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Escultor renacentista italiano

La escultura renacentista se enmarca en el período comprendido entre las primeras décadas del siglo XV y mediados del XV aproximadamente. La escultura fue, también en el período del Renacimiento, un arte de vanguardia, que a menudo actuó como un pionero de la pintura y otras formas artísticas. Entre los “pioneros” florentinos del Renacimiento dos eran escultores (Filippo Brunelleschi y Donatello) y sus logros fueron una fuente duradera de inspiración para las siguientes generaciones. Con el viaje de Donatello a Padua (1443-1453) las conquistas del Renacimiento comenzaron a extenderse también en el norte de Italia. Hacia mediados del siglo XV Roma, un centro de atracción por sus restos clásicos y por el vasto programa de restauración y reconstrucción monumental de la ciudad promovido por los papas, se convirtió en el principal punto de encuentro e intercambio de experiencias artísticas, que culminó en los primeros décadas del siglo XVI en el Renacimiento romano.

Las principales características de la escultura renacentista italiana fueron su definición como una de las formas de adquirir conocimiento y como instrumento de educación ética del público, y su preocupación por integrar la oposición entre el interés en la observación directa de la naturaleza y los conceptos estéticos idealistas. desarrollado por el humanismo. En un momento en que el hombre se colocaba en el centro del universo, su representación asumió también un papel central, con la consecuencia de florecer los géneros del desnudo artístico y el retrato, que desde el final del Imperio Romano había caído en el olvido. También se retomó el tema mitológico, se estableció un cuerpo de teoría para legitimar y guiar el arte de la época, y se hizo hincapié en la estrecha asociación entre el conocimiento teórico y una disciplina rigurosa del trabajo práctico como herramienta indispensable para la creación de un obra de arte especializada. La escultura del Renacimiento italiano en sus tres primeras fases estuvo dominada por la influencia de la escuela toscana, cuyo centro de atención fue Florencia, en ese momento el mayor centro cultural italiano y una referencia para todo el continente europeo. La fase final fue liderada por Roma, en ese momento comprometida en un proyecto de afirmar la universalidad de la autoridad del papado como heredero tanto de San Pedro como del Imperio Romano.

Principales representantes

Jacopo della Quercia
Jacopo della Quercia (Siena, 1374 – Bolonia, 1438) fue el máximo representante de la escuela de escultura de Siena y uno de los maestros más originales de principios del siglo XV, influyendo en Miguel Ángel y muchos otros. Era de una familia de artistas. Cª. 1406 produjo la Tumba de Ilaria del Carretto en la Catedral de Lucca, que solo sobrevive en parte, y en 1408 una estatua de la Virgen y el Niño Jesús en Ferrara. Un año más tarde recibió el pedido de una gran fuente pública en Siena, la conocida Fuente de Gaia, y al mismo tiempo se involucró en un gran pedido para Lucca, una estatua de un apóstol, un altar y una tumba, así como relieves para una fuente en Siena. La cantidad de trabajo le ha llevado a entregar varias partes a los asistentes. Su obra principal fue el relieve del portal de la Basílica de San Petronio en Bolonia, cuyo vigor lo llevó a ser comparado con los logros de Masaccio en la pintura de la figura humana. En 1435 fue nombrado arquitecto principal de la Catedral de Siena.

Lorenzo Ghiberti
Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378-1455) fue educado como orfebre y pintor, y en 1400 dejó Florencia para trabajar en Pesaro. Sabiendo que Florencia había abierto en 1401 un concurso público para la realización del segundo par de puertas de bronce del Baptisterio de San Juan, regresó inmediatamente allí. La prueba fue la creación de un panel que representa el Sacrificio de Isaac, compitiendo con él seis artistas más. Ganó la competencia, lo que le dio fama inmediata, pero el trabajo tomaría más de veinte años para estar listo. En este mismo período trabajó en diseños de vidrieras en la Catedral, diseñó tumbas y relieves en Florencia y Siena, actuó como consultor arquitectónico y preparó un San Juan Bautista (1416) que fue la primera estatua de bronce en tamaño sobre la natural a estar fusionado desde la Antigüedad, y el primero en esta escala en Florencia. El éxito técnico y estilístico de la empresa valía dos órdenes más similares, una Saint Matthew (1419) y una Saint Stephen para Orsanmichele (1425). Tanto las puertas como estas estatuas aún revelan vínculos con el estilo gótico. En ese momento dirigía un gran taller, se casaba, se hacía rico, se unía a la alta sociedad, era considerado el principal artista en Florencia y no podía manejar tantas órdenes. A través de su taller pasaron como futuros maestros aprendices como Donatello, Paolo Uccello, Michelozzo y Benozzo Gozzoli. Aparentemente era un maestro liberal e interesado en el progreso de sus estudiantes, y no ocultó su conocimiento. Finalmente terminó las puertas del Baptisterio en 1424, que son el conjunto escultórico más importante del Gótico Internacional, y fueron muy apreciadas en su tiempo. Los últimos paneles de estas puertas ya indican un cambio de estilo, y muestran la influencia de Alberti, de quien se había hecho amigo, y un estudio más profundo del arte clásico, que ya funcionaba con el principio de la perspectiva.

Su fama se basa principalmente en el tercer grupo de puertas, las famosas Puertas del Paraíso, creadas entre 1425 y 1452 y alabadas por Miguel Ángel. A diferencia de las primeras puertas, cuyos paneles dejan el fondo liso, el segundo grupo trata el espacio en bajorrelieves de carácter pictórico, con una definición eficiente de planos y perspectiva, y creando un espacio ajardinado poblado por varias figuras y edificios. Hartt dijo que la influencia de las ideas de Alberti es tan profunda que las puertas son una exposición sistemática y completa de sus teorías. Cada puerta tiene cinco paneles grandes con escenas del Antiguo Testamento, rodeados por un friso de pequeñas estatuas, motivos ornamentales y pequeños medallones que contienen bustos, incluido un autorretrato. El conjunto forma uno de los logros más significativos de la escultura renacentista.

Nanni di Banco
Nanni di Banco (Florencia, 1384/90 – 1421) fue un adepto de primera clase de ideales clasicistas, y en su fase final desarrolló un estilo menos formalista que tuvo gran influencia en sus sucesores. Entrenado por su padre, también escultor, empleado de la Catedral de Florencia, su primer pedido fue para la Catedral, una estatua de Isaías. Entre 1411 y 1413 creó un grupo escultórico, los Cuatro Santos Coronados, para el gremio de Orsanmichele donde resolvió uno de los problemas técnicos más difíciles con los que se enfrentaron los escultores de su generación, la representación de varias figuras juntas en plena forma dentro de un nicho. Aunque las huellas góticas todavía aparecen en este trabajo, en el tratamiento de los trajes, en las cabezas y en la impresión general se asemeja a la estatuaria romana. Se las arregló para mantener el grupo formalmente cohesionado a través de una sabia delineación de los planes internos y las relaciones en sus actitudes, haciendo que las figuras parecieran estar todas ocupadas en la conversación. Su último trabajo fue un alivio para una de las puertas de la catedral, comenzada en 1414, dejada incompleta, que posiblemente fue completada por Luca della Robbia, entonces su discípulo. Él también creó otras estatuas de santos y profetas.

Donatello
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello (Florencia, 1386/87 – 1466), era hijo de un carder de lana; poco se sabe sobre su vida. Era un amigo de los humanistas y de los registros de época como un conocedor del arte clásico. Comenzó como aprendiz de albañil y alrededor de 1404-1407 se unió como discípulo de Ghiberti. En sus años de formación aún no había una cantidad muy expresiva de obras antiguas disponibles, por lo que sus primeras creaciones todavía traen una fuerte marca gótica, pero la primera gran composición suya, una San Jorge (c.1415) creada para el gremio de Orsanmichele, ya revela un conocimiento sólido de la anatomía humana, y se distingue de todo lo que se había producido antes en la tensión manifiesta en su postura, en la prueba de caracterización psicológica de su cara, en su manejo de los planos estructurales, en la fuerza y ​​la autonomía de su “presencia” y en la sutileza de su técnica escultórica. En el relieve debajo del nicho donde se instaló la estatua, Donatello introdujo innovaciones que tuvieron una gran repercusión en el arte florentino posterior, creando un relieve poco profundo donde la delicada sugerencia de planos y figuras crea una perspectiva eficiente de profundidad y efectos sutiles de luz y sombra , que lo acercan al carácter de la pintura respetando la integridad de la superficie plana. Los mejores ejemplos en este género son los relieves de la Ascensión de Cristo y La fiesta de Herodes, celebrada entre 1420 y 1437. Las mismas cualidades de San Jorge se expresaron con aún mayor fuerza en la serie de cinco profetas que se instalaron en nichos en el campanario de la Catedral de Florencia, de los cuales Habacuc es considerada una de sus obras maestras. Su aspecto realista e intensamente expresivo los acerca más al retrato romano. Alrededor de 1420 trabajó también en bronce, creando un hermoso San Luis de Toulouse (hacia 1423), y en ese tiempo estableció una sociedad limitada con Michelozzo, creando obras para él, Napoles y Prato. Autónomamente hizo varias piezas para Siena, aparentemente influenciadas por la escultura etrusca. Entre 1430 y 1433 estuvo en Roma, donde estudió las antiguas reliquias, cuyo fruto a su regreso fue un tabernáculo y un coro en contra de la Basílica de la Santa Cruz, que exhiben un repertorio de formas clasicistas muy ampliadas. Hasta 1443 trabajó para los Medici, produciendo la decoración de la antigua sacristía de la Basílica de San Lorenzo, que incluía diez grandes relieves de estuco y dos puertas de bronce con figuras de apóstoles y santos de intenso dinamismo. En este período elaboró ​​alrededor de 1440 su célebre David, la primera estatua de un gran desnudo y figura completa desde la antigüedad. Las proporciones perfectas y la tranquilidad de su actitud lo convierten en el más clásico de todos los trabajos del autor.

Entre 1443 y 1453 trabajó en Padua, creando una estatua ecuestre del condotiero Erasmo da Narni, apodada Gattamelata, también una reinterpretación de patrones clásicos, inspirada en el famoso monumento a Marco Aurelio que conoció en Roma, eliminando detalles superfluos y concentrándose sobre el principio del héroe ideal, estableciendo un paradigma para la representación ecuestre que continuó siendo válida durante los siglos venideros. Su larga presencia en Padua estimuló la formación de una floreciente escuela local de bronce y las obras que produjo para la Basílica de San Antonio de Padua, incluyendo un gran crucifijo y el altar más ambicioso del siglo XV europeo, ahora reconstruido en otra forma. – que consistió en un conjunto de 21 relieves en bronce, un gran relieve en piedra y siete estatuas de tamaño natural, influyó en generaciones de pintores y escultores del norte de Italia. A su regreso a Florencia, creó un San Juan Bautista para Venecia y una Santa María Magdalena en madera policromada para el Baptisterio local, de expresividad penetrante, alejándose del equilibrio y la sobriedad de la tradición clasicista. El estilo duro y dramático de estas piezas fue un shock para los florentinos, que estaban inclinados a una estética más suave, y en ese momento sus principales órdenes provenían del exterior. Entre ellos, un San Juan Bautista y un par de puertas de bronce a la Catedral de Siena, de las cuales solo se ejecutaron dos paneles. Fue nuevamente empleado por los Médicis y sus últimos años de vida los pasó creando dos púlpitos, uno con el tema de la Resurrección y otro de la Pasión de Cristo, para San Lorenzo, que no quedó completamente terminado, pero que están entre sus más composiciones muy cargadas de contenido espiritual. Donatello también debe la elaboración del tipo putto, una especie de genio con forma de niño pequeño, alado o no, que se ha convertido en un motivo decorativo de éxito inmediato y diseminación generalizada.

Luca della Robbia
Luca della Robbia (Florencia, 1399 – 1482) fue educado en escultura de mármol, y en 1431 comenzó su obra más importante, un balcón para el coro de la catedral de Florencia, con diez paneles en relieve que muestran escenas de niños cantando, bailando y tocando varios musicales instrumentos. Su éxito fue inmediato, dado el naturalismo eficiente y la atmósfera de júbilo e inocencia de las escenas. Luego montó un tabernáculo para una capilla en Florencia, y alrededor de 1440 comenzó a investigar sobre la terracota que lo llevó a descubrir una técnica de vitrificación, que le permitió obtener superficies de vivos colores que no se desvanecían y eran impermeables al agua, lo que permitió ellos para ser instalados al aire libre. Su primera composición documentada en esta técnica fue un medallón con el tema de la Resurrección a la antigua sacristía de la Catedral, desde c. 1442. Luego comenzó a dedicarse casi exclusivamente a este modo de escultura, recibiendo pedidos de un gran número de piezas en Florencia y en varias otras ciudades, como Pescia y Urbino. Aun así, en la década de 1450 hizo otra gran obra de mármol, la Tumba de Benozzo Federighi, obispo de Fiesole, en la Iglesia de la Santísima Trinidad en Florencia.

Bernardo Rossellino
Bernardo Rossellino (Settignano, 1409 – Florencia, 1464), formado por Filippo Brunelleschi e influenciado por Luca della Robbia y Ghiberti, fue miembro de una familia de escultores, clasicista moderado y uno de los grandes maestros de la escultura funeraria, además de ser notable arquitecto y urbanista. Su obra maestra es la Tumba de Leonardo Bruni (1444-50) en Santa Cruz, que inauguró un nuevo tipo de monumento funerario y está entre los mayores logros de su género renacentista, convirtiéndose en un prototipo imitado en gran medida al establecer un equilibrio fino entre la escultura y la arquitectura , figuración y decorativismo. Otras obras importantes fueron la Tumba de Orlando de Médici (1456-57) y la Tumba de la Beata Villana delle Botte (1451-52), ambas en Florencia.

Antonio Rossellino
Antonio Rossellino (Settignano, 1427 – Florencia, 1479) fue un notable escultor y arquitecto, el hermano menor de Bernardo, de quien recibió instrucción e influencia, y a quien asistió como aprendiz en diversas obras. Fue un maestro en el retrato, dejando varias piezas de gran calidad en este género, como las de Giovanni Chellini (1456) y Matteo Palmieri (1468), con un estilo realista realista. Su mejor obra es la gran colección de la Tumba del Cardenal de Portugal (c.1460), en San Miniato al Monte, en las afueras de Florencia, con una compleja combinación de arquitectura, escultura y pintura. Tenía la ayuda de varios colaboradores, pero para Hartt la identidad estilística de Antonio sigue siendo dominante. Representa una evolución significativa en el concepto de monumento funerario, dándole un dinamismo y una unidad mucho mayores, con una fuerte caracterización en el retrato del difunto, siendo uno de los mejores ejemplos de este tipo a lo largo del siglo XV. También dejó varias Madonnas y otro monumento importante para Filippo Lazzari (1464).

Mino da Fiesole
Mino da Fiesole (Poppi, Florencia, 1429 – Florencia, 1484) posiblemente fue entrenado por Antonio Rossellino en Florencia, y pasó gran parte de su carrera en Roma, donde estudió la estatuaria antigua, concentrándose en los retratos. Allí realizó monumentos funerarios para varios cardenales y para el Papa Pablo II. Aunque su técnica no es brillante, adquirió fama con retratos, un género en el que fue uno de los primeros en especializarse, dejando notables composiciones en los retratos de Pedro de Medici, Niccolò Strozzi, Astorgio Manfredi, Rinaldo della Luna y Diotisalvi Neroni. , entre otros.

Desiderio da Settignano
Desiderio da Settignano (Settignano, c.1430 – 1464) nació en una familia de albañiles. Poco se sabe de su educación, pero debe haber sido influenciado por Donatello. Desarrolló un estilo de gran suavidad, refinamiento y sensualidad sublimada, expresada en retratos de mujeres, demostrando una gran capacidad para expresar sentimientos que van desde la melancolía hasta la alegría. Sus bajorrelieves evidenciaron su dominio de la perspectiva y los efectos sutiles de la luz y la sombra, y su calidad técnica y estética no tuvo rival en su generación. También adquirió destreza en los retratos de niños y en piezas devocionales de la Virgen y el Niño Jesús. También dejó dos grandes monumentos en Florencia, la Tumba de Carlo Marsuppini en la Basílica de la Santa Cruz (c.1453-55) y el Tabernáculo del Sacramento en la Basílica de San Lorenzo (1461), ambos de especial importancia para la evolución posterior de la escultura en sus géneros, con planos en perspectiva en los respaldos de los relieves y un modelado de figuras que enfatiza los contornos y trata los vestidos con elegancia y fluidez para sugerir anatomía y movimiento. El tratamiento de las superficies también es diferente, con un satén pulido que proporciona un aura de dulzura a los personajes.

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Francesco Laurana
Francesco de la Vrana, conocido como Francesco Laurana (Vrana, entonces parte de la República de Venecia, c.1430 – Avignon, c.1502), escultor y medallista, fue uno de los iniciadores del estilo renacentista en Francia. La primera parte de su vida es oscura, y las primeras noticias que aparecen sobre él se remontan a la década de 1450, cuando fue contratado por Alphonse II de Aragón para crear un arco triunfal en Castel Nuovo en Nápoles. Entre 1461 y 1466 trabajó para Renato I de Nápoles, para quien creó medallas, y en 1468 estuvo en Sicilia, pasando sus últimos años viajando entre Sicilia, Nápoles y el sur de Francia. Salieron varias madonas y retratos de mujeres, de las que es famoso Battista Sforza, cuya delicadeza y sofisticación las convierten en espejos de la cultura cortesana de la época, caracterizada por la búsqueda de elegancia y desprendimiento aristocrático y por la reserva y economía formal, descartando detalles y creando formas que se aproximan a la abstracción geométrica, además de llevarlas a cabo con gran experiencia técnica.

Andrea del Verrocchio
Andrea di Francesco di Cione, más conocido como Andrea del Verrocchio (Florencia, 1435 – Venecia, 1488) era hijo de un alfarero, y durante su infancia la familia sufrió con la pobreza. La tradición dice que fue entrenado por un orfebre llamado Giuliano Verrocchi, del cual habría adoptado el apellido. Alrededor de 1460 comenzó a estudiar pintura, tal vez como alumno de Alesso Baldovinetti y Filippo Lippi, siendo colega de Botticelli. Unos años más tarde, con la muerte de Donatello, que era el favorito de los Medici, tomó su lugar como protegido, produciendo para ellos pinturas y esculturas, así como diseños de decoraciones, vestimentas y armaduras. Constructor conservador de las colecciones antiguas de la familia, restauró muchos bustos y estatuas romanas. Entonces su fama comenzó a extenderse, abrió un gran taller que atrajo a muchos discípulos, entre ellos Leonardo da Vinci y Perugino, y fue una influencia para Benedetto da Maiano y Botticelli. A pesar de su fama como pintor y su producción, que se supone que fue significativa, hoy casi nada puede atribuirse a él con seguridad. Se dedicó con más fuerza a la escultura, pero también en este campo sus obras autenticadas, aunque en mayor número, son todavía pocas.

Su primera gran orden fue una tumba para Pedro y Juan de Médicis en la antigua sacristía de San Lorenzo, terminada en 1472, que impresiona por la originalidad de su diseño y su uso inspirado de mármoles de colores y pórfidos combinados con una rica ornamentación de bronce. Luego hizo una estatuilla, Niño con un delfín, a una fuente en Villa Medicea di Careggi, que revela su interés en el movimiento, siendo importante en la evolución de la forma en espiral conocida como figura serpentina, la forma preferida en Manierismo. Su reputación como uno de los grandes escultores en bajorrelieve del siglo XV se instaló con el cenotafio del cardenal Niccolò Forteguerri para la catedral de Pistoia, iniciado en 1476 pero nunca terminado, concluyéndose solo después de su muerte. Aunque su concepción original ha sido modificada por otros artesanos, permanece como un testimonio confiable de su gran habilidad tanto en la composición de un conjunto de efectos teatrales, que anticipó las soluciones del Barroco, como en el dibujo unificado y dinámico de las escenas en los relieves y en su acabado técnico impecable. En la técnica de bajorrelieve también dejó un panel que representa la derrota de San Juan el Bautista, la Catedral de Florencia (1480) y una Virgen para un hospital (c.1477). En ese momento produjo dos bustos, el Retrato de Julián de Médici, de gran realismo, y la Dama con un ramo de flores, donde creó un nuevo tipo de busto, que incluía los brazos de la figura. La escultura más importante que creó para Florencia fue posiblemente el grupo de Cristo y Santo Tomás, ambientado en Orsanmichele (1467-83), notable por su perfección técnica y la solución original de composición en el estrecho espacio del nicho. En 1483, a petición de Venecia, viajó allí para crear un gran monumento ecuestre para celebrar el condottiero Bartolomeo Colleoni, de gran presencia escénica, claramente inspirado en la obra de Donatello, pero sobrepasando en dinamismo y la impresión de fuerza y ​​decisión . Es junto a la obra de Donatello el monumento más importante en su género del Renacimiento, y fue muy influyente en los escultores barrocos, e incluso el neoclásico y romántico. Sin embargo, habiendo terminado el modelo, murió antes de realizar el trabajo. El acabado fue confiado a Alessandro Leopardi, cuya participación en el resultado final de la composición es motivo de debate.

Andrea della Robbia
La larga carrera de Andrea della Robbia (Florencia, 1435 – 1525) se extiende hasta la tercera y cuarta fases. Al igual que su tío Luca, aparentemente fue entrenado como un escultor de mármol, y dedicó la mayor parte de sus esfuerzos a la creación de terracota policromada vitrificada, con la que se hizo famoso. Sus primeros trabajos en esta técnica se llevaron a cabo para el Hospital de los Inocentes en Florencia, alrededor de 1463. Su obra más importante es la serie de grandes relieves para el Santuario de Monte Alverne, cerca de Asís, en la década de 1480. En los primeros años del siglo XVI su taller ya empleaba a muchos aprendices y comenzó a recibir órdenes prestigiosas de varias catedrales y nobles. Fue un escultor muy prolífico, y sus composiciones se encuentran en muchas ciudades italianas, como Prato, Volterra, Chiusi, Nápoles, Viterbo, Pistoia, Bibbiena, Montalcino y Montevarchi, y varias más. Su estilo une un rico sentido del decorativismo con un diseño de figura sobrio, delicado y elegante, con una inclinación a la narrativa coloquial de atractivo popular inmediato, y la caracterización penetrante en los retratos. Sus numerosas imágenes de la Virgen y el Niño Jesús son de una gran ternura, y fue capaz de acercarse a las emociones más dramáticas en sus Pietàs y Crucifixions, pero sin excesos.

Pietro Lombardo
Pietro Lombardo (Carona, ducado de Milán, 1435 – Venecia, 1515) fue el líder de la escuela renacentista veneciana y padre de Tullio Lombardo y Antonio Lombardo, también escultores. Sus primeros trabajos revelan la influencia florentina, pero su estilo maduro estaba en deuda con el arte germánico y flamenco. Su primera obra conocida es la Tumba de Antonio Roselli (1464-67) en la Basílica de San Antonio en Padua. Alrededor de 1467 se mudó a Venecia, produciendo numerosos monumentos y también trabajando como arquitecto. En Venecia, su producción más notable es la tumba de la familia Malipiero (c.1463) y la de Doge Pietro Mocenigo (c.1476-81) en Basílica de San Juan y San Pablo. Con un taller abarrotado, dejó la mayor parte de la redacción de sus trabajos a sus asistentes, incluidos sus hijos, y solo proyectó y supervisó el trabajo. Fue el arquitecto y principal escultor de la Iglesia de Santa Maria dos Milagres entre 1481 y 1489, considerado uno de los mejores edificios renacentistas de la ciudad y que ejerció una profunda influencia local. En 1482 creó la Tumba de Dante Alighieri en Rávena y en 1485 diseñó su obra maestra, la Tumba Zanetti, cuyo trabajo práctico fue entregado a sus hijos. Sus últimos años pasaron como maestro de obras del Palacio Ducal.

Matteo Civitali
Matteo Civitali (Lucca, 1436 – 1502), escultor y arquitecto, fue la figura principal de la escuela de Lucca. Solo comenzó a dedicarse a la escultura después de los 40 años, después de haber sido cirujano barbero. Estudió en Florencia con Antonio Rossellino y Mino da Fiesole. Sus principales obras se encuentran en la Catedral de Lucca, incluido el Altar de San Román, la Tumba de Pietro Noceto y un San Sebastián. También hizo esculturas de Adán y Eva, Abraham y varios santos para la Catedral de Génova.

Tullio Lombardo
Tullio Lombardo (Venecia, 1455-1532) fue hijo y discípulo de Pietro, y cómo trabajó en escultura y arquitectura, pero abandonó el valor inestimable del estilo de su padre y adoptó las convenciones del clasicismo, también influenciado por el trabajo de los helenistas, como el recientemente descubierto Grupo Laocoon. Una de sus obras importantes es la tumba del dux Andrea Vendramin, la tumba renacentista más suntuosa de Venecia, que originalmente contenía una estatua de Adán (hacia 1490-1495), ahora en el Museo Metropolitano de Arte, un superlativo de tamaño natural, claramente inspirado en la iconografía clásica de Baco y Antinoo. Notable por la pureza del mármol empleado y la fina mano de obra, este Adam fue el primer desnudo de tamaño completo tallado de la antigüedad. También realizó la Tumba de Guidarello Guidarelli, retratos, relieves alegóricos y dejó una serie de nueve paneles en relieve para la Basílica de San Antonio en Padua, con escenas de la vida del santo, donde presenta un estilo narrativo de gran nobleza y dramatismo elocuencia, muy similar a los ejemplos de la antigua Roma.

Antico
Pier Jacopo Alari Bonacolsi, apodado Antico (Mantua o Gazzuolo, 1460-1528), comenzó su carrera como medallista, se interesó en la pintura, trabajó como restaurador de estatuas antiguas y fue protegido de Isabella d’Este, pero su fama es debido a su habilidad en el campo de la escultura pequeña, la creación de una serie de piezas decorativas para los clientes privados, pero que tienen un refinamiento estético y una calidad técnica de primer orden. Fue uno de los primeros escultores en darse cuenta de las posibilidades comerciales de crear copias de sus obras en bronce mediante la técnica indirecta de la cera perdida, cuando hasta ese momento el uso consistía en la fabricación de piezas únicas. Su estilo está inclinado hacia el clasicismo, que ejerció en la creación de imágenes de la mitología grecorromana. Por su amor a la antigüedad recibió su apodo, que significa “antiguo”.

Andrea Sansovino
Andrea Coducci, llamado Andrea Sansovino (Florencia, hacia 1467-1529) fue un arquitecto y escultor cuyo estilo muestra la transición de la tercera fase del Renacimiento al Alto Renacimiento. Su primera composición importante fue el Altar del Sacramento (1485-90) en la Basílica del Espíritu Santo en Florencia, con un artesano de alta calidad y un gran énfasis en las emociones. Pasó varios años en Portugal, y en 1502 estuvo de nuevo en Florencia, cuando el grupo del Bautismo de Cristo, instalado en la fachada del Baptisterio de San Juan. Solo el Bautista es enteramente suyo, y el ángel es todo otro artista, pero la concepción elegante, sobria y digna del conjunto, además de la gran belleza de los cuerpos, lo convierte en una de las primeras obras importantes del Alto Renacimiento. También compuso una serie de frisos policromados para Villa Medicea di Poggio a Caiano. En 1505 fue a Roma contratado por el papa Julio II para ejecutar dos tumbas casi idénticas a los cardenales Ascanio Sforza y ​​Girolamo della Rovere en la iglesia de Santa Maria del Popolo, completadas en 1509 y consideradas sus obras más originales. Su última orden importante fue supervisar la construcción de varios edificios en la ciudad de Loreto y la decoración de la Santa Casa local, donde tallaba un relieve de la Anunciación de grandes riquezas plásticas.

Michelangelo
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, conocido como Miguel Ángel (Caprese, República de Florencia, 1475 – Roma, 1564), fue la figura dominante en la escultura italiana del siglo XVI, así como un pintor y arquitecto del mismo tipo. Uno de los artistas más célebres e influyentes en todo el arte occidental, comenzó su aprendizaje con Ghirlandaio relativamente tarde a la edad de 13 años después de superar la oposición paterna. Su talento pronto fue reconocido y se convirtió en un protegido de los Medici, tuvo acceso a su colección de esculturas antiguas y recibió algunas instrucciones de escultura de Bertoldo di Giovanni. Una de sus primeras obras fue Madonna of the Ladder (hacia 1491), en el estilo de los bajorrelieves de Desiderio da Settignano, y luego creó una variación de un motivo encontrado en un sarcófago romano, la Batalla de los Centauros (c.1492) ), cuyo dinamismo fue elogiado. En 1494 los Medici fueron expulsados ​​de la ciudad y Miguel Ángel buscó empleo en Bolonia, trabajando en figuras secundarias de la Tumba de Santo Domingo (1494-95), pero que son originales y expresivos, haciendo referencia a la iconografía clásica. Viajando a Roma, la ciudad más importante desde el punto de vista cultural, produjo su primera composición a gran escala, un Drunken Bacchus (1496-97) en tamaño justo por encima del natural, de gran virtuosismo en concepción y ejecución, que aparentemente fue vendido a un coleccionista como si fuera una pieza de antigüedad. El éxito de la obra le valió otra orden, una Pietà (1498-99), que recibió la aclamación inmediata y lo envió a la preeminencia entre todos los escultores italianos por su originalidad de composición y su acabado extraordinariamente fino, siendo su pieza perfecta en este último aspecto

Inmediatamente fue llamado a Florencia para crear un monumental David (1501-1504), cuyo diseño es especialmente cercano a las soluciones del clasicismo. El trabajo fue aún más exitoso que los demás y por decisión de la comunidad se instaló en una plaza pública, frente al Palacio Municipal como símbolo de la República Florentina. La Pietà y David se han convertido en iconos del Renacimiento italiano, y se encuentran entre las obras más famosas de la historia de la escultura occidental. Mientras tanto, también estuvo involucrado en la elaboración de varias Madonnas para clientes privados, y debe haber sido influenciado por Leonardo da Vinci, que había regresado a Florencia después de veinte años de ausencia y había entusiasmado a todos. Después del trabajo de David comenzó a moverse hacia el manierismo, pero el florecimiento final del clasicismo del alto Renacimiento es el Moisés (1513-15), de gran majestuosidad, realizado como parte de una tumba ambiciosa para el Papa Julio II en la Basílica de San Pedro en Encadenado , never completed according to the original plan, two Slaves (1513-1516), also unfinished and part of the same project, and an elegant Christ Redeemer (1519-1520) entirely naked for the Church of Santa Maria on Minerva, who impressed his contemporaries to the point of Sebastiano del Piomboto say that only his knees were worth more than all of Rome.Años más tarde, su desnudez, considerada indecente, estaba cubierta, tal como está hasta el día de hoy.

Jacopo Sansovino
Jacopo Tatti, conocido como Jacopo Sansovino (Florencia, 1486 – Venecia, 1570) estudió desde 1502 con Andrea Sansovino, quien, para honrarlo, tomó el apellido. En 1505 acompañó al arquitecto Giuliano da Sangallo a Roma, donde estudió arquitectura y escultura romana, y fue empleado por el Papa Julio II como restaurador de estatuas antiguas. Al regresar a Florencia, esculpió un Santiago (1511-18) para la Catedral, y un Baco (c.1514). En 1518 estuvo nuevamente en Roma, trabajando en Nossa Senhora do Parto (c.1519) para la Iglesia de San Agustín, que revelaba la influencia del otro Sansovino, y en otro Santiago (1520) para la Iglesia de Santa. María en Monserrato de los españoles.

Después del Saqueo de Roma en 1527 se mudó a Venecia, presentando la estética clasicista del Alto Renacimiento, que más tiempo hizo en Roma. Su producción inicial en esta ciudad es elegante y elegante, y sus trabajos finales vuelven a un clasicismo sobrio y riguroso. Entre ellos se encuentran las estatuas de los Evangelistas y un San Juan Bautista (1540) para la Basílica de San Marcos y la Tumba del Dux Francisco Venier (1556-61) en la Iglesia del Redentor. También actuó como arquitecto en jefe y urbanista de la ciudad, y más tarde adquirió fama como uno de los mejores arquitectos del Manierismo.

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