Grisaille

La grisalla, en pintura, es una técnica pictórica sinónima de claroscuro o claroscuro, como Vasari lo especifica. Utiliza solo tonos del mismo color para imitar mármol, piedra, bronce (siglo XV). Es similar, por este principio, al monocromo, en su variante con varios tonos del mismo color. A menudo se ha usado para preparar, esbozar, prefigurar una pintura final (como la sinopia). También se utiliza en la técnica de vidrios de colores, en gris, mediante la adición de óxidos de metal antes de disparar el vidrio.

Una grisaille es una pintura ejecutada por completo en tonos de gris o de otro color gris neutro. Se utiliza particularmente en grandes esquemas decorativos en imitación de la escultura. Muchas grisailles incluyen un rango de color ligeramente más amplio, como el fresco ilustrado de Andrea del Sarto. Las pinturas ejecutadas en marrón se conocen como brunaille, y las pinturas ejecutadas en verde se llaman verdaille.

Una grisaille se puede ejecutar por sí misma, como pintura de fondo para una pintura al óleo (en preparación para acristalar capas de color sobre ella), o como un modelo para el trabajo de un grabador. «Rubens y su escuela usan a veces técnicas monocromáticas para dibujar composiciones para grabadores». La coloración completa de un sujeto exige mucho más a un artista, y el trabajo en grisalla a menudo se elegía como más rápido y más barato, aunque el efecto a veces se elegía deliberadamente por razones estéticas. Las pinturas de Grisaille se parecen a los dibujos, normalmente en monocromo, que los artistas del Renacimiento fueron entrenados para producir; al igual que los dibujos, también pueden traicionar la mano de un asistente menos talentoso con más facilidad que una pintura totalmente coloreada.

Giotto usó grisalla en los registros inferiores de sus frescos en la Capilla de los Scrovegni, y Robert Campin, Jan van Eyck y sus sucesores pintaron figuras de grisáceas en la parte exterior de las alas de los trípticos, incluido el Altar de Gante. Originalmente, estos eran los lados que se exhibían la mayor parte del tiempo, ya que las puertas normalmente se mantenían cerradas, excepto los días festivos o a petición (pagada) de los turistas. Sin embargo, hoy en día estas imágenes son a menudo invisibles en los museos cuando el tryptych se muestra abierto y plano contra una pared. En estos casos, se pretendía imitar la escultura; la escultura era aún más cara que una pintura, incluso por un maestro superior.

Los manuscritos iluminados se solían producir en bolígrafo y lavado con una gama de colores muy limitada, y muchos artistas como Jean Pucelle y Matthew Paris se especializaban en ese tipo de trabajo, que había sido especialmente común en Inglaterra desde la época anglosajona. Los artistas del Renacimiento como Mantegna y Polidoro da Caravaggio a menudo usaban la grisalla como un efecto clasicista, ya sea imitando el efecto de un relieve esculpido clásico o de la pintura romana.

En los Países Bajos, se puede rastrear una tradición continua de pinturas de grisáceas desde la pintura neorlandesa temprana hasta Martin Heemskerck, Pieter Brueghel el Viejo (Cristo y la mujer tomada en adulterio) y Hendrik Goltzius, y gracias a la copiosa producción de Adriaen van de Venne, el círculo de Rembrandt y Jan van Goyen.

Los frescos del techo de la Capilla Sixtina tienen partes del diseño en grisaille, al igual que la parte inferior de la gran decoración de la escalera de Antonio Verrio en Hampton Court.

Grisaille es una técnica que se ha utilizado especialmente en la pintura de panel medieval. Un ejemplo de esto es el altar de Heller, pintado por Matthias Grünewald y Albrecht Dürer. Von Grünewald produce las alas todavía alas en las que los santos, pintados en Grisaille, parecen esculturas en nichos de pared.

En la técnica de acristalamiento, se utiliza una primera capa de técnica de grisaille para describir y capturar las formas y la luz en una pintura independientemente de la combinación de colores posterior. Después del secado de esta primera capa, la capa grisaille se tiñe en capas transparentes, de modo que la luz en las formas y los colores se producen por separado unos de otros. Con el fin de reproducir tonos más realistas de la piel humana, la pintura renacentista en representaciones figurativas también utilizó una primera capa de pintura de color verde claro monocromo, que dio a esta variante el nombre de Verdaccio. Por lo tanto, esta técnica de pintura corresponde al tono de piel típico.

Un ejemplo bien conocido de pintura de grisalla es la predicación de Juan Bautista por Rembrandt en el Staatliche Museen zu Berlin – Preußischer Kulturbesitz, escrito alrededor de 1634/35. En el siglo XX, el Guernica de Pablo Picasso y el 18 de octubre de 1977 de Gerhard Richter mostraron un uso moderno de esta forma de pintura.

En el período barroco, la pintura de grisalla era típica del embellecimiento ornamental de las iglesias reformadas, ya que, en contraste con la pintura policromada o el estuco, corresponde al requisito de simplicidad de Zwinglio. Ejemplos bien conocidos de esto son la iglesia Gränichen o la iglesia Bätterkinden. Además, los arabescos grisaille y otros motivos ornamentales o figurativos también eran comunes en las iglesias y monasterios católicos.

La técnica de Grisaille en pintura de acuarela y gouache también se usó a finales del siglo XIX y principios del siglo XX; especialmente en la pintura de paisajes como una plantilla para la impresión de tipografía en blanco y negro, ya que no se imprimió en color por esto ni solo como litografías. Por ejemplo, para las imágenes en las revistas y revistas anuales Alpenvereins como Illustrierte Welt. Los artistas intérpretes o ejecutantes eran conocidos artistas como Zeno Diemer y E. T. Comton.

Grisaille, aunque menos extendida en el siglo XX, continúa como una técnica artística. La pintura de Pablo Picasso, Guernica, es un ejemplo contemporáneo.

Hugo Bastidas es un pintor contemporáneo estadounidense conocido por sus pinturas en blanco y negro que imitan el efecto de la grisalla y que a menudo se parecen a las fotografías en blanco y negro. Las pinturas de Bastidas frecuentemente hacen referencia a la arquitectura, el agua, la vegetación y la historia del arte, y reflejan su preocupación acerca de la condición humana, la globalización y su efecto sobre el bienestar de la Tierra. Después de regresar a Nueva York de una beca Fulbright en su Ecuador natal a principios de la década de 1990, Bastidas comenzó a usar una paleta de colores restringida en blanco y negro. Sus pinturas de mediana y gran escala aluden a la fotografía en blanco y negro, y cuentan con zonas contrastantes de alto y bajo detalle. Al hacer miles de marcas con un cepillo de cerdas de cerdas tamaño 1 en lino con pegamento de piel de conejo, Bastidas logra un alto nivel de definición de imágenes. También trabaja en fotografía digital, que informa su tema sin producir un efecto fotorrealista.

Con el énfasis del siglo 20 en la pintura directa (alla prima), la técnica grisaille perdió el favor de los artistas de la época. Este método histórico todavía se incorpora al plan de estudios de algunos talleres privados.

El término también se aplica a la pintura monocromática en otros medios, como esmaltes, donde se puede pretender un efecto similar a un relieve en plata. Es común en las vidrieras, donde la necesidad de secciones en diferentes colores se redujo en gran medida. Algunas partes de una ventana se pueden hacer en grisalla, usando, por ejemplo, una mancha plateada o pintura vítrea, mientras que otras secciones se hacen en vidrio coloreado.