Gusto griego

El gusto griego (francés: Goût grec) es el término aplicado a la expresión más antigua del estilo neoclásico en Francia, se refiere específicamente a las artes decorativas y la arquitectura de mediados de la década de 1750 hasta finales de la década de 1760. El estilo era más fantasioso que históricamente exacto aunque los primeros estudios arqueológicos de Grecia habían comenzado a aparecer en este momento. Se caracterizó por formas severas rectilíneas y trabeated con un detalle griego algo crudo que incorpora pilastras audaces, rollos jónicos, clave griega y trastes de desplazamiento y labrado. El origen del estilo se puede encontrar en el conjunto de muebles diseñados por Louis-Joseph Le Lorrain para el financista parisino Ange-Laurent de La Live de Jully (ahora en el Museo Condé, Chantilly). En comparación con el estilo rococó prevaleciente, la austeridad de estas piezas es austera, y el elogio de la autoridad contemporánea sobre la antigüedad griega, el conde de Caylus. También influyeron los grabados del arquitecto Jean-François de Neufforge, la arquitectura de Charles De Wailly y los diseños de Philippe de La Guêpière. El goût grec era un estilo de círculos de vanguardia en la clase alta de París, pero fue ignorado en la corte de Versalles, donde se obtuvo un estilo Luis XV más conservador y rígido y un estilo «transicional» modificado.

El primer ejemplo del «gusto griego» se considera el gabinete de Laliva de Julli en París, creado en 1756 por De Shedeuville junto con otros autores. De ella solo han sobrevivido los muebles, que ya tienen todos los signos del clasicismo venidero: guirnaldas antiguas, diseños de meandros, etc.

El goût grec fue efímero y se reemplazó rápidamente con el delicado, lineal (o insípido, según preferencia) goût étrusque y goût arabesco, neo- «etrusco» y «arabesco» con paralelos más estrechos en el estilo Adam británico contemporáneo de los 70 y 80s.

Fondo
El despertar del interés en el arte antiguo se asocia con varias razones. En primer lugar, es la fatiga de lo que rodea a la gente. Interiores en el llamado. el estilo rococó era hermoso, elegante, lujoso, pero ya había demasiados, y parecían monótonos (para entender esto, basta con pasar dos volúmenes de la gran obra de G. Frédé Blondel «De la distribution des maisons de plaisance et de la decoration des edifices en general «en 1737). Yo quería novedad. Además, en la parte ilustrada de la sociedad francesa aparecieron los apologistas de la razón que no podían aceptar las innovaciones de moda de los arquitectos contemporáneos por su pretenciosidad e ilogismo. El arquitecto J. Boffrand, llamando al estilo dominante de su época «mala moda», en 1745, la atacó casi con maldiciones: «La moda es un tirano del gusto … La moda ha modificado las formas y los contornos de todas las partes de los edificios y usaron una mezcla confusa de curvas y líneas rectas sin discriminación, … ¡se usan en los negocios o no! «Pero se puede reprochar a Boffran por el hecho de que él mismo siguió esta moda. Más consistente en sus acciones fue J. Fr. Blondel, quien comenzó a promover la arquitectura racional, es decir, siguiendo a Vitruvio, la arquitectura es lógica y razonable, en la cual todos los componentes eran una parte integral del todo y tenían proporciones, determinadas por su función.

Finalmente, la tercera razón: la aparición de nueva información sobre las ciudades antiguas, previamente desconocida o no disponible para los europeos. En los años 1750-60. en Europa se publicaron las descripciones de Palmyra, Baalbek y Atenas con magníficas ilustraciones grabadas y medidas detalladas.

Pero antes que nada deberíamos hablar de Pompeya y Herculano, cuyas excavaciones datan de los años 1740 y 50. intensificado Podían dar no solo una idea de las viviendas de los ricos romanos (antes de que este conocimiento fuera hipotético, y la reconstrucción de las casas antiguas, hecha por A. Palladio, era principalmente el fruto de su imaginación), sino que en ellas grandes cantidades de artículos de decoración de interiores, no conocidos previamente. Así, en la descripción de las antigüedades de Herculano en 1754, los lectores podían encontrar no solo información, sino también ver imágenes del teatro, «cierto edificio público, considerado foro de la ciudad, y dos templos», tumbas, lámparas antiguas, jarrones, trípodes, una mesa en una pierna y una estatua previamente desconocida de Nonnius Balbus (Nonnius Balbus). Todas estas noticias hicieron una explosión de entusiasmo. Los arquitectos se apresuraron a diseñar casas al gusto de los griegos, y los artistas modernos, fabricantes de muebles, bronceadores y otros presentaron al mercado numerosas obras con el sabor más novedoso, que se consideraban griegas reales solo porque diferían en formas geométricas estrictas y la presencia de motivos decorativos tomados en el arsenal de maestros antiguos.

Al mismo tiempo, una «teoría griega» sobre la superioridad de Grecia sobre Roma comenzó a formarse en Europa. Uno de los teóricos del neoclasicismo, MA Logje, informó en esta ocasión en 1755: «Las órdenes tosca y compuesta no son más que préstamos y difieren de las precedentes (dórico, jónico y corintio) únicamente en el estilo casual. El orden toscano es simplemente un dórico áspero, y el compuesto es una mezcla bastante agradable de jónicos y corintios. Por lo tanto, la arquitectura está un poco obligada para los romanos, y está obligada únicamente a los griegos por todo lo que tiene un valioso y completo » . PJ Mariette, más categórico en su actitud hacia los romanos, los consideraba generalmente colonialistas de los griegos y los etruscos que habían dominado las reglas de sus predecesores y llevado el arte al lujo extremo. ¡Llegó al punto de que al derrocar a las antiguas autoridades, los nuevos europeos se atrevieron a criticar incluso a Palladio! R. Sayer se lamentaba en el prefacio de sus «Ruinas de Atenas» (1759) de que incluso los mejores comentaristas de Vitruvio, la única autoridad, «son absolutamente inexactos y contradictorios y se apartan de su diseño en arquitectura» y «ahora rara vez se ve una canción digna de su nombre «. A la luz de los nuevos descubrimientos, parecía que era suficiente descartar todo el lujo y la grandeza romana, dejar de usar warrants compuestos y Tusk, colocar columnas de pedestales en el suelo y plantar frontones triangulares sobre ellas, ya que la arquitectura griega sería restaurada.

Decoración en el gusto griego
FM Grimm ya en 1763 afirmó que «ahora todo el mundo está haciendo una griega. Decoración de fachadas e interiores, muebles, telas, adornos: todo es ahora griego en París. Desde la arquitectura, la moda se ha trasladado a los bancos de moda; nuestras mujeres están peinadas. Griego, nuestros caballeros se considerarán deshonrados si no tienen una caja de rapé con sabor griego «.

En arquitectura
Numerosos ejemplos de arquitectura en griego se pueden encontrar en el trabajo multivolumen de J. Fr. Nephorzha, cuya publicación comenzó en 1757, y muestras de la situación – en los primeros estragos de J. Sh. Delafoss.

Un ejemplo del nuevo gusto fue la fachada de la Iglesia de la Madeleine en París, compilada por el arquitecto Contan d’Ivri en 1761 bajo la influencia de la reconstrucción de paladio del Templo del Sol. El propio autor escribió con orgullo sobre su creación que el pórtico del templo de la arquitectura griega «puede volverse muy nuevo en Francia». Debido a dificultades económicas, la construcción se retrasó y la revolución lo suspendió. El templo fue completado solo en el siglo XIX. un arquitecto completamente diferente. Pero incluso el proyecto no realizado influyó en la arquitectura europea adicional.

Bajo su influencia, en particular, creó un pórtico de la Catedral de la Trinidad de Alexander Nevsky Lavra e incluso un pórtico posterior de la iglesia holandesa en Nevsky Prospekt.

Obras de arte
El gusto del público cambió ante nuestros ojos. Lo que estaba de moda hoy, pasado mañana parecía obsoleto.

Catalina II, habiendo ordenado a fines de la década de 1760. en París, un lujoso juego de plata (más tarde se lo dio a Gregory Orlov, ahora se lo conoce como el «Orlov», los artículos restantes están en la Hermitage del Estado) y pronto recibió bocetos, se vio obligado a exigir cambios. Aprendemos sobre esto de la respuesta del maestro Roatier del 7 de abril de 1770: «… dado que EI V. quiere renunciar a todo tipo de figuras y cárteles, haremos nuestro mejor esfuerzo para reemplazarlos con ornamentos antiguos y siguiendo el mejor gusto, de acuerdo con los deseos, sino que también reduce el precio, y esto se puede lograr de dos maneras, ya que todas las cifras contribuyen solo a un aumento en los costos, pero no agregan nada al mérito de la cosa … » (citado de un documento de la RGIA, original en francés).

Elementos decorativos
Los elementos más característicos de la nueva tendencia en el arte eran meandros, guirnaldas y guirnaldas antiguas, «toallas» y cabezas de cabra, que estaban decoradas con muebles y un objeto muy de moda: el incensario (o florero aromático). Y muchos edificios recién construidos literalmente estaban cubiertos con medallones con perfiles antiguos. Los encontramos incluso en edificios que no están conectados con un nuevo sabor. Por ejemplo, en las fachadas del Palacio Stroganov en Nevsky Prospekt en San Petersburgo.

Interior y muebles
En general, se crearon nuevas obras en contraste con las anteriores. Entonces, los muebles de estilo rococó diferían en plasticidad, era difícil entender dónde comienza el reposabrazos, la pierna. Los muebles en el nuevo gusto ya tenían formas geométricas estrictas y parecían ensambladas por el diseñador. Al terminar los viejos interiores, ejecutados con extrema gracia, prevalecieron los motivos del rizo (rokail y carteles). Los nuevos interiores diferían de los primeros con sus formas lapidarias, y los elementos arquitectónicos incluían detalles arquitectónicos: consolas pesadas, areneros. Las paredes en muchos casos permanecieron absolutamente lisas.

La nueva moda trajo una gran variedad al arte y, en consecuencia, al entorno material del hombre, ya que era un tiempo de experimentos sobre un tema antiguo. La información precisa acerca de cómo se veían los monumentos de la antigüedad, aún no era suficiente, además de que la imaginación de los artistas no quería limitarse solo a las muestras propuestas. Por lo tanto, para reemplazar los hornos monótonos en forma de caparazón, han llegado fogones, hornos, obeliscos, pirámides e incluso hornos-tumbas. El mismo monótono reloj cantilever en cajas de madera con almohadillas de bronce dorado fue reemplazado por relojes escultóricos en forma de figuras antiguas. Aparecieron rotores de reloj en forma de una urna antigua con una serpiente envolviéndola, sirviendo simultáneamente como una manecilla de reloj. Las horas se hicieron bajo la apariencia de una columna, un pabellón del parque, etc.

Al principio, los objetos de los sabores «pintoresco» y «más nuevo» o «griego» coexistían en igualdad de condiciones tanto en el interior como en los barrancos. Así es como se presentan en «3me Volume de l’oeuvre de J. Ch. Delafosse» 1760-s. Gradualmente, lo nuevo se volvió habitual, luego el único posible, y una vez que la moda desapareció.