¡Esperanza !, Pabellón de Ucrania, Bienal de Venecia 2015

El pabellón nacional ucraniano en la 56a Exposición Internacional de Arte – la Biennale di Venezia, presenta una exposición colectiva titulada «¡Esperanza!» con una generación joven de artistas ucranianos, incluidos Yevgenia Belorusets, Nikita Kadan, Zhanna Kadyrova, Mykola Ridnyi y Serhiy Zhadan, Artem Volokitin, Anna Zvyagintseva y Open Group. El proyecto está organizado por PinchukArtCentre con el apoyo de la Fundación Victor Pinchuk.

El pabellón nacional de Ucrania es un modelo para una nueva Ucrania transparente que se extiende al mundo. Con esta exposición, una generación joven de artistas expresa esperanzas para el futuro de Ucrania mientras confronta el conflicto actual y la historia reciente de los países.

Open Group y Yevgenia Belorusets enfatizan de manera opuesta el compromiso personal y la responsabilidad de las personas en un conflicto armado. Sus obras revelan las diferentes actitudes civiles dentro de la sociedad. Open Group trata con hombres jóvenes reclutados en el ejército y sus familias que esperan su regreso. Belorusets retrata a los mineros invisibles que optaron por vivir y trabajar dentro de la zona de conflicto pero se niegan a participar en la guerra, tratando de «salvar» su futuro trabajando diariamente en las minas.

Cage (2010) de Anna Zvyagintseva encarna las contradicciones entre la libertad y el encarcelamiento, el estado de derecho y la anarquía, la fuerza y ​​la fragilidad. Blind Spot de Ridnyi y Zhadan se centra en el precio de la violencia, pero se resiste a las narrativas estrechas que provocan la radicalización del pensamiento. Artem Volokitin reduce en su pintura la realidad de la vida a un acto violento que se mueve entre la esperanza y el miedo, entre la muerte y lo sublime. Y Zhanna Kadyrova muestra a Ucrania como parte del mundo, utilizando el pasado reciente para vislumbrar un futuro.

Justo afuera del pabellón, la escultura pública de Nikita Kadan se refiere al pasado y confronta la situación actual de la guerra. Se ocupa de preguntas relacionadas con la historización de un conflicto y lo confronta con el pasado soviético de Ucrania.

Destacar

Multitud. Día.
Zhanna Kadyrova
El 16 de marzo de 2014, Crimea votó en un referéndum ilegal para separarse de Ucrania y unirse a Rusia. Un año después de este dramático evento que influyó profundamente en la situación geopolítica del mundo, el 16 de marzo de 2015, Zhanna Kadyrova recolectó periódicos de todo el mundo. Los usó para crear un collage panorámico de 6 metros de largo, recortando todos los rostros de las personas, recomponiéndolos y yuxtaponiendo a las personas de diferente estatus social, posición política o religión al lado del marco original de la página del periódico. Al perder toda referencia al texto o idioma, aparte de los nombres de los documentos, que «enmarcan» a las multitudes en un contexto de cultura geográfica, cada collage se convierte en una representación de una masa de personas, y la instalación en su totalidad representa el retrato de una multitud .

El trabajo también investiga las diferencias y las características unificadoras de los medios de comunicación globales. Al elegir periódicos de un solo día, Kadyrova rastrea la atención internacional otorgada a Ucrania y su conflicto, explorando el poder y la responsabilidad de los medios y enfocándose en cómo el «hombre» está representado en diferentes países. En una época de disturbios sociales en todo el mundo, donde la gente de todas partes sale a la calle para cambiar, Kadyrova nos presenta una multitud rebelde, anónima, multicultural y compartida.

«Es obvio que los cambios que tienen lugar en un país afectan fuertemente a sus ciudadanos. Aún así, las principales esperanzas están conectadas con la gente. Observamos cómo la sociedad se está transformando en situaciones extremas, cuando los poderosos recursos de la humanidad se manifiestan en las personas: ayuda mutua , autoorganización, desinterés. Por lo tanto, la esperanza de construir una sociedad civil permanece «.

La caja
Anna Zvyagintseva
La jaula tejida de Anna Zvyagintseva se basa en las jaulas estándar instaladas en los tribunales de Ucrania para sentar al acusado durante su juicio. El artista realizó el trabajo en 2010 como respuesta al mal uso político del sistema jurídico y el enjuiciamiento de tres miembros de Hudrada (un grupo curatorial al que pertenece Zvyagintseva) por su activismo social. El trabajo equilibra entre monumentalidad y desaparición, encarnando contradicciones como la libertad y el encarcelamiento, el estado de derecho y la anarquía, la fuerza y ​​la fragilidad. El material tricotado transforma la jaula, haciéndola inestable, socavando nuestras expectativas sobre el imperio de la ley física, expectativas de independencia y confiabilidad. El gesto de tejer, una metáfora del tiempo y la paciencia, enfatiza el papel atribuido a las mujeres en la reconstrucción y configuración de la sociedad.

Cage en 2015 se convierte en una imagen icónica de un país que casi se ha derrumbado bajo el abuso del sistema jurídico. Expresa las frágiles esperanzas dentro de la sociedad de que los sistemas corruptos puedan ser reemplazados y restablecido el estado de derecho. La urgencia expresada por Cage va más allá de Ucrania y su historia reciente, ya que es un desafío que la mayoría de los países enfrentan todos los días: hacer cumplir y proteger la idea del estado de derecho.

«La esperanza para mí es una pregunta de una sola palabra. Desea poner un signo de interrogación en el título de esta exposición en lugar del signo de exclamación. La esperanza es similar a la frase común» Todo estará bien «. Esta es una transferencia de responsabilidad a algún lugar en el futuro, mientras que claramente no estás contento con el presente y el pasado no es algo que puedas comprender. De lo contrario, la esperanza solo puede existir como un dedo apuntando a la oscuridad, un certificado de disposición para levantarte e ir. caso, hay alguna responsabilidad «.

Espectáculo – 1
Artem Volokitin
En su nueva pintura, Artem Volokitin aborda la guerra como un espectáculo, centrándose en el acto de violencia. Su monumental lienzo aborda el horror de lo sublime y los aspectos profundamente emocionales de la guerra. Dentro de un horizonte abstracto en blanco y negro, dos tipos de explosiones crean eventos sensacionales en la vanguardia de la imagen. El primer tipo de explosión son los fuegos artificiales, una expresión de alegría, belleza y victoria. La otra es una nube pintada casi fotorrealista, resultante de una explosión violenta durante un bombardeo. El paisaje de fondo es reducido, pintado con líneas negras que se desvanecen, recordándonos los grabados del paisaje. El horizonte evade la realidad para convertirse en un fondo anónimo de la sublimidad de la violencia.

Un tema de la pintura de Volokitin es cómo la medialización de la guerra dirige nuestra visión. A través de la televisión, la radio y las redes sociales, el campo de batalla encuentra una extensión en la sala de estar. Mirar el mundo y el conflicto ucraniano con la distancia se ha vuelto extremadamente difícil, ya que el espacio es consumido por los informes de los medios con una narrativa singular. Esto crea una visión de túnel que reduce la diversificación del paisaje metafórico mientras se concentra en lo espectacular, el drama y las victorias huecas de la guerra.

«La esperanza para mí es una sustancia altamente concentrada. Incluso una pequeña cantidad es suficiente para transformar cualquier realidad».

Sinónimo de «espera».
Grupo abierto
Una pared de video compuesta por nueve pantallas transmite transmisiones en vivo desde nueve puertas principales de las casas familiares de soldados ucranianos recientemente reclutados, todos viviendo en diferentes partes del país. En la parte posterior de las pantallas se cuelgan fotografías enmarcadas de las mesas de las familias, una referencia a la vida detrás de estas puertas. Durante el período de la exposición, un miembro de Open Group se sienta frente a la transmisión en vivo, en una mesa similar, típicamente ucraniana, esperando que los soldados regresen a casa y se nieguen a comer durante este período. El trabajo se mueve entre presencia, ausencia y anticipación. El acto de ejecución requiere una prueba de resistencia, que es una cualidad compartida por las familias, los soldados y la sociedad ucraniana en su conjunto. Expresa esperanza para el regreso de los soldados y el fin de este conflicto. A través de su forma simple y honesta, este trabajo trata con las personas y sus miedos. Revela la impotencia de las personas involucradas en un conflicto violento al tiempo que sugiere las esperanzas que les permiten encontrar nuevas formas de hacer que la vida continúe.

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«Mucha gente. Y finalmente lo estamos. O tal vez al principio. Por qué no. Esperamos que todo esté bien».

Dificultades de profanación.
Nikita Kadan
Una vitrina tradicional, en su forma y material que se refiere a vitrinas de la Unión Soviética, acumula materiales que Nikita Kadan ha recolectado en el este de Ucrania durante la guerra. Los escombros en el interior revelan narrativas políticas con una veracidad sorprendente: estos artefactos destruidos son contenedores de palabras, de imágenes y recuerdos que narran una historia (presente). Así, la escultura se ocupa de la institucionalización de los recuerdos, el papel del patrimonio local en la formación de una comprensión histórica contra la amnesia cultural resultante de los conflictos. El escaparate en sí, en oposición a los escombros que recoge, aborda el pasado soviético de Ucrania, una parte de la historia que se olvida fácilmente. Coloca el conflicto actual en un marco histórico y presenta la guerra como una extensión de un conflicto de ideologías establecido.

Entre los escombros, dentro de la vitrina, crece una planta de frijol que con el tiempo cubrirá los artefactos destruidos. Transforma la escultura en un invernadero, en referencia a los jardines populares que aparecieron durante todo el conflicto, comenzando con la ocupación de la Plaza Maidan y continuando a la zona de guerra en Dombass. Estos jardines sugieren esperanza, un nuevo comienzo, una vida futura y un proceso de reconciliación.

«El carácter alegórico de Hope es invocado tradicionalmente por las víctimas del naufragio, aquellos que están completamente a merced de las fuerzas externas. Es fácil hacer generalizaciones al respecto para aquellos que están a salvo en la orilla. Y es imposible describir su situación para quien está siendo jugado por las olas. La experiencia de una esperanza pura que lo abarca todo, que ha reemplazado a todo lo demás, debe permanecer sin ser contada. A menudo aparece como una ayuda, una excusa para dejar las lagunas, para la falta de consideración y para no perseguir un asunto. Deberíamos hablar de esperanza solo si necesitamos agotarlo, pasar por encima como si fuera un umbral, estar al otro lado. Solo entonces podemos caminar tranquilamente sobre el suelo en llamas, sonriendo y asumir toda la responsabilidad de nuestras elecciones «.

¡Por favor no tomes mi foto! O me dispararán mañana.
Yevgenia Belorusets
Yevgenia Belorusets pasó meses dentro de la zona de conflicto en el este de Ucrania, retratando a mineros cuyo lugar de vida y trabajo no está dentro de los territorios controlados de los separatistas ni del gobierno de Ucrania. Sus retratos muestran un profundo compromiso personal con las víctimas de una guerra que no pertenecen a ninguna de las partes. La lucha de los mineros es de supervivencia tanto a corto como a largo plazo. Primero, necesitan sobrevivir a la guerra, y segundo, deben salvar las minas para asegurarse de que sus familias y pueblos tengan un futuro una vez que el conflicto haya terminado.

Durante el día, la primera parte del trabajo muestra un retrato monumental de un minero, una imagen de un hombre (des) que aparece como un fantasma detrás del humo de su cigarrillo. La parte posterior de esta imagen es la portada de Today’s Paper, un periódico ficticio que cuenta una historia de la vida bajo «la niebla de la guerra». Durante la noche, la narración introducida en el periódico se desarrolla a través de una proyección de diapositivas que cubre una pared de vidrio del pabellón. De esta manera, los retratos de Belorusets se mueven entre la apariencia y la desaparición, utilizando la fisicalidad efímera y temporal del trabajo como una metáfora de la vida de los mineros.

«Supongo que vivo en un país que ha pisado sus pies. Pero ahora está pasando por una guerra. El estado vecino lo castiga por su esencia, por su incertidumbre, que es tan valiosa para mí. ¿Esperanza? Ucrania siempre ha tenido tenía más de lo que cabría esperar. Es la racionalidad que acecha en cada esquina y tal vez eso nos salvará una vez más «.

Punto ciego
Mykola Ridnyi y Serhiy Zhadan
Blind Spot de Mykola Ridnyi y Serhiy Zhadan consta de dos elementos distintos, poesía de Zhadan y una imagen monumental impresa de Ridnyi. Juntos forman dos lados de la misma medalla, dos formas de ver una historia. Ridnyi ha encontrado el motivo de su imagen en Internet y la ha rociado con pintura negra, dejando solo una mirilla que crea una vista limitada y parcialmente borrada de la fotografía original. Lo que queda es una abstracción de la realidad y la violencia en la imagen. Contrariamente a la imagen pintada de negro, los poemas de Zhadan dan una cara a la violencia. Cada poema cuenta una historia personal, dibujando un retrato de figuras reales y ficticias que vivieron la guerra en el este de Ucrania.

Blind Spot ataca la forma en que la realidad se simplifica en los medios y en Internet, donde las imágenes se usan para contar historias pero con demasiada frecuencia se alejan de su contexto de la vida real. Por lo tanto, los puntos ciegos se crean en la forma en que vemos el mundo, y nuestro sentido de la realidad se construye a través de una visión selectiva y un conocimiento limitado. La imagen proyectada es una metáfora del poder de la propaganda, un acto consciente de borrar partes de la imagen para mostrar solo lo que se ajusta a la historia. Los poemas individualizan a las víctimas de la violencia, y en estos enfoques combinados, Blind Spot resiste cualquier narrativa estrecha que provoque la radicalización del pensamiento.

1.La esperanza puede permanecer en silencio por más tiempo: solo comienzan a hablar de ella después de que finalizan las conversaciones sobre garantías y perspectivas. 2. La esperanza generalmente aparece en el último momento. A veces parece demasiado tarde. 3. Sin embargo, siempre tiene algunas oportunidades más porque rara vez apostamos por él. 4. Incluso quien tiene todo necesita esperanza. Y los que no tienen nada lo necesitan aún más. 5. Un ser humano tiene derecho a tener esperanzas, incluso cuando está privado del derecho a la justicia y a la opinión privada. Sin embargo, a veces lo único que tenemos es la esperanza de justicia. 6. A diferencia de la fe o el sentido común, la esperanza satisface tanto a los ateos como a los fanáticos. Los fanáticos, sin embargo, no están completamente satisfechos. 7. La esperanza generalmente se menciona cuando no quedan argumentos racionales. O cuando los argumentos irracionales no funcionan. 8. La esperanza da sentido a muchas cosas. Además, algunas cosas tienen sentido solo por eso. 9. En cualquier caso, la esperanza estará entre esas cosas que verá antes de la muerte. 10. Lo principal es que es la esperanza lo que te hace no temer a la muerte.

Bienal de Venecia 2015
La Bienal de Arte de 2015 cierra una especie de trilogía que comenzó con la exposición comisariada por Bice Curiger en 2011, Illuminations, y continuó con el Palacio Enciclopédico de Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale continúa su investigación sobre referencias útiles para hacer juicios estéticos sobre el arte contemporáneo, un tema «crítico» después del final del arte vanguardista y «no artístico».

A través de la exposición comisariada por Okwui Enwezor, La Biennale vuelve a observar la relación entre el arte y el desarrollo de la realidad humana, social y política, en la presión de las fuerzas y fenómenos externos: las formas en que, es decir, las tensiones de lo externo mundo solicita las sensibilidades, las energías vitales y expresivas de los artistas, sus deseos, los movimientos del alma (su canción interior).

La Biennale di Venezia fue fundada en 1895. Paolo Baratta ha sido su presidente desde 2008, y antes de eso desde 1998 hasta 2001. La Biennale, quien se encuentra a la vanguardia de la investigación y la promoción de nuevas tendencias de arte contemporáneo, organiza exposiciones, festivales e investigaciones. en todos sus sectores específicos: Artes (1895), Arquitectura (1980), Cine (1932), Danza (1999), Música (1930) y Teatro (1934). Sus actividades están documentadas en el Archivo Histórico de Artes Contemporáneas (ASAC) que recientemente ha sido completamente renovado.

La relación con la comunidad local se ha fortalecido a través de actividades educativas y visitas guiadas, con la participación de un número creciente de escuelas de la región del Véneto y más allá. Esto difunde la creatividad en la nueva generación (3,000 maestros y 30,000 alumnos involucrados en 2014). Estas actividades han sido apoyadas por la Cámara de Comercio de Venecia. También se ha establecido una cooperación con universidades e institutos de investigación que realizan visitas especiales y estancias en las exposiciones. En los tres años transcurridos entre 2012 y 2014, 227 universidades (79 italianas y 148 internacionales) se han unido al proyecto Biennale Sessions.

En todos los sectores ha habido más oportunidades de investigación y producción dirigidas a la generación más joven de artistas, directamente en contacto con maestros de renombre; Esto se ha vuelto más sistemático y continuo a través del proyecto internacional Biennale College, que ahora se ejecuta en las secciones de Danza, Teatro, Música y Cine.

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