Influencia del Art Nouveau

Art Nouveau es un estilo internacional de arte, arquitectura y arte aplicado, especialmente las artes decorativas, que fue muy popular entre 1890 y 1910. Una reacción al arte académico del siglo 19, se inspiró en las formas y estructuras naturales, en particular el líneas curvas de plantas y flores.

Inglés usa el nombre francés Art Nouveau (arte nuevo). El estilo está relacionado con estilos que surgieron en muchos países de Europa al mismo tiempo, pero no idénticos: en Austria se lo conoce como Secessionsstil después de Wiener Secession; en español Modernismo; en el modernismo catalán; en la República Checa; en danés Skønvirke o Jugendstil; en alemán Jugendstil, Art Nouveau o Reformstil; en húngaro Szecesszió; en el Art Nouveau italiano, Stile Liberty o Stile floreale; en noruego Jugendstil; en polaco Secesja; en eslovaco Secesia; en ucraniano y ruso Модерн (Moderno); en sueco y finlandés Jugend.

Art Nouveau es un estilo de arte total: abarca una amplia gama de artes finas y decorativas, incluyendo arquitectura, pintura, arte gráfico, diseño de interiores, joyería, muebles, textiles, cerámica, arte en vidrio y trabajos en metal.

En 1910, el Art Nouveau ya estaba fuera de moda. Fue reemplazado como el estilo arquitectónico y decorativo europeo dominante primero por Art Deco y luego por Modernismo.

Art Nouveau en Francia
Después de la Exposición de 1900, la capital del Art Nouveau fue París. Las residencias más extravagantes del estilo fueron construidas por Jules Lavirotte, que cubrió por completo las fachadas con decoración escultórica de cerámica. El ejemplo más extravagante es Lavirotte Building, en 29 avenue Rapp (1901). Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban altos patios cubiertos con cúpulas de vidrios de colores y decoración de cerámica. El estilo fue particularmente popular en restaurantes y cafeterías, incluyendo Maxim’s en 3 rue Royale, y Le Train bleu en Gare de Lyon (1900).

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la otra capital francesa del nuevo estilo. En 1901, se fundó la Alianza provinciale des industries d’art, también conocida como la École de Nancy, dedicada a alterar la jerarquía que colocaba a la pintura y la escultura por encima de las artes decorativas. Los principales artistas que trabajaron allí fueron el jarrón de vidrio y creadores de lámparas Emile Gallé, los hermanos Daum en diseño de vidrio y el diseñador Louis Majorelle, que creó muebles con elegantes formas florales y vegetales. El arquitecto Henri Sauvage trajo el nuevo estilo arquitectónico a Nancy con su Villa Majorelle en 1898.

El estilo francés fue ampliamente difundido por nuevas revistas, entre ellas The Studio, Arts et Idées y Art et Décoration, cuyas fotografías y litografías en color dieron a conocer el estilo a los diseñadores y clientes adinerados de todo el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su cumbre en 1900, y luego pasó rápidamente de moda, virtualmente desapareciendo de Francia hacia 1905. El Art Nouveau era un estilo de lujo, que requería artesanos expertos y muy bien remunerados, y no podía ser fácil o barato. producido. Uno de los pocos productos de Art Nouveau que podía producirse en masa era la botella de perfume, y estos siguen fabricándose con el estilo actual. El Art Nouveau fue sucedido por Art Deco (Art déco).

Bélgica, los Países Bajos y Suiza
Bélgica fue un centro temprano del Art Nouveau, gracias en gran parte a la arquitectura de Victor Horta, que diseñó las primeras casas de estilo Art Nouveau, el Hôtel Tassel en 1893 y el Hôtel Solvay en 1894. Horta conoció y tuvo una gran influencia en el trabajo del joven Héctor Guimard. Otros diseñadores importantes incluyen al arquitecto Paul Hankar, que construyó una casa Art Nouveau en 1893; el arquitecto y diseñador de muebles Henry van de Velde, el decorador Gustave Serrurier-Bovy y el artista gráfico Fernand Khnopff. Los diseñadores belgas aprovecharon una abundante provisión de marfil importado del Congo Belga; esculturas mixtas, combinando piedra, metal y marfil, por artistas como Philippe Wolfers, fueron populares.

En los Países Bajos, el estilo era conocido como el Nieuwe Kunst, el Nuevo Arte. Los arquitectos incluyeron a Hendrik Petrus Berlage, que diseñó una variante más funcional y racional, mientras que Carel Adolph Lion Cachet, Theo Nieuwenhuis y Gerrit Willem Dijsselhof diseñaron un estilo más pintoresco y decorativo. El diseño de los muebles estuvo influenciado por la importación de maderas exóticas de las Indias Orientales Holandesas (Indonesia moderna), mientras que los textiles fueron influenciados por los diseños y técnicas del batik.

Destacados artistas suizos de la época incluyen al pintor y artista gráfico Théophile Steinlen, creador del famoso cartel del cabaret de París Le Chat noir, y el artista, escultor y decorador Eugène Grasset, que se mudó de Suiza a París donde diseñó gráficos, muebles, tapices, cerámica y carteles. En París, enseñó en la escuela de arte de Guérin (École normale d’enseignement du dessin), donde sus alumnos incluyeron a Augusto Giacometti y Paul Berthon.

Estilo moderno y Glasgow School en Gran Bretaña
Art Nouveau tenía sus raíces en Gran Bretaña, en el movimiento de artes y oficios de la década de 1880, que exigía una unión más estrecha entre las bellas artes y las artes decorativas, y una separación de los estilos históricos por diseños inspirados en la función y la naturaleza. Un ejemplo temprano notable El diseño de Arthur Mackmurdo para la portada de su ensayo sobre las iglesias de la ciudad de Sir Christopher Wren, publicado en 1883.

Otros innovadores importantes en Gran Bretaña fueron los diseñadores gráficos Aubrey Beardsley, cuyos dibujos presentaban las líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo. También se podía aducir hierro forjado de flujo libre de la década de 1880, o algunos diseños textiles florales planos, la mayoría de los cuales debían algún impulso a los patrones del diseño del siglo XIX. Otros artistas gráficos británicos que tuvieron un lugar importante en el estilo incluyeron a Walter Crane y Charles Ashbee.

Los grandes almacenes Liberty de Londres desempeñaron un papel importante, a través de sus coloridos diseños florales estilizados para textiles, y los diseños de plata, peltre y joyería de Manxman (de ascendencia escocesa) Archibald Knox. Sus diseños de joyas en materiales y formas se separó completamente de las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para arquitectura Art Nouveau y diseño de muebles, el centro más importante en Gran Bretaña fue Glasgow, con las creaciones de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow, cuyo trabajo fue inspirado en el Art Nouveau francés, el arte japonés, el simbolismo y el renacimiento gótico. A partir de 1895, Mackintosh mostró sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín; sus diseños influyeron particularmente en el Estilo de Secesión en Viena. Sus creaciones arquitectónicas incluyen el Glasgow Herald Building (1894) y la biblioteca de la Glasgow School of Art (1897). También estableció una gran reputación como diseñador de muebles y decorador, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh, una destacada pintora y diseñadora. Juntos crearon llamativos diseños que combinaban líneas rectas geométricas con una decoración floral suavemente curva, particularmente un famoso símbolo del estilo, la Rosa de Glasgow «.

Léon-Victor Solon, hizo una importante contribución a la cerámica Art Nouveau como director de arte en Mintons. Se especializó en placas y en jarrones revestidos de tubos comercializados como «objetos secesionistas» (generalmente descritos como el nombre del movimiento de arte de Viena). Aparte de la cerámica, diseñó textiles para la industria de la seda Leek y duda de un encuadernador (GTBagguley de Newcastle bajo Lyme), que patentó la unión de Sutherland en 1895.

El edificio Edward Everard en Bristol, construido durante 1900-01 para albergar las obras de impresión de Edward Everard, presenta una fachada Art Nouveau. Las figuras representadas son de Johannes Gutenberg y William Morris, ambos eminentes en el campo de la impresión. Una figura alada simboliza el «Espíritu de Luz», mientras que una figura que sostiene una lámpara y un espejo simboliza la luz y la verdad.

Jugendstil en Alemania
El Art Nouveau alemán es comúnmente conocido por su nombre alemán, Jugendstil. El nombre está tomado de la revista artística, Die Jugend, que se publicó en Munich y que propugnaba el nuevo movimiento artístico. Fue fundado en 1896 por Georg Hirth (Hirth permaneció como editor hasta su muerte en 1916, y la revista continuó publicándose hasta 1940). La revista fue instrumental en la promoción del estilo en Alemania. Como resultado, su nombre fue adoptado como el término en alemán más común para el estilo: Jugendstil («estilo juvenil»). Aunque, a principios del siglo XX, la palabra se aplicó solo a ejemplos bidimensionales de las artes gráficas, especialmente las formas de tipografía orgánica y diseño gráfico encontradas e influenciadas por revistas alemanas como Jugend, Pan y Simplicissimus, ahora es aplicado a manifestaciones más generales de artes visuales de Art Nouveau en Alemania, los Países Bajos, los Estados bálticos y los países nórdicos. Los dos centros principales para el arte Jugendstil en Alemania fueron Munich y Darmstadt (Mathildenhöhe).

Otras dos revistas, Simplicissimus, publicadas en Munich, y Pan, publicadas en Berlín, demostraron ser importantes defensores del Jugendstil. Las revistas fueron importantes para difundir la expresión visual de Jugendstil, especialmente las cualidades gráficas. El arte Jugendstil incluye una variedad de métodos diferentes, aplicados por varios artistas individuales y presenta el uso de líneas duras y curvas sinuosas. Los métodos van desde clásico hasta romántico. Una característica de Jugendstil es la tipografía utilizada, cuya combinación de letras e imágenes es inconfundible. La combinación se utilizó para portadas de novelas, anuncios y carteles de exposiciones. Los diseñadores a menudo usaban tipos de pantalla únicos que funcionaban armoniosamente con la imagen.

Uno de los artistas alemanes más famosos asociados con Die Jugend y Pan fue Otto Eckmann. Su animal favorito era el cisne, y tal fue su influencia en el movimiento alemán que el cisne llegó a servir como leitmotiv para el Jugendstil.

Uno de los diseñadores alemanes más prominentes en el estilo fue Richard Riemerschmid, que hizo muebles, cerámica y otros objetos decorativos en un estilo sobrio y geométrico que apuntaba hacia el Art Deco.

Secesión de Viena en Austria
Viena se convirtió en el centro de una variante distinta del Art Nouveau, que se conoció como la Secesión de Viena, un movimiento artístico fundado en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt, Koloman Moser, Josef Hoffmann, Joseph Maria Olbrich, Max Kurzweil y Otto Wagner. El pintor Klimt se convirtió en el presidente del grupo. Se opusieron a la orientación conservadora hacia el historicismo expresada por Vienna Künstlerhaus, el sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, Ver Sacrum, para promocionar sus obras en todos los medios. El estilo de la Secesión fue notablemente más femenino, menos pesado y menos nacionalista que el Jugendstil en la vecina Alemania. El arquitecto Joseph Olbrich diseñó el edificio abovedado de la Secesión con un nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate de las pinturas de Gustav Klimt y otros artistas de la Secesión. El estilo arquitectónico de la Secesión de Viena tuvo una influencia mucho más allá de la ciudad. Edificios en el estilo aparecieron en las otras ciudades principales del Imperio y más allá; uno de los ejemplos más famosos es el Palacio Stoclet construido por Josef Hoffmann en Bruselas en 1905-11. El interior está completamente decorado en estilo Secession, que incluye pinturas notables de Gustav Klimt.

Klimt se convirtió en el más conocido de los pintores de la Secesión, a menudo borrando la frontera entre la pintura de bellas artes y la pintura decorativa. Koloman Moser era un artista extremadamente versátil en el estilo; su trabajo incluye ilustraciones de revistas, arquitectura, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras, muebles y más. A menudo trabajó en colaboración con Hoffmann y Klimt; los tres juntos crearon los interiores, el mobiliario e incluso la ropa para llevar en el Palacio Stoclet de Bruselas. En 1903, él y Hoffmann fundaron la Wiener Werkstätte, una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos.

Secesión en Europa Central
En las capitales de Europa Central, entonces gobernadas por el Imperio Austrohúngaro en Viena, las formas nacionales de Art Nouveau aparecen rápidamente, y con frecuencia adquirieron elementos históricos o folclóricos. Los diseños de muebles de Ödön Faragó en Budapest (Hungría) combinaron la arquitectura popular tradicional, la arquitectura oriental y el Art Nouveau internacional en un estilo muy pintoresco. Pál Horti, otro diseñador húngaro, tenía un estilo mucho más sobrio y funcional, hecho de roble con delicadas tracerías de ébano y latón.

Praga, en la República Checa, tiene una notable colección de arquitectura Art Nouveau, que incluye el Hotel Central y la Sinagoga Jubilee, construida en 1908.

El estilo de combinar el Art Nouveau y los elementos arquitectónicos nacionales fue también típico para el arquitecto eslovaco Dušan Jurkovič, quien estuvo bajo la influencia del Art Nouveau húngaro. Sus obras más originales son la Casa de la Cultura en Skalica en Eslovaquia (1905), los edificios de spa en Luhačovice en la República Checa (1901-1903) y 35 cementerios de guerra cerca de Nowy Żmigród en Galicia (ahora Polonia), la mayoría de ellos fuertemente influenciados por locales Lemko (Rusyn) arte popular y carpintería (1915-1917). Otro ejemplo de la arquitectura de la Secesión en Eslovaquia es la Iglesia de Santa Isabel (La Pequeña Iglesia Azul) en Bratislava.

Stile Liberty en Italia
La italiana Stile Liberty tomó su nombre de la tienda por departamentos británica Liberty, cuyos coloridos textiles eran particularmente populares en Italia. Los diseñadores italianos notables incluyeron a Galileo Chini, cuya cerámica fue inspirada por patrones de mayólica y por Art Nouveau. Más tarde se lo conoció como pintor y diseñador escénico; diseñó los decorados para dos óperas de Puccini, Gianni Schicchi y Turandot.

El Teatro Massimo en Palermo, por el arquitecto Ernesto Basile, es un ejemplo de la variante italiana del estilo, el estilo arquitectónico, que combina el Art Nouveau y elementos clásicos.

La figura más importante del diseño de muebles del Art Nouveau italiano fue Carlo Bugatti, hijo de un arquitecto y escultor, y hermano del famoso diseñador de automóviles. Estudió en la Academia Milanesa de Brera, y más tarde en la Académie des Beaux-Arts de París. Su obra se distinguió por su exotismo y excentricidad, incluyendo platería, textiles, cerámica e instrumentos musicales, pero es mejor recordado por sus innovadores diseños de muebles, que se presentaron por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888. Sus muebles a menudo presentaban un diseño de ojo de cerradura, y tenían coberturas inusuales, incluyendo pergamino y seda, e incrustaciones de hueso y marfil. También a veces tenía formas orgánicas sorprendentes, copiadas después de caracoles y cobras.

El modernismo en España, Arte Nova en Portugal
En España, una variante muy original del estilo, el Modernismo catalán, apareció en Barcelona. Su creador más famoso fue Antoni Gaudí, que utilizó las formas florales y orgánicas del Art Nouveau de una manera muy novedosa en el Palau Güell (1886). Sus diseños de alrededor de 1903, la Casa Batlló (1904-1906) y la Casa Milà (1906-1908), están estrechamente relacionados con los elementos estilísticos del Art Nouveau. Sin embargo, las estructuras famosas como la Sagrada Família contrastan característicamente con las tendencias modernistas del Art Nouveau con el neo-gótico revivalist. Además de la presencia dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner también utilizó el Art Nouveau en Barcelona en edificios como el Castell dels Tres Dragons (1888), el Palau de la Música Catalana y la Casa Lleó Morera (1905). Otro importante modernista fue Josep Puig i Cadafalch, que diseñó la Casa Martí y su cafetería Quatre Gats, la fábrica textil Casimir Casaramona (ahora el museo de arte CaixaFòrum), Casa Macaya, Casa Amatller, el Palau del Baró de Quadras (que alberga Casa A? Sia para 10 años hasta 2013) y la Casa de les Punxes («Casa de los picos»). También conocido es Josep Maria Jujol, con casas en Sant Joan Despí (1913-1926), varias iglesias cerca de Tarragona (1918 y 1926) y la sinuosa Casa Planells (1924) en Barcelona. Algunos otros arquitectos importantes que trabajaron fuera de Barcelona fueron Lluís Muncunill i Parellada, con una magnífica fábrica textil en Terrassa (Vapor Aymerich, Amat i Jover, ahora el Museo de Ciencia y Tecnología de Cataluña – Museu de la Ciència i de la Tècnica de Catalunya) y una «casa de campo» / pequeña casa solariega llamada Masia Freixa en la misma ciudad; y Cèsar Martinell i Brunet, con sus espectaculares «catedrales del vino», viviendas de las bodegas cooperativas de la ciudad de todo el sur y centro de Cataluña. Un arquitecto valenciano que trabajó en Cataluña antes de emigrar a los Estados Unidos fue Rafael Guastavino. Atribuido a él es la fábrica de cemento Asland en Castellar de n’Hug, entre otros edificios.

El diseñador de muebles catalán Gaspar Homar (1870-1953), influenciado por Antoni Gaudí, a menudo combina marquetería y mosaicos con sus muebles. Ejemplos de Art Nouveau (Arte nova), basados ​​principalmente en el modelo francés, aparecieron en Portugal en Porto y Aveiro. Un ejemplo notable es la librería ‘Livraria Lello’ en Oporto, diseñada por Xavier Esteves (1906).

Jugendstil en los países nórdicos
El Art Nouveau era popular en los países nórdicos, donde solía conocerse como Jugendstil, y a menudo se combinaba con el estilo romántico nacional de cada país. En Noruega, el Art Nouveau se relacionó con un renacimiento inspirado en el arte popular y la artesanía vikinga. Diseñadores notables incluyen a Lars Kisarvik, que diseñó sillas con patrones vikingos y celtas tradicionales, y Gerhard Munthe, quien diseñó una silla con un emblema estilizado de cabeza de dragón de antiguos barcos vikingos, así como una amplia variedad de carteles, pinturas y gráficos. Otros ejemplos incluyen la Iglesia Skien (1887-1894) y la Iglesia Fagerborg en Kristiania (Oslo) (1900-1903).

En Finlandia, buenos ejemplos son la estación central de Helsinki, diseñada por Eliel Saarinen, padre del famoso arquitecto modernista estadounidense Eero Saarinen. Ejemplos del estilo incluyen el Teatro Nacional de Finlandia, la Iglesia de Kallio, el Museo Nacional de Finlandia y la Catedral de Tampere. En contraste con los muebles muy elaborados del Art Nouveau noruego, el Art Deco finlandés era extremadamente simple y funcional, como en las sillas diseñadas por Eliel Saarinen (1907-1908).

El mundo del arte en Rusia
Una variante rusa muy colorida de Art Nouveau apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898 con la publicación de un nuevo diario de arte, «Мир искусства» (transcripción: Mir Iskusstva) («El mundo del arte»), de los artistas rusos Alexandre Benois y Léon Bakst, y el editor en jefe Sergei Diaghilev. La revista organizó exposiciones de destacados artistas rusos, incluidos Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan y el ilustrador de libros Ivan Bilibin. El estilo World of Art hizo un uso menor de las formas vegetales y florales del Art Nouveau francés; se basó en gran medida en los colores brillantes y diseños exóticos del folclore ruso y los cuentos de hadas. La contribución más influyente del «Mundo del Arte» fue la creación por Diaghilev de una nueva compañía de ballet, los Ballets Russes, dirigidos por Diaghilev, con trajes y sets diseñados por Bakst y Benois. La nueva compañía de ballet se estrenó en París en 1909 y tocó allí todos los años hasta 1913. Los exóticos y coloridos sets diseñados por Benois y Bakst tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño franceses. Los diseños de vestuario y escenografía se reprodujeron en las principales revistas de París, L’Illustration, La Vie parisienne y Gazette du bon ton, y el estilo ruso se hizo conocido en París como à la Bakst. La compañía quedó varada en París primero por el estallido de la Primera Guerra Mundial, y luego por la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca se presentó en Rusia.

Moscú y San Petersburgo tienen varios edificios prominentes de estilo Art Nouveau construidos en los últimos años antes de la Revolución; notablemente el Hotel Metropol en Moscú, que presenta un mural de cerámica en la fachada, La Princesa de los Sueños, del pintoresco diseñador Mikhail Vrubel; y la estación de tren de Vitebsk en San Petersburgo (1904)

Tiffany Style en los Estados Unidos
En los Estados Unidos, la firma de Louis Comfort Tiffany desempeñó un papel central en el Art Nouveau estadounidense. Nacido en 1848, estudió en la Academia Nacional de Diseño en Nueva York, comenzó a trabajar con vidrio a la edad de 24 años, ingresó al negocio familiar iniciado por su padre y en 1885 estableció su propia empresa dedicada al vidrio fino, y desarrolló nuevos técnicas para su coloración. En 1893, comenzó a hacer vasijas y cuencos de vidrio, desarrollando nuevamente nuevas técnicas que permitían formas y colores más originales, y comenzó a experimentar con vidrios decorativos. Las capas de vidrio fueron impresas, veteadas y superpuestas, dando una excepcional riqueza y variedad de colores. En 1895 sus nuevas obras fueron presentadas en la galería Art Nouveau de Siegfried Bing, dándole una nueva clientela europea. Después de la muerte de su padre en 1902, se hizo cargo de toda la empresa Tiffany, pero aún dedicó gran parte de su tiempo al diseño y fabricación de objetos de arte en vidrio. A instancias de Thomas Edison, comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolores en estructuras de bronce y hierro, o decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series y ediciones, cada una hecha con el cuidado de una pieza de joyería. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany en particular se convirtió en uno de los iconos del Art Nouveau, pero los artesanos (y las artesanas) de Tiffany diseñaron y crearon extraordinarias ventanas, jarrones y otros objetos de vidrio. La copa de Tiffany también tuvo un gran éxito en la Exposición Universal de 1900 en París; su vidriera llamada El Vuelo de las Almas ganó una medalla de oro.

Otra figura importante en el Art Nouveau estadounidense fue el arquitecto Louis Sullivan, mejor conocido como el arquitecto de algunos de los primeros rascacielos con armazón de hierro de los Estados Unidos. En la Exposición Colombina Mundial de 1893 en Chicago, la más famosa por la arquitectura neoclásica de su famosa Ciudad Blanca, diseñó una entrada espectacular Art Nouveau para el Edificio de Transporte. La Exposición Colombina también fue un lugar importante para Tiffany; una capilla que diseñó se exhibió en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla Tiffany, junto con una de las ventanas de la casa de Tiffany en Nueva York, están ahora en exhibición en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida.