Hiperrealismo
El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución. El hiperrealismo se considera un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados para crear las pinturas o esculturas resultantes. El término se aplica principalmente a un movimiento artístico independiente y estilo artístico en los Estados Unidos y Europa que se desarrolló desde principios de los años setenta. Carole Feuerman es la precursora del movimiento hiperrealista junto con Duane Hanson y John De Andrea.
El hiperrealismo es una forma de arte, pintura y escultura, pero también incluye fotografía y cine. El realismo siempre ha sido un elemento importante en la serie de estilos en el arte. El hiperrealismo es un desarrollo posterior del realismo y está relacionado con el arte pop. Su ideal no es necesariamente una réplica exacta fiel a la vida, como es típico del realismo, sino una exageración fotorrealista de la realidad, una «realidad exagerada». La abstracción es rechazada.
Un elemento esencial del hiperrealismo es la renuncia del artista a la interpretación subjetiva. El hiperrealismo utiliza medios de expresión del realismo fotográfico, en el que el contenido de la imagen se pinta con un nivel de detalle que recuerda a una fotografía. Mientras que el foto-realismo quiere ser hermoso sobre todo a través de la representación brillante y realista, el hiperrealismo en la realidad fría y profana «exageradamente perturbadora» plantea la cuestión de la naturaleza de las cosas en un contexto existencial casi irónico. Por ejemplo, las pinturas de paisajes de Gottfried Heln son principalmente obras de realismo fotográfico, ya que son principalmente «hermosas» pero no tienen el carácter inquietante de sus retratos. Sin embargo, debido a las cicatrices y heridas visibles por el artista, es más probable que se asignen al hiperrealismo; los límites son fluidos, y es «irrelevante si estas imágenes son fotografiadas o pintadas».
Historia
El comerciante de arte belga Isy Brachot acuñó la palabra francesa Hiperrealismo, que significa hiperrealismo, como el título de una gran exposición y catálogo en su galería en Bruselas en 1973. La exposición estuvo dominada por fotorrealistas estadounidenses como Ralph Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle y Richard McLean; pero incluyó artistas europeos tan influyentes como Domenico Gnoli, Gerhard Richter, Konrad Klapheck y Roland Delcol. Desde entonces, el hiperealismo ha sido utilizado por artistas y comerciantes europeos para postularse a pintores influenciados por los fotorrealistas. Entre los pintores hiperrealistas europeos contemporáneos encontramos a Gottfried Helnwein (austriaco), Willem van Veldhuizen y Tjalf Sparnaay (holandés), Roger Wittevrongel (belga), así como el francés Pierre Barraya, Jacques Bodin, Ronald Bowen, François Bricq, Gérard Schlosser, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Gilles Aillaud y Gérard Fromanger.
El hiperrealismo de principios del siglo XXI se fundó sobre los principios estéticos del fotorrealismo. El pintor estadounidense Denis Peterson, cuyas obras pioneras se consideran universalmente como una rama del fotorrealismo, utilizó por primera vez el «hiperrealismo» para aplicar al nuevo movimiento y su grupo de artistas astillados. Graham Thompson escribió: «Una demostración de la forma en que la fotografía se asimiló en el mundo del arte es el éxito de la pintura fotorrealista a fines de los años sesenta y principios de los setenta. También se llama superrealismo o hiperrealismo y pintores como Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack y Chuck Close a menudo trabajaban desde imágenes fotográficas para crear pinturas que parecían fotografías «.
Sin embargo, el hiperrealismo contrasta con el enfoque literal que se encuentra en las pinturas fotorrealistas tradicionales de finales del siglo XX. Los pintores y escultores hiperrealistas utilizan imágenes fotográficas como fuente de referencia para crear una representación más definitiva y detallada, que a menudo, a diferencia del fotorrealismo, es narrativa y emotiva en sus representaciones. Los pintores fotorrealistas estrictos tendían a imitar imágenes fotográficas, omitiendo o abstrayendo ciertos detalles finitos para mantener un diseño pictórico general coherente. A menudo omitieron la emoción humana, el valor político y los elementos narrativos. Como evolucionó del Pop Art, el estilo fotorrealista de la pintura fue excepcionalmente ajustado, preciso y muy mecánico, con énfasis en imágenes cotidianas y mundanas.
El hiperrealismo, aunque fotográfico en esencia, a menudo implica un enfoque más suave y mucho más complejo sobre el tema representado, presentándolo como un objeto vivo y tangible. Estos objetos y escenas en las pinturas y esculturas del hiperrealismo se detallan meticulosamente para crear la ilusión de una realidad que no se ve en la foto original. Eso no quiere decir que sean surrealistas, ya que la ilusión es una representación convincente de la realidad (simulada). Las texturas, superficies, efectos de iluminación y sombras aparecen más claras y distintas que la foto de referencia o incluso el sujeto real.
El hiperrealismo tiene sus raíces en la filosofía de Jean Baudrillard, «la simulación de algo que nunca existió realmente». Como tal, los hiperrealistas crean una falsa realidad, una ilusión convincente basada en una simulación de la realidad, la fotografía digital. Las pinturas y esculturas hiperrealistas son una consecuencia de imágenes de muy alta resolución producidas por cámaras digitales y exhibidas en computadoras. Como el fotorrealismo emulaba la fotografía analógica, el hiperrealismo utiliza imágenes digitales y se expande para crear un nuevo sentido de la realidad. Las pinturas y esculturas hiperrealistas confrontan al espectador con la ilusión de imágenes manipuladas de alta resolución, aunque más meticulosas.
El fotorrealismo como precursor del hiperrealismo.
En la década de 1920, los pintores de precisión ya trabajaban con la ayuda de fotografías reproducidas fielmente (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo al mismo tiempo). Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, ya que toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su foco y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
Los fotorrealistas nunca formaron un grupo, pero hicieron exhibiciones que los presentaron como un estilo: La imagen fotográfica y 22 realistas, ambos en Nueva York, a mediados de la década de 1960. En ese momento, la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; Se consideraba un arte que se copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés. Sin embargo, artistas como Chuck Close o Richard Estes desarrollaron técnicas totalmente nuevas para representar la realidad, logrando a veces resultados sorprendentes.
Otros artistas estadounidenses de esta tendencia son Don Eddy, John Salt, Ralph Goings, Robert Cottingham, John Kacere, Paul Staiger, Richard McLean, Malcolm Morley y John de Andrea.
Como todos los fotorrealistas, no hay rastros de pinceladas y el artista parece estar ausente; Las pinturas están cubiertas con una fina capa de pintura, aplicadas con una pistola y un cepillo, raspando si es necesario, con una cuchilla para que no haya alivio, no importa. A esto se agrega la precisión en los detalles. Al usar el marco en el proceso de la realidad, lo que se rompe y manipula dos veces (tanto en el marco como en la fotografía), diferenciando así el realismo tradicional del fotorrealismo.
Es gracias a este tipo de arte que nace el hiperrealismo.
Hiperrealismo
El hiperrealismo de hoy se fundó en los principios estéticos del fotorrealismo. El pintor estadounidense Denis Peterson, cuyas obras pioneras se consideran universalmente como una rama del fotorrealismo, utilizó por primera vez el término «hiperrealismo» para aplicarlo al nuevo movimiento y su grupo disidente de artistas.
Graham Thompson escribió: «Una demostración de cómo la fotografía se asimiló al mundo del arte es el éxito de la pintura fotorrealista a fines de los años sesenta y principios de los setenta. También se llama superrealismo o hiperrealismo y pintores como Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack y Chuck Close a menudo trabajaba a partir de fotografías para crear pinturas que parecían fotografías «.
Sin embargo, el hiperrealismo contrasta con el enfoque literal que se encuentra en las pinturas fotorrealistas tradicionales de finales del siglo XX. Los pintores y escultores hiperrealistas utilizan imágenes fotográficas como fuente de referencia para crear una representación más definitiva y detallada, que a menudo, a diferencia del fotorrealismo, es narrativa y emocional en sus representaciones. Los pintores fotorrealistas estrictos tendían a imitar imágenes fotográficas, omitiendo o abstrayendo ciertos detalles finitos para mantener un diseño pictórico coherente en general. A menudo omitieron la emoción humana, el coraje político y los elementos narrativos. Desde que evolucionó del Pop Art, el estilo fotorrealista de la pintura ha sido excepcionalmente ajustado, preciso y muy mecánico, con énfasis en imágenes cotidianas y mundanas.
El hiperrealismo, aunque es esencialmente fotográfico, a menudo implica un enfoque más suave y mucho más complejo del sujeto que se presenta, presentándolo como un objeto vivo y tangible. Estos objetos y escenas en pinturas y esculturas de hiperrealismo se detallan meticulosamente para crear la ilusión de una realidad que no se ve en la foto original. Esto no significa que sean surrealistas, ya que la ilusión es una representación convincente de la realidad (simulada). Las texturas, superficies, efectos de iluminación y sombras aparecen más claras y claras que la foto de referencia o incluso el propio sujeto.
Con respecto a la escultura hiperrealista estadounidense, debemos destacar a Duane Hanson, que reproduce personajes de tamaño real de las clases trabajadoras, y a Segal, que usa la misma técnica que Hanson: fundir moldes de yeso, llenar los moldes con fibra de vidrio. vidrio y poliéster, montaje de las piezas y pintado en color carne; La pieza se termina vistiéndola con ropa usada. John de Andrea esculpe desnudos de hiperrealismo tan pronunciados que parecen personas reales, tal como lo hace Nancy Graves con sus esculturas de camellos.
Algunas de las figuras más relevantes del hiperrealismo serían los pintores Antonio López, Eduardo Naranjo o Gregorio Palomo.
En el mercado actual del arte, las figuras más consolidadas para su carrera son el chileno Claudio Bravo, quien a través de sus bodegones, dibujos y, especialmente, su serie de pinturas sobre telas, paquetes y papeles, ha logrado reinventar el hiperrealismo, dándole un estado casi metafísico; y el argentino Enrique Sobisch, que vive y murió en Madrid, cuyas obras, de gran perfección artística, compiten con la instantánea fotográfica.
Pintura hiperrealismo
En la pintura, esta dirección está particularmente representada por Chuck Monroe, Don Eddy, Claudio Bravo, Chuck Close, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Vija Celmins, Franz Gertsch, Rudolf Häsler o Gottfried Helnwein. Los artistas contemporáneos que trabajan con medios hiperrealistas incluyen a Jeff Koons, Ron Mueck y Luigi Rocca, así como los aerógrafos Hajime Sorayama, Gerard Boersma y Dru Blaira y muchos otros artistas (en Alemania, por ejemplo, Maximilian Pfalzgraf, Günther Hermann, Lars Reiffers, Dietmar Gross o Roland H. Heyder con su «Realismo fantástico»). El sueco Tommy TC Carlsson trabaja con dispositivos estilísticos hiperrealistas en su objeto artístico («Modern Illusion Art»). Roland Delcol, nacido en Bruselas en 1942, es un representante idiosincrásico entre el hiperrealismo y el pluralismo posmoderno de hoy.
Estilo y métodos
El estilo hiperrealista enfoca mucho más su énfasis en los detalles y los temas. Las pinturas y esculturas hiperrealistas no son interpretaciones estrictas de las fotografías, ni son ilustraciones literales de una escena o tema en particular. En cambio, utilizan elementos pictóricos adicionales, a menudo sutiles, para crear la ilusión de una realidad que de hecho no existe o no puede ser vista por el ojo humano. Además, pueden incorporar elementos temáticos emocionales, sociales, culturales y políticos como una extensión de la ilusión visual pintada; un claro alejamiento de la escuela más antigua y considerablemente más literal del fotorrealismo.
Los pintores y escultores hiperrealistas tienen en cuenta algunos medios mecánicos para transferir imágenes al lienzo o al molde, incluidos dibujos preliminares o pinturas y moldes de grisaille. Las proyecciones de diapositivas fotográficas o los proyectores multimedia se utilizan para proyectar imágenes en lienzos y también se pueden utilizar técnicas rudimentarias como la cuadrícula para garantizar la precisión. Las esculturas utilizan poliésteres aplicados directamente sobre el cuerpo humano o el molde. El hiperrealismo requiere un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular una falsa realidad. Como tal, el hiperrealismo incorpora y, a menudo, aprovecha las limitaciones fotográficas, como la profundidad de campo, la perspectiva y el rango de enfoque. Algunos pintores hiperrealistas, como Chuck Close, Denis Peterson, Bert Monroy y Robert Bechtle, también explotan las anomalías encontradas en las imágenes digitales, como la fractalización, para enfatizar sus orígenes digitales.
Temas
El tema abarca desde retratos, arte figurativo, naturaleza muerta, paisajes, paisajes urbanos y escenas narrativas. El estilo hiperrealista más reciente es mucho más literal que el fotorrealismo en cuanto a detalles pictóricos exactos con énfasis en temas sociales, culturales o políticos. Esto también está en marcado contraste con el nuevo fotorrealismo concurrente con su continua evitación de anomalías fotográficas. Los pintores hiperrealistas simulan y mejoran a la vez imágenes fotográficas precisas para producir ilusiones visuales de la realidad ópticamente convincentes, a menudo en un contexto social o cultural.
Algunos hiperrealistas han expuesto regímenes totalitarios y gobiernos militares del tercer mundo a través de sus descripciones narrativas del legado de odio e intolerancia. Denis Peterson y Gottfried Helnwein describieron las desviaciones políticas y culturales de la decadencia social en su trabajo. El trabajo de Peterson se centró en las diásporas, los genocidios y los refugiados. Helnwein desarrolló un trabajo narrativo poco convencional que se centró en las desviaciones pasadas, presentes y futuras del Holocausto. Los temas provocativos incluyen imágenes enigmáticas de genocidios, sus trágicas consecuencias y las consecuencias ideológicas. Temáticamente, estos controvertidos artistas hiperrealistas confrontaron agresivamente la condición humana corrupta a través de pinturas narrativas como medio fenomenológico. Estas pinturas realistas son un comentario histórico sobre el maltrato grotesco de los seres humanos.
Las pinturas y esculturas hiperrealistas crean aún más solidez tangible y presencia física a través de sutiles efectos de iluminación y sombreado. Las formas, formas y áreas más cercanas al frente de la imagen aparecen visualmente más allá del plano frontal del lienzo; y en el caso de las esculturas, los detalles tienen más claridad que en la naturaleza. Las imágenes hiperrealistas son típicamente de 10 a 20 veces el tamaño de la fuente de referencia fotográfica original, pero conservan una resolución extremadamente alta en color, precisión y detalle. Muchas de las pinturas se logran con un aerógrafo, utilizando acrílicos, aceites o una combinación de ambos. Las esculturas realistas de Ron Mueck se escalan mucho más grandes o más pequeñas que la vida y se terminan con detalles increíblemente convincentes a través del uso meticuloso de resinas de poliéster y moldes múltiples. Las imágenes digitales de Bert Monroy parecen ser pinturas reales tomadas de fotografías, pero están completamente creadas en computadoras.
Crítica
Una visión crítica del hiperrealismo enfatiza la naturaleza poco imaginativa de la representación: «El hiperrealismo desperdicia las posibilidades que la pintura tiene a favor de un simple chiste dentro de la competencia entre pintura y fotografía». El hiperrealismo estadounidense en los años sesenta y setenta se convirtió en europeo descrito como «americano a la caricatura»: «Este hiperrealismo desarrollado y generalizado del arte pop de los años 60 era hiper provocativo e hiper superficial y hiper comercial».