Visita guiada al Museo del Louvre, París, Francia
El Louvre es el museo más visitado del mundo y un hito histórico en París, Francia. El Museo del Louvre es un museo de arte y arqueología parisino ubicado en el antiguo palacio real del Louvre. Inaugurado en 1793, es uno de los museos más grandes y ricos del mundo, pero también el más concurrido con casi 9 millones de visitantes al año. Es el hogar de algunas de las obras de arte más conocidas, como la Mona Lisa y la Venus de Milo.
El Palacio del Louvre alberga el museo más grande del mundo. El Musée du Louvre contiene más de 380 000 objetos y exhibe 35 000 obras de arte en ocho departamentos curatoriales con más de 60 600 metros cuadrados dedicados a la colección permanente. El Louvre exhibe esculturas, objetos de arte, pinturas, dibujos y hallazgos arqueológicos. El Museo del Louvre presenta colecciones muy variadas, con una gran parte dedicada al arte y las civilizaciones de la Antigüedad: Mesopotamia, Egipto, Grecia y RomaLogo que indica las tarifas para citar que ellas; La Europa medieval y la Francia napoleónica también están ampliamente representadas.
El museo se encuentra en el Palacio del Louvre, construido originalmente a finales del siglo XII o XIII bajo Felipe II. Los restos de la fortaleza medieval del Louvre son visibles en el sótano del museo. La fortaleza del siglo XII fue ampliada y reformada varias veces a lo largo de los siglos. Antes de que se abriera como museo, el rey Carlos V y Felipe II eligieron este palacio como su residencia, decorándolo con sus colecciones de arte en constante crecimiento.
Debido a la expansión urbana, la fortaleza finalmente perdió su función defensiva y en 1546 Francisco I la convirtió en la residencia principal de los reyes franceses. El edificio fue ampliado muchas veces para formar el actual Palacio del Louvre. Con la colección de arte del monarca francés y fruto de los saqueos que se llevaron a cabo durante el Imperio de Napoleón, el Museo del Louvre abrió sus puertas en 1793. Desde su inauguración, el museo fue gratuito para el público durante unos días a la semana y fue considerado revolucionario por su tiempo.
El Louvre tiene una larga historia de conservación artística e histórica, desde el Antiguo Régimen hasta nuestros días. Tras la marcha de Luis XIV al Palacio de Versalles a finales del siglo XVII, allí se guardan parte de las colecciones reales de pintura y escultura antigua. Después de haber albergado durante un siglo varias academias, incluida la de pintura y escultura, así como varios artistas albergados por el rey, el antiguo palacio real se transformó verdaderamente durante la Revolución en un «Museo Central de las Artes de la República». Se inauguró en 1793, exhibiendo alrededor de 660 obras, principalmente de colecciones reales o confiscadas a nobles emigrantes o de iglesias. Posteriormente, las colecciones seguirán enriqueciéndose con botines de guerra, adquisiciones, patrocinios, legados, donaciones,
En 1981, como parte de un gran proyecto que duraría hasta 1997 (Le Grand Louvre), el arquitecto chino-estadounidense Ieoh Ming Pei recibió el encargo de diseñar una nueva zona de recepción y mejorar el acceso al museo. Construida con las mismas proporciones de la pirámide de Keops, toda de acero y cristal, es la puerta de entrada principal y oficial del Louvre. Pyramid se inauguró oficialmente el 30 de mayo de 1989 para coincidir con el bicentenario de la Revolución Francesa.
El Louvre es tan grande que fácilmente se podrían pasar varios días explorando sus exposiciones. Los visitantes necesitarán al menos medio día para tener una idea general del Louvre y ver las pinturas, esculturas y otros tipos de arte más importantes. El museo del Louvre ofrece a los visitantes una audioguía con información sobre cada una de las piezas de la galería.
Departamentos
El Museo del Louvre incluye varias colecciones muy ricas de obras de arte de varias civilizaciones, culturas y épocas. La enorme colección está organizada por temas en varios departamentos: un departamento de antigüedades orientales, un departamento de antigüedades egipcias, un departamento de antigüedades griegas y departamentos romanos y etruscos. El museo también incluye una parte sobre la historia del palacio actual, incluyendo el Louvre durante la Edad Media, arte islámico, pinturas, esculturas y artes gráficas. Entre las obras más famosas se encuentran La Mona Lisa, La Venus de Milo, El escriba agazapado, La victoria de Samotracia y El código de Hammurabi.
Departamento de Antigüedades Orientales
El Departamento de Antigüedades Orientales del Museo del Louvre en París data de 1881 y presenta una descripción general de la civilización del Cercano Oriente temprano y los «primeros asentamientos», antes de la llegada del Islam. El Departamento de Antigüedades Orientales conserva objetos de una región situada entre la actual India y el mar Mediterráneo (Turquía, Siria, Irak, Líbano, Israel, Jordania, Arabia Saudí, Irán, Afganistán…).
Es una de las tres colecciones más importantes del mundo (junto con las del Museo Británico y el Museo de Pérgamo) con más de 150.000 objetos. El departamento presenta 6.500 obras en una treintena de salas, incluidas obras maestras universales como el Código de Hammurabi o el impresionante Lamassus del palacio de Khorsabad.
Ofrece un panorama casi completo de las antiguas civilizaciones del Cercano y Medio Oriente. El desarrollo de la colección corresponde a trabajos arqueológicos como la expedición de Paul-Émile Botta en 1843 a Khorsabad y el descubrimiento del palacio de Sargón II. Estos hallazgos formaron la base del museo asirio, el precursor del departamento actual.
El museo contiene exhibiciones de Sumer y la ciudad de Akkad, con monumentos como la estela de los buitres del Príncipe de Lagash del 2450 a. C. y la estela erigida por Naram-Sin, rey de Akkad, para celebrar una victoria sobre los bárbaros en las montañas Zagros. . El Código de Hammurabi de 2,25 metros (7,38 pies), descubierto en 1901, muestra las leyes babilónicas de manera prominente, de modo que nadie pueda alegar su ignorancia. El mural de la Investidura de Zimrilim del siglo XVIII a. C. y la estatua de Ebih-Il del siglo 25 a. C. encontradas en la antigua ciudad-estado de Mari también se exhiben en el museo.
La parte persa del Louvre contiene obras del período arcaico, como la cabeza funeraria y los arqueros persas de Darío I. Esta sección también contiene objetos raros de Persépolis que también fueron prestados al Museo Británico para su exposición Antigua Persia en 2005.
El Museo Asirio del Louvre, inaugurado en 1847 y luego adscrito al Departamento de Antigüedades, es el primer museo del mundo dedicado a las antigüedades orientales. El Departamento de Antigüedades Orientales se crea oficialmente por decreto del 20 de agosto de 1881, tras las excavaciones de Tello y el considerable progreso en el redescubrimiento de la antigüedad oriental al que contribuyó activamente la sección del museo asirio. A lo largo del siglo XIX y durante la primera mitad del siglo XX, las colecciones se desarrollaron gracias a las exploraciones y excavaciones realizadas por diplomáticos y arqueólogos franceses en Oriente Próximo y Medio, en particular en los yacimientos de Khorsabad, Tello, Susa, Mari , Ugarit o incluso Biblos.
Lo más destacado de la colección
Con más de 150.000 objetos, el Departamento de Antigüedades Orientales del Museo del Louvre presenta una de las colecciones más importantes del mundo, lo que permite ofrecer uno de los panoramas más completos de la historia antigua del Cercano y Medio Oriente. La presentación actual del Departamento de Antigüedades Orientales se articula en torno a tres áreas principales de colecciones, distribuidas según grupos geográficos y culturales: Mesopotamia; el antiguo Irán (Elam, Persia…) y Asia Central; País del Levante.
Estas obras abarcan unos 8.000 años de historia sobre un inmenso territorio que abarca en determinados periodos desde Asia Central hasta España y desde el Mar Negro hasta el Océano Índico. Desde el Neolítico, muchas culturas y civilizaciones se han sucedido en esta región, donde vemos en particular la aparición de una administración política, militar y religiosa, o el nacimiento del Estado según una fórmula común. También es la cuna de la escritura, que apareció alrededor del -3300 en Uruk, Mesopotamia.
Patio de Khorsabad
El patio de Khorsabad presenta los restos de una gigantesca ciudad construida en apenas diez años, a finales del siglo VIII a.C. En ese momento, el norte del actual Irak pertenecía al poderoso Imperio Asirio. El rey Sargón II decide construir una nueva capital en Khorsabad, cerca de Mosul. Pero a la muerte de su fundador, la ciudad perdió su condición de capital. No fue hasta el siglo XIX que los arqueólogos franceses redescubrieron los restos del sitio. Así nació en el Louvre el primer museo asirio del mundo.
En el siglo VIII a. C., el rey Sargón II reinó sobre el Imperio Asirio. Hacia -713, toma una fuerte decisión que debe establecer su autoridad: fundar una nueva capital. Eligió un vasto sitio al pie del Monte, en el norte del actual Irak. Esta será Dûr-Sharrukin, la «fortaleza de Sargón». El rey emprendió la construcción de esta nueva ciudad que debía estar a la altura de su omnipotencia. Sus dimensiones superan a las ciudades más grandes del mundo antiguo. Solo su palacio tiene 200 habitaciones y patios.
Pero a la muerte de Sargón II en -705, su hijo y sucesor, el rey Senaquerib, abandonó la obra de la ciudad aún inacabada para trasladar la capital a Nínive. Sargón II murió en una feroz batalla. El sitio gradualmente olvidado solo se encontró en 1843, durante las excavaciones pioneras realizadas por Paul-Émile Botta, vicecónsul de Francia en Mosul. Este es el comienzo de la arqueología mesopotámica y más ampliamente oriental. Con este descubrimiento reaparecen los vestigios de una civilización olvidada.
Bajo el techo de cristal del patio, la luz juega con las grandes placas esculpidas. Originalmente, muchos de estos relieves también estaban en un patio pero al aire libre. Muchos adornaban el gran patio de honor que daba acceso a la sala del trono en el gigantesco palacio de Sargón II. Estas losas de alabastro cubrían la base de las paredes de adobe y estaban acentuadas con colores vivos, incluidos el azul y el rojo. Todavía podemos ver algunos rastros de él, especialmente en la tiara (corona real) que llevaba Sargón II. Los bajorrelieves representan diversas escenas (caza con arco, procesiones de dignatarios) que evocan la vida en la corte de Sargón II y glorifican al rey. Varios paneles parecen mostrar el transporte de madera de cedro desde el Líbano para construir la nueva capital.
Esta suntuosa decoración también tenía una función mágica. Este es particularmente el caso de los espíritus protectores tallados en las paredes: debían velar por la ciudad y su palacio. Por lo tanto, se representan en lugares que requieren una protección especial, como las puertas. Por eso los pasajes están enmarcados por monumentales toros alados. Cada uno fue tallado en un solo bloque gigante de alabastro y pesa aproximadamente 28 toneladas. Estas criaturas fantásticas, llamadas aladlammû o lamassu, tienen cuerpo y orejas de toro, alas de águila y rostro humano que lleva una alta tiara, similar a las representaciones de Sargón II. Esta naturaleza híbrida así como los cuernos dobles o triples son marcas de su divinidad en el mundo mesopotámico. Combinando los poderes de estos diferentes seres, su poder protege la ciudad y su palacio de manera beneficiosa.
Galería de Angulema
En la fila de cinco salas con decoración neoclásica se exhiben las colecciones de antigüedades orientales y en particular obras del Levante y el antiguo Irán. Pero estas salas tenían otras funciones antes de ser transformadas en salas de museo. Entre los 100.000 objetos de la colección Antigüedades orientales, la galería de Angoulême presenta obras del Levante, es decir, de los actuales Siria, Líbano, Israel, Jordania y Chipre. Algunas de estas obras datan del año 7000 a. Se encuentran entre los más antiguos de las colecciones del museo.
Descubiertos en su mayor parte durante campañas arqueológicas francesas, dan testimonio del refinamiento artístico de esta zona de intercambio entre el Mediterráneo y Asia donde se cruzan múltiples influencias. Esta encrucijada entre Egipto, Mesopotamia, Anatolia y el mundo Egeo vio el desarrollo de ciudades prósperas como Byblos y Ugarit. Estatuas, estelas y textos mitológicos evocan el mundo religioso de estos reinos cuya memoria nos ha transmitido la Biblia. Las cajas de marfil, las copas de oro y las joyas revelan su riqueza y abundancia artística.
Departamento de Artes Islámicas
El departamento de artes islámicas del Louvre, fundado en agosto de 2003, reúne colecciones que abarcan todo el mundo islámico (área geográfica entre España e India) desde la Hégira hasta el siglo XIX. La colección de arte islámico, la más nueva del museo, abarca «trece siglos y tres continentes». Estas exhibiciones de cerámica, vidrio, orfebrería, madera, marfil, alfombras, textiles y miniaturas incluyen más de 5000 obras y 1000 fragmentos.
Originalmente parte del departamento de artes decorativas, las propiedades se separaron en 2003. Entre las obras se encuentran Pyxide d’al-Mughira, una caja de marfil del siglo X de Andalucía; el baptisterio de Saint-Louis, un cuenco de latón grabado del período mameluco de los siglos XIII o XIV; y la Sábana Santa de Saint-Josse del siglo X de Irán. La colección contiene tres páginas del Shahnameh, un libro épico de poemas de Ferdowsi en persa, y un trabajo en metal sirio llamado Vaso Barberini.
Este departamento reúne varias joyas del arte islámico: la píxide de al-Mughira, una caja de marfil española fechada en 968, el plato del pavo real, importante cerámica otomana, y especialmente el baptisterio de San Luis, una de las piezas más famosas. y el más enigmático de todo el arte islámico, creado por Muhammad ibn al-Zayn a principios del siglo XIV. También es destacable el importante material procedente de las excavaciones de Susa (actual Irán), en las que participó el museo.
Desde el 22 de septiembre de 2012, las artes del Islam se exhiben en el Louvre en la Cour Visconti. Este espacio permite la exposición de 3.000 obras, de las colecciones del Louvre, pero también del museo de artes decorativas. El Cour Visconti está cubierto con un velo aéreo formado por acristalamientos de 1.600 triángulos, superpuestos con dos capas de aluminio de diferentes espesores. Es la mayor colección de objetos islámicos del mundo con la del Metropolitano de Nueva York.
En septiembre de 2019, la princesa Lamia bint Majed Al Saud abrió un departamento de arte islámico nuevo y mejorado. El nuevo departamento exhibe 3.000 piezas recopiladas desde España hasta la India a través de la península arábiga que datan de los siglos VII al XIX.
Lo más destacado de la colección
La colección comprende 16.500 obras (incluidas 3.500 depositadas por el Musée des Arts Décoratifs), lo que la convierte en una de las más grandes del mundo junto con la del Metropolitan Museum de Nueva York (12.000 o 13.000 obras), y las del Museo Británico, el Museo V&A y el Museo Islámico de Berlín.
Las artes del Islam han estado presentes en las colecciones francesas durante siglos. En 2002, el presidente Jacques Chirac pide la creación de un departamento independiente de Artes Islámicas en el Museo del Louvre. Este departamento es creado por el decreto del 1 de agosto de 2003. En 2003 se lanzó un concurso para la creación de los espacios necesarios. Los ganadores del concurso fueron anunciados el 23 de septiembre de 2005: Mario Bellini y Rudy Ricciotti, asociados con Renaud Piérard . La envolvente arquitectónica se completó en 2011.
Las nuevas salas fueron inauguradas el 18 de septiembre de 2012. En total, se exhiben 3.000 obras en 3 salas que ocupan 3.000 m² de exposición (4.000 m² para el MET). Desde las ventanas de ciertas estancias del palacio se puede ver, en el corazón de uno de los patios interiores, una asombrosa malla ondulante de metal dorado. Desde 2012, es aquí, en una arquitectura de vidrio y luz, donde puede venir a admirar la colección de arte islámico del Louvre.
Esta estructura de vidrio y metal es obra de los arquitectos Rudy Ricciotti y Mario Bellini y del escenógrafo Renaud Piérard. Encaja en el Cour Visconti, antiguamente abierto al cielo. Pero esto es solo la parte visible: las colecciones se distribuyen en dos niveles, con dos ambientes lumínicos diferentes. El nivel superior se abre como una caja de vidrio colocada en el patio, bajo un sorprendente techo de metal corrugado. Duna de arena o mashrabiya, todos pueden dar rienda suelta a su imaginación. Aquí, las obras están bañadas de luz natural, pero protegidas de los rayos del sol por la estructura metálica.
En el nivel inferior, por el contrario, es el reinado del misterioso descubrimiento de tesoros en una atmósfera tenue digna de una cueva de Alí Babá. Las obras brillan con sus materiales preciosos y sus mil colores. Nos transportan en múltiples viajes a Oriente, entre Córdoba, El Cairo, Damasco, Bagdad, Alepo, Mosul, Estambul, Isfahan y Agra en la India.
Descubre la variedad y el lujo de estos objetos que pertenecieron a califas, sultanes o príncipes. Museo del Louvre Descubra la inventiva y la excelencia de los artistas a través de las cerámicas brillantes, a veces con reflejos dorados o en azul chino, los cuencos y jarrones de metal con incrustaciones de oro y plata, los marfiles delicadamente tallados. El Museo del Louvre también nos sumergirá en el fascinante mundo de los paisajes, los jardines, las escenas de la vida en los palacios, a través de las obras maestras de la pintura en miniatura, las sedas o las alfombras. Las soberbias lámparas de cristal esmaltado nos trasladan a las mezquitas de El Cairo y los coloridos azulejos de la cerámica de Iznik, a los monumentos de Estambul o Ispahan.
Departamento de Antigüedades Egipcias
El Departamento de Antigüedades Egipcias del Louvre es un departamento del Louvre que es responsable de los artefactos de las civilizaciones del Nilo que datan desde el 4000 a. C. hasta el siglo IV. La colección, que comprende más de 50,000 piezas, se encuentra entre las más grandes del mundo y ofrece una descripción general de la vida egipcia que abarca el Antiguo Egipto, el Reino Medio, el Reino Nuevo, el arte copto y los períodos romano, ptolemaico y bizantino. El Departamento de Antigüedades Egipcias del Museo del Louvre mantiene una de las principales colecciones egiptológicas del mundo fuera del territorio egipcio, junto con el Museo Egipcio de Turín y el Museo Británico y, en Egipto, el Museo Egipcio de El Cairo.
Los orígenes del departamento se encuentran en la colección real, pero fue aumentado por el viaje expedicionario de Napoleón en 1798 con Dominique Vivant, el futuro director del Louvre. Después de que Jean-François Champollion tradujera la Piedra de Rosetta, Carlos X decretó la creación de un departamento de Antigüedades egipcias. Champollion aconsejó la compra de tres colecciones, formadas por Edmé-Antoine Durand, Henry Salt y Bernardino Drovet; estas adiciones sumaron 7.000 obras. El crecimiento continuó gracias a las adquisiciones de Auguste Mariette, fundador del Museo Egipcio de El Cairo. Mariette, después de las excavaciones en Menfis, envió cajas de hallazgos arqueológicos, incluido El escriba sentado.
Custodiado por la Gran Esfinge (c. 2000 a. C.), la colección se encuentra en unas 30 salas. Las posesiones incluyen arte, rollos de papiro, momias, herramientas, ropa, joyas, juegos, instrumentos musicales y armas. Las piezas del período antiguo incluyen el cuchillo Gebel el-Arak del 3400 a. C., el escriba sentado y la cabeza del rey Djedefre. El arte del Reino Medio, «conocido por su trabajo en oro y sus estatuas», pasó del realismo a la idealización; esto se ejemplifica con la estatua de esquisto de Amenemhatankh y el portador de ofrendas de madera. Las secciones del Nuevo Reino y del Egipto copto son profundas, pero la estatua de la diosa Neftis y la representación en piedra caliza de la diosa Hathor demuestran el sentimiento y la riqueza del Nuevo Reino.
La colección cubre todas las épocas de la antigua civilización egipcia, desde la época de Nagada hasta el Egipto romano y copto. Actualmente, las Antigüedades egipcias se distribuyen en tres plantas del ala Sully del museo, en una treintena de salas en total: en la entreplanta, encontramos el Egipto romano y el Egipto copto; en la planta baja y en el primer piso, Egipto faraónico.
Las colecciones egipcias se extienden en 2 plantas. En el primero, una presentación de la vida cotidiana de los egipcios a través de salas temáticas, en el segundo, una presentación cronológica del antiguo Egipto desde la época predinástica hasta la época ptolemaica. Las salas del Museo Carlos X acogen, en particular, el final de la presentación cronológica de las Antigüedades egipcias del Louvre: el Nuevo Imperio, el Tercer Periodo Intermedio, el Periodo Tardío y el Periodo Ptolemaico.
Lo más destacado de la colección
Actualmente, las Antigüedades egipcias se distribuyen en tres plantas: en la entreplanta, el Egipto romano y el Egipto copto; en la planta baja y en el primer piso, Egipto faraónico. Entre las exhibiciones más famosas se encuentran el cuchillo Gebel el-Arak y la paleta de caza del período Nagada. La pieza principal que ilustra el arte del período thinita es la estela del Rey Serpiente.
El arte del Reino Antiguo incluye obras maestras como las tres estatuas de Sepa y su esposa Nesa que datan de la Tercera Dinastía, el famoso Escriba en cuclillas, probablemente de la Cuarta Dinastía, así como la estatuilla de piedra caliza pintada que representa a Raherka y su esposa Merseânkh. . La capilla de la mastaba de Akhethotep, desmantelada de su sitio original en Saqqara y reensamblada en una de las habitaciones de la planta baja, es un ejemplo de arquitectura funeraria que data de la Quinta Dinastía.
El Reino Medio se extiende desde alrededor de -2033 a -1786, correspondiente a la dinastía XI (-2106 a -1963), que vio el país reunificado alrededor de -2033 por Montouhotep II y a la dinastía XII (-1963 a -1786) , edad de oro del Reino Medio. Este período está representado principalmente en el Louvre por obras que datan de la dinastía XII. Para el Reino Medio, está la gran estatua de madera que representa al Canciller Nakhti así como su sarcófago, un bellísimo portador de ofrendas en madera estucada y pintada, un gran dintel de puerta en piedra caliza tallado en relieve en el hueco y procedente del templo. de Montou en Médamoud, la esfinge de Amenemhat II (obras todas que datan de la dinastía XII).
Para el Nuevo Imperio, destacamos el busto de Akhenaton que data de la dinastía XVIII, así como la estatuilla policromada que lo representa con su esposa Nefertiti, obras que ilustran las particularidades del arte de Amarna; también hay varias obras importantes de las dinastías XIX y XX (que son las de los Ramessides), en particular el relieve pintado que representa a Hathor dando la bienvenida a Seti I y procedente de la tumba del faraón en el Valle de los Reyes, el anillo de caballos y la cuenca del sarcófago de Ramsés III.
Del Período Tardío y del Período Ptolemaico, el museo exhibe en particular el colgante con el nombre de Osorkon II, una obra maestra de la orfebrería antigua, la estatuilla de Taharqa y el dios Hémen (bronce, grauvaca y oro), la estatuilla de bronce con incrustaciones representando al divino adorador de Amon Karomama, una estatua de bronce de Horus, el famoso zodíaco de Dendera así como varios retratos del Fayum de la época romana.
Cripta de la esfinge
Una extraña criatura, mitad humana mitad animal, parece custodiar la entrada a las colecciones egipcias. Desde el fondo de su cripta, con cuerpo de león y rostro de rey, la gran esfinge de Tanis da la bienvenida al visitante con su enigmática figura. Anuncia un vasto recorrido de más de 6.000 obras que abarcan casi 5.000 años de historia egipcia.
En la planta baja del ala Sully, diecinueve salas componen el recorrido temático. En el primer piso del ala Sully, once salas conforman el itinerario cronológico, con una división entre el espacio de exhibición de grandes obras y las galerías de estudio más densas.
Las primeras salas evocan los principales aspectos de la civilización egipcia, como la importancia del Nilo y su crecida anual que permite la agricultura. La capilla de la mastaba de Akhethotep permite ver la monumentalidad de la arquitectura egipcia. Se dedica una sala a los jeroglíficos y luego descubrimos la vida cotidiana de los egipcios, su artesanía, su mobiliario, sus adornos y su ropa. La sala del templo, luego la colección de sarcófagos, recuerdan el lugar central de la religión y los ritos funerarios en la civilización egipcia.
En la primera planta se ofrece un acercamiento histórico-artístico a esta civilización. En esta ocasión, se trata de descubrir la evolución cronológica del arte egipcio a lo largo de casi 5000 años. El visitante se cruza notablemente con la famosa mirada del Escriba agachado o puede admirar las estatuas de reyes y reinas como Sesostris III, Ahmes Nefertari, Hatshepsout, Amenofis III, Nefertiti y Akhenaton o Ramsés II.
Egipto nos es conocido hoy en día, en gran parte gracias a sus tumbas, su decoración y su mobiliario. Bajo el Imperio Antiguo (2700-2200 aC), se autorizó al séquito del rey a construir ricos entierros llamados mastaba. Estos enormes edificios incluyen una cámara funeraria en el fondo de un pozo donde se coloca la momia del difunto en su sarcófago. Sobre este pozo, en la superestructura, se encuentra una capilla en la que se realizaba el culto funerario.
Comprada al gobierno egipcio en 1903, la capilla mastaba de un tal Akhethetep fue reconstruida piedra a piedra en el museo. En el interior, descubrimos los bajorrelieves pintados y subtitulados con inscripciones jeroglíficas. Una auténtica mina de información sobre la vida cotidiana de los antiguos egipcios, la vida campesina en el valle del Nilo, el trabajo de campo según las estaciones. Entre las exhibiciones más famosas se encuentran el cuchillo Gebel el-Arak y la paleta de caza del período Nagada. La pieza principal que ilustra el arte de la era de Thinita es la Estela del Rey Serpiente.
Departamento de Antigüedades griegas, etruscas y romanas
El departamento se distribuye en tres plantas: en el entrepiso la Grecia preclásica; en la planta baja Grecia clásica y helenística, así como antigüedades romanas; en el primer piso, al que se accede por la escalera Daru donde se asienta la Victoria Alada de Samotracia, las colecciones etruscas (salas 660, 662, 663), la cerámica griega expuesta en la Galería Campana, las figurillas de terracota, los bronces y objetos de valor .
La colección de la antigua Grecia
Tras una importante reforma, el Museo del Louvre abre al público nuevas salas dedicadas al arte griego clásico y helenístico (-450/-430). Fruto de esta obra, la Venus de Milo, una de las obras más conocidas del museo, se encuentra en la planta baja de la esquina suroeste de la Cour Carrée (ala Sully).
Entre las obras más famosas expuestas en el departamento se encuentran, para Grecia, la Dama de Auxerre, el jinete Rampin, los dinosaurios del Pintor Gorgona, las metopas del templo de Zeus en Olimpia, la Venus de Milo, la Victoria de Samotracia , numerosas copias romanas de originales griegos perdidos, como el Apolo sauroctoniano de Praxiteles, la Venus de Arles, el Ares Borghese, la Diana Cazadora conocida como Diana de Versalles o el Gladiador Borghese. En cerámica, encontramos en particular jarrones importantes firmados por los pintores Exekias y Euphronios.
Para el arte etrusco, las piezas principales son el peroné de oro y los baldaquinos de Chiusi, el sarcófago de los Esposos de Cerveteri y los pinakes pintados llamados «platos de Campana». Para el arte romano, encontramos la base del grupo estatuario de Domicio Enobarbo, el Apolo de Piombino, el Vaso Borghese, la estatua funeraria de Marcelo en Hermes, el retrato de Agripa del tipo de Gabies, numerosos retratos de emperadores, en particular de Augusto, Trajano, Adriano y Septimio Severo, el sarcófago de Salónica y el tesoro de Boscoreale.
La colección de arte griego pertenece al departamento de Antigüedades griegas, etruscas y romanas, que se distribuye en tres plantas: en el entrepiso la Grecia preclásica; en la planta baja Grecia clásica y helenística, así como antigüedades romanas; en el primer piso, al que se accede por la escalera Daru donde se asienta la Victoria Alada de Samotracia, las colecciones etruscas (salas 660, 662, 663), la cerámica griega expuesta en la Galería Campana, las figurillas de terracota, los bronces y objetos de valor .
El departamento griego, etrusco y romano exhibe piezas de la cuenca mediterránea que datan desde el Neolítico hasta el siglo VI. La colección abarca desde el período de las Cícladas hasta el declive del Imperio Romano. Este departamento es uno de los más antiguos del museo; comenzó con arte real apropiado, parte del cual fue adquirido bajo Francisco I. Inicialmente, la colección se centró en esculturas de mármol, como la Venus de Milo. Obras como el Apolo Belvedere llegaron durante las guerras napoleónicas, pero estas piezas fueron devueltas después de la caída de Napoleón I en 1815. En el siglo XIX, el Louvre adquirió obras que incluyen jarrones de la colección Durand, bronces como el jarrón Borghese de la Bibliothèque nationale .
Lo arcaico lo demuestran joyas y piezas como la Dama de Auxerre de piedra caliza, del 640 a. C.; y la cilíndrica Hera de Samos, c. 570–560 a. Después del siglo IV a. C., aumentó el enfoque en la forma humana, ejemplificado por el Gladiador Borghese. El Louvre alberga obras maestras de la época helenística, como La victoria alada de Samotracia (190 a. C.) y la Venus de Milo, símbolo del arte clásico. La larga Galerie Campana muestra una destacada colección de más de mil cerámicas griegas. En las galerías paralelas al Sena, se exhibe gran parte de la escultura romana del museo. El retrato romano es representativo de ese género; los ejemplos incluyen los retratos de Agrippa y Annius Verus; entre los bronces se encuentra el griego Apolo de Piombino.
La colección de antigüedades de Grecia
El comienzo del arte de la Grecia preclásica está representado esencialmente en el departamento por las figurillas de terracota del Neolítico (6500-3200 aC) producidas en Tesalia. El archipiélago de las Cícladas, en particular en Kéros, Naxos (variedad conocida como «de Spedos»), está representado por estatuillas y jarrones de mármol de la Edad del Bronce Antiguo (3200-2000 a. C.).
Algunas piezas dan testimonio de la civilización minoica ((2000 – 1400 a. C.) incluido un fragmento de fresco (cabeza femenina de perfil, Phaïstos) que recuerda las decoraciones palaciegas de la época en Knossos. La civilización micénica (2000 -1050 a. C.) está esencialmente representada aquí por material funerario que incluye un carro de terracota (bige) que atestigua el uso de carros de combate por parte de los guerreros micénicos.
El Período de la Grecia Geométrica, que va desde aproximadamente el 900 al 700 a. C., está representado aquí por cerámicas con patrones geométricos que pueden incluir figuras humanas o representaciones estilizadas de animales. Luego vendrán los períodos orientalizante y arcaico.
Colección Grecia Clásica y Helenística
Esta sección recoge la Venus de Milo, la Victoria alada de Samotracia y numerosas copias romanas de originales griegos perdidos, como el Apolo sauroctoniano de Praxiteles, la Venus de Arles, el Ares Borghese, la Diana cazadora conocida como Diana de Versalles o el Borghese Gladiador.
El gobierno francés, organizó la expedición de Morea en 1828. Inspirándose en la expedición científica de la campaña egipcia de 1798, se decidió sumar al envío de las tropas un grupo de eruditos. El Senado griego, reunido en Argos en 1829, donó a Francia elementos de seis metopas del Templo de Zeus en Olimpia.
Colección de cerámica griega
Con más de 13.000 obras, es la colección más rica del mundo. En cerámica, en particular, importantes jarrones firmados por los pintores Exekias y Euphronios.
La galería de antigüedades
En lugar de los antiguos aposentos reales, la Galerie des Antiques del Louvre da la bienvenida a los visitantes en busca de obras maestras de la escultura griega, quizás la más famosa de las cuales es la Venus de Milo. Junto con la Mona Lisa y la Victoria de Samotracia, es una de las tres grandes damas del Museo del Louvre. Su nombre proviene de la isla griega de Milo, donde fue descubierta en 1820. Adquirida casi de inmediato por el marqués de Rivière, entonces embajador de Francia en Grecia, luego fue ofrecida al rey Luis XVIII. El soberano a su vez lo ofreció al Louvre en marzo de 1821.
Como ocurre con ciertas estatuas antiguas, la Venus de Milo está formada por varios bloques de mármol de Paros. Su cuerpo fue esculpido en dos partes: la conexión entre el busto y las piernas es apenas visible a la altura de las caderas, porque está oculta en el drapeado. Los brazos también fueron esculpidos y luego conectados al busto, como lo demuestra el orificio de fijación a la altura del hombro izquierdo. Otras esculturas de la sala muestran el sistema de conexión de los bloques tallados por separado y luego ensamblados.
En el momento de llevarlo al Louvre, se planeó restaurar los brazos perdidos. Pero finalmente se abandona la idea para no desvirtuar la obra. Esta ausencia de brazos dificulta la identificación de la estatua: los dioses griegos suelen ser reconocibles por objetos o elementos naturales, llamados atributos, que sostienen en sus manos. En el momento de su descubrimiento, por lo tanto dudó sobre la identidad de la diosa.
Se cree que la Venus de Milo representa a Afrodita, la diosa griega del amor, cuya contraparte romana era Venus. La escultura a veces se llama Afrodita de Milos, debido a la imprecisión de nombrar la escultura griega como una deidad romana (Venus). Algunos eruditos teorizan que la estatua en realidad representa a la diosa del mar Anfitrite, que era venerada en la isla en la que se encontró la estatua.
Cuando la Venus de Milo ingresó al Louvre en 1821, fue el comienzo de una serie de numerosos movimientos. Como es lógico, primero se colocó en la galería de Antigüedades, en la sala que ocupa hoy. Uno puede venir y admirar a la Venus de Milo en una gran sala donde está casi sola, al final de una larga fila. La rica decoración de mármol rojo data de la época de Napoleón I a principios del siglo XIX.
Escaleras Daru
En lo alto de la escalera de Daru se eleva la Victoria de Samotracia, una de las estatuas más famosas que se conservan en el Museo del Louvre. Este escenario espectacular ha sido cuidadosamente pensado para resaltar esta obra maestra del arte helenístico griego. La escultura antigua y la arquitectura moderna hacen de esta escalera uno de los lugares emblemáticos del museo.
¡Parece estar flotando en el aire! La Victoria de Samotracia es una de las raras estatuas griegas cuya ubicación original se conoce con precisión. Se hizo como ofrenda a los dioses para el santuario en la isla griega de Samotracia. Situada en altura, debería poder verse desde lejos. Esto es lo que quiere evocar esta puesta en escena en lo alto de las escaleras de Daru. Nike, la diosa alada de la Victoria, es atrapada en el momento en que aterriza en el barco.
La Victoria alada de Samotracia, o Nike de Samotracia, es un monumento votivo que se encuentra originalmente en la isla de Samotracia, al norte del mar Egeo. Es una obra maestra de la escultura griega de la época helenística, que data de principios del siglo II a. Está compuesto por una estatua que representa a la diosa Niké (Victoria), a la que le faltan la cabeza y los brazos, y su base en forma de proa de barco.
La altura total del monumento es de 5,57 metros incluido el zócalo; la estatua sola mide 2,75 metros. La escultura es una de las pocas estatuas helenísticas importantes que sobreviven en el original, en lugar de copias romanas. La Victoria alada se exhibe en el Museo del Louvre de París, en lo alto de la escalera principal, desde 1884. La estatua, de mármol blanco de Paros, representa a una mujer alada, la diosa de la Victoria (Nikè), que se posa en la proa de un buque de guerra.
El Nike está vestido con una túnica larga (chitôn) de un tejido muy fino, con una solapa doblada y ceñida bajo el pecho. Iba sujeto a los hombros por dos finas correas (la restauración no es exacta). La parte inferior del cuerpo está parcialmente cubierta por un grueso manto enrollado en la cintura. vuela libremente en la espalda. El manto va cayendo, y sólo la fuerza del viento lo sujeta sobre su pierna derecha. El escultor ha multiplicado los efectos de los drapeados, entre los lugares donde la tela se chapa contra el cuerpo revelando sus formas, especialmente en el vientre, y aquellos donde se acumula en pliegues profundamente ahuecados proyectando una fuerte sombra, como entre las piernas.
La diosa avanza apoyada en su pierna derecha. La diosa no camina, estaba terminando su vuelo, sus grandes alas aún se extendían hacia atrás. Los brazos desaparecieron, pero el hombro derecho levantado indica que el brazo derecho estaba levantado hacia un lado. Con el codo doblado, la diosa hizo de su mano un gesto victorioso de salvación. Todo el cuerpo está inscrito en un triángulo rectangular, una figura geométrica simple pero muy sólida: era necesario soportar tanto las formas completas de la diosa, la acumulación de ropajes y la energía del movimiento.
La colección de antigüedades romanas
Las antigüedades romanas del primer piso, a las que se accede por la escalera Daru donde se encuentra la Victoria Alada de Samotracia, las colecciones etruscas (salas 660, 662, 663), la cerámica griega expuesta en la Galería Campana, las figurillas de terracota, el bronces y objetos de valor. La larga Galerie Campana muestra una destacada colección de más de mil cerámicas griegas. En las galerías paralelas al Sena, se exhibe gran parte de la escultura romana del museo. El retrato romano es representativo de ese género; los ejemplos incluyen los retratos de Agrippa y Annius Verus; entre los bronces se encuentra el griego Apolo de Piombino.
Las antigüedades romanas pertenecen al Departamento de Antigüedades griegas, etruscas y romanas del Louvre, uno de los ocho departamentos del Museo del Louvre. Alberga una de las colecciones de arte antiguo más grandes y famosas del mundo. El departamento griego, etrusco y romano exhibe piezas de la cuenca mediterránea que datan desde el Neolítico hasta el siglo VI. La colección abarca desde el período de las Cícladas hasta el declive del Imperio Romano.
Este departamento es uno de los más antiguos del museo; comenzó con arte real apropiado, parte del cual fue adquirido bajo Francisco I. Inicialmente, la colección se centró en esculturas de mármol, como la Venus de Milo. Obras como el Apolo Belvedere llegaron durante las guerras napoleónicas, pero estas piezas fueron devueltas después de la caída de Napoleón I en 1815. En el siglo XIX, el Louvre adquirió obras que incluyen jarrones de la colección Durand, bronces como el jarrón Borghese de la Bibliothèque nationale .
El departamento alberga más de 80.000 obras de la antigüedad etrusca, griega y romana, lo que lo convierte en una de las colecciones más ricas del mundo. En particular, hay más de 5.000 esculturas antiguas y más de 13.000 cerámicas griegas. En total, se presentan 6.000 obras en 50 salas y 9.400 m2.
En el Louvre, se instalaron gradualmente las colecciones de antigüedades griegas y romanas. Luis XIV colocó por primera vez parte de su colección en la Salle des Cariatides en 1692. En 1798, llegaron nuevas antigüedades tras las campañas italianas. Entonces se creó la Galerie des Antiques en los antiguos apartamentos de Ana de Austria. Posteriormente, en 1807, Napoleón I compró la colección de su cuñado, el príncipe Camille Borghese. Luego, el Emperador hizo ampliar la Galería de Antigüedades utilizando las salas contiguas que hoy albergan, entre otras obras maestras, la Venus de Milo.
Cuando cayó el Primer Imperio en 1815, muchas estatuas fueron devueltas a su país de origen. Pero las obras maestras antiguas todavía se exhiben en estas salas ceremoniales que ahora están dedicadas a las colecciones romanas: primero estatuas y relieves de mármol o bronce, luego pinturas murales de Pompeya. Aquí se pueden admirar obras desde finales de la República romana, con el llamado relieve de Domicio Enobarbo, hasta los emperadores filósofos del siglo II, Adriano y Marco Aurelio.
Los apartamentos de Ana de Austria
Las colecciones de antigüedades romanas ubicadas en los primeros apartamentos de verano de Ana de Austria, la madre de Luis XIV. luego Galería de Antigüedades por voluntad de Napoleón Bonaparte en 1800, estas salas han conservado sus techos originales. La reina Ana de Austria, madre de Luis XIV, a la muerte de su marido Luis XIII en 1643, asumió la regencia por un tiempo. Luego se aloja en el apartamento que ha sido el de las reinas desde Catalina de Medici en el siglo XVI.
Las obras del resplandeciente fueron confiadas al arquitecto Louis Le Vau. Se dedicó al Palacio de Versalles. La decoración es obra del pintor Giovanni Francesco Romanelli y del escultor Michel Anguier. Los dos artistas se inspiran en palacios italianos, como el Palacio Farnese en Roma o el Palacio Pitti en Florencia. Antiguos dioses y diosas se mezclan con alegorías de las estaciones, elementos, estrellas y virtudes, y personajes bíblicos para celebrar a la reina madre.
Después de la Revolución Francesa de 1789, los antiguos aposentos reales se transformaron gradualmente en un museo. Este apartamento es ideal para albergar todas las colecciones de esculturas antiguas traídas de Italia. El arquitecto Jean-Arnaud Raymond dirigió la obra de la nueva «Galerie des Antiques» de 1798 a 1800. Derribó paredes y puertas para abrir las salas entre sí y creó pórticos de columnas y grandes arcadas para dar aún más majestuosidad a la fila larga
Departamento de Esculturas
El departamento de escultura es uno de los ocho departamentos del Museo del Louvre. Alberga una de las colecciones de esculturas más importantes del mundo y la más rica colección de obras francesas. El departamento de escultura alberga más de 6.000 obras, incluida la colección de escultura francesa más grande del mundo. En total, se presentan más de 2.000 obras en 67 salas repartidas en dos patios (8.500 m2 en total).
El Louvre ha sido un depósito de material esculpido desde su época como palacio; sin embargo, solo se exhibió arquitectura antigua hasta 1824. El departamento de escultura consta de obras creadas antes de 1850 que no pertenecen al departamento etrusco, griego y romano. En sus inicios, el museo exhibió solo esculturas antiguas, con la única excepción de las dos estatuas de esclavos de Miguel Ángel. La galería de Angoulême abrió sus puertas en 1824, con cinco salas dedicadas a obras que van desde el Renacimiento hasta el siglo XVIII. A partir de 1850 se añadió la escultura medieval, pero no fue hasta 1893 cuando el Departamento de Escultura se autonomizó y dejó de estar adscrito al de Antigüedades.
Inicialmente, la colección incluía solo 100 piezas, el resto de la colección real de esculturas se encontraba en Versalles. Permaneció pequeño hasta 1847, cuando Léon Laborde tomó el control del departamento. Laborde desarrolló la sección medieval y compró las primeras estatuas y esculturas de este tipo de la colección, King Childebert y stanga door, respectivamente. La colección formaba parte del Departamento de Antigüedades, pero se le dio autonomía en 1871 bajo Louis Courajod, un director que organizó una representación más amplia de obras francesas.
En 1986, todas las obras posteriores a 1850 se trasladaron al nuevo Musée d’Orsay. El proyecto del Gran Louvre separó el departamento en dos espacios de exhibición; la colección francesa se exhibe en el ala Richelieu y las obras extranjeras en el ala Denon. Entre las modificaciones recientes, la agrupación de todas las estatuas creadas para el parque del castillo de Marly, en particular, las grandes estatuas ecuestres de Antoine Coysevox y Guillaume Coustou. La escultura francesa, repartida en numerosas salas alrededor de dos patios cubiertos, se ubica en el ala Richelieu, mientras que la escultura italiana y española, así como la de las escuelas del norte, se exhibe en el ala Denon, en la planta baja.
Lo más destacado de la colección
El resumen de la colección de escultura francesa contiene obras románicas como Daniel en el foso de los leones del siglo XI y la Virgen de Auvernia del siglo XII. En el siglo XVI, la influencia del Renacimiento hizo que la escultura francesa se volviera más restringida, como se ve en los bajorrelieves de Jean Goujon y el Descendimiento de la cruz y la Resurrección de Cristo de Germain Pilon. Los siglos XVII y XVIII están representados por el Busto del cardenal Richelieu de 1640 de Gian Lorenzo Bernini, Mujer bañándose y Amour menaçant de Étienne Maurice Falconet y los obeliscos de François Anguier. Las obras neoclásicas incluyen Psique revivida por el beso de Cupido (1787) de Antonio Canova. Los siglos XVIII y XIX están representados por escultores franceses como Alfred Barye y Émile Guillemin.
Entre los artistas expuestos, además de los muchísimos anónimos (especialmente para la Edad Media), destacamos, para la escultura francesa, obras importantes de Jean Goujon, Germain Pilon, Pierre Bontemps, Pierre Puget, Antoine Coysevox, François Girardon, los hermanos Coustou, Jean-Baptiste Pigalle, Edmé Bouchardon, Etienne-Maurice Falconet, Augustin Pajou, Jean-Antoine Houdon, François Rude, David d’Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, para escultura italiana, también bien representados, destacamos obras de Donatello, Desiderio da Settignano, Francesco Laurana, Andrea della Robbia, Michelangelo, Benvenuto Cellini, Giambologna, Le Bernin y Antonio Canova, así como de François Duquesnoy para Flandes.
El patio de Marly
Bajo los techos de cristal de Cours Marly y Puget, es donde se encuentran las obras maestras de la escultura francesa. Las estatuas reunidas en el Louvre a menudo estaban diseñadas para el exterior, en particular para los jardines de los palacios de Versalles o las Tullerías. El castillo de Marly fue la residencia de recreo del rey Luis XIV, el castillo de Marly y su parque ahora han desaparecido, se han conservado algunas de sus esculturas. Después de una estancia en varios espacios públicos de París, ahora están bien protegidos, bajo el techo de cristal de la Cour Marly.
El ala Richelieu (ala norte que bordea la rue de Rivoli) es la más reciente en la larga historia de la construcción del Louvre. Fue construido bajo Napoleón III y albergó durante más de un siglo, desde 1871 hasta 1989, el Ministerio de Hacienda. Después de que el ministerio partiera hacia Bercy, al este de París, las salas fueron asignadas al museo e inauguradas en 1993.
Cuando los arquitectos Ieoh Ming Pei y Michel Macary comenzaron a trabajar para modernizar el Museo del Louvre, los dos patios aún estaban abiertos al cielo. Los arquitectos lo vieron como el lugar ideal para albergar las esculturas que adornaban jardines o plazas públicas. Un sistema de terrazas destaca las obras en diferentes niveles y proporciona variadas perspectivas, mientras que los lucernarios proporcionan una iluminación óptima. Un ingenioso sistema de parasoles de aluminio actúa como regulador lumínico, acústico y térmico.
En lo alto del patio se elevan las obras más emblemáticas, los Caballos de Marly. Antoine Coysevox, uno de los escultores favoritos de Luis XIV, creó estos dos grupos monumentales para la gloria del Rey Sol. Pegaso, el caballo alado de la mitología grecorromana, está montado por la alegoría de la Fama, que proclama las victorias militares del rey, y por Mercurio, el dios romano del comercio, que encarna la prosperidad. Veinte años más tarde, Luis XV a su vez se instala en Marly y encarga nuevas obras a Guillaume Coustou para sustituir las que habían sido retiradas. El escultor compite con su predecesor para dar aún más dinamismo a estos enérgicos caballos.
El patio de Puget
El Cour Puget lleva el nombre de Pierre Puget, uno de los grandes escultores del reinado de Luis XIV y alberga sus obras maestras, Perseo y Andrómeda y Milo de Crotone, realizadas para los jardines de Versalles. La expresividad, el dinamismo y la fuerza dramática de estas esculturas son características del arte barroco. El Cour Puget le permite viajar a través de los siglos y ver la evolución de la escultura, desde el siglo XVII hasta el XIX.
Las esculturas del siglo XVII provienen de monumentos reales en gran parte destruidos. Engalanaban las grandes plazas reales como la Place Vendôme o la Place des Victoires de París, y proclamaban la gloria del soberano. Las obras del siglo XVIII proceden de jardines. En aquella época nos encantaban los temas ligeros tratados con un estilo delicado y elegante, como la Marquesa de Pompadour, favorita de Luis XV, representada como una alegoría de la Amistad. Finalmente, el Cour Puget presenta un panorama de la escultura al aire libre de la primera mitad del siglo XIX, desde obras neoclásicas realizadas bajo Napoleón I hasta estatuas románticas como el furioso Rolando de Duseigneur, en un estilo lírico y fogoso.
Galería Michel-Ange
Bajo las amplias bóvedas de la galería se conservan obras maestras de la escultura italiana, incluidos los famosos Esclavos de Miguel Ángel. Durante casi tres siglos, los escultores han competido en ingenio para sacar a la luz los sentimientos del alma humana. Construida entre 1854 y 1857, esta galería tiene sobre todo una función práctica: es el acceso oficial a la Salle des Etats, donde se celebraron las principales sesiones legislativas del Segundo Imperio. Es también el lugar de exposición de las esculturas del Salón, este gran evento artístico de la época que presentaba la obra de artistas vivos.
Hector Lefuel se inspira en la obra de su antecesor, el arquitecto Pierre Fontaine. Este último trabajó en el Louvre durante los diferentes regímenes políticos, a lo largo de la primera mitad del siglo XIX. Sus distribuciones en la Salle des Cariatides y en la Galerie d’Angoulême inspiraron a Lefuel con las amplias bóvedas de las galerías Michelangelo y Daru, así como el pavimento de mármol del suelo en diferentes colores. Aquí, la luz es natural. Procede de los amplios vanos abiertos a ambos lados de la galería. Esta iluminación, que no sería apta para cuadros, destaca especialmente las esculturas de mármol blanco, pero también las de bronce o terracota.
La galería Michelangelo presenta hoy un panorama de la escultura italiana de los siglos XVI al XIX. Debe su nombre al artista florentino Miguel Ángel. Desde la distancia, incluso antes de entrar en la galería, se puede ver al hombre conocido como El esclavo moribundo, magnificado por el juego de la perspectiva. Detrás de él se encuentra un portal monumental, decorado con las figuras de Hércules y Perseo, que proviene del palacio Stanga di Castelnuovo en Cremona. Su forma recuerda el antiguo modelo del Arco del Triunfo.
Luego viene Flying Mercury de Jean Bologna, conocido como Giambologna, un escultor nacido en Flandes que disfrutó del éxito en Florencia. También podemos ver a Mercurio secuestrando a Psique de su alumno Adriaen de Vries. Antes de salir de la galería, los visitantes pueden admirar a Psique revivida por el beso de Cupido de Canova. Esta obra es un ejemplo particularmente virtuoso del trabajo en mármol. El artista restaura a la perfección la suavidad de la carne y el impulso.
El Salón de las Cariátides
La Sala de las Cariátides es probablemente uno de los testimonios arquitectónicos más bellos del Louvre renacentista. 1528. El rey Francisco I decide elegir el Louvre para convertirlo en su residencia principal en París. Sino para dar a este antiguo castillo defensivo el esplendor y el lujo que supo admirar en los palacios italianos. Nombró al arquitecto Pierre Lescot al frente de este colosal sitio en 1546. El salón de baile de los reyes de Francia marca el comienzo de este nuevo estilo artístico en París. Y desde el siglo XVII alberga una prestigiosa colección de esculturas antiguas bajo sus amplias bóvedas.
Las cuatro cariátides que sostienen la galería de los músicos le dieron su nombre. Estas columnas con forma de figuras femeninas son obra del escultor Jean Goujon, en 1550. Esta obra está totalmente en la línea de las inquietudes del Renacimiento que se inspira en la Antigüedad. Aquí, el artista reinterpreta un monumento del siglo II aC: el foro del emperador Augusto en Roma. La sala de las Cariátides ha tenido múltiples funciones y en particular la de salón de baile. También fue escenario de importantes acontecimientos históricos, como la ceremonia fúnebre tras el asesinato de Enrique IV en 1610. Fue aquí donde Molière actuó por primera vez antes de que Luis XIV regalara Le Dépit amour, luego L’Etourdi y Les Précieuses. Ridículo.
A partir de 1692 comenzaron a exhibirse allí esculturas de la colección de Luis XIV. Se llama entonces la sala de las Antigüedades. En 1806, Napoleón I lo hizo adjuntar a la Galerie des Antiques, que había dispuesto en las salas contiguas por los arquitectos Charles Percier y Pierre Fontaine (ver la Salle de la Vénus de Milo y los Appartements d’Anne d’Ecosse). Estos últimos dirigen la finalización de la decoración de la sala de las Cariátides: se esculpieron los arcos de la bóveda y se reconstruyó la chimenea alrededor de las dos figuras alegóricas de Jean Goujon.
Hoy, la Sala de las Cariátides alberga obras maestras de las colecciones de escultura griega y, más concretamente, representaciones de los dioses, diosas y héroes de la mitología. Algunas de las obras que se muestran aquí son en realidad copias romanas en mármol de un original griego en bronce. Este es particularmente el caso de la graciosa Artemisa con una cierva, en el centro de la sala. Este mármol data del siglo II d.C. y utiliza un modelo creado alrededor del 330 a.C. También se la llama la Diana de Versalles porque adornó durante mucho tiempo el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles.
En el Louvre, se instalaron gradualmente las colecciones de antigüedades griegas y romanas. Luis XIV hizo instalar por primera vez parte de su colección en la Salle des Cariatides en 1692. A partir de 1798, llegaron nuevas antigüedades tras las campañas italianas. Entonces se creó la Galerie des Antiques en los antiguos apartamentos de Ana de Austria. Posteriormente, en 1807, Napoleón I compró la colección de su cuñado, el príncipe Camille Borghese. Luego, el Emperador hizo ampliar la Galería de Antigüedades utilizando las salas contiguas que hoy albergan, entre otras obras maestras, la Venus de Milo.
Departamento de Artes Decorativas
El Departamento de Objetos de Arte del Museo del Louvre es uno de los departamentos más ricos del museo, constantemente ampliado por donaciones y compras. Hay joyas, estatuillas y baratijas, pero también muebles y tapices. Los objetos abarcan un período que va desde la Alta Edad Media hasta mediados del siglo XIX. La colección, una de las más bellas del mundo, incluye más de 24.163 obras en total, de las cuales 8.500 se exhiben en 96 salas, algunas de las cuales son obras maestras en sí mismas (Galerie d’Apollon, Appartements Napoléon III).
Este departamento fue creado en 1893, cuando se separó del de Esculturas. La colección Objets d’art abarca desde la Edad Media hasta mediados del siglo XIX. El departamento comenzó como un subconjunto del departamento de escultura, basado en la propiedad real y la transferencia de trabajo de la basílica de Saint-Denis, el cementerio de los monarcas franceses que tenía la espada de coronación de los reyes de Francia. De valor excepcional, estos objetos y muebles proceden de las colecciones reales, los antiguos tesoros de Saint-Denis y de la Orden del Espíritu Santo, así como del traslado al Louvre, en 1901, del antiguo Musée du Mobilier National.
A ello se han sumado, desde el principio, múltiples donaciones y compras. Entre las obras más preciadas de la colección en ciernes se encontraban jarrones y bronces de pietre dure. La adquisición de la colección Durand en 1825 agregó «cerámicas, esmaltes y vidrieras», y Pierre Révoil regaló 800 piezas. El inicio del romanticismo reavivó el interés por las obras de arte renacentistas y medievales, y la donación de Sauvageot amplió el departamento con 1.500 obras de la Edad Media y loza. En 1862, la colección Campana incorporó joyas de oro y mayólicas, principalmente de los siglos XV y XVI.
Las colecciones del departamento de obras de arte se encuentran en el primer piso del museo, en el ala Richelieu, las alas norte y noroeste de la Cour Carrée, así como en el primer piso del ala Denon (galería de Apolo) . El ala Richelieu que anteriormente albergaba el Ministerio de Finanzas, que se trasladó a Bercy, se convirtió en salas de exposiciones y se inauguró el 18 de noviembre de 1993. La Galería Apollo en el primer piso del ala Richelieu, nombrada por el pintor Charles Le Brun, que fue encargado por Luis XIV (el Rey Sol) para decorar el espacio con un tema solar.
La colección medieval contiene la corona de coronación de Luis XIV, el cetro de Carlos V y el vaso de pórfido del siglo XII. Las posesiones de arte del Renacimiento incluyen el bronce Nessus y Deianira de Giambologna y el tapiz Maximillian’s Hunt. De períodos posteriores, se destacan la colección de jarrones de Sèvres de Madame de Pompadour y los apartamentos de Napoleón III.
Enero de 2000, nuevas salas dedicadas a obras de arte del siglo XIX abren sus puertas en las antiguas oficinas del Ministerio de Hacienda de Napoleón III, elevando el número de artículos inventariados en el departamento a 20.000. En septiembre de 2000, el Museo del Louvre dedicó la Galería Gilbert Chagoury y Rose-Marie Chagoury a exhibir tapices donados por los Chagoury, incluida una serie de tapices de seis partes del siglo XVI, cosidos con hilos de oro y plata que representan divinidades marinas, que se encargó en París para Colbert de Seignelay, Secretario de Estado de Marina.
En 2005, la sección del departamento Objets d’Art del Louvre dedicada al reinado de Luis XIV y el siglo XVIII se cerró por renovación, originalmente por una cuestión de mejora del sistema eléctrico que duraría 2 años. El 6 de junio de 2014, después de 9 años y con un presupuesto de 26 millones de euros, se han reabierto 33 nuevas salas que contienen más de 2000 objetos, una gran parte de las cuales han sido diseñadas como salas de época que presentan muebles franceses desde el reinado de Luis XIV hasta ese de Luis XVI.
La colección de arte se ha reconstituido gracias a las contribuciones del Palacio de las Tullerías y el Castillo de Saint-Cloud en forma de muebles y otros objetos decorativos, seguidos por el Mobilier national de obras maestras de ebanistería y tapicería de origen real.
Lo más destacado de la colección
Hay 4 grupos de colecciones en el departamento: las colecciones de la Edad Media, las colecciones del Renacimiento y la primera mitad del siglo XVII, las colecciones de la segunda mitad de los siglos XVII y XVIII y las colecciones del siglo XIX. . siglo XIX (incluidos los apartamentos de Napoleón III).
La presentación en salas de las colecciones de la segunda mitad de los siglos XVII y XVIII se ha dividido en tres grandes secuencias cronológicas y estilísticas: 1660-1725: el reinado personal de Luis XIV y la Regencia (salas 601 a 606); 1725-1755: florecimiento del estilo rococó (salas 605, 607 a 615); 1755-1790: la vuelta al clasicismo y el reinado de Luis XVI (salas 616 a 632).
Esta nueva presentación de las colecciones permite mostrar la carpintería de varios salones de mansiones privadas, volver a montar la cúpula de los Petits-Appartements del Hôtel du Prince de Condé realizada por Antoine-François Callet en 1774 y presentar muebles de André – Charles Boulle, Martin Carlin, Mathieu Criaerd, Alexandre-Jean Oppenord.
El techo del vestíbulo del pabellón de Beauvais (sala 605) fue pintado por Carolus Duran. Durante la renovación de 2006-2014, se instaló un techo pintado por Giovanni Scajario, se volvió a montar la cúpula de Toilette de Vénus de Antoine-François Callet del Palais-Bourbon y se colocaron tapices de Noël Coypel. Las habitaciones están decoradas con muebles Boulle, que requieren un mantenimiento y una renovación intensivos.
En la época del rey Luis XIV, luego Luis XV y Luis XVI, se desarrolló el estilo de vida francés. Las residencias reales vieron cambiar su distribución. Desde 1682, la Corte está oficialmente instalada en Versalles. Pero el Rey Sol sigue moviéndose entre Fontainebleau, Compiègne o Marly. Y en cada residencia, la decoración y el mobiliario deben estar a la altura de los estándares de sus prestigiosos ocupantes.
Era la época en que las grandes fábricas estaban en auge: Les Gobelins y Beauvais para tapices, Sèvres para porcelana, La Savonnerie para alfombras, pero también los numerosos talleres de Lyon especializados en el trabajo de la seda… Los ebanistas se hicieron famosos, como Cressent, Carlin, Oeben. o Riesener. Para satisfacer la fuerte demanda, las fábricas y talleres crearon para la Corte muebles preciosos, grandes servicios ceremoniales, refinados instrumentos científicos, incluso pequeños objetos cotidianos.
Inmersos en el ambiente único que reinaba en las grandes residencias del siglo XVIII, parisinas o provincianas, reales o privadas. La mayoría de las habitaciones se basan en la combinación de decoraciones, muebles y objetos de diferentes castillos o mansiones. Los visitantes no pueden reunir varios elementos de un mismo conjunto, como es el caso del gran salón del Château d’Abondant, el del hotel del financiero Marquet de Peyre en París o el gabinete turco del Comte d’ Artois, hermano de Luis XVI, en el Palacio de Versalles.
Galería Apolo
Fue en la Galerie d’Apollon donde Luis XIV asoció por primera vez su poder real con la divinidad del sol. Para lograr esta obra maestra de la decoración arquitectónica, combinando pintura, escultura y dorado, se rodeó de los más grandes artistas que trabajaron, unos años más tarde, en el Palacio de Versalles, en el Salón de los Espejos. Hoy, la Galería de Apolo alberga la colección real de gemas y diamantes de la Corona.
El 6 de febrero de 1661, las llamas arrasaron la suntuosa Petite Galerie que databa del reinado de Enrique IV. Su nieto, Luis XIV, inmediatamente se dedicó a reconstruir una galería aún más hermosa y confió la obra al arquitecto Louis Le Vau. A los 23 años, el joven rey acaba de elegir el sol como emblema. Este será, por tanto, el tema de la nueva galería que lleva el nombre del dios griego de la luz y las artes, Apolo. Apollo Gallery es el primer ejemplo de una galería real, la Galerie d’Apollon se convirtió en el sitio de experimentos estéticos y arquitectónicos. Veinte años después, servirá de modelo para uno de los símbolos del clasicismo francés: el Salón de los Espejos del Palacio de Versalles.
El Primer Pintor del Rey, Charles Le Brun, fue el encargado de diseñar la decoración y se rodeó de los mejores artistas para crearla. En el Louvre, Charles Le Brun adorna la bóveda de la galería con pinturas que representan la carrera de Apolo en su carro por el cielo. El viaje del dios sol marca así los diferentes momentos del día, desde el Amanecer hasta la Noche. Alrededor de este eje central, las representaciones y símbolos de todo lo que está influido por las variaciones de la luz y el calor benéfico del astro solar (las horas, los días, los meses, las estaciones, pero también los signos del zodíaco o el continentes) forman un todo cósmico. Este escenario repleto de pinturas y esculturas materializa el poder del sol que gobierna todo el universo. A través de Apolo, la galería exalta la gloria del Rey Sol.
La galería está inacabada hasta dos siglos después, en 1850, que se termina la decoración, bajo la dirección de Félix Duban. Eugène Delacroix recibió el encargo de realizar una obra de 12 metros de ancho para adornar el centro del techo, Apolo conquistando a la serpiente Pitón, un auténtico manifiesto pictórico del romanticismo. La decoración también se completa en las paredes donde los tapices muestran los retratos de 28 soberanos y artistas que, a lo largo de los siglos, han construido y embellecido el palacio.
En el Louvre, que luego se convirtió en museo, la Galería Apolo presenta la suntuosa colección de gemas reunidas por los reyes de Francia. Estas obras talladas en minerales preciosos (ágata, amatista, lapislázuli, jade, sardonia o cristal de roca) y realzadas por engastes habitualmente espectaculares son objetos de gran lujo, apreciados desde la Antigüedad. Luis XIV tenía una verdadera pasión por las gemas: su colección contaba con alrededor de 800 piezas.
El tesoro de los reyes de Francia también consiste en los famosos diamantes de la Corona. La piedra más antigua es la llamada espinela de Côte-de-Bretagne, que entró en el tesoro gracias a la reina Ana de Bretaña. Tres diamantes históricos, el Regente, el Sancy y el Hortensia, han adornado las vestimentas o coronas de los soberanos. También se conservan espectaculares ornamentos creados en el siglo XIX, como los de esmeraldas y diamantes de la emperatriz María Luisa.
Apartamentos Napoleón III
Durante el Segundo Imperio, el Louvre era un palacio, la atmósfera cambia por completo. Dorados, terciopelos, pinturas y estucos adornan los salones y comedores para proporcionar un marco suntuoso para todo tipo de recepciones. Cenas sociales o bailes de máscaras, las fiestas formaban parte del estilo de vida de la alta sociedad del Segundo Imperio. Y en el Ministro de Estado, no es raro ver a la pareja imperial entre los invitados.
El emperador Napoleón III reservó parte de la flamante ala Richelieu para su ministro: el primer piso, lado Cour Napoléon. El Ministro dispone de pequeños apartamentos donde reside con su familia: habitaciones de tamaño modesto, que evocan el interior de un burgués adinerado. Esta parte privada sin adornos es seguida por grandes apartamentos ceremoniales.
El Gran Salón es, con mucho, la habitación más espectacular de los apartamentos. Se llama sala de teatro, y por una buena razón: se puede transformar en un escenario de teatro. Luego, el Gran Salón se reorganizó para acomodar hasta 250 invitados. Y si el espectáculo requiere músicos, se instala especialmente un pequeño stand sobre el escenario para acomodarlos.
Después del Ministro de Estado bajo el Segundo Imperio (1852-1870), estos apartamentos fueron asignados al Ministerio de Hacienda. Será así hasta 1989. Es en esta fecha que el Palacio del Louvre se convierte completamente en un museo. Desde 1993, estas salas están abiertas al público. Admira estas decoraciones conservadas casi intactas durante casi 150 años.
Departamento de Pinturas
El Departamento de Pintura cuenta actualmente con unas 7.500 pinturas (de las que 3.400 están expuestas), que abarcan un período que va desde la Edad Media hasta 1848 (fecha de inicio de la Segunda República). Incluyendo los depósitos, la colección es, con 12.660 obras, la mayor colección de pintura antigua del mundo. Con raras excepciones, las obras posteriores a 1848 se trasladaron al Musée d’Orsay cuando se creó en 1986.
escuela de pintura francesa
Una gran parte de las pinturas conservadas en el museo son obras de pintores franceses, lo que convierte al Louvre en una especie de templo de la pintura francesa hasta el siglo XIX: cada siglo está representado por obras importantes y muy a menudo únicas. La colección de pintura francesa pertenece al Departamento de Pintura, que es uno de los ocho departamentos que componen el Museo del Louvre. Una gran parte de las pinturas guardadas en el museo, y es una de las colecciones más grandes y famosas del mundo.
Ejemplificando la Escuela Francesa están los primeros Avignon Pietà de Enguerrand Quarton; la pintura anónima del rey Jean le Bon (c. 1360), posiblemente el retrato independiente más antiguo de la pintura occidental que sobrevive de la era posclásica; Luis XIV de Hyacinthe Rigaud; La coronación de Napoleón de Jacques-Louis David; La balsa de la Medusa de Théodore Géricault; y La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix. Nicolas Poussin, los hermanos Le Nain, Philippe de Champaigne, Le Brun, La Tour, Watteau, Fragonard, Ingres, Corot y Delacroix están bien representados.
Las colecciones tienen su origen en la colección de los reyes de Francia, iniciada en Fontainebleau por Francisco I. Se enriquecieron constantemente durante el Antiguo Régimen mediante compras y donaciones, y así se mantuvieron durante la Revolución y el Imperio (tomas revolucionarias, conquistas de Napoleón) , mientras que el Museo del Louvre fue creado en 1793. Así, las pinturas francesas de la Real Academia de Pintura y Escultura, principalmente las piezas de recepción de los artistas, fueron incautadas ya en la Revolución antes de regresar al Louvre varios años después.
Expuestas primero en la Grande Galerie y el Salon Carré, las pinturas se exhibieron más ampliamente en la Cour Carrée, en las inmediaciones de los alojamientos de los artistas. En el siglo XIX, los incrementos provinieron de compras a colecciones privadas (colección del Marqués de Campana) y donaciones (colección del Doctor La Caze, 1869). En 1986, cuando se inauguró el Musée d’Orsay, las colecciones posteriores a 1848 abandonaron el departamento. La Colección de Pintura Francesa ahora ubicada principalmente en el ala Denon, las pinturas se presentan en orden cronológico.
El Louvre es templo de la pintura francesa, la conservación de una gran cantidad de pinturas conocidas incluye diferentes épocas y géneros hasta el siglo XIX. Cada siglo está representado por obras importantes y muy a menudo significativas para la historia del arte. Tal es el caso del Retrato de Juan II el Bueno, de mediados del siglo XIV, el retrato independiente más antiguo conservado desde la Antigüedad. Del siglo XV, el museo conserva en particular la Piedad de Villeneuve-lès-Avignon de Enguerrand Quarton y el Retrato de Carlos VII de Jean Fouquet, primer retrato en el que el sujeto está pintado de frente y ya no de perfil. Para el siglo XVI, la Escuela de Fontainebleau, que entonces dominaba el panorama artístico, está muy presente en las colecciones,
El siglo XVII o Grand Siècle, época de crecimiento y emancipación de la pintura francesa, presenta un inmenso acervo salpicado por varias obras maestras como L’Enlèvement des Sabines y Et in Arcadia ego de Poussin, pintor del que se presentan cuarenta obras, El Haz trampa con el As de Diamantes de Georges de La Tour o el Retrato de Luis XIV de Hyacinthe Rigaud. Además de estos pintores, Valentin de Boulogne, Simon Vouet, los hermanos Le Nain, Philippe de Champaigne, Claude Lorrain, Eustache Le Sueur, Laurent de La Hyre, Sébastien Bourdon y Charles Le Brun también están particularmente bien representados.
Para el siglo XVIII, el museo alberga nada menos que trece obras de Antoine Watteau, incluidos Pierrot y Le Pèlerinage à l’île de Cythère, veinticinco cuadros de Fragonard (incluido Le Verrou), treinta de Chardin (incluido La Raie), veintidós de François Boucher o incluso veintiséis cuadros de Hubert Robert. También hay, para este período, muchas obras de Nicolas de Largillierre, Nicolas Lancret, Jean-Baptiste Oudry, Jean-Marc Nattier, Claude Joseph Vernet, Jean-Baptiste Greuze, Élisabeth Vigée Le Brun y Pierre-Henri de Valenciennes.
Finalmente, el período napoleónico y la primera mitad del siglo XIX constituyen la joya definitiva de la colección: encontramos para estos períodos obras maestras como Le Sacre de Napoléon de David, Le Radeau de la Méduse de Géricault, La Liberty Leading the People de Delacroix o La Grande Odalisque de Ingres. El museo también exhibe una gran cantidad de obras importantes de estos pintores.
El museo también conserva obras de Pierre-Paul Prud’hon, Girodet-Trioson, François Gérard, Antoine-Jean Gros, Louis-Léopold Boilly, Alexandre-Gabriel Decamps, Eugène Isabey, Théodore Chassériau, Hippolyte Flandrin, Théodore Rousseau, Jean-Francois Millet y la colección de pinturas de Camille Corot más grande del mundo con unas 81 pinturas.
La habitación Mollien
El color de las paredes dio nombre a estas enormes salas que albergan los lienzos más grandes del Louvre: se pueden admirar algunas de las obras maestras de la pintura francesa del siglo XIX, desde David hasta Delacroix. Jacques-Louis David, Théodore Géricault, Eugène Delacroix… Los grandes nombres de la pintura francesa se codean en estas paredes.
Originalmente, las Salas Rojas se construyeron durante las grandes obras de ampliación del Louvre llevadas a cabo por Napoleón III. La decoración roja y dorada, característica del esplendor que el emperador deseaba dar al museo, fue realizada en 1863 por el pintor Alexandre Dominique Denuelle. El color rojo realza las pinturas donde suelen dominar los tonos marrones. En primer lugar, allí se cuelgan las obras de los maestros franceses de los siglos XVII y XVIII. Los grandes formatos del 19 no harán su entrada allí hasta más tarde.
Junto a retratos famosos, como Madame Récamier de David o Mademoiselle Rivière de Ingres, las pinturas son sobre todo pinturas históricas. Desde el siglo XVII, este género pictórico es considerado el más importante y prestigioso de Francia. Las obras están al servicio de la historia, ya sea moderna (Les Batailles de Napoléon, de Gros), antigua, mitológica (Aurore et Céphale, de Guérin) o bíblica (Le Déluge, de Girodet). Algunos artistas eligen temas considerados exóticos, La muerte de Sardanápalo, de Delacroix, o incluso, más raramente, hechos de actualidad cuyo alcance es sólo aparentemente anecdótico, como La balsa de la Medusa de Géricault.
Jacques-Louis David pintó la Coronación del Emperador Napoleón I y la Coronación de la Emperatriz Josefina en la Catedral de Notre-Dame de París el 2 de diciembre de 1804. Con 6 metros de altura, el lienzo tiene casi 10 metros de largo, el espectador quedará impresionado y la ilusión de asistir a la ceremonia en persona. Este es el efecto que producen los grandes formatos, estas gigantescas pinturas históricas. Incluso Napoleón I exclamó “Andamos en este cuadro” frente al cuadro de la Coronación pintado por David.
Liberty Leading the People es la obra más famosa de Delacroix. Su tema: “Les Trois Glorieuses”, estos tres días revolucionarios de julio de 1830 durante los cuales el pueblo parisino se levantó contra el rey Carlos X. Es muy conocida esta pintura que combina alegoría y acontecimiento histórico, es hoy un modelo de libertad y de lucha. por la libertad. Delacroix representa al pueblo de París cruzando una barricada. En lo alto de su composición, acampa una mujer, mitad diosa antigua, mitad mujer del pueblo, que encabeza la multitud blandiendo la bandera tricolor. es libertad La combinación de colores azul, blanco y rojo se repite varias veces en la tabla.
La galería de los Médici
En la Galerie Médicis se exhibe una de las decoraciones pintadas más grandes de un palacio parisino. Esta amplia sala fue especialmente diseñada para albergar las enormes pinturas de Rubens que forman el Ciclo de Marie de Médicis. Restaura los esplendores de la galería ceremonial que la reina, a su regreso del exilio, había escenificado en su Palacio de Luxemburgo.
La serie de pinturas de Marie de Medici colgaba en una galería mucho más estrecha que esta. El estilo es barroco, con variadas y abundantes composiciones. Desde los cortinajes hasta las nubes, todo es pasión y movimiento. Los cuerpos de los personajes, redondos y llenos, de tez nacarada, parecen arremolinarse en un tumulto de colores. Y a pesar de esta profusión y esta variedad, todas las pinturas permanecen armoniosas.
Recorrido por un soplo barroco, el ciclo mezcla con gran libertad escenas históricas y figuras alegóricas, el realismo de los retratos y la inventiva de personajes mitológicos. Convoca divinidades grecorromanas y referencias cristianas para glorificar a la reina. En L’Instruction de la Reine, por ejemplo, Minerva, la diosa de las Artes y las Ciencias, y Mercurio, mensajero de los dioses, participan en su educación como futura soberana.
escuela de pintura italiana
Destaca la colección de pintura italiana, en particular la colección del Renacimiento. La colección de pintura italiana pertenece al Departamento de Pintura, que es uno de los ocho departamentos que componen el Museo del Louvre. Es una de las colecciones más grandes y famosas del mundo. Las colecciones del departamento de pintura están especializadas en arte europeo desde el siglo XIII hasta finales del siglo XIX.
Las pinturas italianas componen la mayoría de los restos de las colecciones de Francisco I y Luis XIV, otras son obras de arte no devueltas de la época de Napoleón y algunas fueron compradas. La colección de pintura italiana comenzó con Francisco, quien adquirió obras de maestros italianos como Rafael y Miguel Ángel y llevó a Leonardo da Vinci a su corte. Las obras incluyen Calvarys de Andrea Mantegna y Giovanni Bellini, que reflejan realismo y detalle «destinado a representar los eventos significativos de un mundo espiritual más grande».
La pintura italiana está abundantemente representada, con alrededor de 1.100 obras, 600 de las cuales se encuentran en exposición permanente. Entre estos se encuentran muchas obras maestras de los más grandes pintores, incluido el que probablemente sea el cuadro más famoso del mundo, La Mona Lisa de Leonardo da Vinci. El Louvre también conserva otras cuatro obras de la mano del gran maestro del Renacimiento, entre las que destacan su San Juan Bautista y La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana.
La colección del Alto Renacimiento incluye la Mona Lisa, la Virgen y el Niño con Santa Ana, San Juan Bautista y la Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci. La colección barroca incluye La Continencia de Escipión, Susana y los ancianos, Baco y Ariadna, Marte y Venus de Giambattista Pittoni, y otros Caravaggio está representado por El adivino y La muerte de la Virgen. De la Venecia del siglo XVI, el Louvre exhibe Le Concert Champetre, The Entombment y The Crowning with Thorns de Tiziano.
La colección de pintura del Renacimiento italiano incluye obras de Cimabue (Maestà), Lorenzo Monaco (Le Christ au jardin des Oliviers), Giotto di Bondone, Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Pisanello, Filippo Lippi, Sandro Botticelli (especialmente los frescos de Villa Lemmi), Luca Signorelli, Antonello da Messina (especialmente Le condottiere), Vittore Carpaccio, Giovanni Bellini, Domenico Ghirlandaio, Andrea Mantegna, siete cuadros de Pérugin…
Diez de Rafael, incluido el Retrato de Baldassare Castiglione, catorce de Tiziano, incluido El concierto campestre, una quincena de Veronese, incluidas las Bodas de Caná, otras de Tintoret (incluido su Autorretrato), de Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Lorenzo Lotto, The Corrège, Pontormo, Agnolo Bronzino, Parmigianino, Arcimboldo o Federico Barocci.
Para el siglo XVII, hay obras de todos los grandes pintores, empezando por Caravaggio, tres de cuyos cuadros se conservan en el museo (El adivino, La muerte de la Virgen y el Retrato de Alof de Wignacourt), varios Annibale Carracci, así como Guido Reni, Guercino, Dominiquin, Pierre de Cortona, Salvator Rosa y Luca Giordano.
El siglo XVIII italiano también está bien representado en su diversidad, con un lugar importante dado a las escuelas veneciana y romana. La sección incluye obras de pintores como Giambattista Pittoni (Baco y Ariadna, La Continencia de Escipión, Cristo entregando las llaves del Paraíso a San Pedro, Marte y Venus, Políxena ante la Tumba de Aquiles, Susana y los Ancianos, Tumba alegórica del Arzobispo John Tillotson), vedute de Canaletto y Francesco Guardi, pinturas de Giambattista Tiepolo et de son fils Giandomenico, Sebastiano Ricci, Francesco Solimena, Giovanni Paolo Pannini.
Salle des Etats
Construida entre 1855 y 1857 por el arquitecto Hector Lefuel, la Salle des Etats albergó las principales sesiones legislativas del Segundo Imperio. De ahí viene su nombre. La decoración deseada por Napoleón III es imponente y suntuosa, con sus bóvedas pintadas que proclaman la gloria del Imperio. Tras la caída del Emperador, la sala fue trasladada al Museo del Louvre para albergar pintura francesa del siglo XIX. A principios de la Tercera República, el arquitecto Edmond Guillaume transformó la sala para adaptarla a esta nueva función: se cerraron las ventanas para dejar más espacio a los cuadros, y se perforó una vidriera en el techo para proporcionar iluminación cenital que limitó los reflejos. Después de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas de los pintores franceses fueron reemplazadas en las paredes por pinturas venecianas.
Tiziano, Tintoretto, Veronese… Los más grandes pintores venecianos compiten entre sí a través de sus deslumbrantes obras. Las monumentales Bodas de Caná de Veronese ocupan toda la pared que da a la Mona Lisa. Lo rodean otros cuadros famosos: El Concierto Campestre de Tiziano y su Hombre con Guante, el fogoso boceto realizado por Tintoretto para La Coronación de la Virgen también llamada Paraíso, un proyecto para un gran decorado en la Sala del Gran Consejo del Palacio Ducal, retratos sublimes, como Une patricienne de Venise, conocida como La Belle Nani de Veronese… y tantos otros. Los colores y las luces atestiguan el virtuosismo de los artistas venecianos del Renacimiento.
Es en la Salle des Etats donde se exhibe el cuadro más famoso del mundo: La Gioconda. Esta amplia sala, la más grande del museo, puede albergar a muchos visitantes. Desde 2005, la Mona Lisa se sienta sola en el centro de la habitación, detrás de una ventana que la protege. Esta presentación excepcional cumple con los requisitos de seguridad, pero también con las necesidades de conservación. La famosa sonrisa enigmática de Monna Lisa no ha dejado de seducir durante siglos. Uno de sus primeros admiradores fue el rey Francisco I. Este último, que invitó a Leonardo da Vinci a Francia, le compró el cuadro en 1518. Así entró la obra en las colecciones reales que se exhiben en el Louvre desde la Revolución.
Es el retrato más famoso del mundo, el de Monna Lisa, la esposa del comerciante de telas florentino, Francesco del Giocondo, apodado el afrancesado «Gioconda» La Joconde. Pintada frente a un paisaje lejano, la Mona Lisa nos mira con su legendaria sonrisa en los labios. Pero además de su expresión, es la técnica del sfumato la que le otorga esta particular presencia: Leonardo da Vinci superpuso finas capas de pintura para crear formas atenuando contornos y contrastes. El artista captura el momento en que Monna Lisa se vuelve hacia el espectador. Es este movimiento tan natural que da una impresión de vida a la pintura.
Aquí también se presentan otras conocidas obras de la escuela veneciana, como Las bodas de Caná de Veronese. Esta obra fue realizada por Veronese para el refectorio del monasterio de San Giorgio Maggiore en Venecia, de donde fue sacada por las tropas del general Napoleón Bonaparte en 1798. Cuando cayó el Imperio en 1815, la mayoría de las pinturas incautadas regresaron a Italia, pero se temía que el viaje de regreso lo estropeara, por lo que se cambió por un cuadro de Le Brun, La Magdalena y el fariseo. A pesar de todo, las aventuras de las Bodas de Caná no se detienen ahí, ya que el lienzo será evacuado dos veces para ser resguardado de las guerras que afectan a París, en 1870 y luego en 1939.
La Gran Galería
La Grande Galerie es uno de los lugares más emblemáticos del Louvre desde la transformación del palacio en museo. Los visitantes pueden descubrir ahora la riquísima colección de pintura italiana del museo, una de las más importantes del mundo. Decenas y decenas de cuadros que se suceden hasta donde alcanza la vista a lo largo de una galería con una arquitectura majestuosa… Hoy, en las paredes de la Grande Galerie, se encuentran obras maestras de los más grandes maestros de la pintura italiana: Mantegna, Raphael, Leonardo da Vinci, Arcimboldo, Caravaggio… y muchos otros.
Para proporcionar las condiciones óptimas para venir a admirar esta extraordinaria colección, se optó por instalar una iluminación cenital, es decir, mediante lucernarios en el techo que difunden la luz natural. El arquitecto de Napoleón III, Hector Lefuel, perfora la bóveda para crear ventanas. La luz, igual y natural, evita así los reflejos sobre los cuadros.
Northern Schools (Flandes, Países Bajos, Alemania)
El Museo del Louvre también tiene una de las colecciones de pintura más grandes del norte de Europa con 1130 pinturas (Flandes, Países Bajos y Alemania). Las escuelas flamenca y holandesa son las mejor representadas. Para los primitivos flamencos, destacamos obras de primer plano como La Virgen del canciller Rolin de Jan van Eyck, el Tríptico de la familia Braque de Rogier van der Weyden, la Nave de los locos de Jérôme Bosch, Las bodas de Caná de Gérard David y Las Moneylender y su esposa por Quentin Metsys. También se conservan obras de Dirk Bouts, varios Hans Memling, Joos van Cleve, Joachim Patinier, Bernard van Orley, Jan Gossaert dit Mabuse, Lucas de Leyde y Pieter Brueghel el Viejo.
La edad de oro holandesa y flamenca (siglo XVII) está ilustrada con quince cuadros de Rembrandt, entre ellos Betsabé en el baño con la carta de David y Los peregrinos de Emaús, varios de Frans Hal, diecinueve de Van Dyck, cincuenta y uno de Rubens, entre ellos las veintiuna pinturas del Ciclo de María de Médicis, así como dos lienzos de Vermeer, La encajera y El astrónomo. Paisajes llenos de figuras de Jan Brueghel el Viejo, íntimas escenas interiores de Pieter de Hooch y Gerard ter Borch, pinturas de interiores de iglesias de Pieter Saenredam, escenas de género de Jan Steen y David Teniers le Jeune, así como los paisajes de Jacob van Ruisdael son también representado.
Para la pintura alemana encontramos obras del siglo XV como la Piedad de Saint-Germain-des-Prés, pinturas de Albrecht Dürer, de Lucas Cranach el Viejo o incluso varios retratos de Hans Holbein el Joven, así como, para la Siglo XIX, pinturas del romántico Caspar David Friedrich. Finalmente, una sala exhibe pinturas barrocas austriacas del siglo XVIII. mientras que otra exhibe pinturas escandinavas de la primera mitad del siglo XIX, en particular paisajes tratados en clave romántica.
Otras escuelas
La colección española (alrededor de ciento treinta pinturas de las cuales unas sesenta están expuestas), más pequeña que las anteriores, presenta sin embargo una interesante selección de obras con ciertos nombres raros. Pero sobre todo están todos los grandes artistas del Siglo de Oro como El Greco, Velásquez, Murillo, Ribera o Zurbarán. Asimismo, el Louvre cuenta con varios cuadros de Goya.
La Colección de Pinturas Británicas y Estadounidenses (alrededor de ciento veinte pinturas) está compuesta por importantes obras de maestros de los siglos XVIII y XIX como William Hogarth, Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, John Constable, Richard Parkes Bonington, JMW Turner y Gilbert Stuart.
Pinturas de las escuelas escandinava (alrededor de 50 obras), rusa (alrededor de 35 obras), austriaca, belga, suiza, griega, polaca y portuguesa están presentes a pesar de una colección reducida.
Departamento de Artes Gráficas
El Departamento de Artes Gráficas cuenta ahora con más de 225.000 piezas. Conserva dibujos, pasteles, miniaturas, estampas, libros, manuscritos, autógrafos, así como xilografías, planchas de cobre y piedras litográficas. Reúne tres fondos diferentes:
el Gabinete de Dibujos, originalmente constituido por la antigua colección de los reyes de Francia, ampliada constantemente a partir de entonces gracias a embargos y donaciones; la colección Edmond de Rothschild, donada al Louvre en 1936, con unas 40.000 estampas, 3.000 dibujos y 500 libros ilustrados; la Calcografía, que conserva unas 14.000 planchas de cobre grabadas, en particular las planchas de cobre del Gabinete de Planchas Grabadas del Rey. Las copias en papel obtenidas con el cobre original se pueden pedir para cerca de 600 planchas.
Dada la cantidad de piezas y la fragilidad del papel a la luz, es imposible exponer permanentemente todos los documentos. Estos se pueden ver tanto en exposiciones temporales (que nunca duran más de tres meses para no debilitar las obras), como en la sala de consulta del departamento. No obstante, dentro del recorrido del departamento de pintura se exhibe una selección de pasteles y cartones para tapices, menos frágiles. En los últimos años se ha realizado un gran esfuerzo de digitalización y actualmente la base de datos del departamento contiene más de 140.000 fichas de obra y 4.500 fichas de artista.
Jardín de las Tullerías
El Jardín de las Tullerías es un jardín público ubicado entre el Louvre y la Place de la Concorde en el distrito 1 de París. Es el jardín de estilo francés más importante y antiguo de la capital, que fue el del Palacio de las Tullerías, antigua residencia real e imperial, hoy desaparecida. El Jardín de las Tullerías está clasificado como monumento histórico desde 1914, dentro de un sitio registrado e incluido en la protección del Patrimonio Mundial de la UNESCO a orillas del Sena. El jardín es ahora parte del dominio nacional del Louvre y las Tullerías.
Creado por Catalina de Médicis como el jardín del Palacio de las Tullerías en 1564, finalmente se abrió al público en 1667 y se convirtió en un parque público después de la Revolución Francesa. El área del jardín es de 25,5 hectáreas, muy comparable a la de los Jardines de Luxemburgo. Limita con el Palacio del Louvre al sureste, la rue de Rivoli al noreste, la Place de la Concorde al noroeste y el Sena al suroeste. En los siglos XIX, XX y XXI, fue un lugar donde los parisinos celebraban, se reunían, paseaban y se relajaban. Alberga varios eventos como los Rendez-vous aux jardins y la Feria Internacional de Arte Contemporáneo.
En el centro de París, este jardín ha sido un respiro en el corazón de la capital durante casi cinco siglos. En 1564, cuando la reina Catalina de Medici, viuda del rey Enrique II, nostálgica de los palacios florentinos de su infancia, hizo construir una residencia de campo con jardín. El terreno elegido se encuentra fuera de las murallas de París, donde los tejedores se establecieron desde la Edad Media. De ahí el nombre de “Tuileries”.
A partir de 1664, el jardín fue completamente rediseñado por André Le Nôtre, jardinero del rey Luis XIV. El jardín se abre entonces a un público seleccionado. Varias veces modificado y parcialmente privatizado, en particular por Napoleón I y luego por su sobrino Napoleón III, está completamente abierto a todos los visitantes desde 1871. El jardín fue el patio de recreo de reyes y príncipes. El joven rey Luis XIII cazaba allí codornices y cuervos. L’Aiglon, el hijo de Napoleón I, jugaba en sus callejones…
En 1871, durante la Comuna de París, el Palacio de las Tullerías, símbolo del poder real e imperial, fue incendiado por alborotadores, sólo queda el jardín. En 1990 se lanzó un concurso para su renovación. Los paisajistas Pascal Cribier y Louis Benech son elegidos y le aportan innovaciones contemporáneas.
Desde 2005, el Museo del Louvre se encarga de la gestión y puesta en valor del Jardín de las Tullerías. Cada año, los jardineros imaginan nuevas flores, en primavera y luego en verano, según el programa cultural del museo. Así, los parterres van siempre con los colores de las exposiciones o grandes eventos del momento. Las Tullerías están adornadas con los colores del Louvre. Cada año, los jardineros artísticos del Domaine national du Louvre y las Tullerías compiten en creatividad inspirándose en los aspectos más destacados de la vida del museo.
Desde 2014, el Louvre cuenta con una subdirección específicamente dedicada a los jardines. Realiza proyectos de investigación sobre la historia de los jardines del Domaine national du Louvre y las Tullerías, su artesanía y su colección de esculturas al aire libre. La investigación y el trabajo refuerzan la historia de los jardines como una disciplina que ahora forma parte integral de las orientaciones del establecimiento.
Los jardines del Domaine national du Louvre y de las Tullerías son un verdadero museo de escultura al aire libre. Las primeras estatuas que aún se conservan llegaron durante la Regencia a partir de 1716, procedentes de Versalles y Marly, y algunas datan de finales del siglo XVII. Desde entonces, en sucesivas oleadas, la escultura ha seguido invirtiendo las Tullerías y el Carrusel, así como los jardines situados al este (Oratorio, Raffet e Infante). Aparte de los jarrones del jardín, el resto del mobiliario, asientos, farolas, paneles, etc., tiene un claro carácter patrimonial.