Belleza invisible, Pabellón de Iraq en el Palazzo Dandolo Farsetti, Venice Biennale 2015

La Fundación Ruya para la Cultura Contemporánea en Iraq (Ruya) encargó el Pabellón Nacional de Iraq en la 56a Bienal de Venecia, mayo de 2015. La exposición, Invisible Beauty, está comisariada por Philippe Van Cauteren, Director Artístico de S.M.A.K. (Museo de Arte Contemporáneo) en Gante. Cuenta con cinco artistas contemporáneos de todo Irak y la diáspora. Los artistas trabajan en una variedad de medios y el Pabellón incluye nuevas obras que se han producido específicamente para la exposición, así como obras que se han redescubierto después de largos períodos de inatención. La exposición se acompaña de una exhibición de más de 500 dibujos realizados por refugiados en el norte de Irak. El artista de renombre mundial Ai Weiwei ha seleccionado varios de estos dibujos para una importante publicación que se lanzará en la Bienal.

La exposición incluirá una amplia gama de medios, con trabajos pasados ​​recién encargados y redescubiertos. Acompañando al espectáculo principal, también se exhibirá una colección de 500 dibujos realizados por refugiados en el norte de Irak. El artista chino Ai Weiwei ha seleccionado varios de estos dibujos para una publicación que se lanzará en la Bienal.

Irak evoca las brutalidades del Estado Islámico (también conocido como ISIS o ISIL) en dibujos, acuarelas y fotografías. Uno de los principales focos del pabellón iraquí este año es un conjunto de dibujos de refugiados iraquíes adultos que huyeron del ataque del Estado Islámico. Estas representaciones, un militante encapuchado que disparó a una madre y un niño, un hombre vendado cuyo corazón sangrante tiene la forma de Irak, se produjeron cuando la Fundación Ruya llevó papel, lápices y crayones a los refugiados en tres campamentos en el norte de Irak.

De los cinco artistas exhibidos, dos han creado obras directamente relacionadas con el Estado Islámico. Haider Jabbar, un joven exiliado en Turquía, muestra acuarelas expresionistas que representan una serie de cabezas cortadas y sangrantes, cada una con un número de caso (en lugar de un nombre) en el título. Las fotografías en blanco y negro elegantemente puestas en escena de Akam Shex Hadi muestran figuras aisladas de comunidades bajo el ataque del Estado Islámico de pie con tela negra, que representa la bandera de los atacantes, enrolladas alrededor de sus pies. “ISIS viene solo a matar”, dijo Hadi, un kurdo iraquí, junto a sus fotografías, y agregó que la bandera era “como una serpiente” girando alrededor de sus víctimas.

Belleza invisible
El título de la exposición se refiere tanto a temas inusuales o inesperados encontrados en las obras de los artistas, como a su invisibilidad en el escenario internacional. Entre la variedad de temas explorados están la supervivencia, el mantenimiento de registros, la terapia y la belleza.

‘Invisible Beauty’ tiene como objetivo hacer visibles a los artistas que trabajan actualmente dentro y fuera de Iraq. Se trata de la identidad y la política, con la memoria y la pérdida, con el coraje como una forma de belleza.

Las infinitas posibilidades de interpretación del título hacen referencia a las muchas formas en que se puede abordar el arte, generado en un país sometido a la guerra, el genocidio, las violaciones de los derechos humanos y el surgimiento de Isis. Este es un momento importante, como lo destaca el comunicado de prensa, para resaltar las voces de aquellos que continúan creando arte en Irak, donde Isis ha estado llevando a cabo una demolición sistemática del patrimonio cultural del país en Hatra, Nimrud, Nínive y el Museo Mosul.

La belleza invisible es como una membrana frágil que registra las oscilaciones de una práctica artística impregnada por la condición actual del país y el estado de las artes.

Los artistas, las artistas

Los artistas en el pabellón representan una ruptura, tanto en términos de medios como de preocupaciones sociales más amplias, de las limitaciones de una educación clásica que informa la tradición estética ortodoxa de la mayoría del trabajo de los artistas iraquíes.

Latif Al Ani
Latif Al Ani (n. 1932) es considerado el padre fundador de la fotografía iraquí y su extensa carrera documental se extiende desde fines de la década de 1950 hasta finales de la década de 1970, cuando se hizo imposible fotografiar en público debido a la atmósfera cada vez más autoritaria del régimen de Saddam y La guerra Irán-Iraq. Una dualidad de pensamiento hace que tanto las tendencias de modernización como la retención de tradiciones antiguas sean temas del trabajo de Al Ani, y la exposición del Pabellón se centra en obras del primer período de su carrera.

Las fotografías de sitios arqueológicos de Latif Al Ani de finales de los años cincuenta y sesenta cobran importancia en el contexto de los acontecimientos dramáticos actuales. En aquellos días, la intención del artista era documentar una sociedad en el punto de inflexión hacia la era moderna. Hoy estas fotografías funcionan como agentes críticos contra la tragedia de la decadencia y la pérdida de dignidad y sofisticación. El trabajo de Al Ani es testigo en blanco y negro de una sociedad utópica, una sociedad que ahora es arrastrada por las irracionalidades de la guerra y la religión.

Mezquita Mirjan (1960)
Estación de trenes, Bagdad (1961)
Berlín (1965)
Tienda de la calle Nahr (1960)
Karkh, Bagdad (1961)
Calle Rashid, Haydarkhana (1961)
Musayb, puente flotante (1959)
Al Aqida, High School, Bagdad (1961)
Cabeza robada que no fue recuperada, Hatra (c. 1960)

Akam Shex Hadi
Akam Shex Hadi (n. 1985) representa una generación posterior de fotografía iraquí y sus obras simbólicas en escena lo han visto participar en festivales de fotografía en Asia y Medio Oriente. Su trabajo, junto con el de Haider Jabbar, tiene que ver con el surgimiento de Isis y la crisis de los refugiados. Ha creado una nueva obra para el Pabellón que consta de 28 fotografías. Un motivo recurrente en la serie es un hilo de desenrollado, que se asemeja a una serpiente pero se revela como la bandera de Isis, un recordatorio continuo de sus cualidades atrapantes. Shex Hadi también presenta una serie de fotografías aéreas que representan lo que parece ser un gran reloj de piso, excepto que los dígitos no están en sus posiciones esperadas. Una figura postrada que representa una manecilla del reloj hace de las obras una rumia sobre la capitulación humana al tiempo, una especie de recuerdo mori.

Akam Shex Hady en el que fotografió a las personas que huían del ISIS de una manera sutil y delicada. La pieza de tela negra se cuela en la imagen como un lazo amenazante alrededor de las personas capturadas en la desnudez de su tragedia.

Rabab Ghazoul
Rabab Ghazoul (n. 1970) también responde a su particular relación geográfica con Iraq en su trabajo. Con sede en Gales, Ghazoul ha producido un nuevo trabajo de video para el Pabellón que toma la Investigación Chilcot como punto de partida. El trabajo de Ghazoul investiga nuestra relación con las estructuras políticas y sociales y parte de este nuevo trabajo es un inventario de testimonios oficiales sobre la Guerra de Irak, recientemente hablado por ciudadanos británicos anónimos. Este aspecto de la obra destaca tres de los temas clave de la exposición: el arte como un acto de catalogación, la correlación entre el momento en que se realiza una obra y sus cualidades formales e ideas sobre lo que constituye la comunidad. Ghazoul, que es la única artista femenina en exhibición, ha realizado varias exposiciones individuales en Cardiff y ha participado en numerosas exposiciones colectivas en todo Gales y el resto de Europa.

Al darle voz al pueblo, Rabab Ghazoul reflexiona sobre la noción del público y sus representantes. Mediante el simple gesto de grabar las voces de ciudadanos anónimos de Inglaterra mientras repiten un discurso del ex primer ministro británico Tony Blair, el artista deconstruye nociones de verdad, culpa y responsabilidad.

Haider Jabbar
El pintor Haider Jabbar (b. 1986) muestra una serie de retratos en acuarela que reflejan la crisis de Isis y las numerosas víctimas que ha reclamado. Estas obras son impactantes, a menudo brutales, interpretaciones del destino de los jóvenes que han muerto en el conflicto. Los hombres se identifican solo por números de casos y Jabbar, quien se considera parte de una generación de hombres jóvenes que han tenido sus vidas arruinadas innecesariamente por décadas de conflicto en Irak, tiene la intención de realizar 2,000 de estos trabajos. Jabbar es un refugiado, ahora vive y trabaja en Turquía con el apoyo de la Fundación Ruya.

Las caras de Haider Jabbar se vuelven mudas después del brutal acto de decapitación. El artista reflexiona sobre el cuerpo en pedazos haciendo un archivo de cabezas decapitadas, víctimas de la violencia. Su lenguaje artístico revela una fascinación por el trabajo de algunos de sus pares artísticos más antiguos, pero la diferencia se puede encontrar en la forma en que “traduce” lo que vivió en una imagen con un atractivo universal. Cada ductus abarca fragmentos trágicos de la realidad.

Salam Atta Sabri
Salam Atta Sabri (nacido en 1953) ha trabajado extensamente en la administración de artes en Irak y en el extranjero, pero a pesar de su formación como ceramista y dibujo, nunca ha mostrado sus dibujos en público. Produjo unos 300 dibujos entre 2012 y 2015 que nunca ha exhibido, de los cuales más de 100 se exhiben en el Pabellón. Estas obras intensamente personales exhiben la experiencia de un artista que se esfuerza por crear bajo la sombra de una infraestructura artística en ruinas. Atta Sabri regresó a Bagdad en 2005 después de haber vivido en los Estados Unidos y Jordania durante 16 años, y sus dibujos pueden entenderse como un diario en el que el artista aborda la tragedia existencial que experimenta al regresar a su ciudad natal.

El diario de dibujos de Salam Atta Sabri. Las cartas de Bagdad pueden entenderse como anotaciones introspectivas en las que las trágicas circunstancias de un país chocan con el drama personal de un artista que siente el imperativo de hacer arte en un contexto marcado por condiciones que no sean artísticas.

Rastros de supervivencia en Iraq
Una exhibición de más de 500 dibujos realizados por refugiados en el norte de Irak, recopilados por Ruya en Camp Shariya, Camp Baharka y Mar Elia Camp, acompañará la exposición. El artista chino Ai Weiwei ha seleccionado varias de estas obras para incluir en una publicación, TRAZAS DE SUPERVIVENCIA: Dibujos de refugiados en Iraq seleccionados por Ai Weiwei, que se lanzará en la Bienal. Las ganancias del libro se darán a quienes proporcionaron el contenido.

La exposición se acompaña de una muestra de dibujos realizados por refugiados en el norte de Iraq. En diciembre de 2014, Ruya lanzó una campaña para proporcionar materiales de dibujo a hombres y mujeres adultos en campos de refugiados. Ruya visitó Camp Shariya, Camp Baharka y Mar Elia Camp y durante cinco días la Fundación recolectó 546 presentaciones, incluidos dibujos, poesía y prosa. Una selección de estos dibujos están en exhibición. Las presentaciones presentan respuestas increíblemente poderosas a la vida dentro de los campos de refugiados. Una representación de tanques y aviones que se dispararon entre sí fue dibujada por un hombre de cuarenta años que llevaba la leyenda: “Nuestra gente solo ha vivido entre guerras y destrucción”, mientras que otra imagen muestra una figura aislada en un campo de refugiados inundado que peticiones, ‘Sálvanos del ahogamiento. Soy iraquí “. Por el contrario, otros dibujos muestran la vida antes de la crisis de refugiados, incluida una brillante representación de Mosul antes de que Isis tomara el control y una representación de un festival tradicional de Yazidi. Varias de estas imágenes han sido seleccionadas por Ai Weiwei para un libro importante publicado para coincidir con la Bienal. Las ganancias del libro volverán a aquellos que proporcionaron el contenido.

Este trabajo fue dibujado por un hombre de 41 años, que representa su ciudad de Mosul de la que huyó cuando Isis se hizo cargo. El subtítulo se traduce como: ‘Amado Mosul. Volveremos si Dios quiere “. Una niña de 18 años de la escuela representa a su mejor amiga a quien vio muerta y ensangrentada después de haber sido violada en el Monte Sinjar. En el momento en que se hizo este dibujo, su amiga aún no estaba enterrada. Este es un dibujo del campamento en el que ahora vive el hombre. Representa el campamento inundado, incluido él mismo y otros gritando: ‘Sálvanos del ahogamiento. Soy iraquí.

Un árbol de granada en el jardín de un anciano yezidí obligado a huir de su casa cuando Isis atacó el Monte Sinjar. Recuerda con gran detalle el día en que Isis atacó. Este árbol representa el hogar para él.

La belleza invisible de las obras en esta exposición se extiende al coraje de los artistas con respecto al compromiso. Invisible Beauty da voz a diferentes generaciones de artistas, todos los cuales son prisioneros de la decadencia de un país. Al mismo tiempo, cada uno de ellos cree que, como artista, uno puede tomar una posición, uno puede asumir una responsabilidad que es diferente de la creencia ortodoxa en la belleza pura. Estos artistas están anclando sus prácticas artísticas en una compleja confusión de pérdida, identidad, memoria y belleza. Invisible Beauty es una exposición que susurra, que articula suavemente. Contra el trasfondo apocalíptico del pasado reciente de Iraq, los artistas aún encuentran el coraje de participar en trabajos donde el artista individual es independiente de cualquier forma de academismo y depende de una reflexión densa sobre cómo el arte se relaciona con la sociedad.

Palazzo Dandolo Farsetti
Ca ‘Farsetti (o Palazzo Dandolo Farsetti) es un palacio veneciano, ubicado en el distrito de San Marco y con vistas al Gran Canal, no lejos del puente de Rialto. Es el asiento, junto con el adyacente Ca ‘Loredan, del municipio de la ciudad de la laguna.

El palacio fue construido en el siglo XIII por voluntad de los descendientes del dux Enrico Dandolo, de solo dos pisos.
Federigo Contarini, quien compró el palacio en 1440, lo amplió en altura, llevándolo a su tamaño actual.

Alrededor de 1670 pasa a la familia que le da su nombre, los Farsetti, que durante el siglo XVIII establecieron una especie de centro cultural abierto a intelectuales, artistas, ciudadanos y turistas extranjeros. En el “museo” había una rica colección de obras de arte de varias épocas y orígenes, completadas por una biblioteca bien surtida.

El último miembro de la familia fue Anton Francesco quien, sobrecargado por deudas, cerró la galería en 1788 y comenzó a enajenar las obras guardadas. Inmediatamente bloqueado por los Inquisidores del Estado, pudo reanudar las ventas después de la caída de la Serenissima.

Fallecido en 1808, el palacio fue comprado en subasta por la viuda Andriana da Ponte como acreedor de la dote. Durante un tiempo, el hotel “Gran Bretagna” se instaló allí, pero en 1826 se vendió a la administración municipal de Venecia, que al año siguiente lo convirtió en una residencia municipal, un papel que todavía desempeña.

La fachada del Palazzo Farsetti tiene un edificio en tres niveles más un entrepiso: los dos primeros son los del núcleo original, con una logia de estilo veneciano-bizantino a nivel del canal; El segundo piso y el entrepiso son el resultado de obras renacentistas.

La planta baja tiene un pórtico cerrado centralmente por cinco arcos de medio punto, sostenido por cuatro columnas corintias, estructuralmente similar a la de Ca ‘Loredan adyacente, a la que Ca’ Farsetti está conectado, en el lado izquierdo, a través de un “paso elevado”. En el piso principal, la fachada se caracteriza por quince aberturas redondas con una larga balaustrada para marcar los dos niveles.

En el interior se encuentra la escalera del ala derecha, debido a las obras que los Farsetti realizaron en el siglo XVIII y la sala del piso principal con estucos del mismo siglo.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema “crítico” después del final del arte vanguardista y “no artístico”.

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, que se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.