Joan Jonas: Vienen a nosotros sin una palabra, Pabellón de los Estados Unidos, Bienal de Venecia 2015

Para la 56a Exposición Internacional de Arte, la Biennale di Venezia, el MIT List Visual Arts Center le encargó a Joan Jonas, una figura pionera en video y performance, que creara una nueva instalación multimedia que ocupara la totalidad de las cinco galerías del Pabellón de EE. UU.

La instalación incorpora la icónica combinación de performance, videoarte, dibujo y escultura de Jonas para crear un viaje inmersivo y multiparte que aborde la fragilidad del mundo natural.

Durante cinco décadas, Jonas ha estado a la vanguardia de las formas de arte interdisciplinarias. Su integración pionera de video, escultura y rendimiento crea entornos expansivos que cambian los modelos tradicionales de creación de imágenes y narración de historias. Considerado entre los artistas de video y performance más influyentes que surgieron a fines de la década de 1960, Jonas continúa creando nuevos cuerpos de trabajo que consideran temas como la figura en el paisaje, el uso ritual de objetos y gestos y la fragilidad del entorno natural en el edad del antropoceno. Su trabajo fue recientemente objeto de una gran retrospectiva en la Tate Modern, y recibió el Premio Kyoto 2018, que reconoce los logros mundiales y las contribuciones a la humanidad.

Inspirado por el examen anterior de Jonas de la fantástica novela de Halldόr Laxness Under the Glacier, sus veranos en Nueva Escocia y la maravilla de la naturaleza, They Come to Us without a Word integra video, dibujos, sonido, objetos y performance para construir cinco galerías inmersivas, cada una organizada alrededor de una imagen central (abejas, peces, espejo, viento y aula). Fragmentos de historias de fantasmas provenientes de tradiciones orales de Cape Breton, Nueva Escocia, forman una narración no lineal que vincula cada galería con la siguiente. A través de la interacción de medios dispares, They Come to Us sin una palabra refleja la interferencia humana con los ecosistemas de la naturaleza, creando una experiencia donde el impacto de cada elemento artístico reverbera en toda la sala. Tomados en conjunto, estos elementos forman un trabajo altamente complejo que representa una cadena de vida fracturada pero interdependiente.

Biografía
Joan Jonas (nacida el 13 de julio de 1936) es una artista visual estadounidense y pionera del video y el performance, una de las artistas femeninas más importantes que surgió a fines de los años sesenta y principios de los setenta. Los proyectos y experimentos de Jonas proporcionaron la base sobre la cual se basarían muchas obras de video. Sus influencias también se extendieron al arte conceptual, teatro, performance y otros medios visuales. Ella vive y trabaja en Nueva York y Nueva Escocia, Canadá.

Jonas nació en 1936 en la ciudad de Nueva York., Electronic Arts Intermix, obtenido el 13 de agosto de 2014. En 1958 recibió una licenciatura en Historia del Arte de Mount Holyoke College en South Hadley, Massachusetts. Más tarde estudió escultura y dibujo en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y recibió un MFA en Escultura de la Universidad de Columbia en 1965. Inmerso en la escena artística del centro de Nueva York de la década de 1960, Jonas estudió con la coreógrafa Trisha Brown durante dos años. . Jonas también trabajó con los coreógrafos Yvonne Rainer y Steve Paxton.

Aunque Jonas comenzó su carrera como escultor, en 1968 se mudó a lo que entonces era un territorio de vanguardia: mezclar el rendimiento con accesorios e imágenes mediadas, situadas al aire libre en paisajes urbanos o rurales y / o entornos industriales. Entre 1968-1971, Jonas realizó Mirror Pieces, obras que usaban espejos como motivo central o accesorio. En estas primeras actuaciones, el espejo se convirtió en un símbolo de (autorretrato), representación, cuerpo y real versus imaginario, mientras que a veces también agregaba un elemento de peligro y una conexión con la audiencia que era parte integral de la obra. En Wind (1968), Jonas filmó a artistas que pasaban rígidamente por el campo de visión contra un viento que le dio a la coreografía una mística psicológica.

En 1970, Jonas realizó un largo viaje a Japón, donde compró su primera cámara de video y vio el teatro Noh, Bunraku y Kabuki, con el escultor Richard Serra. Sus actuaciones en video entre 1972 y 1976 redujeron el elenco a un actor, la propia artista, actuando en su loft neoyorquino como Organic Honey, su alter ego fundamental inventado como una “seductora erótica electrónica”, cuyo rostro de muñeca visto reflejado bits en cámara exploraron la imagen femenina fragmentada y los papeles cambiantes de las mujeres. dibujos, disfraces, máscaras e interacciones con la imagen grabada fueron efectos que se relacionaron ópticamente con una duplicación de la percepción y el significado. En uno de esos trabajos, Organic Honey’s Visual Telepathy (1972), Jonas escanea su propia imagen fragmentada en una pantalla de video. En Disturbances (1973), una mujer nada silenciosamente bajo el reflejo de otra mujer. Songdelay (1973), filmado con teleobjetivo y lentes gran angular (que producen extremos opuestos en profundidad de campo) se basó en los viajes de Jonas en Japón, donde vio grupos de artistas de Noh aplaudiendo bloques de madera y haciendo movimientos angulares. En una entrevista en video para el MoMA, Jonas describió su trabajo como andrógino; Las obras anteriores estaban más involucradas en la búsqueda de una lengua vernácula femenina en el arte, explica, y, a diferencia de la escultura y la pintura, el video era más abierto, menos dominado por los hombres.

En 1975, Jonas apareció como intérprete en la película Keep Busy, del fotógrafo Robert Frank y el novelista y guionista Rudy Wurlitzer. En 1976 con The Juniper Tree, Jonas llegó a una estructura narrativa de diversas fuentes literarias, como cuentos de hadas, mitología, poesía y canciones populares, formalizando un método de presentación no lineal y muy complejo. Usando un colorido set teatral y sonido grabado, The Juniper Tree volvió a contar la historia de Grimm Brothers sobre una madrastra malvada arquetípica y su familia.

En la década de 1990, la serie My New Theatre de Jonas se alejó de la dependencia de su presencia física. Las tres piezas investigaron, en secuencia: un bailarín de Cape Breton y su cultura local; un perro saltando a través de un aro mientras Jonas dibuja un paisaje; y finalmente, usando piedras, disfraces, objetos cargados de memoria y su perro, un video sobre el acto de actuar. También creó ‘Revuelta por el pensamiento de lugares conocidos … (1992) y Mujer en el pozo (1996/2000).

En su instalación / actuación encargada para Documenta 11, Líneas en la arena (2002), Jonas investigó temas del self y del cuerpo en una instalación de performance basada en el poema épico de la escritora HD (Hilda Doolittle) “Helen in Egypt” ( 1951–55), que reconstruye el mito de Helena de Troya. Jonas ubicó muchas de sus primeras actuaciones en The Kitchen, incluyendo Funnel (1972) y la proyección de Vertical Roll (1972). En The Shape, The Scent, The Feel of Things, producido por The Renaissance Society en 2004, Jonas se basa en el trabajo de Aby Warburg sobre las imágenes Hopi.

Desde 1970, Jonas ha pasado parte de cada verano en Cape Breton, Nueva Escocia. Ha vivido y trabajado en Grecia, Marruecos, India, Alemania, Países Bajos, Islandia, Polonia, Hungría e Irlanda.

Las obras de Jonas se realizaron por primera vez en los años sesenta y setenta para algunos de los artistas más influyentes de su generación, incluidos Richard Serra, Robert Smithson, Dan Graham y Laurie Anderson. Si bien es ampliamente conocida en Europa, sus actuaciones innovadoras son menos conocidas en los Estados Unidos, donde, como escribió el crítico Douglas Crimp sobre su trabajo en 1983, “la ruptura que se efectúa en las prácticas modernistas ha sido reprimida, suavizada”. Sin embargo, al replantear obras tempranas y recientes, Jonas continúa encontrando nuevas capas de significados en temas y cuestiones de género e identidad que han alimentado su arte durante más de treinta años.

La actuación de Jonas inspirada en los escritos del antropólogo alemán Aby Warburg, The Shape, The Scent, The Feel of Things, fue encargada por Dia Beacon y se realizó dos veces entre 2005 y 2006. Este proyecto estableció una colaboración continua y continua con el pianista Jason Moran

Para la temporada 2014/2015 en la Ópera Estatal de Viena, Joan Jonas diseñó una imagen a gran escala (176 metros cuadrados) como parte de la serie de exposiciones Safety Curtain, concebida por el museo en progreso.

Jonas también apareció como coreógrafo para la Ópera de Robert Ashley titulada Excursiones celestiales en 2003

Enseñando
Desde 1993, Jonas, con sede en Nueva York, pasó parte de cada año en Los Ángeles, impartiendo un curso de Nuevos Géneros en la Escuela de Artes de la UCLA. En 1994, fue nombrada profesora titular en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart, Alemania. Desde 1998, ha sido profesora de artes visuales en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT), donde actualmente es profesora emérita de Arte, Cultura y Tecnología en la Escuela de Arquitectura y Planificación.

Reconocimiento
Jonas ha recibido becas y subvenciones para coreografía, video y artes visuales del National Endowment for the Arts; Fundación Rockefeller; Fondo de Televisión de Arte Contemporáneo (CAT); Laboratorio de Televisión en WNET / 13, Nueva York; Taller de artistas de televisión en WXXI-TV, Rochester, Nueva York; y Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD). Jonas recibió el Premio del Museo de Arte Moderno de la Prefectura de Hyogo en el Festival Internacional de Video Arte de Tokio, el Premio Polaroid de Video y el Premio Maya Deren del American Film Institute para Video.

En 2009, Jonas fue galardonado con un Premio a la Trayectoria del Museo Solomon R. Guggenheim.

En 2012, Jonas fue honrado con motivo del Kitchen Spring Gala Benefit.

Jonas fue nombrado Whitechapel Gallery Art Icon 2016. En 2018, Jonas ganó el Premio Kyoto de Arte.

Jonas ‘ha recibido premios de Anonymous Was A Woman (1998); la Fundación Rockefeller (1990); Premio Maya Deren del American Film Institute para Video (1989); Fundación Guggenheim (1976); y la National Endowment for the Arts (1974).

Colecciones públicas
Joan Jonas está representada en la ciudad de Nueva York por la empresa de Gavin Brown y en Los Ángeles por la Galería Rosamund Felsen. Además de trabajar en su arte, Jonas ha sido miembro de la junta asesora del Instituto Hauser & Wirth desde 2018.

El trabajo de Jonas se puede encontrar en varias instituciones públicas, que incluyen:

Museum of Modern Art, Nueva York
Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
Tate Modern, Londres

La exibición
Joan Jonas concibe un nuevo complejo de obras, creando un ambiente multicapa, incorporando video, dibujos, objetos y sonido. La literatura siempre ha sido una inspiración y fuente para Jonas, y el proyecto para Venecia ampliará su investigación sobre el trabajo de Halldór Laxness y su escritura sobre los aspectos espirituales de la naturaleza, pero se centrará en otras fuentes literarias.

Jonas ha seguido trabajando con un enfoque multimedia a lo largo de su carrera, siendo uno de los primeros artistas en explorar el potencial de la cámara de video como herramienta para la creación de imágenes y el monitor de TV como un objeto escultórico. Al mismo tiempo, Jonas experimentó en sus actuaciones incorporando el cuerpo al campo visual. Sus instalaciones y actuaciones reúnen estos componentes a través de dibujos, accesorios y objetos para crear obras que reflejan su investigación en relación con el espacio, la narrativa o la narración de historias, y los materiales a medida que se modifican a través de diversas tecnologías, como el espejo, el video y la distancia. En Venecia, trabajará con estos diversos aspectos de su práctica para crear cinco salas distintas, con temas comunes que unifiquen y resuenen en todo el espacio, en relación con la condición actual del mundo en términos poéticos.

El trabajo de Jonas se desarrolló a partir de sus estudios de historia del arte y su práctica escultórica, y se expandió a la actuación y al cine en la década de 1960 a través de su participación en la escena vanguardista de Nueva York. Su trabajo ha tenido una influencia significativa en el arte contemporáneo hasta la fecha, ya que ha seguido siendo una figura importante en los campos de la performance y el videoarte durante las últimas cinco décadas.

Junto con la presentación de su nuevo trabajo en el Pabellón de EE. UU., La Lista presentará a Joan Jonas: Películas y videos seleccionados 1972-2005. Curada por Henriette Huldisch, esta exposición presentará siete de las obras de video de un solo canal más importantes de Jonas, seleccionadas de su carrera de 40 años, en la Galería Bakalar de la Lista del 7 de abril al 5 de julio de 2015. La exposición íntima proporcionará antecedentes importantes y contexto para el nuevo trabajo de Jonas a la vista simultáneamente en Venecia, y compartirá con el público local los videos y las actuaciones fundamentales que llevaron a la selección del artista como representante de los EE. UU. para la Bienal de Venecia 2015. Las obras en la exposición incluyen:
Telepatía visual de miel orgánica (1972)
Songdelay (1973)
Buenas noches buenos días (1976)
Espejismo (1976)
Perros lunares dobles (1984)
Volga Saga (1989)
Líneas en la arena (2002-2005)

Temas
Vienen a nosotros sin una palabra, que incluye video, dibujos, elementos escultóricos y performativos, evoca la fragilidad de la naturaleza en una situación que cambia rápidamente. Cada habitación del pabellón representa una criatura particular (abejas, peces), objeto (espejo), fuerza (viento) o lugar (el aula). Fragmentos de historias de fantasmas provenientes de la tradición oral de Cape Breton, Nueva Escocia, son parte de una narración continua que vincula una habitación con la siguiente. Estos fragmentos hablados funcionan en parte como una referencia a lo que queda. Jonas dice: “Estamos embrujados, las habitaciones están embrujadas”. Una pieza al aire libre, en el patio del pabellón, que consta de troncos de árboles muertos unidos por un alambre, hace eco de los temas de la instalación.

Cuatro de las habitaciones cuentan con dos videos cada uno, uno que representa el motivo principal de la habitación y el otro, la narración de fantasmas. Jonas desarrolló los videos en Nueva York en 2015 con niños de entre cinco y dieciséis años. Los niños se presentaron frente a fondos de video que contenían extractos de trabajos anteriores de Jonas, así como paisajes que el artista filmó en Nueva Escocia, Canadá, y Brooklyn, Nueva York.

Una selección de objetos que se utilizaron como accesorios en los videos se colocan en cada habitación junto a los dibujos altamente distintivos de Jonas. La instalación está animada por una banda sonora diseñada por Jonas, usando extractos de música del pianista de jazz, compositor Jason Moran y canciones del cantante noruego de sami Ánde Somby. La iluminación personalizada está concebida por el diseñador Jan Kroeze.

Los espejos cubren las paredes con paneles de la rotonda del pabellón, donde Jonas ha suspendido una estructura de araña con cuentas de cristal desde el techo. Los espejos ondulados fueron concebidos por Jonas y hechos a mano en Murano.

Joan Jonas recibió un premio de Mención Especial de un jurado internacional por la 56a Bienal de Venecia por su sugerente instalación de video y sonido. Las instalaciones, las obras de video y las actuaciones de Jonas reúnen estos componentes con dibujos, accesorios, objetos y lenguaje, lo que refleja su investigación sobre cómo se altera la imagen a través del espejo, la distancia, el video y la narrativa.

Arte de performance
Junto con la exposición, Jonas presentó actuaciones de Moving Off the Land, un fascinante homenaje y una respuesta poética al poder del océano. La actuación de varias capas reúne lecturas, bailes, dibujos en vivo y proyecciones para retratar a los habitantes de la biodiversidad del océano y las culturas marinas en peligro de extinción.

La instalación multimedia de Joan Jonas They Come to Us without a Word fue recreada y presentada como una serie de actuaciones en julio de 2015 en el Teatro Piccolo Arsenale, Venecia. Este proceso de traducción entre medios es una práctica continua en el trabajo de Jonas. Para las actuaciones, el artista reeditó imágenes de video creadas específicamente para el Pabellón de EE. UU. Con They Come to Us without a Word II, Joan Jonas continúa investigando el movimiento, el espacio y el tiempo en relación con el sonido y la imagen proyectada. En este trabajo, Jonas se refiere a aspectos de desaparición en el mundo natural a través de sombras o fantasmas, ya que los humanos continúan ignorando el medio ambiente.

Concebidos y dirigidos por Jonas, They Come to Us without a Word II incluyeron música recién compuesta por el colaborador de mucho tiempo de Jonas, el pianista y compositor estadounidense de jazz Jason Moran.

“Estos fenómenos naturales que Joan Jonas evoca, mientras actúa con sonido, dibujo, movimiento y otros estímulos, están presentes por sí mismos y transmiten al espectador lo que son y lo que hacen, el artista actúa como director de orquesta. o mensajero de su ser “(Marina Warner)

“Aunque la idea de mi trabajo involucra la cuestión de cómo el mundo está cambiando tan rápida y radicalmente, no abordo el tema directa o didácticamente”, dijo Jonas. “Más bien, las ideas están implícitamente poéticas a través del sonido, la iluminación y la yuxtaposición de imágenes de niños, animales y paisajes”.

Joan Jonas continúa investigando el movimiento, el espacio y el tiempo, en relación con el sonido y la imagen proyectada con su actuación de estreno mundial en el Teatro Piccolo Arsenale. Para la presentación, Jonas reeditó secuencias de video creadas específicamente para el Pabellón de EE. UU. Algunos de los niños que aparecen en esos videos iniciales también se presentaron en vivo en el Teatro Piccolo Arsenale.

Pabellón de los Estados Unidos
El pabellón americano es un pabellón nacional de la Bienal de Venecia. Alberga la representación oficial de los Estados Unidos durante la Bienal. El pabellón estadounidense fue el noveno que se construyó en el Giardini, pero a diferencia de otros pabellones, que son construidos por los gobiernos, el pabellón estadounidense era de propiedad privada. El edificio palladiano de tres habitaciones fue construido en 1930 para las Galerías de Arte Grand Central de Nueva York. La propiedad se transfirió al Museo de Arte Moderno en 1954 y a la Fundación Guggenheim en 1986.

Para la representación nacional de los Estados Unidos, un comité de expertos selecciona entre las propuestas escritas por las instituciones. El Comité Asesor sobre Exposiciones Internacionales está formado por el Fondo Nacional de las Artes y el Departamento de Estado. El proceso de meses involucra una aplicación de casi 100 páginas y un embargo final antes del anuncio.

El Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia fue construido en 1930 por Grand Central Art Galleries, una cooperativa de artistas sin fines de lucro establecida en 1922 por Walter Leighton Clark junto con John Singer Sargent, Edmund Greacen y otros. Como se indica en el catálogo de las Galerías de 1934, el objetivo de la organización era “dar un campo más amplio al arte estadounidense; exhibir de manera más amplia a un público más numeroso, no solo en Nueva York sino en todo el país, mostrándose así al mundo el valor inherente que nuestro arte posee indudablemente “.

En 1930, Walter Leighton Clark y Grand Central Art Galleries encabezaron la creación del Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia. Los arquitectos del pabellón fueron William Adams Delano, quien también diseñó las Galerías de Arte Grand Central, y Chester Holmes Aldrich. La compra de la tierra, el diseño y la construcción fue pagada por las galerías y supervisada personalmente por Clark. Como escribió en el catálogo de 1934:

“Con el propósito de poner el arte estadounidense en un lugar destacado ante el mundo, hace unos años los directores se apropiaron de la suma de $ 25,000 para la construcción de un edificio de exhibición en Venecia en los terrenos de la Bienal Internacional. Los Sres. Delano y Aldrich generosamente donaron los planes. para este edificio que está construido con mármol de Istria y ladrillo rosa y más que se sostiene con los otros veinticinco edificios en el parque propiedad de los diversos gobiernos europeos “.

El pabellón, propiedad y operado por las galerías, se inauguró el 4 de mayo de 1930. Clark seleccionó aproximadamente 90 pinturas y 12 esculturas para la exposición inaugural. Los artistas presentados incluyeron a Max Boehm, Hector Caser, Lillian Westcott Hale, Edward Hopper, Abraham Poole, Julius Rolshoven, Joseph Pollet, Eugene Savage, Elmer Shofeld, Ofelia Keelan y el artista afroamericano Henry Tanner. El embajador de los Estados Unidos, John W. Garrett, abrió el espectáculo junto con el duque de Bérgamo.

Las galerías de arte Grand Central operaron el pabellón de los EE. UU. Hasta 1954, cuando se vendió al Museo de Arte Moderno (MOMA). A lo largo de las décadas de 1950 y 1960, MOMA, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo de Arte de Baltimore organizaron espectáculos. The Modern se retiró de la Bienal en 1964, y la Agencia de Información de los Estados Unidos dirigió el Pabellón hasta que se vendió a la Fundación Guggenheim por cortesía de los fondos proporcionados por la Colección Peggy Guggenheim.

El apoyo financiero de Philip Morris y el dinero privado recaudado por el Comité para el Pabellón Americano de 1986 en la Bienal de Venecia de 1986 hicieron posible la exposición en el pabellón de los Estados Unidos. Desde 1986, la Colección Peggy Guggenheim ha trabajado con la Agencia de Información de los Estados Unidos, el Departamento de Estado de los Estados Unidos y el Fondo para Artistas en Festivales y Exposiciones Internacionales en la organización de exhibiciones de artes visuales en el Pabellón de los Estados Unidos, mientras que la Fundación Solomon R. Guggenheim ha organizado espectáculos comparables en la Bienal de Arquitectura. Cada dos años, los conservadores de museos de los EE. UU. Detallan sus visiones para el pabellón estadounidense en propuestas que son revisadas por el Comité Asesor Federal de Exposiciones Internacionales (FACIE) de NEA, un grupo compuesto por conservadores, directores de museos y artistas que luego presentan sus recomendaciones al Fondo público-privado para artistas de Estados Unidos en festivales y exposiciones internacionales.

Tradicionalmente, el comité de selección de fondos ha elegido una propuesta presentada por un museo o curador, pero en 2004 simplemente eligió a un artista que a su vez nominó a un curador, luego aprobado por el Departamento de Estado.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema “crítico” después del final del arte vanguardista y “no artístico”.

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.