La pintura india tiene una larga tradición e historia en el arte indio. Las primeras pinturas indias fueron las pinturas rupestres de tiempos prehistóricos, los petroglifos encontrados en lugares como los refugios rocosos Bhimbetka, algunas de las pinturas rupestres de la Edad de Piedra halladas entre los refugios rocosos de Bhimbetka tienen aproximadamente 30,000 años de antigüedad. La literatura budista de la India está repleta de ejemplos de textos que describen palacios del ejército y la clase aristocrática embellecida con pinturas, pero las pinturas de las Cuevas de Ajanta son las más importantes de las pocas supervivencias. La pintura de escala menor en manuscritos probablemente también se practicó en este período, aunque las primeras supervivencias son del período medieval. La pintura de Mughal representaba una fusión de la miniatura persa con antiguas tradiciones indias, y desde el siglo XVII su estilo se difundió a través de las cortes principescas indias de todas las religiones, cada una desarrollando un estilo local. Las pinturas de la compañía se hicieron para clientes británicos bajo el raj británico, que desde el siglo XIX también introdujo escuelas de arte a lo largo de las líneas occidentales, lo que lleva a la pintura india moderna, que está volviendo cada vez más a sus raíces indias.

Las pinturas indias proporcionan un continuo estético que se extiende desde la civilización primitiva hasta nuestros días. De ser esencialmente religioso en su propósito al principio, la pintura india ha evolucionado a lo largo de los años para convertirse en una fusión de diversas culturas y tradiciones.

Shadanga de pintura india
Alrededor del siglo I a. C. se desarrollaron los Shadanga o Seis miembros de la pintura india, una serie de cánones que establecen los principios fundamentales del arte. Vatsyayana, que vivió durante el siglo III después de Cristo, enumera estos en su Kamasutra habiéndolos extraído de obras aún más antiguas.

Estos ‘Seis miembros’ se han traducido de la siguiente manera:

Rupabheda El conocimiento de las apariencias.
Pramanam Percepción, medida y estructura correctas.
Bhava Acción de los sentimientos en las formas.
Lavanya Yojanam Infusión de gracia, representación artística.
Sadrisyam Similitude.
Varnikabhanga Manera artística de usar el pincel y los colores. (Tagore)
El posterior desarrollo de la pintura por los budistas indica que estos ‘Seis miembros’ fueron puestos en práctica por artistas indios, y son los principios básicos en los que se fundó su arte.

Géneros de pintura india
Las pinturas indias se pueden clasificar en general como murales y miniaturas. Los murales son grandes obras ejecutadas en las paredes de estructuras sólidas, como en las Cuevas de Ajanta y el templo de Kailashnath. Las pinturas en miniatura se ejecutan en una escala muy pequeña para libros o álbumes en material perecedero, como papel y tela. Los Palas de Bengala fueron los pioneros de la pintura en miniatura en la India. El arte de la pintura en miniatura alcanzó su gloria durante el período mogol. La tradición de las pinturas en miniatura fue llevada adelante por los pintores de diferentes escuelas de pintura de Rajasthani como Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar y Mewar. Las pinturas de Ragamala también pertenecen a esta escuela, al igual que la pintura de la Compañía producida para clientes británicos bajo el Raj británico.

El arte indio antiguo ha visto el surgimiento de la Escuela de arte de Bengala en la década de 1930 seguida de muchas formas de experimentación en estilos europeos e indios. Después de la independencia de India, muchos nuevos géneros de arte desarrollados por importantes artistas como Jamini Roy, MF Husain, Francis Newton Souza y Vasudeo S. Gaitonde. Con el progreso de la economía, las formas y estilos de arte también sufrieron muchos cambios. En la década de 1990, la economía india se liberalizó e integró a la economía mundial, lo que condujo al libre flujo de información cultural dentro y fuera. Los artistas incluyen Subodh Gupta, Atul Dodiya, Devajyoti Ray, Bose Krishnamachari y Jitish Kahllat, cuyas obras fueron subastadas en los mercados internacionales. Bharti Dayal ha elegido manejar la pintura tradicional Mithila de la manera más contemporánea y creó su propio estilo a través de los ejercicios de su propia imaginación, que parecen frescos e inusuales.

Murales
La historia de los murales indios comienza en la época medieval antigua y temprana, desde el siglo II aC hasta el siglo VIII – dC. Se conocen más de 20 lugares en la India que contienen murales de este período, principalmente cuevas naturales y cámaras excavadas en la roca. Los mayores logros de esta época son las cuevas de Ajanta, Bagh, Sittanavasal, la cueva de Armamalai (Tamil Nadu), el refugio rocoso Ravan Chhaya, el templo Kailasanatha en las cuevas de Ellora.

Los murales de este período representan principalmente temas religiosos de las religiones budista, jainista e hindú. Aunque también hay lugares donde se hicieron pinturas para adornar premisas mundanas, como la antigua sala de teatro en la cueva de Jogimara y una posible cabaña de caza real alrededor del siglo VII dC – Refugio de roca Ravan Chhaya.

El patrón de la pintura de pared a gran escala que había dominado la escena, fue testigo del advenimiento de las pinturas en miniatura durante los siglos XI y XII. Este nuevo estilo figura primero en forma de ilustraciones grabadas en manuscritos de hoja de palma. El contenido de estos manuscritos incluye literatura sobre budismo y jainismo. En el este de la India, los principales centros de actividades artísticas e intelectuales de la religión budista fueron Nalanda, Odantapuri, Vikramshila y Somarpura, situados en el reino de Pala (Bengala y Bihar).

Pintura de la India Oriental
En la India oriental, la pintura en miniatura se desarrolló en el siglo X. Estas miniaturas, que representan divinidades budistas y escenas de la vida de Buda, fueron pintadas en las hojas (alrededor de 2,25 por 3 pulgadas) de los manuscritos de hojas de palmera, así como sus cubiertas de madera. Los manuscritos budistas ilustrados más comunes incluyen los textos Astasahasrika Prajnaparamita, Pancharaksa, Karandavyuha y Kalachakra Tantra. Las primeras miniaturas existentes se encuentran en un manuscrito del Astasahasrika Prajnaparamita fechado en el sexto año reinado de Mahipala (c.993), actualmente propiedad de The Asiatic Society, Kolkata. Este estilo desapareció de la India a fines del siglo XII.

Pintura en miniatura de la India occidental
Las pinturas en miniatura son hermosas pinturas hechas a mano, que son bastante coloridas, pero de pequeño tamaño. Lo más destacado de estas pinturas es la pincelada intrincada y delicada, que les otorga una identidad única. Los colores son hechos a mano, a partir de minerales, vegetales, piedras preciosas, índigo, caracolas, oro puro y plata. La evolución de las pinturas de miniaturas indias comenzó en el Himalaya occidental, alrededor del siglo XVII

Los temas de estas pinturas en miniatura están en relación con los temas de los manuscritos en su mayoría religiosos y literarios. Muchas pinturas son de literatura sánscrita y popular. Es sobre el tema de las historias de amor. Algunas pinturas de la secta Vaishnav de la religión Hindú y algunas son de la secta Jain. Las pinturas de la secta Vaishnav se refieren a varias ocasiones de la vida del Señor Krishna y Gopies. Las pinturas de Vaishnav de «Gita Govinda» se refieren al Señor Krishna. Las pinturas de la secta Jain conciernen a los Señores Jain y temas religiosos.

Estas pinturas fueron creadas en «Taadpatra» que significa la hoja de la palmera y el Papel. Durante ese período, los manuscritos anteriores se crearon a partir de la hoja de la palmera y más tarde del papel.

En estas pinturas, se ven muy pocos personajes humanos con la cara frontal. La mayoría de los personajes humanos se ven con perfil lateral. Ojos grandes, nariz puntiaguda y cintura delgada son las características de estas pinturas. Los colores de la piel del ser humano son marrones y bellos. El color de la piel del Señor Krishna es Azul. El color del cabello y los ojos es negro. Los personajes femeninos tienen el pelo largo. Los personajes humanos llevan joyas en la mano, la nariz, el cuello, el pelo, la cintura y los tobillos. Los hombres y las mujeres usan el vestido tradicional de la India, zapatillas y zapatos. Los hombres usan turbantes en la cabeza. En estas pinturas se han pintado árboles, ríos, flores, pájaros, la tierra, el cielo, casas, sillas tradicionales, cojines, cortinas, lámparas y personajes humanos.

La mayoría de los colores naturales se han utilizado en estas pinturas. Los colores negro, rojo, blanco, marrón, azul y amarillo se utilizan para decorar las pinturas.

Los reyes, los cortesanos de los reyes, los hombres de negocios adinerados y los líderes religiosos de la época fueron los promotores de estas pinturas en miniatura.

Los pintores de estas imágenes eran de la sociedad local. «Vaachhak» fue el famoso pintor de la época. Los pintores trataron de hacer que el tema del manuscrito estuviera vivo gracias a estas imágenes para que los lectores del manuscrito puedan disfrutar leyendo.

Escuelas de pintura de Malwa, Deccan y Jaunpur
Una nueva tendencia en la ilustración del manuscrito fue establecida por un manuscrito del Nimatnama pintado en Mandu, durante el reinado de Nasir Shah (1500-1510). Esto representa una síntesis del estilo persa indígena y patronizado, aunque fue el último el que dominó los manuscritos Mandu. Hubo otro estilo de pintura conocido como Lodi Khuladar que floreció en el dominio del Sultanato del norte de la India que se extiende desde Delhi hasta Jaunpur.

El estilo de pintura en miniatura, que floreció inicialmente en la corte de Bahmani y más tarde en las cortes de Ahmadnagar, Bijapur y Golkonda es popularmente conocido como la escuela de pintura Deccan. Una de las pinturas más antiguas que han sobrevivido se encuentra como las ilustraciones de un manuscrito Tarif-i-Hussain Shahi (c.1565), que ahora se encuentra en Bharata Itihasa Samshodhaka Mandala, Pune. Alrededor de 400 pinturas en miniatura se encuentran en el manuscrito de Nujum-ul-Ulum (Estrellas de la Ciencia) (1570), conservado en la Biblioteca Chester Beatty de Dublín.

Pintura de Mughal
La pintura de Mughal es un estilo particular de la pintura india, generalmente confinada a ilustraciones en el libro y hecha en miniaturas, y que emergió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol entre los siglos XVI y XVII.

Las pinturas de Mughal eran una mezcla única de estilos indios, persas e islámicos. Debido a que los reyes Mughal querían registros visuales de sus hazañas como cazadores y conquistadores, sus artistas los acompañaban en expediciones militares o misiones de estado, o registraban su destreza como matadores de animales, o los representaban en las grandes ceremonias dinásticas de los matrimonios.

El reinado de Akbar (1556-1605) marcó el comienzo de una nueva era en la pintura india en miniatura. Después de haber consolidado su poder político, construyó una nueva capital en Fatehpur Sikri, donde reunió artistas de la India y Persia. Fue el primer monarca que estableció en la India un atelier bajo la supervisión de dos artistas maestros persas, Mir Sayyed Ali y Abdus Samad. Anteriormente, ambos habían servido bajo el patrocinio de Humayun en Kabul y lo acompañaron a la India cuando recuperó su trono en 1555. Más de un centenar de pintores fueron empleados, la mayoría de los cuales eran hindúes de Gujarat, Gwalior y Cachemira, que dieron un nacimiento de una nueva escuela de pintura, popularmente conocida como la Escuela de Pinturas en Miniatura de Mughal.

Una de las primeras producciones de esa escuela de pintura en miniatura fue la serie Hamzanama, que según el historiador de la corte, Badayuni, se inició en 1567 y se completó en 1582. Se ilustraron los Hamzanama, las historias de Amir Hamza, un tío del Profeta. por Mir Sayyid Ali. Las pinturas del Hamzanama son de gran tamaño, 20 x 27 «y fueron pintadas en tela. Están en el estilo safavi persa, predominan los colores rojo, azul y verde brillantes, las rocas rosadas y erosionadas y la vegetación, los planos y la ciruela en flor y los melocotoneros recuerdan a Persia. Sin embargo, los tonos indios aparecen en trabajos posteriores, cuando se emplearon artistas indios.

Después de él, Jahangir alentó a los artistas a pintar retratos y escenas durbar. Sus pintores de retratos más talentosos fueron Ustad Mansur, Abul Hasan y Bishandas.

Shah Jahan (1627-1658) continuó con el mecenazgo de la pintura. Algunos de los artistas famosos de la época fueron Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Muhammad Nadir, Bichitr, Chitarman, Anupchhatar, Manohar y Honhar.

Aurangzeb no tenía gusto por las bellas artes. Debido a la falta de patrocinio, los artistas emigraron a Hyderabad en el Decán y a los estados hindúes de Rajastán en busca de nuevos patrocinadores.

Pintura de Rajput
La pintura de Rajput, un estilo de pintura india, evolucionó y floreció, durante el siglo XVIII, en las cortes reales de Rajputana, India. Cada reino de Rajput evolucionó con un estilo distinto, pero con ciertas características comunes. Las pinturas de Rajput representan una serie de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata, la vida de Krishna, hermosos paisajes y humanos. Las miniaturas eran el medio preferido de la pintura de Rajput, pero varios manuscritos también contienen pinturas de Rajput, y las pinturas incluso se hicieron en las paredes de palacios, cámaras interiores de los fuertes, havelies, en particular, los havelis de Shekhawati.

Los colores extraídos de ciertos minerales, fuentes vegetales, conchas de conchas, e incluso se derivaron mediante el procesamiento de piedras preciosas, oro y plata. La preparación de los colores deseados fue un proceso largo, que a veces llevaba semanas. Los pinceles usados ​​eran muy finos.

Pintura de Mysore
La pintura de Mysore es una forma importante de la pintura clásica del sur de la India que se originó en la ciudad de Mysore en Karnataka. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores apagados y atención al detalle. Los temas para la mayoría de estas pinturas son dioses hindúes y diosas y escenas de la mitología hindú. En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.

El proceso de hacer una pintura de Mysore involucra muchas etapas. La primera etapa implica la realización del boceto preliminar de la imagen en la base. La base consiste en papel de cartucho pegado en una base de madera. Una pasta hecha de óxido de zinc y goma arábiga se hace llamar «pasta de gesso». Con la ayuda de un pincel fino, todas las joyas y partes del trono o el arco que tienen algo de relieve se pintan para dar un efecto ligeramente elevado de tallado. Esto se deja secar. En esta fina lámina de oro se pega. El resto del dibujo se pinta con acuarelas. Solo se usan colores apagados.

Pintura Tanjore
La pintura de Tanjore es una forma importante de la pintura clásica del sur de la India, originaria de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. La forma de arte se remonta a principios del siglo noveno, un período dominado por los gobernantes de Chola, que animó el arte y la literatura. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores vivos y atención al detalle. Los temas para la mayoría de estas pinturas son dioses hindúes y diosas y escenas de la mitología hindú. En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.

El proceso de hacer una pintura de Tanjore implica muchas etapas. La primera etapa implica la realización del boceto preliminar de la imagen en la base. La base consiste en una tela pegada sobre una base de madera. A continuación, polvo de tiza u óxido de zinc se mezcla con adhesivo soluble en agua y aplicarlo en la base. Para suavizar la base, a veces se usa un abrasivo suave. Después de que se hace el dibujo, la decoración de las joyas y las prendas en la imagen se hace con piedras semipreciosas. Cordones o hilos también se utilizan para decorar la joyería. Además de esto, las hojas de oro se pegan. Finalmente, los tintes se usan para agregar colores a las figuras en las pinturas.

Pintura Kangra
Este estilo se originó en el Estado Guler, en la primera mitad del siglo XVIII y alcanzó su apogeo durante el reinado de Maharaja Sansar Chand Katoch.

Pintura Madhubani
La pintura de Madhubani es un estilo de pintura, practicado en la región de Mithila del estado de Bihar. Los temas giran en torno a dioses hindúes y mitología, junto con escenas de la corte real y eventos sociales como bodas. En general, no se deja espacio vacío; las lagunas están llenas de pinturas de flores, animales, pájaros e incluso diseños geométricos. En estas pinturas, los artistas usan hojas, hierbas y flores para hacer el color que se utiliza para dibujar las pinturas.

Pattachitra
Pattachitra se refiere a la pintura clásica de Bengala Occidental y Odisha, en la región oriental de la India. «Patta» en sánscrito significa «Vastra» o «ropas» y «chitra» significa pinturas.

La Patachitra de Bengala se refiere a la pintura de Bengala Occidental. Es una herencia tradicional y mitológica de Bengala Occidental. La Patachitra de Bengala se divide en algunos aspectos diferentes, como Durga Pat, Chalchitra, Patachitra tribal, Medinipur Patachitra, Kalighat Patachitra y etc. El tema de Bengala Patachitra es en su mayoría mitológico, historias religiosas, folklore y social. El Kalighat Patachitra, la última tradición de Bengala Patachitra es desarrollado por Jamini Roy. El artista de la Patachitra de Bengala se llama Patua.

La tradición de Orisha Pattachitra está estrechamente vinculada con la adoración del Señor Jagannath. Además de la evidencia fragmentaria de pinturas en las cuevas de los murales de Khandagiri y Udayagiri y Sitabhinji del siglo VI dC, las primeras pinturas indígenas de Odisha son las Pattachitra hechas por los Chitrakars (los pintores se llaman Chitrakars). El tema de los centros de pintura de Oriya es alrededor de la secta Vaishnava. Desde el comienzo de la cultura de Pattachitra, el Señor Jagannath, que era una encarnación del Señor Krishna, fue la principal fuente de inspiración. El tema de Patta Chitra es en su mayoría mitológico, historias religiosas y folklore. Los temas principales son Lord Jagannath y Radha-Krishna, diferentes «Vesas» de Jagannath, Balabhadra y Subhadra, actividades del templo, las diez encarnaciones de Vishnu basadas en el ‘Gita Govinda’ de Jayadev, Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana, Mahabharata. Las pinturas individuales de dioses y diosas también están siendo pintadas. Los pintores usan colores vegetales y minerales sin recurrir a los colores de los carteles hechos en fábrica. Ellos preparan sus propios colores. El color blanco está hecho de las conchas de caracol pulverizando, hirviendo y filtrando en un proceso muy peligroso. Requiere mucha paciencia. Pero este proceso da brillo y premanencia a la tonalidad. ‘Hingula’, un color mineral, se usa para rojo. ‘Haritala’, rey de los ingredientes de piedra para amarillo, ‘Ramaraja’ se está utilizando una especie de índigo azul. Se utilizan lámparas negras puras o negras preparadas a partir de la quema de cáscaras de coco. Las escobillas que utilizan estos «Chitrakaras» también son autóctonas y están hechas de pelo de animales domésticos. Un montón de cabello atado al extremo de una vara de bambú hace que el cepillo. Realmente es una cuestión de asombro cómo estos pintores traen líneas de tal precisión y terminan con la ayuda de estos pinceles rudimentarios. Esa vieja tradición de la pintura de Oriya aún sobrevive en manos expertas de Chitrakaras (pintores tradicionales) en Puri, Raghurajpur, Paralakhemundi, Chikiti y Sonepur.

Escuela de Bengala
La Escuela de Arte de Bengala fue un influyente estilo de arte que floreció en la India durante el Raj británico a principios del siglo XX. Se asoció con el nacionalismo indio, pero también fue promovido y respaldado por muchos administradores artísticos británicos.

La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionó contra los estilos de arte académico previamente promovidos en la India, tanto por artistas indios como Ravi Varma y en escuelas de arte británicas. Siguiendo la amplia influencia de las ideas espirituales indias en Occidente, el maestro de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta animando a los estudiantes a imitar las miniaturas de Mughal. Esto causó una inmensa controversia, lo que llevó a una huelga de estudiantes y quejas de la prensa local, incluidos los nacionalistas que consideraron que era una medida retrógrada. Havel fue apoyado por el artista Abanindranath Tagore, sobrino del poeta Rabindranath Tagore. Tagore pintó una serie de obras influenciadas por el arte Mughal, un estilo que él y Havel creían que era una expresión de las distintas cualidades espirituales de la India, a diferencia del «materialismo» de Occidente. La pintura más conocida de Abanindranath Tagore, Bharat Mata (Madre India), representaba a una mujer joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India. Más tarde, Tagore intentó desarrollar vínculos con artistas del Lejano Oriente como parte de una aspiración a construir un modelo de arte panasiático. Los asociados con este modelo Indo-FarEastern incluyeron a Nandalal Bose, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha, y posteriormente a sus estudiantes A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay y algunos otros.

La influencia de la escuela de Bengala en la escena artística india gradualmente comenzó a aliviarse con la difusión de ideas modernistas posteriores a la independencia. El papel de KG Subramanyan en este movimiento es significativo. Hoy la Academia de Arte Rednova de Bankura, India, también es una notable academia de arte establecida por el artista Abirlal.

Modernismo Contextual
El término Modernismo Contextual que Siva Kumar usó en el catálogo de la exposición ha surgido como una herramienta crítica postcolonial en la comprensión del arte que los artistas de Santiniketan habían practicado.

Varios términos como la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow se han utilizado para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El Profesor Gall argumenta que el «Modernismo Contextual» es un término más apropiado porque «lo colonial en la modernidad colonial no acomoda el rechazo de muchos en situaciones colonizadas para internalizar la inferioridad». La negativa de la subordinación de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una contra visión de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsaba y caracterizaba la modernidad y el modernismo occidentales. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de un triunfante poder colonial británico, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares «.

Según R. Siva Kumar, «los artistas de Santiniketan fueron uno de los primeros que desafió conscientemente esta idea de modernismo al rechazar el modernismo internacionalista y la indianidad historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto». Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los 80. La práctica de subscribir a Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee en la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores fueron guiados por genealogías de aprendizaje más que por sus estilos, visiones del mundo y perspectivas sobre la práctica del arte.

El crítico literario Ranjit Hoskote al revisar las obras del artista contemporáneo Atul Dodiya escribe: «La exposición a Santinketan, a través de un desvío literario, abrió los ojos de Dodiya a las circunstancias históricas de lo que el historiador del arte R Siva Kumar ha llamado un» modernismo contextual «desarrollado en el este de la India en los años 30 y 40 durante las turbulentas décadas de la Depresión mundial, la lucha de liberación de Gandhi, el Renacimiento cultural de Tagore y la Segunda Guerra Mundial «.

El Modernismo Contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos relacionados de estudios, especialmente en Arquitectura.

Pintura india vernácula
El arte vernáculo es un arte vivo (arte contemporáneo), basado en el pasado (los mitos, las tradiciones y la religión) y hecho por grupos definidos. El arte vernáculo se basa en la memoria colectiva de este grupo.

Ejemplos de pintura india vernácula:

Pintura tribal
Pintura de Bhil
Pintura Warli
Pintura Gond
Pintura Santhal
Pintura Saora
Pintura Kurumba

Pintura Rural:
Pattachitra pintura
Pintura Madhubani
Pintura Kalamkari
Pintura Kolam
Pintura Kalam
Pinturas de Mandana

Pintura india moderna
Durante la época colonial, las influencias occidentales comenzaron a tener un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que utilizaba las ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios. Otros, como Jamini Roy, se inspiraron conscientemente en el arte popular. Bharti Dayal ha elegido manejar la pintura Mithila tradicional de la manera más contemporánea y utiliza tanto el realismo como el abstraccionismo en su trabajo con una gran cantidad de fantasía mezclada en ambos. Su trabajo tiene un impecable sentido del equilibrio, la armonía y la gracia.

En el momento de la Independencia en 1947, varias escuelas de arte en la India brindaban acceso a técnicas e ideas modernas. Se establecieron galerías para exhibir estos artistas. El arte indio moderno generalmente muestra la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo se inspira en temas e imágenes de la India. Los artistas principales están comenzando a ganar reconocimiento internacional, inicialmente entre la diáspora india, pero también entre el público no indio.

El Grupo de Artistas Progresistas, establecido poco después de que la India se independizara en 1947, tenía la intención de establecer nuevas formas de expresar a la India en la era poscolonial. Los fundadores fueron seis artistas eminentes: KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza y FN Souza, aunque el grupo fue disuelto en 1956, fue profundamente influyente en cambiar el idioma del arte indio. Casi todos los artistas principales de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que hoy son conocidos son Bal Chabda, Manishi Dey, VS Gaitonde, Krishen Khanna, Ram Kumar, Tyeb Mehta, Beohar Rammanohar Sinha y Akbar Padamsee. Otros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura del arte de la India. Se han convertido en el icono del arte indio moderno. Los historiadores del arte como el Prof. Rai Anand Krishna también se han referido a aquellas obras de artistas modernos que reflejan el ethos indio.

Además, el aumento en el discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en lenguas vernáculas indias, se apropió de la manera en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se hizo riguroso, críticos como Geeta Kapur, R. Siva Kumar, contribuyó a repensar la práctica del arte contemporáneo en India. Sus voces representaban el arte indio no solo en India, sino en todo el mundo. Los críticos también tuvieron un papel importante como curadores de importantes exposiciones, redefiniendo el modernismo y el arte indio.

El arte indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de los años noventa. Artistas de varios campos ahora comenzaron a traer estilos variados de trabajo. El arte indio posliberalizador funciona, por lo tanto, no solo dentro de los confines de las tradiciones académicas, sino también fuera de él. En esta fase, los artistas han introducido conceptos aún más nuevos que hasta ahora no se han visto en el arte indio. Devajyoti Ray ha introducido un nuevo género de arte llamado Pseudorealismo. El arte pseudorealista es un estilo de arte original que se ha desarrollado completamente en el suelo de la India. El seudorealismo toma en cuenta el concepto indio de abstracción y lo utiliza para transformar escenas regulares de la vida india en imágenes fantásticas.

En la India posterior a la liberalización, muchos artistas se han establecido en el mercado internacional del arte como Anish Kapoor y Chintan, cuyas gigantescas obras de arte han adquirido atención por su gran tamaño. Muchas casas de arte y galerías también se han abierto en EE. UU. Y Europa para exhibir obras de arte de la India. Algunos artistas como Chiman Dangi (pintor, grabador) Bhupat Dudi, Subodh Gupta, Piu Sarkar, Vagaram Choudhary, Amitava Sengupta y muchos otros han hecho magia en todo el mundo.Chhaya Ghosh es un pintor dotado, y es muy activo en Triveni Art Gallery, Nueva Delhi.