Gran Teatre del Liceu, Barcelona, ​​España

El Gran Teatre del Liceu, conocido popularmente simplemente como Liceu, es un teatro de ópera situado en las Ramblas de Barcelona, ​​en el n. 51-59. Se inauguró el 4 de abril de 1847, aunque su historia comienza en 1837. Fue, por capacidad, el teatro de ópera más grande de Europa durante sus primeros cien años.

Se caracteriza por un pasado accidentado, del cual ha resurgido repetidamente. Desde su apertura y durante casi un siglo, el Liceu ha sido, además del primer teatro de ópera en Cataluña y España, el punto de referencia, confluencia y expansión de la vida artística, social y política de Barcelona. Fue el termómetro de sus etapas de esplendor, de desarrollo, de descomposición y de su inquietud. Luego, a partir de la tercera década del siglo XX, el Liceu perdió su relación directa con los altibajos de la vida social para asumir una hegemonía artística y musical más decidida.

El Director General, nombrado en mayo de 2018 por la Junta de Síndicos del Gran Teatre del Liceu y el Consorcio, es Valentí Oviedo, quien reemplaza a Roger Guasch, quien ha estado desde 2013, y quien, a su vez, reemplaza a Joan Francesc Marco.

edificio
El teatro está en La Rambla, en el centro de la ciudad. Hasta 1994, no era un edificio aislado y solo tenía dos fachadas en la calle, lo que limitaba los otros dos lados a casas medianas. Esto limitó su crecimiento. Como resultado del incendio, las fincas vecinas fueron expropiadas, y la extensión del teatro, que tiene fachadas en La Rambla, y en las calles Unión y Sant Pau, se ha construido en el suelo. El proyecto de reconstrucción, realizado a partir de una renovación del teatro en 1986, fue realizado por los arquitectos Ignasi de Solà-Morales, Xavier Fabré y Lluís Dilmé.

El edificio tiene algunas partes de las anteriores:

La fachada principal de la Rambla, que es la original de 1847, de Miquel Garriga i Roca (aunque la fachada, aunque el plan fue firmado por Garriga, no parece ser suya, sino de un arquitecto francés desconocido): es un fachada modesta y poco atractiva.
El vestíbulo y la escalera (1861), con una escultura de Venanci Vallmitjana que representa la música (1901).
La sala de descanso (Salón de los Espejos o Verger) (1847). Conserva la decoración romántica original, con medallones pintados con retratos de músicos, cantantes y bailarines del momento: (Pasta, Rubini, Donizetti, Bellini, Gluck, Marie Taglioni …). En la repisa hay frases, en letras doradas, relacionadas con la música y el teatro, que representan los gustos del momento de la construcción del teatro. Fue parcialmente redecorado en 1877 por Elies Rogent. La pintura del techo, de Josep Mirabent, que representa el Parnàs, es de entonces. En 1941 se cayó y fue reemplazado y restaurado por Josep Mestres Cabanes, que también restauró las pinturas en las escaleras.

La sala del auditorio Fue reconstruida después del incendio, reproduciendo fielmente el aspecto de la sala en 1861 (o más bien, la de 1909, cuando la sala había sido redecorada), con algunas mejoras. Tiene 2.292 asientos, lo que lo convierte en uno de los teatros de ópera más grandes de Europa. Es un teatro italiano en forma de herradura que se cierra al acercarse al proscenio. La longitud máxima de la sala es de 33 m, y el ancho es de 27 m. Tiene plata y cinco pisos (además de las cajas de plata). Hay cuatro cajas grandes a cada lado del proscenio, y cajas en la cubierta, en el primer piso y en los lados del segundo y tercero. Sin embargo, no existe una separación arquitectónica entre ellos, solo un mamparo bajo, por lo que no se pueden ver columnas en el teatro. Eso, y el hecho de que no hay una caja real o presidencial, le da continuidad a los pisos que dan la impresión de ser una herradura de oro, sin interrupción. Otra peculiaridad es el anfiteatro, ubicado en el primer piso: es una continuación voladora del primer piso, con tres filas de sillas (posiblemente las mejores del teatro), que se proyecta sobre la plataforma sin columnas ni columnas. soporte (se apoyan directamente en las vigas de hierro, que en 1861 eran lo suficientemente atrevidas). Este anfiteatro ya estaba en la sala en 1847; Además, había uno similar en el segundo piso, con dos filas de sillones. sobresaliendo por encima del pedestal sin un pilar o columna de soporte (descansan directamente sobre las vigas de hierro, que en 1861 eran bastante audaces). Este anfiteatro ya estaba en la sala en 1847; Además, había uno similar en el segundo piso, con dos filas de sillones. sobresaliendo por encima del pedestal sin un pilar o columna de soporte (descansan directamente sobre las vigas de hierro, que en 1861 eran bastante audaces). Este anfiteatro ya estaba en la sala en 1847; Además, había uno similar en el segundo piso, con dos filas de sillones.

Los costos de la construcción original fueron cubiertos por la venta de cajas y asientos: a lo largo de los años, los propietarios decoraron las aceras de maneras muy diferentes, y a menudo con repollo. Colaboración de grandes artistas y artesanos, formando un conjunto de gran interés histórico y artístico. Todos ellos, sin embargo, desaparecieron en el incendio de 1994.

El Liceu era un lugar de encuentro para la rica burguesía de Barcelona; Los pisos superior, cuarto y quinto, donde estaban las entradas más baratas, se llamaban gallinero y eran donde iban los fanáticos sin recursos, generalmente más informados y críticos de los espectáculos. Fueron ellos quienes hicieron que los cantantes tuvieran éxito o fracasaran. El público de estos pisos tiene la reputación de ser el más exigente.

El proscenio reproduce el antiguo, redecorado en 1909. Tiene un gran arco central, con un arco de carpanel; A cada lado, dos grandes columnas corintias enmarcan cuatro pisos de grandes, llamadas «bañeras».

La decoración de la sala reproduce fielmente la decoración de 1909: suntuosa, con relieves de cromo y estuco dorados y policromados, como era costumbre en los teatros del siglo XIX. Las lámparas están hechas de bronce y vidrio, con forma de dragón. Los sillones están hechos de hierro fundido y terciopelo rojo, este color es común en todos los sillones de la sala.

Se introdujeron algunos cambios en la reconstrucción de 1999. Las nueve pinturas circulares en el techo y las tres en el proscenio se perdieron en el incendio; los nuevos fueron encargados por el artista Perejaume, quien colocó nueve grandes montajes fotográficos con paisajes formados por asientos de teatro. El telón es obra del sastre Antoni Miró. Se colocó una gran luz de forma hemisférica en el centro del techo, incorporando elementos para la iluminación y el control del sonido.

También se agregaron las cabinas de control y proyección en algunos pisos y un «piso técnico» sobre el techo, con equipos de última generación para grabar representaciones y cámaras dirigidas por computadora. El equipo de escenario se consideró uno de los más modernos de Europa, lo que permitió cambios rápidos de escena y programación simultánea de cuatro escenarios diferentes.

Debajo de la habitación, en el sótano, se construyó una nueva habitación, llamada Foyer, idéntica a la del puesto, donde se encontraba un bar, pero que, cuando está cerrada, está disponible para hacer Hay espectáculos de pequeño formato: recitales, conciertos, ópera de cámara, conferencias y diversas actividades.

Referencias ornamentación teatro musical
La decoración del teatro incluye referencias escritas (inscripciones, etc.) e iconográficas (pinturas, relieves, medallones, etc.) al teatro y la música, lo que refleja el gusto del momento.

La fachada, vestigio de la época de la construcción del primer teatro, está presidida por dos inscripciones en las ventanas laterales (en la central está el nombre del teatro) que dicen: «Calderón – Mozart» y «Rossini – Moratín «, en referencia a los máximos representantes de la historia del teatro y la música (Calderón y Mozart, aunque en 1847 no estaban ampliamente representados) y de su actualidad: Rossini era un autor todavía popular y Moratín era el paradigma de» moderno «Teatro de buen gusto, ya que el teatro romántico seguía siendo una novedad.

En estos tres grandes ventanales, debajo de las inscripciones, hay seis medallones con bustos de músicos: en el centro, Beethoven y Auber; a la izquierda, Donizetti y Meyerbeer, y a la derecha, Rossini y Mozart.

Salón de los espejos
El Salón de los Espejos, también sobreviviente de 1847, está decorado con medallones y frases relacionadas con el arte y el teatro. Tiene planta rectangular, pero con dos chaflanes en las esquinas de la parte inferior que dan a la fachada de la Rambla, presenta:

en la pared central en la parte inferior está la frase «El arte no tiene patria», y el medallón del retrato con la leyenda «Gluck», que forma el eje de la habitación;
a la izquierda «chaflán»: «El teatro es el santuario de las artes» y los retratos de «Haydn» y «Meyerbeer»: representantes de la música sinfónica moderna y de la ópera escolar francesa contemporánea.
al «chaflán» a la derecha: la frase «La comedia es el espejo de la vida», con los retratos de «Lauvenant» y «Metastasio», como modelo de un libretista de ópera.
a la pared derecha: la frase «La música es el único placer de los sentidos de los cuales el vicio no puede abusar», con los retratos de «Pasta», «Donizetti», «Sontag» y «Moliere». Además de dos de las mejores sopranos del momento, Donizetti representa al autor italiano más famoso del momento y el clásico de teatro Molière que sigue las reglas del clasicismo.
en la pared izquierda: la frase «La música es la palabra del alma sensible, como la palabra es el lenguaje del alma intelectual», con los retratos de «Mercadante» (entonces músico muy popular), «Taglioni» (el más importante del momento), «Calderón» (como paradigma del clásico dramaturgo español) y «Rubini» (el tenor más aclamado de la época).
a la pared de la entrada: la frase «La simplicidad y la verdad son los principios de la belleza de todas las manifestaciones del arte» y los retratos de «Maiquez», «Bellini» (en el eje de la sala) y «Lope de Rueda «: el mejor actor de teatro de la generación anterior, el músico» moderno «más valorado en este momento y el» padre «del teatro en español, aunque nunca actuó en el Liceu. En los pasillos a la derecha hay un retrato de «Shiller», el dramaturgo moderno más reconocido, y a la izquierda está «Malibran», el cantante más famoso de la generación anterior.
En el techo, el panel de aceite de Josep Mirabent representa a Parnàs, con Apolo, dios de las artes y la fuente que nutre a las nueve musas, de pie a sus pies, con atributos de las artes. En cuatro frisos hay ángeles: en dos de ellos tocan instrumentos musicales, como una alegoría de la música; en otros están los de danza y teatro; en las esquinas del pie del panel, dos medallones con los retratos de Homero y Dant, como representación de Poesía.

Sala de exposición
Desde 1861 hasta 1994, el techo de la sala de espectáculos estuvo decorado con ocho óleos circulares con representaciones de varias obras que formaron alegorías de diferentes géneros teatrales y musicales. Obras de Ramon Martí i Alsina, Joan Vicens, Agustí Rigalt y Antoni Caba, representadas (desde el eje del teatro, el más cercano a la entrada, en sentido horario):

El acero de Madrid, comedia de Lope de Vega, como alegoría del teatro clásico del Siglo de Oro y la comedia «moderna»; pintado por Antoni Caba.
William Tell disparando la ballesta, al mismo tiempo que representa el drama de Friedrich Schiller, paradigma del teatro del momento, y de la ópera de Gioachino Rossini Guillaume Tell, como modelo de ópera moderna; pintado por Joan Vicens.
Escena de Los persas de Esquilo como símbolo de la tragedia clásica; por Ramon Martí i Alsina.
Huérfano destrozando a las bestias con la lira: alegoría de la música, con el dios músico por excelencia; por Agustí Rigalt.
Una escena de Las ranas de Aristófanes, una representación de la comedia clásica; por Martí y Alsina.
Un concierto en el Odéon de Perèles, como alegoría del nacimiento de la música y su cultivo en el mundo clásico; por Joan Vicens.
Macbeth, alegoría de la tragedia obras «modernas» de Macbeth de William Shakespeare; por Martí y Alsina.
Palestrina tocando la misa del papa Marcela, como representación de la música sagrada; por Agustí Rigalt.

En la reforma de 1881, de Pere Falqués, el techo recibió un nuevo diseño, diseñado por Marià Carreras, donde el techo presentaba un cielo detrás del cual se puede ver el cielo con nubes; Los aceites circulares se colocaron sobre esta base y se acompañaron de una suntuosa decoración de molduras y dorados. Cada medallón estaba acompañado por uno más pequeño donde se veían músicos y poetas: fueron suprimidos en la reforma de 1909.

Sobre el proscenio se instalaron, en 1909, tres paneles con escenas de óperas que representan las tres principales escuelas de ópera y sus representantes más reconocidos: a la izquierda, el italiano, con una escena de Otello y la inscripción «Verdi»; el centro, mayor es la escuela alemana, con la partida de Wotan en Die Walküre y la inscripción «Wagner» y derecha, con la escena francesa Manon con la inscripción «Massenet».

Finalmente, el alféizar del anfiteatro está decorado con estucos de ángeles que sostienen catorce medallones con cabezas de músicos, por Josep Llimona para la renovación de la sala en 1893; autores como Christoph Willibald Gluck, Wolfgang Amadeus Mozart, Gioachino Rossini, Charles Gounod o Jules Massenet, entre otros; destruidos por el incendio de 1994, fueron reconstruidos, con la adición de otros más modernos, como Giacomo Puccini, Richard Strauss o Igor Stravinski. Las cajas de proscenio del anfiteatro presentan medallones de Verdi (izquierda) y Wagner (derecha).

Anillos delanteros
En enero de 2016, el artista Frederic Amat anunció que tenía la intención de realizar una intervención artística en relación con el mantenimiento y la renovación de la iluminación de la fachada. Era una segunda piel que consistía en 150 o 200 (se llamaron 365) anillos de cerámica esmaltados rojos en forma de círculo abierto de 105 cm de diámetro. que toca la herradura del teatro. Según el artista, «el círculo abierto evoca la presencia del público, son las personas». Se espera que el proyecto sea financiado por el mecenas Josep Suñol.

Historia

Orígenes y Teatro de Montsió
Desde 1750, el Teatre Principal monopolizó la ópera en Barcelona por privilegios reales que no se perdieron hasta 1833 con la revolución liberal.

En 1837, el 24 de febrero, un Batallón de la Milicia Nacional, con Manuel Gibert y Sans al timón, creado, en el Convento de Montsió, que estaba en la vecindad de lo que ahora es el Portal de l’Angel, el Drama Amateur de la Sociedad, que fue conocido como el Liceo Filodramático Montesión. Los objetivos de la nueva entidad eran, por un lado, promover la enseñanza de la música (de ahí el nombre de «escuela de gramática») y, por otro lado, la organización de representaciones teatrales y de ópera por parte de los estudiantes. Se equipó un teatro en el convento, donde se representaron obras de teatro y óperas desde 1838 hasta 1844.

La primera actuación, el 21 de agosto, fue la comedia El husido de mi mujer de Ventura de la Vega. La primera actuación de una ópera fue Norma de Bellini, el 3 de febrero de 1838, realizada con artistas catalanes. El repertorio era principalmente italiano, como dictaba la moda: Donizetti y Mercadante fueron los autores representados con Bellini y Rossini, y aparte de la apertura en Barcelona de Zampa a Herold.

El 25 de junio de 1838, la compañía cambió su nombre a Liceo philharmonic Drama Majesty Queen Elizabeth II. La prosperidad y la falta de espacio sugirieron la idea de darle una mayor dimensión al proyecto, y se le pidió al gobierno que cediera la iglesia y el convento trinitarios descalzos en La Rambla. Las presiones de las monjas, ex dueñas del convento, que habían recuperado sus derechos perdidos y afirmaban regresar, llevaron al Liceu a abandonar el convento en 1844; La última actuación fue el 8 de septiembre.

A cambio, el ayuntamiento le otorgó la compra del edificio del antiguo Convento de los Trinitarios Descalzos, ubicado en el centro de la ciudad, en la Rambla. Adquirido el 9 de junio, el trabajo comenzó en la demolición de este convento en septiembre, con el fin de construir un nuevo edificio que pueda acomodar todas las actividades del Liceu. La dirección del teatro encargó el proyecto de gestión a Joaquim de Gispert d’Anglí. Las nuevas regulaciones fueron aprobadas el 25 de julio y se formaron, para obtener los recursos necesarios para su construcción, dos compañías: la Sociedad de la Construcción y la Sociedad Auxiliar de la Construcción. Los accionistas de la primera obtuvieron, a cambio de sus contribuciones financieras, el derecho a utilizar a perpetuidad algunas cajas y sillones del futuro teatro. Los del segundo, sin embargo, contribuyeron con el resto del dinero necesario para construir el teatro a cambio de la propiedad de otros espacios en el edificio, parte de la planta baja, donde se ubicaban las tiendas, y el Cercle del Liceu, un club privado. Finalmente, la construcción costó 338.029 duros, una cifra no muy alta en ese momento.

Así, a diferencia de otras ciudades europeas, donde la monarquía era responsable de la construcción y el mantenimiento de los teatros de ópera, en Barcelona la construcción del Gran Teatre del Liceu se realizó a través de las contribuciones de accionistas privados, de acuerdo con una estructura de la sociedad mercantil. Además, la Reina Isabel, a pesar de que se le pidió ayuda, no contribuyó a la construcción. Estos hechos incluso condicionaron la estructura del nuevo edificio, que carece, por ejemplo, del mercado de la caja real; Además, la sociedad cambió su nombre, eliminando el nombre de la reina y convirtiéndose en Liceo Filarmónico Dramático. Así fue como el Liceu se convirtió no solo en un teatro real sino en una burguesía.

Miquel Garriga i Roca fue el arquitecto encargado de la construcción del Liceu. Las obras comenzaron el 23 de abril de 1845 y el Teatro se inauguró el 4 de abril de 1847, en medio de grandes cambios en la zona urbana de Barcelona que comenzaron con confiscaciones de 27 años. El arquitecto que finalmente completó una gran obra fue Josep Oriol Mestres. En el momento de su inauguración, era el teatro más grande de Europa: podía albergar a 3.500 espectadores.

Desde un punto de vista tipológico, el diseño se inspiró en la forma canónica de los teatros italianos y, más específicamente, en La Scala en Milán (por Giuseppe Piermarini de 1778), con una sala dispuesta en forma de herradura, con un plato y cinco pisos con cajas en tres de ellos, pero con la peculiaridad de que las cajas del Liceu estaban separadas solo con mamparos bajos, sin columnas ni paredes que crearan celdas. La fachada interior que rodea la habitación está determinada por una pared en forma de herradura, que soporta la bóveda del techo y los voladizos de los cinco pisos, voladizos ya que no hay soportes verticales. Además, en el primer y segundo piso había herraduras individuales en voladizo que, avanzando sobre el hueco en la parte central y parte de las laterales, aumentaron la capacidad de los pisos en tres o cuatro filas.

Apertura y primeros años, hasta el incendio de 1861.
Cuando abrió el Liceo, no era verano, sino Cuaresma, y ​​la solemne apertura tuvo lugar el domingo de Pascua. La inauguración consistió en un programa mixto que incluía música, teatro, canto y danza, como una declaración programática de las actividades a realizar; estrenaron: una apertura musical del compositor valenciano Josep Melcior Gomis; el drama histórico en tres actos Don Fernando el de Antequera, de Ventura de la Vega, con actores tan conocidos como Carlos Latorre y Bárbara Lamadrid; el ballet La rondeña de Joseph Jurch, con coreografía de Joan Camprubí, y la cantata, con texto italiano de Joan Cortada y música de Marià Obiols (directora musical del teatro) titulada Il regio imene, dedicada a la boda de Isabel II y Francesc d ‘Assís de Bourbon ..

El evento atrajo a una audiencia tan grande al teatro que más de 4,000 personas (muchas sin una localidad) fueron asesinadas mientras una banda animaba en el bulevar de la Rambla. Algunas chicas distribuyeron flores y poemas al público, quienes, cuando fueron admirados, contemplaron por primera vez el interior del Liceu.

Pocos días después de la apertura, el 17 de abril, se estrenó la primera ópera: Anna Bolena, de Gaetano Donizetti, con la dirección de Marià Obiols, y un elenco encabezado por Giovanna Rossi-Caccia, una cantante catalana de madre italiana muy apreciada en la época, Carlotta Maironi, Manuel Renou y Andrea Castellan. Otras óperas que se presentaron en el Liceu durante su primer año de vida fueron, en este orden, I due Foscari (Verdi), Il bravo (Mercadante), Parisina d’Este (Donizetti), Giovanna d’Arco (Verdi), Leonora (Comerciante), Ernani (Verdi) Norma (Bellini), Linda di Chamounix (Donizetti), Il barbiere di Siviglia (Rossini), Don Pasquale (Donizetti) y L’elisir de Amore (Donizetti). Donizetti, el autor que estaba de moda en ese momento, prevaleció, y Mercadante, maestra de la directora Marià Obiols, ambos compositores prominentes del Belcanto, que tenían los días contados con la aparición de Macbeth ese mismo año.

La segunda temporada comenzó en mayo de 1848 con I Lombardi de Verdi, cantada por Alberto Bocceti. La temporada contó con un total de 15 óperas, incluida Lucrezia Borgia, otra pieza de Donizetti cantada nuevamente por Giovanna Rossi-Caccia. La gran cantidad de actuaciones se debe al hecho de que no había vacaciones de verano en ese momento. También ayudó que las asambleas no fueran complicadas, ya que estaban hechas con telas pintadas, que incluso se usaban para diferentes óperas.

En esos años, la ópera del Liceu alternaba con otros textos teatrales, preferiblemente en español (con la presencia ocasional de obras en francés, italiano o catalán), opereta, ballet, conciertos y recitales, así como una variedad de espectáculos, comunes en ese entonces. los grandes teatros: números mágicos, ambulismo, gimnasia, circo, variedades, etc., a menudo precedidos por una pieza musical (oberturas, sinfonías, etc.), anunciada sin especificar su autor.

La etapa inicial del Liceu, hasta el año del incendio memorable, se caracterizó en un sentido lírico por el auge italianista, polarizándose principalmente hacia Donizetti, quien fue el autor ídolo de esos años, y por los primeros éxitos de Verdi. El repertorio lírico también fue alimentado por la zarzuela, con triunfos especiales de Barbieri, y algunas comedias o dramas de autores locales que se limitaron a imitar el estilo italiano sin mucho ocultamiento.

No fue hasta el 4 de agosto de 1849 cuando se estrenó la primera ópera alemana: Der Freischütz de Weber. El estreno en Cataluña de esta ópera fue muy importante para la aparición del gusto por el canto coral en Cataluña. El corazón de los cazadores fue el detonante de los gustos corales que Clavé más tarde derivaría de sus actividades. El primer coro femenino (también de cazadores) no llegaría hasta 1860 en el Teatro Principal y el 5 de marzo de 1861 en el Liceu con Martha de Flotow.

Vale la pena señalar la llegada, en 1859, de la ópera francesa La juive, de Halévy, que sería popular durante muchos años, aunque siempre cantada en italiano.

En 1854, las secciones dedicadas al teatro y al conservatorio se separaron: la Sociedad del Gran Teatre del Liceu sería responsable de la operación del teatro y se independizaría del Conservatorio del Teatre del Liceu.

Desde su apertura, el Liceu se convirtió en el principal rival del Teatre Principal, hasta entonces un teatro que monopolizaba la ópera en Barcelona. Así surgió la disputa entre «liceistas» y «cruzados», que Pitarra retrató en un conocido sainet. A menudo se ha dicho que los lyceumistas eran los progresistas y los principales los conservadores, pero este no era exactamente el caso: de hecho, el Liceo y el director compitieron con los mismos títulos teatrales y líricos e intentaron contratar a los mismos artistas. Pero el Liceu era un «gran» teatro que atraía a más personas, especialmente al público joven, debido a la calidad del espectáculo, y desde la década de 1950 tomó la iniciativa definitivamente, que fue indiscutible cuando, alrededor de la década de 1970, el director entró en crisis y estaba en el asiento trasero, al menos en términos de programación de ópera. Las disputas entre los liceos y los cruzados fueron beneficiosas para todos, ya que la cultura siempre necesitaba tensiones y participación.

El 9 de abril de 1861, las llamas destruyeron el teatro por primera vez. Fue el día después de la representación de una obra de teatro María la cieguita de Enrique Gil y Zárate; el día anterior se había presentado la ópera Rigoletto de Verdi, y el día 9 hubo otra obra, Fortuna contra fortuna de Tomás Rodríguez Rubí. El incendio comenzó en el cuarto piso de la sastrería, probablemente con una lámpara de aceite apagada. El fuego se extendió muy rápidamente y no tuvieron tiempo de usar los tanques de agua. Siendo todo de madera, solo quedaba la carcasa de piedra del teatro. Hay una leyenda urbana de que los vecinos trataron de apagar el fuego con largas filas que pasaban por los cubos de agua. Fue una desgracia considerable, en ese momento el Liceo era un teatro eminentemente popular. Sin embargo, las estructuras del baño, las escaleras hacia el vestíbulo, parte de los pasillos y las unidades del Cercle del Liceu se salvaron de la destrucción. Así, el teatro renació en su forma primitiva, incluso mejor y más ricamente decorado que antes del desastre. Las imágenes conservadas de ese primer incendio muestran exactamente el mismo esqueleto que se vio en el segundo incendio de 1994. Esto significa que fue reconstruido con el mismo sistema en 1847 y aprovechando la estructura que quedaba.

Los propietarios colaboraron generosamente y sin interrupciones, las entidades locales también se relacionaron directamente con el Liceu. Solo Isabel II no estuvo a la altura de las circunstancias y se negó a proporcionar la colaboración que se le había pedido con maldad.

Primer paso: haz clic en la ópera italiana
El teatro se convirtió en un feudo de la ópera italiana, que se estrenó poco después de su estreno por los autores italianos más importantes de la época: Donizetti, Bellini, Mercadante y Verdi, a los que debe agregarse el franco-alemán Giacomo Meyerbeer. Cantantes y Fanny Salvini-Donatelli, que había estrenado La Traviata en Venecia, se presentaron en el Liceu. Algunos autores franceses, como Ferdinand Hérold y Daniel-François Esprit Auber, también fueron presentados, pero cantados en italiano, según las costumbres de la época.

A partir de la catástrofe de 1861, el Liceo ganó un nuevo impulso. El auge de la ópera italiana se agregó en el repertorio francés dirigido por el estreno de Il profeta y el africano de Meyerbeer, que dio origen al «meyerbisme» entre las óperas más destacadas y aficionadas de Gounod, Thomas, Halévy, Auber, etc. .

El 20 de abril de 1862, solo un año después del incendio, volvió a abrir las puertas de la audiencia del teatro con una actuación de la ópera de Bellini I Puritani, protagonizada por el tenor Pietro Mongini. La restauración fue realizada por el arquitecto Josep Oriol Mestres. La sala era completamente nueva, dejando solo las partes que el fuego había respetado del edificio anterior: las fachadas y el cuerpo de la fachada de la Rambla, con la Sala del Espejo, el vestíbulo y las instalaciones del Cercle del Liceu y el Conservatorio. Poco después, el 30 de mayo, se realizó la primera prueba de uso de luz eléctrica en el escenario.

El Liceu sedujo la imagen de un gran teatro, superando en oferta y rendimiento económico a los muchos otros que habían surgido en Barcelona en esos años. La oferta lírica, los cantantes de renombre internacional y, sobre todo, la garantía de tener un teatro completo, gracias a las suscripciones y la distribución de la propiedad de cajas y sillones de azulejos y primer piso entre muchos propietarios, dispuestos a salir ‘n, distinguió al público de la escuela primaria por su origen burgués. Entre ellos, sin embargo, se certifica que el lirismo era la distracción de moda que había contaminado todos los estratos de la sociedad y en muchas áreas de la vida cultural.

El silencio reverencial que existe en los teatros de ópera hoy no estaba allí en ese momento. La gente hablaba, entraban, salían. Incluso en el salón de los espejos, mientras se realizaba la ópera, a menudo se convertía en una pequeña bolsa donde se compraban y vendían títulos. A veces, cuando la gente subía o bajaba, se quejaban del ruido.

En 1863 representó Il giuramento posiblemente la mejor obra de Mercadante y ya se había estrenado en el Teatro Montsió en 1839 Mercadante fue un gran amigo y mentor del primer director del Liceo, Mariano Obiols en el que siempre que podía programar obras de su maestro.

En 1866 se realizó por primera vez una ópera de Mozart: Don Giovanni. Mozart fue venerado pero no totalmente representado en el Romanticismo. De hecho, esta ópera no fue muy agradable a pesar de ser la más romántica de Mozart, y no se repitió hasta 1880.

Sonada fue la inauguración de la temporada en 1868. Desde hace algunos años, cuando se abrieron las murallas de la ciudad, en verano el público se mudó a los teatros y parques infantiles, y el Liceu cerró el verano para abrir solemnemente el 10 de octubre para coincidir con el décimo aniversario de la reina Isabel II. Pero poco antes de esa fecha, y durante la revolución de 1868, la reina había sido destronada y su busto había sido arrancado del nicho en lo alto de la escalera principal y arrojado al mar. Entonces abrió unos días después, con Guglielmo Tell, un título muy apropiado para su disculpa por la libertad. La situación política y el hecho de que la reina, una vez más, no había contribuido a la reconstrucción del teatro después del incendio, hizo que el recuerdo de Isabel II fuera borrado permanentemente del teatro, reemplazando su busto con una escultura alegórica.

El 25 de febrero de 1877, un año después de su estreno en el Teatro Principal, se presentó por primera vez en el Liceo de Aida en Verdi con un éxito rotundo. El Teatre Principal tuvo una batalla perdida con el Liceu, pero de vez en cuando intentaba atacar e importar obras importantes.

Consolidación como ópera
Desde los años ochenta del siglo XIX, el Liceu se ha convertido gradualmente en un teatro de ópera y danza, consolidando una estructura de programación basada en la asignación de géneros en cada una de las tres estaciones que constituyen la oferta artística anual del teatro: la de invierno, exclusivamente para ópera; a la Cuaresma, alternando conciertos con ballet y la opereta, y primavera, ambos dedicados a la ópera como opereta. Por lo tanto, el Liceu se dedicó a los grandes géneros, dejando el resto para los otros teatros. El Liceu acogió a la burguesía en sus espectáculos caros y más sofisticados, mientras que los teatros del Passeig de Gràcia acogieron a artesanos en espectáculos, en principio, menos exigentes: teatro, zarzuela, ópera cómica, etc.

Poco a poco, el monopolio de la oferta operística italiana se rompió gracias a la llegada del repertorio operístico francés, con hitos tan destacados como Fausto (1864) y Roméo et Juliette (1884) de Gounod, Carmen de Bizet (1888).

La primera ópera de Richard Wagner no llegaría hasta el 6 de marzo de 1883 con Lohengrin. Wagner sería muy importante en el Liceo. La tradición wagneriana de Barcelona es conocida en todo el mundo, aunque para entonces el boom aún no había llegado. Pero una vez más, el director había anticipado el estreno antes del Liceu este Lohengrin, aunque de una manera muy infructuosa tuvo que tener cantantes italianos que no sabían cantar Wagner. Por otro lado, la puesta en escena del Liceu fue más ingeniosa y complació a los primeros wagnerianos, aunque también se cantaba en italiano, ya que los cantantes de la época no sabían alemán.

Wagner fue algo especial en el Liceu y en Cataluña desde el momento en que se estrenó la primera ópera. Pero los primeros en presentar a Wagner en Cataluña fueron Clavé y sus corazones, quienes llevaron a Tannhäuser a Barcelona después de escucharlo en París. Era el 16 de julio de 1862, y serían las primeras notas de Wagner que sonarían en Barcelona. Todo el trabajo no llegó al Liceu hasta 1887.

En ese momento, todas las obras se cantaban en italiano, excepto algunas en francés, porque la mayoría de los cantantes eran italianos y se consideraba el idioma de la ópera. Por lo tanto, menos en Alemania, Wagner también se cantó en italiano.

De 1880 a 1890 hubo una gran rivalidad entre dos ilustres tenores: el navarro Julián Gayarre y el italiano Angelo Masini, que cantaron tanto en el Liceu como en el director: los «gayarristas» y los «masinistas» revivieron la vieja rivalidad. El 1888 fue el último año en Barcelona Gayarre, primer tenor y el catalán Francesc Viñas, especialista en las óperas de Wagner. El tenor catalán cuando tuvo que hacer fragmentos de un fragmento de las óperas de Wagner las hizo en su traducción al catalán.

En 1890, Victor Maurel, como había estado en el estreno en Milán, también fue Iago en el estreno en el Liceu en el verde Otello, mientras que Francesco Tamagno (protagonista en el estreno de La Scala) fue el que estuvo en representaciones posteriores.

Modernismo burgués: desde el final del siglo hasta la gran guerra
Con el movimiento modernista, en un cierto clima de euforia, existe el deseo de dotar a la cultura catalana, tanto en lo económico (la consolidación de una burguesía próspera) como en lo político (un creciente nacionalismo catalán) y cultural. Los signos de la modernidad que lo equiparan con cualquier otra nación europea. Este clima también tiene un impacto en el Liceu con el estreno de óperas de compositores catalanes en sintonía con las corrientes artísticas del momento como las de Felipe Pedrell, Jaume Pahissa y Jo, Joan Lamote de Grignon o Enric Morera, y con textos de Víctor Balaguer, Angel Guimerà o Eduard Marquina, que fueron bien recibidos, pero no lograron consolidarse en el repertorio habitual.

El Liceu también se convirtió en el escaparate social de una burguesía que vio un espacio refinado y prestigioso. Al mismo tiempo, el anarquismo, que se había apoderado de los movimientos de revuelta social de la época, vio en el Liceo uno de los símbolos de la oligarquía gobernante. Esta identificación afectó trágicamente la vida del teatro el 7 de noviembre de 1893, la noche de apertura de la temporada (representada por William Tell, por Rossini), el anarquista Santiago Salvador Franch y arrojó dos bombas tipo Orsini en los puestos del teatro, de los cuales solo uno fue asesinado, lo que causó unas veinte muertes., como se supo este evento, conmocionó a la ciudad; El liceo público (y, en general, los teatros de la ciudad) volvieron a la normalidad y durante años no se utilizaron los sillones utilizados por los asesinados por la bomba. Al mismo tiempo, la «bomba de Liceu» fortaleció, y a menudo distorsionó, la imagen de clase del Liceu. El poeta Maragall, que estaba en el teatro esa noche, escribió uno de sus poemas más tántricos a raíz de este evento.

El Liceu cerró y no volvió a abrir hasta el 18 de enero de 1894 con conciertos dirigidos por Antoni Nicolau. Poco después, L’Mico Fritz, de Mascagni, y Manon, de Massenet, fueron retratados por primera vez, con Hariclea Darclée.

La inauguración de la temporada de 1909 en el otoño fue importante porque el teatro había sido rejuvenecido, se instalaron nuevos asientos y el proscenio fue decorado con pinturas de Ramiro Lorenzale. La neutralidad de España durante la Primera Guerra Mundial permitió que la industria textil catalana creciera como proveedor de los países en guerra. Allí se hicieron grandes fortunas y prosperidad en la década de 1920. El Liceo se convirtió en un teatro de primera línea y albergó a los mejores cantantes y directores de la época, así como a compañías como los Ballets rusos de Sergei Diaghilev. La primera actuación en el Liceu fue el 23 de junio de 1917 en la inauguración de la temporada y un corto ciclo de ballets que influyeron en el programa Liceu en los años siguientes. Las famosas Nijinsky y Lydia Lopokova bailaron.

Nuevo repertorio
Hasta el estallido definitivo del wagnerismo en 1899, la audiencia de la ópera Liceu sufrió un derrocamiento conservador cada vez mayor, y se declararon a favor de la ópera italiana para contradecir los movimientos nacionalistas jóvenes y en contra de las novedades que los jóvenes consideraban esenciales. La rivalidad entre los empresarios de la ópera a veces condujo a estrenos en el Liceu, el mejor teatro teatral de la burguesía, como Carmen, que se estrenó en el nuevo Lyric Theatre (1881), o Lohengrin., Estrenado en el Principal (1882).

La rivalidad entre teatros y pasatiempos fue muy ilustrativa de la lírica de la pasión, y condujo a situaciones tensas entre los partidarios de las óperas wagnerianas y los defensores de Puccini. También hubo un debate entre los partidarios de la reforma del espectáculo y todo lo relacionado con la puesta en escena de los defensores de la ópera y el teatro como un centro social burgués serio y serio. Debe recordarse que en ese momento las luces de la sala permanecían encendidas durante la sesión, ya que la sociabilidad entre la audiencia se consideraba un interés principal.

Gradualmente, las estaciones, por razones de operación y mecánica de contratos, fertilizantes, etc., se dividieron en dos: temporada de otoño-invierno y primavera. A finales de siglo, la hora de inicio de las funciones se establece a las 8:30 p.m. Esta formalización, que se ha consolidado en el teatro, es significativa porque representa que el Liceu había comenzado a ser un teatro, preferiblemente dedicado a actuaciones completas de ópera y danza. Una de las primeras consecuencias es que comienza a formarse una audiencia y, por lo tanto, una tradición, que se convertirá en un experto en valorar un repertorio lírico que, por otro lado, se ha reducido a menos títulos, como el resto de Europa. Los espectadores ya se consideran expertos y, por lo tanto, pueden valorar.

Desde el principio, el Liceu había mantenido el deseo de incorporar las grandes voces de la ópera en la programación del teatro, lo que había consolidado una audiencia interesada casi exclusivamente en la competencia vocal de los cantantes, y seguramente carecía de la posibilidad de valorar otras estímulos Entonces, pronto se formó el mito de un Liceo exigente, conocedor e implacable con algunos cantantes famosos, que divirtió a los fanáticos. Pero al mismo tiempo, con gran éxito, se introdujo una nueva estética: el wagnerismo, la ópera rusa y los ballets rusos, y algunos ejemplos de la vanguardia musical y plástica.

El Liceu y Wagner
Durante el período desde el estreno de Lohengrin (1883) hasta la famosa actuación de Parsifal (1913), el público prefiere el trabajo de Richard Wagner, que el Liceu no introdujo específicamente en Cataluña y, por otro lado, la programación encontrada Todo tipo de resistencia por parte de los wagnerianos más ortodoxos: la Asociación wagneriana se estableció en 1901 para estudiar el trabajo del compositor alemán y difundirlo en catalán, porque consideraban que Wagner no estaba adecuadamente representado en el Liceo. realizado en italiano, sin dramaturgia adecuada, y a menudo con cantantes no especializados en la técnica wagneriana.

Así, la apertura de la temporada de la Exposición Universal, el 17 de mayo de 1888, fue muy solemne. La ópera de elección fue Lohengrin. El wagnerismo comenzaba a ocupar un lugar importante en la sociedad catalana. A la función asistieron varios monarcas europeos y la reina gobernante de España, María Cristina.

De 1914 a 1936, las actuaciones wagnerianas solo crecen en cantidad y calidad, cantadas en alemán por grandes voces wagnerianas, con un escenario apropiado, y dirigidas por los mejores directores internacionales de ópera en lengua alemana. Como muestra:

En 1899 la temporada comenzó con Tristan und Isolde, que fue un éxito extraordinario.
En el mismo año, se estrena Die Walküre, con la escena del desfile con una increíble proyección cinematográfica filmada en Montserrat y con la sala por primera vez en la oscuridad.
En 1910 y 1911, representaron la representación completa de siete tetralogías y más de 23 representaciones de otras seis obras suyas.
El estreno de Parsifal el último día de 1913 tiene una carga simbólica y emocional especial, ya que hasta 1914 esta obra solo se podía interpretar en su totalidad en el Festival de Bayreuth. El director obtuvo el permiso de Bayreuth para comenzar la obra a las 10.30 p. M. El 31 de diciembre de 1913, argumentando la diferencia horaria: por lo tanto, fue el primer teatro fuera de Bayreuth y legalmente (n ‘había habido otros lugares donde se había representado a sí mismo) sin permiso), Parsifal representado.
Con la entrada del siglo XX, se combinan la furia wagneriana y los primeros grandes éxitos de la llamada escuela verista (Manon Lescaut y La Bohème de Puccini, Andrea Chénier de Giordano, Cavalleria rusticana de Mascagni, Pagliacci de Leoncavallo). Una ópera rusa también fue puesta en escena por primera vez en el escenario del Liceo, Nerón, de Anton Rubinstein, aunque cantada en italiano.

El repertorio ruso
El estreno de Boris Godunov, por Mussorgsky el 20 de noviembre de 1915, marca el comienzo del esplendor de la ópera rusa en el Liceo. El público catalán aplaude las obras de un ambiente oriental, donde la gente (el coro) ocupa un lugar central. La pasión de los autores eslavos convierte al Liceo de 1926 en el primer teatro nuevo, fuera de Rusia, La ciudad invisible de Kitege, de Rimski-Korsakov. La orquesta y el coro del Liceu obtienen un estado más estable. Grandes orquestas y directores dan conciertos al teatro: Richard Strauss, Igor Stravinski, Pau Casals, Ottorino Respighi, etc.

Guerra civil de los años veinte
En la década de 1920, el teatro siguió siendo el escaparate de las clases altas, con la excepción de los pisos cuarto y quinto, un refugio para los amantes de la música menos privilegiados. Artísticamente, el teatro se renueva y se amplía su repertorio y calidad de actuaciones.

Con la proclamación de la Segunda República española en 1931, la inestabilidad política llevó al teatro a una crisis económica que fue superada por las contribuciones del Ayuntamiento de Barcelona y la Generalitat de Cataluña. El 14 de enero de 1933, el Liceu fue reabierto, luego de una crisis que estaba a punto de cerrarse, gracias a la acción conjunta de personas y entidades que formaron el Pro-Liceu, presidido por el tenor Viñas. Durante la Guerra Civil española, el Liceu se nacionalizó y se llamó Teatre del Liceu – Teatre Nacional de Catalunya. La temporada de ópera se pospuso, pero se realizaron obras de teatro, conciertos y representaciones de zarzuela. El 19 de octubre de 1938 tuvo lugar el último concierto de Pau Casals antes de partir al exilio. Después de la guerra, en 1939, fue devuelto a la Sociedad de Propietarios.

El esplendor de la crisis: 1940-1980
El Liceu, que durante la guerra se había vuelto dependiente de la Generalitat, regresó a la Junta de Propietarios, y para que un número suficiente regresara a la ciudad, se formó una directiva presidida por el Marqués de Sentmenat, que posteriormente solicitó al ex empleador, Joan Mestres i Calvet, que organizó lo más rápido posible una temporada de invierno. La triste apertura de la temporada ya bajo el régimen de Franco fue el 9 de diciembre de 1939 con La Bohème, de Puccini, en una función de caridad «como un tributo al Ejército y en beneficio de la Ayuda Social y el Hospital Clínico de Barcelona». El precio de los boletos más caros era de 500 pesetas, el equivalente a tres meses de salario de un trabajador. Como protagonista femenina, Mercè Capsir fue contratada, que había estado en Italia durante los años de guerra, y se convirtió en la estrella indiscutible del Liceu inmediatamente después de la guerra, participando en varias representaciones ya en 1939. Mercè Capsir llegó a recibir, el 5 de enero de 1940, la medalla de oro de la ciudad de Barcelona, ​​»por sus méritos artísticos, y por sus repetidas pruebas de español fundado». El Liceo fue teñido del azul profundo de aquellos que le impusieron tres himnos públicos: el ‘Cara al sol y el himno nacional español con el brazo en alto. También se estrenó Goyescas, de Granados, y también interpretada por Alicia de Larrocha.

La sociedad catalana se estaba reconstruyendo y el Liceu recuperaba su estatus. Los «nuevos ricos» y extraños que buscaban un supuesto esplendor social en la letra se hicieron cargo del Liceo: todas las inauguraciones fueron «muy solemnes» y una feria de vanidades como las anteriores. Pero los dueños de negocios, Joan Mestres y, desde 1947, Joan Antoni Pàmias y Josep Fugarolas, estaban preocupados por el nivel realmente artístico del evento. Desde la década de 1940 hasta la década de 1960, las estaciones alcanzaron un alto nivel.

El teatro fue visitado por las mejores voces y compañías, y el repertorio se amplió con nuevas obras y autores: las obras de autores contemporáneos eran frecuentes, así como la recuperación de títulos antiguos. Así, en 1947, en el centenario del teatro, Anna Bolena de Donizetti fue reemplazada, en un momento en que no había actuado en ningún lugar durante años.

La ópera más popular de la temporada 1949-1950 fue La Gioconda de Ponchielli, pero también contó con Salomé de Strauss, Louise de Charpentier, L’Africaine de Meyerbeer, cuando nadie más actuó, así como Aida de Verdi. Pero el la temporada fue principalmente wagneriana con Tristan und Isolde, Götterdämmerung y Die Walküre porque Pamias trajo al Liceo una gran figura de canción wagneriana: Kirsten Flagstad

En 1951 se rinde homenaje a Kirsten Flagstad, que precedió a la primera ópera de la temporada y con una brillantez que sacudió al ilustre artista. La temporada de 1953 comienza el 4 de noviembre de 1953 con el debut de Renata Tebaldi en La Traviata. En 1955, gracias al trabajo de una comisión especial, el Liceo recibió una visita completa de la compañía del Festival Bayreuth en su primera gira fuera de Bayreuth. Wieland Wagner ofreció actuaciones memorables de Parsifal, Tristan und Isolde y Die Walküre con escenarios innovadores, que fueron recibidos con entusiasmo.

La temporada 1960-1961 comenzó con Il Barbiere di Siviglia en una noche estelar con Alfredo Kraus y Gianna D’Angelo. Jaume Aragall inauguró la temporada con la misma soprano y Manuel Ausensi, el 9 de noviembre de 1965. También fue brillante la inauguración de la temporada ofrecida por Montserrat Caballé, el mismo día de 1968, con Roberto Devereux, y no menos espléndido. Adriana Lecouvreur (1972) con el mismo Caballé y el nuevo valor lírico descubierto por ella, Josep Carreras.

Durante los años setenta, el teatro se vio gravemente afectado por la crisis económica: los propietarios no podían pagar los crecientes costos de la actuación y la calidad general de los espectáculos sufrió.

Consorcio, renovación y fuego.
La muerte del último empleador, Joan Antoni Pàmias en 1980, reveló la necesidad de una intervención de la administración pública en la institución para convertirse en un gran teatro de ópera. En 1981, la Generalitat de Catalunya, junto con el Ayuntamiento de Barcelona y la Sociedad Gran Teatre del Liceu, crearon el Consorcio Gran Teatre del Liceu, que entonces era responsable de la gestión y operación del teatro. El Consejo Provincial de Barcelona y el Ministerio de Cultura español se unieron al Consorcio en 1985 y 1986, respectivamente. En poco tiempo, el Consorcio pudo mejorar significativamente el nivel artístico, y el teatro volvió a llenar al público. El coro y la orquesta se renovaron y mejoraron, se contrataron buenas castas, con especial cuidado para atraer audiencias con grandes cantantes, y se mejoraron las representaciones teatrales de las actuaciones. Esto, junto con una importante inversión de dinero, resultó en un alto nivel promedio en nuevas producciones y en las décadas de 1980 y 1990. El número de boletos aumentó a medida que aumentó la demanda de boletos (la popularidad de

Sin embargo, todo fue interrumpido por el incendio que destruyó el teatro el 31 de enero de 1994.

El incendio de 1994
Entre las dos y tres cuartos de las once de la mañana del 31 de enero de 1994, mientras dos operadores que trabajaban en la reparación de la Cortina de Hierro que, en caso de incendio, habían evitado que el incendio ocurriera en el escenario de la sala, la ironía del destino, el Los destellos de su soplador se apoderaron de los pliegues del portero, la cortina fija de tres cuerpos se escondió en la parte superior del escenario. Se cayeron al suelo piezas de ropa y, aunque los trabajadores se apresuraron a apagarlas y la cortina de acero bajó, todo fue inútil: las llamas ya habían saltado a la cortina de terciopelo y se habían disparado. telar y techo.

El incendio ya era incontrolable cuando los bomberos llegaron minutos después de las once en punto. Tal vez un poco tarde, porque mientras tanto, los trabajadores habrían tratado de apagar el fuego con sus medios, en lugar de llamar inmediatamente a los servicios de extinción.

En aquellos días, la ópera de Paul Hindemith, Mathis der Maler, se representaba en el teatro, seguida de Turandot de Puccini.

Las instituciones públicas acordaron por unanimidad que el teatro sería reconstruido en el mismo lugar que estaba, pero con todas las mejoras necesarias. Para hacer posible la reconstrucción del Liceu, se creó la Fundación Gran Teatre del Liceu, y la Sociedad del Gran Teatre del Liceu cedió la propiedad del teatro a las administraciones públicas: el teatro era, finalmente, de propiedad pública, a pesar de la oposición de un Pequeño número de propietarios. Para obtener recursos, la Fundación lanzó una campaña de recaudación de fondos, que involucró a un gran número de empresas e instituciones privadas, que actuaron como patrocinadores y patrocinadores y contribuyeron a la reconstrucción del teatro: el resultado fue que casi la mitad del presupuesto final para Esta reconstrucción provino de recursos privados.

Ópera contemporánea
De 1994 a 1999, cuando se reabrió, las temporadas de ópera del Liceu (el «Liceu in Exile», como se dio a conocer) tuvieron lugar en diferentes salas: el Palau Sant Jordi (solo en tres espectáculos de asistencia masiva, el mismo 1994) , el Palau de la Música Catalana y el Teatre Victoria. Algunas actuaciones también se realizaron en el Teatre Nacional de Catalunya y el Teatre del Mercat de les Flors.

El nuevo y mejorado teatro se inauguró el 7 de octubre de 1999, con Turandot de Puccini, que era la obra que se realizaría cuando el teatro se quemara, cerrando así un círculo, volviendo el teatro a la normalidad después de cinco años. El nuevo teatro combina las partes conservadas del antiguo edificio (fachadas, Miró Hall, Liceu Circle y Conservatory) con las nuevas, como la sala principal, que fue reconstruida de acuerdo con su aspecto original (a excepción de las pinturas del techo, reemplazadas por obras de Perejaume), pero equipado con las últimas innovaciones tecnológicas. También son nuevos el escenario, los espacios de oficina, los ensayos, una nueva sala para espectáculos de pequeño formato y más espacios públicos. Los arquitectos del proyecto de reconstrucción fueron Ignasi de Solà-Morales, Xavier Fabré y Lluís Dilmé.

El teatro tiene un sistema de subtítulos que se proyectan en una pantalla sobre el proscenio, dando el texto, traducido al catalán, de óperas y obras cantadas. También hay un sistema de folleto electrónico que ofrece traducciones (inglés, español y catalán, según lo elijan) en monitores individuales ubicados en la mayoría de los asientos.

Desde la reapertura, además del programa regular de ópera y ballet, con más actuaciones de cada título, el teatro ha lanzado campañas para hacerlo más accesible. Sesiones populares con castings de jóvenes cantantes, tarifas con descuento, ofertas de boletos de última hora, espectáculos en vivo transmitidos en cines (Opera Open) y en línea, producción del canal Liceu Opera Barcelona en YouTube, colaboración con universidades y escuelas, etc. Especialmente notables son los programas para niños y jóvenes, con espectáculos musicales adaptados a este tipo de público. Además, la producción y edición de DVD se ha incrementado con espectáculos realizados en el teatro, algunos de los cuales han recibido gran elogio de la crítica.

La respuesta del público en la nueva etapa hizo que pasara de 7.789 suscriptores en 1993 a 22.407 en 2008.

En 2012, el Liceu no quedó fuera de los momentos políticos en Cataluña. Coincidiendo con la proximidad del día del 11 de septiembre, protagonizaron varios eventos. Uno de ellos fue en la actuación de Lohengrin interpretada por la orquesta del Festival Bayreuth. Al final de la actuación, en plena ovación, se desplegó una estela del público que era claramente visible. En mayo de 2013, en una situación inusual, los príncipes de Asturias fueron arrastrados a la fuerza dentro de la sala antes de la representación de Donisetti de Elisir d’Amore.

La temporada 2015/16 del Gran Teatre del Liceu, bajo la dirección artística de Christina Scheppelmann (Hamburgo, 1965), fortalece el papel de la institución en cuanto al nivel de producciones artísticas, muchas innovadoras y la calidad de sus voces, con un debut mundial El presupuesto para la temporada fue de 41,5 millones de euros y el número de características aumentó, de 108 a 114. Se mantuvo prácticamente igual en número de títulos: 24, en comparación con los 25 de este año (uno de ellos). programa doble), de los cuales 12 corresponden a ópera. La temporada comenzó en septiembre con baile, pero el estreno oficial de la ópera fue el 7 de octubre con Nabucco, en una coproducción del Gran Teatre del Liceu, con el Teatro alla Scala en Milán, el Royal Opera House Covent Garden en Londres y Lyric Opera en Chicago.