una con 158 asientos y otra sin asientos fijos, para espectáculos alternativos; un auditorio con 90 asientos en el cuarto piso; y una biblioteca en el quinto piso.

Según una investigación publicada por The Art Newspaper en abril de 2014, CCBB RJ fue considerado el 21º museo de arte más visitado del mundo, con un total de 2.034.397 visitantes en 2013. Según el mismo sitio web, la exposición Picasso y la modernidad española, celebrada en El centro cultural, fue considerada la exposición posimpresionista y moderna más visitada del mundo en 2015.