El retrato interior (portrait d’intérieur) o, en alemán, Zimmerbild (imagen de la habitación), es un género pictórico que apareció en Europa a fines del siglo XVII y que gozó de gran popularidad en la segunda mitad del siglo XIX. Implica una representación cuidadosa y detallada de un espacio de vida sin personas. Estas pinturas generalmente se representaban como acuarelas y requerían un gran dominio técnico, aunque poca creatividad. A mediados del siglo XX, aunque todavía se estaban creando escenas de ese tipo, la fotografía había transformado este estilo de pintura en una forma de arcaísmo intencional.

El término Retrato del interior se refiere a un género de pintura que se ocupa de la representación de interiores, en su mayoría privados, y que se desarrolló casi exclusivamente en la época cultural del Biedermeier.

El retrato interior no debe confundirse con lo que se llama una «pieza de conversación» en Inglaterra; un término que designa una escena con un grupo de personas dedicadas a alguna actividad y que a menudo se colocan al aire libre. La verdadera pieza interior muestra solo la habitación y la decoración, aunque la colocación de artículos en la habitación puede sugerir actividad previa.

Hubo pinturas como dibujos, acuarelas y gouaches, así como en diferentes técnicas de mezcla. Eran relativamente pequeños, su tamaño promedio de paisaje era de aproximadamente 32.5 × 22.5 cm, ocurrieron mayores desviaciones hacia arriba o hacia abajo, pero fueron raros. Las ilustraciones seguían en la mayoría de los casos el principio del conjunto de cajas. El enfoque a menudo estaba ligeramente desviado del centro hacia la izquierda. Estas obras no fueron obra de aficionados, sino de artistas profesionales, en parte de «pintores de salas» especializados. Un claro ejemplo del aprecio que el género ha disfrutado durante un tiempo es una serie de nueve acuarelas que el famoso pintor arquitectónico Eduard Gaertner encargó a la familia real para crear interiores en el Palacio de la Ciudad de Berlín.

El estado de un interior particular se describió con gran precisión en un momento determinado: la apariencia y ubicación de los muebles, los colores y patrones de papel tapiz, cortinas y alfombras, el diseño de habitaciones con obras de arte, objetos cotidianos u ornamentos. Esta reproducción detallada de los interiores revela cuán intensamente los contemporáneos trataron los objetos de su entorno privado y al mismo tiempo deja en claro que también querían documentar esto. La gente rara vez se muestra en estas imágenes, y si es así, apenas con sus características individuales, pero a pequeña escala y en una actividad que correspondía al objetivo de cada habitación. Sobre todo, el individuo estaba indirectamente presente a través de la descripción exacta de su entorno privado.

Por lo general, las fotos de las habitaciones se encargaban como obsequios personales en ciertas ocasiones. La princesa prusiana Elisabeth les dio a sus padres una foto de su guardería berlinesa cuando ella se fue a Darmstadt casada joven. Y una acuarela del estudio del Gran Duque Ludwig II de Hesse-Darmstadt fue una copia después de su muerte y fue entregada póstumamente. Las hojas posiblemente se pasaron, al menos no emitidas públicamente y no vendidas. Se juntaron en álbumes, un empleo entonces popular entre las mujeres de la sociedad, y se miraron en un entorno hogareño. Además de su significado emocional, estas antologías también fueron imágenes de la comprensión del arte, el nivel educativo y el estatus social de sus dueños.

Retrato interior temprano
El interior estuvo presente durante mucho tiempo en las obras gráficas de los alemanes y principios de los Países Bajos en el siglo 16, en las pinturas de los holandeses en el siglo 17, utilizado como fondo en el frente y retratos íntimos. En el siglo XVII, la imagen holandesa de los interiores se convirtió en un género primitivo del arte nacional.

En los días de la Edad Media europea, se prestaba atención no solo a los interiores de las iglesias y catedrales románicas y góticas, sino también a las viviendas privadas. Los interiores monásticos y seculares (románicos y góticos) difieren en ascetismo y mobiliario mínimo. Pero incluso entonces hay una redistribución de locales por cita: cocinas, pasillos, comedores, dormitorios para los propietarios, habitaciones de invitados y sus dormitorios, viviendas para sirvientes, arsenales, guardianes. Un número limitado de interiores medievales o sus esquinas se refleja en las miniaturas contemporáneas, en dibujos del difunto Gentile, en las obras de la pintura holandesa temprana, esta última basada en la experiencia de la Edad Media nacional. La imagen de los interiores evolucionó lentamente a partir de la imagen esquemática

La obra maestra de la temprana pintura holandesa fue el retrato de la obra de los recién casados ​​Arnolfini, Jan van Eyck (1434, National Gallery (Londres)). El artista presentó un momento de juramento de boda en el interior de la casa burgher, donde se casó con un comerciante italiano, que se había establecido en los Países Bajos. Jan van Eyk se atrevió a ampliar los límites del retrato habitual también, sin ocultar la diferencia en edad y carácter de los recién casados, reproduciendo exactamente la ropa inusual ahora. Los recién casados ​​están en la habitación, iluminados por una luz suave y brillante desde la ventana. Siguiendo una tradición medieval, Jan van Eyk colocó en la sala una serie de cosas que tenían un significado tanto práctico como simbólico: una vela encendida, un toque de boda, una naranja en la ventana, un toque de placer, un perrito de la habitación alegoría de la lealtad, una hachuela o un arnés: una piedad de signo, etc. Pero la especificidad de la imagen de las cosas del hogar devuelve al espectador a la realidad y la relación de las cosas en la vida cotidiana, las aspiraciones de los gobernantes a la pureza, la comodidad, el bienestar y la comodidad, tan inherente y agradable en los hogares de los Países Bajos, y eso no es habitual para los ruidosos y nómadas italianos que pueden convertir incluso palacios en la plaza nómada. La incomodidad e incoherencia de los interiores italianos se quejó a los viajeros holandeses y alemanes.

Numerosas imágenes de interiores fueron creadas por maestros de gráficos alemanes. Entre ellos, como escenas religiosas («Anunciación», «Estiramiento»), así como la imagen de los padres fundadores («San Jerónimo en la celda»). La imagen de San Jerónimo en la celda fue prácticamente canonizada y lógicamente transformada de los maestros medievales a los maestros de la era de la regeneración y el manierismo, donde cada uno de ellos presentó su propia interpretación de la celda del teólogo.

Entre las historias seculares, llaman la atención las raras imágenes de personas durante el tiempo libre (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), grabado «La Danza en la rotonda») o un ciclo de grabados con imágenes de artesanos en sus propios talleres (Grabador Yost Amman, «Brewer», «» Tkach Kilimar «,» Printing House «,» Pharmacy «,» Peluquería «,» Studio stained glass «) Los interiores no están separados de las personas o las situaciones domésticas, y no serán separados durante mucho tiempo todavía. Pero los maestros reproducían libremente las peculiaridades de los muebles contemporáneos, artículos para el hogar, máquinas herramientas, instrumentos y ropa de la época. En el ciclo de grabados con artesanos, son precisamente estas artesanías las que se caracterizan por técnicas características, características específicas e incluso características de la tecnología.

Retrato interior del siglo XVII
Este tipo de escena aparece por primera vez a fines del siglo XVII. En ese momento, la intención era completamente descriptiva. Por lo general, se hicieron específicamente para mostrar los contenidos de una galería de arte, biblioteca personal o gabinete de curiosidades. Uno de los primeros ejemplos conocidos representa la biblioteca de Samuel Pepys en Londres, que data de 1693. Todavía son valorados por investigadores y decoradores. En el caso de Pepys, se puede ver, de primera mano, cómo un erudito de esa época organiza sus libros en una estantería (una innovación en ese momento), utiliza un atril, coloca cojines para su comodidad, cuelga mapas, etc.

El arte de los Países Bajos ha crecido lógicamente en el arte de todas las regiones que formaban parte del territorio de los Países Bajos Históricos en los siglos XV y XVI, cuando ellos, junto con Flandes, eran miembros de una única formación político-estatal. Desde el siglo XVII hubo una división estatal y artística, que resultó en la formación de dos escuelas artísticas nacionales, de origen único, pero de diferente carácter. Las diferencias confesionales también contribuyeron a la distinción artística. El sur de los Países Bajos y Flandes permanecieron en el seno del catolicismo, donde el arte religioso tuvo una nueva floración en el siglo XVII. en el estilo barroco Holanda se ha convertido predominantemente en un estado protestante con guías realistas en cultura y el uso limitado de la estilística barroca.

A principios del siglo XVII, Holanda experimentó varios años de autoafirmación y vivacidad. Porque la lucha por la independencia del poderoso imperio de España terminó con éxito. Hubo un largo trabajo sobre el reconocimiento del joven estado, que acaba de aparecer en el mapa político de Europa occidental. La autoafirmación y la alegría eran inherentes tanto al comportamiento de los habitantes como al arte nacional, que se vio privado activamente de las restricciones religiosas que iban desde la Italia católica. La dominación del protestantismo, que no reconoció la pintura religiosa del modelo católico y pasó la etapa de iconoclasia, condujo a una reducción significativa en las órdenes de pinturas religiosas. Y, por el contrario, conducirá a una expansión explosiva de temas seculares en los géneros. Fue en el arte de Holanda que el poder extraordinario y el desarrollo adquirieron un retrato, paisaje, género cotidiano, naturaleza muerta, interior como género, que ni siquiera era conocido por los famosos centros de arte contemporáneo en Italia o Francia.

Los artistas holandeses están encantados de pintar los interiores de sus propias viviendas y las extranjeras. Casi todas las composiciones del famoso Jan Wermer se presentan en interiores acogedores y burgueses. Inusuales maestros de interiores con figuras fueron Jan Stan, Peter de Hooh y Gerard Terborh. Desierta después de años de iconoclastia, los interiores ascéticos de las iglesias pintadas por Peter Sanremad, Antony de Lorme ,. Los sentimientos más cálidos son interiores sagrados en las pinturas de Emmanuel de Witte, iluminadas por el sol y no atestadas de detalles. Seis hogares campesinos de pobres tejedores, artistas, barrites, notarios, pequeños artesanos, herreros de fragua fueron registrados por Peter Codde, Cornelis Beag, Michiel van Mücher, Adrián van Gasbeck, Cornelis Belt. La parte de las composiciones fue con el rincón obligatorio del interior: es «Científico en su propia oficina». Rembrandt, Solomon Konink, Bartolomeus Maton, Constantine Nettsher, Dominique van Tol crearon sus propias variantes con un personaje adulto o gris, ya sea como teólogo, o como astrólogo (con libros, un globo terráqueo). Los interiores en las pinturas de los maestros holandeses acompañan a una persona desde el nacimiento hasta la muerte o a una «lección de anatomía» (visitada por todos los que les gusta), un género especial del arte holandés del siglo XVII.

El arte holandés del siglo XVII se convirtió en un fenómeno peculiar en la situación artística de Europa en el siglo XVII. Por artistas fundados por los Países Bajos, irán artistas de otras escuelas artísticas europeas de Europa.

No fue hasta el último cuarto del siglo XVIII cuando apareció un nuevo tipo de retrato interior con un intento diferente. Este tipo surgió primero en empresas de arquitectura y se hizo para el beneficio de sus clientes. Grandes arquitectos como James Adam y su hermano Robert Adam de Escocia y François-Joseph Bélanger ejecutarían acuarelas de sus proyectos anteriores para atraer a los posibles clientes. Esto creó una moda entre los ricos y la nobleza para encargar pinturas de sus propias habitaciones, para exhibir y preservar para la posteridad. Estas pinturas a menudo se compilaban en álbumes. Esta locura fue particularmente frecuente en Inglaterra. A partir de ahí, se extendió ampliamente por toda Europa.

Una característica del Biedermeier fue el desarrollo a la simplicidad y la modestia, no como una actitud ética, sino como una cuestión de estilo. En lugar de desbordar las formas y la abundante aplicación de oro, los objetos simples, formalmente reducidos y los materiales simples pero magistralmente elaborados se consideraron como prueba de la calidad estética. Este tipo particular de modestia modesta fue costoso. La nobleza y, cada vez más, la burguesía adinerada podían permitírselo, y tenían los logros registrados en imágenes.

Periodización en el siglo XVIII
Por algún tiempo el arte del siglo XVIII. en Francia, se dividieron en dos períodos principales: rococó y clasicismo (o neoclasicismo de finales del siglo XVIII) o reyes que eran improductivos. Este enfoque simplista, que prevaleció en el arte de Francia, es bastante esquemático y no se basa en patrones históricos y su impronta en la realidad. El enfoque simplista ignoró los cambios reales, con énfasis en otros eventos, empujó el calor de la lucha antifeudal y la importancia de un período como el clasicismo revolucionario, un fenómeno único del arte europeo occidental.

La imagen real de la lucha de cambios de ideas y estilos fue mucho más complicada, desagradable, de múltiples etapas.

Las primeras décadas del siglo XVIII. – Es el clasicismo académico, muy peculiar y más parecido al clasicismo «barroco».
Las direcciones estilísticas fueron precedidas por un período de precoco, cuyos brotes débiles rompieron el trabajo de varios maestros diferentes, no necesariamente franceses (el holandés Nicholas Berchem, el italiano Rosalba Career de Venecia)
Rococó (que reinó entre el clasicismo académico del siglo XVII y el neoclasicismo de finales de siglo).
La Ilustración se desarrolló paralela y sincrónicamente con el rococó y prácticamente preparó la revolución antifeudal del bienio 1789-1793.
El clasicismo de finales del siglo XVIII. en convivencia con el sentimentalismo, el clasicismo revolucionario a corto plazo e impuesto sobre el arte de Francia (Napoleón y sus mariscales partidarios) del Imperio.
El Clasicismo (y el Imperio) duró hasta las décadas de 1830 y 1850 y coexistió con el romanticismo.
Casi en todos los períodos, la pintura histórica, declarada un género presidencial, perdió sus posiciones principales, cediendo al género del retrato. Para prácticamente todos los artistas conocidos del siglo, los seguidores del Rococó de Francia e Italia, eran retratistas, y el retrato estaba en el centro de la lucha de las ideas, prácticamente encaminadas a la búsqueda artística. .

Interior en pintura rococó
El comienzo del siglo XVIII en París estuvo marcado por el nacimiento del estilo rococó. Para la formación de un nuevo estilo en la pintura participaron artistas como el francés Antoine Watteau y el italiano de Venecia Rosalba Career, apoyados activamente por el rico y mecenas Pedro Croz. Germain Bofran se convirtió en la primera figura significativa entre los diseñadores de interiores que iniciaron Rococo en la decoración del palacio de numerosos hoteles (propiedades urbanas privadas de aristócratas franceses). El Salón Oval del Hotel Subiz se ha convertido en un modelo de un nuevo estilo, con su rechazo de la tectónica clásica y las pilastras columnares, con ventanas en arco, decoración vegetal, que se pegó en las inserciones de la imagen y se trasladó al techo. Los edificios ordinarios son reemplazados por paneles de madera, las pinturas y los espejos se tejen en extraños adornos sinuosos, ligeros y caprichosos. Una característica importante de los interiores son los muebles ligeros y cómodos, que suplantaron los muebles barrocos exuberantes y pesados.

El arte, como tal, sigue siendo aristocrático y sirve a las necesidades de los estados privilegiados de la sociedad. El arte del rococó (con su frivolidad, el culto al placer, el flirteo) existe como para complacer a la aristocracia y entretenerlo fácilmente en el ocio. Habría seguido siendo una de las páginas de moda, si no fuera por abordar la estilística del rococó por parte de varios artistas extremadamente dotados, incluido Germain Boffran. Por primera vez desde la época gótica, los interiores rechazaron el pedido, reemplazándolo con una decoración vegetativa u ondulada. Los cambios en la moda, las reparaciones y el redesarrollo de locales en otros estilos no contribuyeron a la preservación de los interiores del rococó. La noción de su valor artístico significativo vendrá después. Fue entonces, en el siglo XIX, cuando se grabaron en una serie de acuarelas (pintadas por Hau Edward Petrovich, interiores del Gran Palacio de Gatchina), en imágenes y fotos del siglo XX. El considerable valor artístico de las rarezas rococó en las rocas del Reino Unido hace que los historiadores se muevan a la decoración única del Norfolk Nouus Palace en el Victoria and Albert Museum (Norfolk Nawas Music Hall), donde se convertirá en una importante exhibición del pasado.

Apogeo en el siglo XIX
El primer ejemplo históricamente importante del retrato interior representa una pequeña galería de arte creada por la emperatriz Josephine en Malmaison en 1812. En esta acuarela de Auguste-Siméon Garneray, podemos ver su arpa, su colección de arte y su chal, dejados en un sillón . Así aparece un nuevo elemento: los elementos psicológicos de la decoración y una presencia humana palpable. Uno puede sentir las emociones y pensamientos del dueño. En este sentido, las pinturas se han convertido verdaderamente en «retratos».

El siglo XIX experimentará una moda de estas representaciones pictóricas, que se explica por muchos factores. En las clases sociales altas, el fenómeno coincide con la creciente importancia dada al hogar como un lugar de confort, intimidad, familia. Las funciones de moneda se vuelven cada vez más especializadas: por ejemplo, el concepto de comedor ahora es estándar6. Por otro lado, el desarrollo de nuevas clases medias, ansiosas de copiar el gusto aristocrático, aumenta el movimiento: a medida que avanza el siglo, el mobiliario se vuelve más asequible, gracias a las tecnologías industriales que lo fabrican en serie, en una amplia variedad de elección. Finalmente, los modos decorativos se renuevan rápidamente, los estilos anteriores son revisitados: neo-gótico, neoclásico, neo-Luis XV, etc. Por lo tanto, es común que los propietarios pidan vistas de su interior para recordarlos, ofrecerlos o legarlos. .

La inmensa popularidad de estas pinturas en el siglo XIX puede explicarse por muchos factores. Entre los nuevos ricos y la burguesía, se le dio gran importancia al hogar como lugar de confort, intimidad y familia. Este período también vio una especialización (por ejemplo, comedores separados) que alguna vez solo fueron conocidos por los muy ricos. Estas nuevas «clases medias» también estaban ansiosas por copiar los gustos aristocráticos y la industrialización hizo que una variedad mucho más amplia de muebles fuera fácilmente asequible. Finalmente, los estilos decorativos fueron cambiados y resucitados constantemente, por lo que los retratos interiores eran una forma de preservar los recuerdos y legarlos a la siguiente generación.

La reina Victoria era muy aficionada a estos retratos, ya que le permitieron dar al público una mirada de su amorosa vida familiar y las comodidades del hogar de una manera agradable. La locura se extendió por todas las Familias Reales de Europa. Debido a la cantidad de palacios lujosamente decorados que poseían (Palacio de Invierno, Tsarskoye Selo, Palacio de Gatchina, Palacio de Peterhof, Palacio de Pavlovsk …), los zares se encontraban entre los comisarios más entusiastas de retratos de interiores. Prácticamente todas sus habitaciones (excepto las más privadas) se representaron al menos una vez; algunas varias veces. Estas acuarelas se consideran entre las mejores de su género.

En las siguientes secciones históricas, las imágenes conservaron su valor de memoria privada por un tiempo, pero perdieron su significado a través del cambio en las visiones estéticas y los hábitos individuales. El deseo de documentar sus propias cuatro paredes de esta manera especial ya no era tan frecuente como antes. Cualquiera que todavía desee usar el medio de fotografía «moderno». Sin embargo, a una distancia mayor de su creación, las pinturas de la sala Biedermeier se convirtieron nuevamente en importantes fuentes de información especial sobre la historia cultural.

El resurgimiento en el siglo XX
En el siglo XX y en la actualidad, algunos artistas perpetúan esta tradición. Los artistas perpetúan hoy el arte del retrato interior, trabajando en el orden, en acuarela o en óleo. Los propietarios piden vistas de sus hogares para recordarlos, ofrecerlos o legarlos a sus hijos, como un testimonio de la felicidad de vivir o de haber vivido en un lugar amado. Los decoradores también usan este arte para proyectos en los que quieren dar una atmósfera especial.

Artistas especializados
En un momento en que cada mujer joven y culta aprendía a pintar acuarelas, muchos pintaban sus propias habitaciones o las que les daban sus lecciones. La mayoría de los ejemplos que se conservan son anónimos y raramente de alta calidad, pero a menudo tienen un encanto que compensa lo que les falta en conocimientos técnicos.

Sin embargo, algunos miembros de la aristocracia tenían verdadero talento, rayando en el profesional. El conde polaco Artur Potocki, por ejemplo, viajó mucho, pintando acuarelas de las habitaciones de hotel y otros lugares donde se hospedó, desde Roma a Londres.

Sin embargo, prácticamente todas las obras de la más alta calidad fueron producidas por profesionales con virtuosismo excepcional en acuarelas y un dominio de la perspectiva … especialmente cónica, con dos o tres puntos de fuga, lo que produce un efecto fotográfico inquietante para los ojos modernos.

Con solo algunas excepciones, como Jean-Baptiste Isabey y Eugène Lami de Francia, el arquitecto John Nash y el fabricante de muebles Thomas Sheraton (ambos de Inglaterra), pocos artistas que trataron exclusivamente estos retratos todavía están familiarizados. Entre algunos artistas notables que los produjeron, no mencionados anteriormente:

En Inglaterra: William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
En Francia: Charles Percier, Adrien Dauzats.
En Alemania: Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
En Rusia: Eduard Hau, Vasily Sadovnikov, Konstantin Ukhtomsky, Grigory Chernetsov, Nikanor Chernetsov (su hermano), Alexander Brullov, Karl Brullov (su hermano), Pyotr Sokolov, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov.
En Polonia, Aleksander Gryglewski.