Juan Carlos Distefano: La Rebelión de la Forma, Pabellón Argentino, Bienal de Venecia 2015

El tema del pabellón argentino es «La rebelión de la forma», creado por el artista Juan Carlos Distéfano. El pabellón tenía un conjunto de 29 esculturas de tamaño humano que se alinearon maravillosamente para formar la exposición La Rebeldía de la Forma (que significa El levantamiento de la forma). Cada escultura representa una serie de experiencias y condiciones humanas profundas; algunos fueron suspendidos en el aire y otros suspendidos a mitad de una caída. Las esculturas parecían tener expresiones apáticas en sus caras. El significado de las obras de arte son representaciones de historias de la historia argentina. Otros son un comentario sobre la condición humana y cuestiones como la violencia y la injusticia social.

Con la cara levantada hacia el cielo, La portadora de la palabra sostiene a Summa de Tomás de Aquino contra su pecho mientras levanta la palma de la mano en un gesto de advertencia y revelación. Incrustado en su carne, en la materia misma, lleva las marcas de la historia, la intensidad de la memoria. Tal vez, como señala Hannah Arendt, «las posibilidades de que mañana sea como ayer son siempre abrumadoras», este símbolo contemporáneo nos alerta solemnemente sobre posibles futuros. El arte de Juan Carlos Distéfano es, por lo tanto, una reflexión sobre la condición humana. En él, el cuerpo / cuerpos son un terreno privilegiado de experiencia. Sus figuras toman vuelo o se amontonan en tensiones y caídas, alterando su relación con el espacio y la materia. En su Kinderspelen, Distéfano parece haber admitido la densidad de cuerpos a medida que los jugadores en esa niñez revivieron en la tierra y se hicieron añicos, apropiándose del espacio extendido, diseñando patios de juego en tierras baldías mientras que las armas de fuego reales se materializan en la materia.

La primera exposición de Distéfano se realizó en los años sesenta; Sus obras, en ese momento, fueron llamadas «expresiones actuales que exceden los límites de su disciplina». Fue seleccionado inmediatamente para participar en la IX Bienal de São Pablo, donde algunas de sus obras fueron censuradas por razones «morales»; finalmente se exhibió solo porque otros artistas protestaron en solidaridad. Sus obras formaron parte de la escena artística latinoamericana en momentos históricos caracterizados por lo que el filósofo argentino Oscar Terán ha llamado las cuatro almas de la época: «el alma sin sentido de Beckett, el alma Kennedy de la Alianza para el Progreso, el alma de la flor de Lennon poder, el alma del Che Guevara de levantamiento revolucionario «.

Desde las ilusiones transformadoras de los años sesenta y setenta, seguidas por uno de los períodos más sangrientos de la historia argentina que comenzó en 1976 y el posterior retorno de la democracia en 1984, el arte de Distéfano ha ocupado constantemente cuestiones de historia y memoria. La historia y la memoria argentina, sin duda, pero también sabemos que la cuestión del trauma (el holocausto es la medida universal del trauma histórico) es precisamente el punto donde los pueblos del mundo se reconocen y / o activan, sobre la base del arte, sus propias experiencias, contaminando esa referencia original que viene a actuar como metáfora de otros traumas históricos y sus recuerdos. Quizás, volviendo a Arendt, hacen esto para activar las operaciones que permiten el compromiso con el futuro.

Biografía
Juan Carlos Distéfano (n. 29 de agosto de 1933 en Buenos Aires) es un escultor argentino, ganador del Premio Konex Platinum 1982 por la escultura figurativa y esposo de Griselda Gambaro. En 1992 recibió el Konex de Brillante como la personalidad más relevante de las Artes Visuales en la última década en Argentina.

Su vida
Nació en Villa Celina, Buenos Aires, el 29 de agosto de 1933. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Gráficas №9 y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en Buenos Aires.

Entre 1960 y 1970 es director gráfico del Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella. A partir de 1968 se dedicó a la escultura con una marcada articulación entre sus obras escultóricas y sus pinturas.

Ganó la beca Francisco Romero otorgada por el National Endowment for the Arts y la embajada italiana en Argentina en 1970. En 1976 abandonó el diseño gráfico para dedicarse exclusivamente a la escultura.

En 1977 (después del golpe militar en Argentina) se instaló en España.

Casado desde 1955 con Griselda Gambaro, debe exiliarse debido a la prohibición de la novela «Ganar la muerte» de su esposa por parte de la dictadura militar argentina. Vivió en España entre 1977 y 1980.

En 1982 es merecedor del Premio Konex Platinum de Escultura Figurativa, y en 1992 del Konex of Brilliant for the Visual Arts.

Sus trabajos
Distéfano, junto con Rubén Fontana, definió la imagen gráfica del Instituto Di Tella en la década de 1960 cuando se encontraba en un punto central de la cultura argentina.

El crítico Fabián Lebenglik mencionó sobre Distéfano:

El centro de sus reflexiones es el cruce entre el cuerpo y la violencia. En sus obras, el cuerpo humano modula giros, escapes, estiramientos, contracciones, se expande y se confunde con objetos, forzados por diferentes clases y grados de violencia. Son cuerpos cruzados (e inscritos) por el dolor de la violencia social y política que caracteriza la historia facciosa y sangrienta de la Argentina.

Es autor de poca producción debido al tipo de procedimiento técnico que utiliza, dividido en diferentes pasos lentos y engorrosos. Al principio era pintor y se encontraba dentro de la neofiguración respondiendo a los patrones baconianos. Según Hugo Monzón:

En nuestro artista, las formas habitadas, como el pintor inglés, espacios de una naturaleza casi abismal, que bordeaban el vacío, eran predominantemente curvas, con una tendencia a encerrar la figura dentro de límites netos, plásticos, solo en su caso esos contornos correspondían a un modelado escultórico interior al que el color estaba subordinado

Fue otro resultado de la nueva figuración de la época, amante de las relaciones inusuales, de cortes abruptos, de mezclas explosivas.

Tiene influencias del arte latinoamericano, especialmente las tallas coloniales de estilo europeo renacentista y el arte egipcio, etrusco, azteca y artistas como Lorenzetti, Brueghel, Signorelli y Van Gogh.

Reconoce las influencias del grupo CoBrA, del inglés Alan Davie y de este movimiento neofigurativo de Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, pero siempre trabajó solo sin casarse con ningún grupo o tendencia. Su neofigurativismo no es surrealista.
Los temas de las esculturas de Distéfano son el dolor físico dado a otros, la violencia, la animalidad del hombre depredador, la tortura, en clara alusión a la dictadura argentina entre 1976 y 1983, historias bíblicas sobre espíritus malignos torturados, la crucifixión, formas ignominiosas. de tortura, el descenso del alma torturada al infierno, destinos trágicos, el drama de los condenados sin causa.

Todas sus obras transmiten una sensación sofocante, un estado opresivo, un efecto de compresión.

La destrucción y el horror, el desprecio y la degradación, la ferocidad y el terror prevalecen en ellos. Pero no es el caos el que reina, sino todo lo contrario: un riguroso orden geométrico con alteraciones en la distancia, la posición y la escala.

La figura humana desnuda, sometida a estructuras que la aplastan y comprime, soporta tensiones brutales. ¿Esta figura deprimida, sufriente, arrodillada, humillada y nunca parada es la protagonista de estas obras de belleza? convulsivo y revulsivo.

Personajes retorcidos con expresiones dolorosas, posturas laceradas, fetales, incómodas y traumáticas, figuras encogidas, patéticas, aterradoras y aterrorizadas, caídas, tumbadas, suspendidas, sentadas y atadas con total ausencia de libertad. Cuerpos desollados, desmembrados, explotados y desintegrados.
Seres humanos que han perdido su identidad, ojos que no miran, seres que sufren dolor que vienen del extranjero y están en estado de alerta permanente.

Figuras temblorosas, mentirosas, retorcidas, desprotegidas, vulnerables y expuestas a las inclemencias del tiempo y a los hombres: agua impenetrable, pantanosa y humo rígido que se ahogan, viscosidades de líquidos perturbadores, escalones que se abren al abismo.

Entre sus temas aparecen luchas feroces, disturbios raciales, máscaras de muerte, masacres, asesinatos, desastres, iniquidades, violaciones y genocidios.

Sus obras permanentemente expuestas en:

Parque de la memoria de Buenos Aires
Malba
Museo nacional de bellas artes
Embajada italiana
Fondo Nacional de las Artes en los Estados Unidos
Museo de Arte Moderno de Chile.
Colecciones privadas en Suiza

Técnica de arte
Primero moldee en arcilla, obtenga el molde de yeso y luego páselo al poliéster pintándolo con esmalte epoxi. Según Jorge Glusberg, director del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 1998, la materialización de una obra de Distéfano consta de tres etapas:

«En primer lugar, las pinturas en relieve, hechas de poliéster reforzado con lana de vidrio, sobre un lienzo, madera prensada o soporte de acero inoxidable; el tipo de pintura utilizada fue tempera grasa o acrílico. Luego las esculturas iniciales, hechas de poliéster de color uniforme, reforzadas con lana de vidrio, parcialmente pintada con pintura a base de resina epoxi, lo que significaba agregar la pintura. Finalmente, las esculturas finales, un producto de una solución más significativa, según el artista, que el método de agregar pintura. Ahora el color, que es la resina de poliéster, es lo primero que se aplica en el molde, pintando hacia atrás, como si pintara un vidrio; es decir, se pinta al principio lo que aparecerá al frente, luego lo que sigue detrás y así sucesivamente, dando tantas capas como sombras tiene la escultura, hasta una o dos sombras base; luego se ejecuta el laminado. Por lo tanto, la forma incluye el color. El sistema expresivo de Distéfano se resuelve en una amalgama de pintura y escultura; si lo desea, el artista w Desde pinturas esculpidas hasta esculturas pintadas, desde volúmenes incipientes hasta volúmenes declarados, desde el espacio pictórico hasta el espacio general. »

En palabras del propio Distéfano:
«Creo que el arte tiene que ver fundamentalmente con el deseo, incluso más, diría que con lo erótico. Hacer una obra de arte es responder a un impulso erótico. En mí, el trabajo nunca es un proceso especulativo; no hay un programa para llevar a cabo el trabajo. Trabajo por impulso, por enamoramiento «.

Más:
«El virtuosismo no me interesa en lo más mínimo, nada. Es solo una demostración de habilidad, y la habilidad, en relación con el arte, se reduce a la categoría de ejercicio de circo».

Es uno de los pocos escultores que permite al público tocar sus esculturas para conectarse con ellas acariciando los contornos.

La exibición:

Obras expuestas:

Telaraña II, 1974 (Telaraña II)
Ícaro I (1978)
Hasta cierto punto II
Los Iluminados II
Acción ininterrumpida III (1998)
La paloma de tierra en Buenos Aires. Homenaje a Gómez Cornet II (2008)

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema «crítico» después del final del arte vanguardista y «no artístico».

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, quien se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.