El arte gótico era un estilo de arte medieval que se desarrolló en el norte de Francia a partir del arte románico en el siglo XII dC, liderado por el desarrollo concurrente de la arquitectura gótica. Se extendió a toda Europa occidental, y gran parte del sur y centro de Europa, nunca borrando los estilos más clásicos en Italia. A finales del siglo XIV, se desarrolló el sofisticado estilo de corte del gótico internacional, que continuó evolucionando hasta finales del siglo XV. En muchas áreas, especialmente en Alemania, el arte gótico tardío continuó hasta bien entrado el siglo XVI, antes de ser incluido en el arte renacentista. Los medios primarios en el período gótico incluyeron escultura, pintura de paneles, vidrieras, frescos y manuscritos iluminados. Los cambios de arquitectura fácilmente reconocibles del románico al gótico y del gótico al renacentista,
El primer arte gótico fue la escultura monumental, en las paredes de catedrales y abadías. El arte cristiano a menudo era de naturaleza tipológica (ver alegoría medieval), mostrando las historias del Nuevo Testamento y el Antiguo Testamento una al lado de la otra. La vida de los santos a menudo se representaba. Las imágenes de la Virgen María cambiaron de la forma icónica bizantina a una madre más humana y cariñosa, abrazando a su bebé, balanceándose desde la cadera y mostrando los modales refinados de una dama cortesana aristocrática bien nacida.
El arte secular se hizo propio durante este período con el surgimiento de las ciudades, la fundación de universidades, el aumento del comercio, el establecimiento de una economía basada en el dinero y la creación de una clase burguesa que podía permitirse patrocinar las artes y comisionar obras, lo que resultó en Una proliferación de pinturas y manuscritos iluminados. El aumento de la alfabetización y un creciente cuerpo de literatura secular vernácula alentaron la representación de temas seculares en el arte. Con el crecimiento de las ciudades, se formaron gremios comerciales y a menudo se exigió a los artistas que fueran miembros de un gremio de pintores; como resultado, debido a un mejor mantenimiento de registros, en este período conocemos a más artistas que cualquier otro; algunos artistas fueron incluso tan audaces como para firmar sus nombres.
Orígenes
El arte gótico surgió en Île-de-France, Francia, a principios del siglo XII en la iglesia de la abadía de St Denis, construida por el abad Suger. El estilo se extendió rápidamente más allá de sus orígenes en la arquitectura a la escultura, tanto en tamaño monumental como personal, arte textil y pintura, que tomó una variedad de formas, incluyendo frescos, vidrieras, el manuscrito iluminado y pintura de paneles. Las órdenes monásticas, especialmente los cistercienses y los cartujos, fueron constructores importantes que difundieron el estilo y desarrollaron variantes distintivas en toda Europa. Las variaciones regionales de la arquitectura siguieron siendo importantes, incluso cuando, a fines del siglo XIV, había evolucionado un estilo universal coherente conocido como gótico internacional, que continuó hasta finales del siglo XV y más allá en muchas áreas.
Aunque había mucho más arte gótico secular de lo que se piensa a menudo hoy en día, ya que en general la tasa de supervivencia del arte religioso ha sido mejor que la de los equivalentes seculares, una gran proporción del arte producido en el período era religioso, ya fuera comisionado por la iglesia o por los laicos El arte gótico a menudo era de naturaleza tipológica, lo que refleja la creencia de que los eventos del Antiguo Testamento pre-figuraron los del Nuevo, y que este era de hecho su significado principal.
Las escenas del Antiguo y Nuevo Testamento se mostraban juntas en obras como el Speculum Humanae Salvationis y la decoración de las iglesias. El período gótico coincidió con un gran resurgimiento de la devoción mariana, en el que las artes visuales jugaron un papel importante. Las imágenes de la Virgen María se desarrollaron desde los tipos hieráticos bizantinos, a través de la Coronación de la Virgen, hasta los tipos más humanos e íntimos, y los ciclos de la Vida de la Virgen fueron muy populares. Artistas como Giotto, Fra Angelico y Pietro Lorenzetti en Italia, y la pintura holandesa temprana, aportaron realismo y una humanidad más natural al arte. Los artistas occidentales, y sus patrocinadores, se volvieron mucho más seguros en la iconografía innovadora, y se ve mucha más originalidad, aunque la mayoría de los artistas todavía usaban fórmulas copiadas.
La iconografía se vio afectada por los cambios en la teología, con representaciones de la Asunción de María ganando terreno en la antigua Muerte de la Virgen, y en prácticas devocionales como la Devotio Moderna, que produjo nuevos tratamientos de Cristo en temas como el Hombre de los Dolores, Pensativo Cristo y Pietà, que enfatizaban su sufrimiento humano y su vulnerabilidad, en un movimiento paralelo al de las representaciones de la Virgen. Incluso en los últimos juicios, ahora se mostraba a Cristo exponiendo su pecho para mostrar las heridas de su pasión. Los santos se mostraban con mayor frecuencia, y los retablos mostraban santos relevantes para la iglesia particular o el donante que asistía a una crucifixión o entronizaba a la Virgen y el Niño, o que ocupaban el espacio central ellos mismos (esto generalmente para obras diseñadas para capillas laterales).
Caracterización
Frente a las iglesias y monasterios románicos, habiendo dicho esto en general, el gótico se eleva, como su obra arquitectónica emblemática, catedrales prodigiosas llenas de luz y con una gran altura, siendo estas sus principales contribuciones técnicas, que se justifican en el escritos de Pseudo Dionisio Aeropagita, aunque también se desarrolló una importante arquitectura civil. Otra de sus características es que otras artes plásticas, como la pintura y la escultura, comenzaron a independizarse de su subordinación al soporte arquitectónico.
Sin embargo, también hay muchos elementos de continuidad: este sigue siendo un arte predominantemente religioso; El monasterio como institución apenas varía, excepto en los detalles formales y la adaptación a los nuevos requisitos, pero su diseño no presentó variaciones, y el plan de las iglesias, en su mayoría catedrales, seguía siendo predominantemente de una cruz latina con una cabeza de ábside hacia el este, aunque se complicaba o variaba (plantas basílicas, colocación del crucero en el centro, complicación de naves, capillas y ambulancias). Sin duda, el elemento principal de la continuidad es la concepción intemporal del trabajo: en la mayoría de las construcciones, los estilos se suceden y se funden al ritmo de los siglos, los contemporáneos saben que hacen un trabajo que no verían terminado, ni quizás su hijos o nietos, pero que la construcción de estos edificios implica el trabajo de varias generaciones. En muchos de ellos, incluso la audacia para comenzar un desafío técnico o económico se valora, a veces debido a la rivalidad política, que cuando se inicia el proyecto no se ha planificado por completo, por lo que no se sabe cómo completarlo, es el caso de Las catedrales de Siena y Florencia.
La luz
Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de forma experimental y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época. El paciente humano liberó al hombre de la oscuridad y lo invitó a la luz. Este hecho está relacionado con la difusión de las corrientes filosóficas neoplatónicas, que establecen un vínculo entre el concepto de Dios y el campo de luz. Como las nuevas técnicas de construcción hicieron que las paredes fueran prácticamente innecesarias para el beneficio de las aberturas, el interior de las iglesias se llenó de luz, y la luz dará forma al nuevo espacio gótico. Será una luz física, no contenida en pinturas y mosaicos; luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si fuera un foco; al mismo tiempo que es una luz transfigurada y coloreada a través del juego de vidrieras y rosetones, que transforma el espacio en uno irreal y simbólico. El color se volverá crucialmente importante.
La luz se entiende como la sublimación de la divinidad. La simbología domina a los artistas de la época, la escuela de Chartres considera que la luz es el elemento más noble de los fenómenos naturales, el elemento menos material, la aproximación más cercana a la forma pura.
El arquitecto gótico organiza una estructura que le permite, mediante el uso de la técnica, utilizar luz, luz transfigurada, que desmaterializa los elementos del edificio, logrando sensaciones claras de elevación e ingravidez.
Arquitectura
La novedad más original de la arquitectura gótica es la desaparición de los gruesos muros típicos de la arquitectura románica. El peso de la estructura ya no es absorbido por las paredes, sino que se distribuye en pilares y una serie de estructuras secundarias ubicadas fuera de los edificios. Así nacieron los muros de luz, cubiertos por magníficas ventanas, a las que correspondía en el exterior una compleja red de elementos para liberar las fuerzas. Los contrafuertes, los pináculos, los arcos de descarga son todos elementos estructurales que contienen y dirigen los empujes laterales del techo al suelo, mientras que las paredes de relleno pierden importancia, reemplazadas por las ventanas. La extraordinaria habilidad de los arquitectos góticos no termina en la nueva estructura estática: los edificios, liberados del límite de los muros de mampostería, desarrollados con ímpetu vertical,
En Inglaterra hubo un desarrollo adicional de la bóveda cruzada con la bóveda de seis segmentos y luego la bóveda radial o de abanico: soluciones que permitieron una distribución de peso aún mejor. La catedral gótica fue concebida como una metáfora del cielo, por lo tanto, el Juicio Final a menudo se tallaba en su entrada.
Arquitectura del gótico tardío
En los siglos XIV y XV, el gótico se desarrolló en nuevas direcciones con respecto a las formas de los dos siglos anteriores.
El edificio de los siglos XIV y XV se caracterizó por una nave central de considerable altura y por las dos naves laterales mucho más bajas. Esto significaba que la luz se concentraba sobre todo al nivel del triforio.
En el gótico tardío, por otro lado, el diseño interno más común sigue el modelo de la iglesia del salón, es decir, con los pasillos laterales de igual altura en comparación con el central. Esto significaba que la luz ya no venía de arriba, sino de las paredes laterales, iluminando homogéneamente todo el entorno. La direccionalidad tradicional también se modificó, perdiendo su fuerte connotación para ejes anteriores, a favor de una espacialidad policéntrica. Esta nueva visión del espacio también se ha relacionado con la religiosidad más terrenal y mundana del siglo XV.
La geografía de esta nueva sensibilidad presenta un mapa diferente al del gótico clásico: las regiones más innovadoras fueron Alemania, Bohemia, Polonia, Inglaterra y el área alpina.
La península ibérica vio la construcción de algunas grandes catedrales de los siglos XV al XVI, inspiradas en los modelos franceses y alemanes de siglos anteriores. En Portugal, una tendencia autónoma dio como resultado el llamado arte manuelino.
Pintura
La pintura en un estilo que puede llamarse gótico no apareció hasta aproximadamente 1200, casi 50 años después de los orígenes de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no es una ruptura clara, y los detalles ornamentales góticos a menudo se introducen antes de que se vean muchos cambios en el estilo de las figuras o composiciones. Luego, las figuras se vuelven más animadas en pose y expresión facial, tienden a ser más pequeñas en relación con el fondo de las escenas y se organizan más libremente en el espacio pictórico, donde hay espacio. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania alrededor de 1220 e Italia alrededor de 1300. La pintura durante el período gótico se practicó en cuatro medios principales: frescos, pinturas de paneles, iluminación de manuscritos y vidrieras.
La pintura en el período gótico experimentó una diferencia horaria considerable en comparación con otras artes, llegando a una renovación con un retraso de tres a cuatro décadas, gracias a la escuela italiana (en particular, toscana y quizás romana). Solo en la segunda mitad del siglo XIII, quemándose rápidamente los escenarios, la pintura se renovó por completo, gracias al trabajo de Giotto.
Las razones de esta demora probablemente estuvieron relacionadas con los diferentes modelos que tenía la pintura y la escultura: en la época románica la escultura ya había sido renovada, redescubriendo en algunos casos las obras de clasicismo aún existentes, mientras que para pintar el modelo de referencia principal era sin embargo el bizantino. colegio. Con la conquista de Constantinopla durante la cuarta cruzada (1204) y con la formación de los Reinos Latinos del Este, el flujo de pinturas bizantinas y mosaicos incluso se había espesado.
En la segunda mitad del siglo XIII, en la época de Nicola Pisano, la desconexión entre la vivacidad narrativa, la interpretación naturalista y la fuerza expresiva entre la escultura y la pintura alcanzó su clímax, con los pintores desarmados frente a las innovaciones extraordinarias introducidas por los escultores. Sin embargo, en dos generaciones, los pintores pudieron quemar los escenarios, renovando modelos y lenguaje, incluso llegando a las artes pictóricas para recuperar la espacialidad, la vivacidad narrativa, las figuras creíbles y los escenarios arquitectónicos o paisajísticos plausibles. La pintura también se benefició en la renovación de tener una clientela más amplia, debido a los costos decididamente más baratos.
De la pintura románica, especialmente en el centro de Italia, había heredado la difusión de las placas pintadas, apoyadas por las órdenes mendicantes de su portabilidad práctica. Los temas principales no eran muchos:
Crucifijos en forma, pasados colgados al final de las naves de las iglesias para despertar la conmoción de los fieles;
Madonnas with the Child, símbolos de la Ecclesia y símbolo de una relación madre / hijo que humaniza la religión;
Representaciones de santos, entre las que destacan las nuevas iconografías relacionadas con la figura de San Francisco de Asís.
Entre los maestros del siglo XIII italiano estaban Berlinghiero Berlinghieri y Margaritone d’Arezzo, ambos todavía completamente bizantinos, pero que comienzan a mostrar algunos caracteres típicamente occidentales. Más tarde, Giunta Pisano llegó al límite de las posibilidades del arte bizantino, tocando la creación de un estilo típicamente «italiano». Este límite fue superado por Cimabue, el primero, también según Giorgio Vasari, quien se apartó del «estilo griego estúpido y no muy ágil y ordinario». Finalmente, se formó un nuevo estilo occidental moderno en el sitio de construcción de la basílica superior de Asís, con los famosos frescos atribuidos a Giotto. Sin embargo, estudios recientes han reducido parcialmente el alcance innovador de la escuela italiana,
Además de la escuela de Giotto (Taddeo Gaddi, Giottino, el Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco, etc.), la escuela de Siena con maestros como Duccio di Buoninsegna, Pietro y Ambrogio Lorenzetti y Simone Martini también fue de gran importancia. La importancia de la escuela romana con Pietro Cavallini, Jacopo Torriti y otros también es bastante reciente. Personalidades más independientes fueron Buonamico Buffalmacco o Vitale de Bolonia.
Frescos
Los frescos continuaron siendo utilizados como el principal arte narrativo pictórico en las paredes de la iglesia en el sur de Europa como una continuación de las primeras tradiciones cristianas y románicas. Un accidente de supervivencia ha dado a Dinamarca y Suecia los grupos más grandes de pinturas murales de la iglesia sobrevivientes en el estilo Biblia pauperum, que generalmente se extiende hasta bóvedas cruzadas construidas recientemente. Tanto en Dinamarca como en Suecia, casi todos estaban cubiertos de cal después de la Reforma que los ha preservado, pero algunos también han permanecido intactos desde su creación. Entre los mejores ejemplos de Dinamarca están los del Maestro Elmelunde de la isla danesa de Møn que decoró las iglesias de Fanefjord, Keldby y Elmelunde. Albertus Pictor es posiblemente el artista de frescos más conocido del período que trabaja en Suecia.
Vitral
En el norte de Europa, las vidrieras fueron una forma importante y prestigiosa de pintura hasta el siglo XV, cuando fue suplantada por la pintura de paneles. La arquitectura gótica aumentó en gran medida la cantidad de vidrio en grandes edificios, en parte para permitir grandes extensiones de vidrio, como en los rosetones. En la primera parte del período, se utilizó principalmente pintura negra y vidrio transparente o de colores brillantes, pero a principios del siglo XIV el uso de compuestos de plata, pintados sobre vidrio que luego se disparó, permitió una serie de variaciones de color, centradas en amarillos, para ser utilizados con vidrio transparente en una sola pieza. Al final del período, los diseños utilizaron cada vez más piezas grandes de vidrio que fueron pintadas, con amarillos como los colores dominantes, y relativamente pocas piezas más pequeñas de vidrio en otros colores.
El desarrollo de la pintura entre los siglos XII y XIV estuvo condicionado por la rápida aparición de los sistemas de construcción góticos. En la mayoría de las nuevas catedrales, las superficies de vidrio ahora son predominantes en comparación con las de mampostería y, por lo tanto, la necesidad de decorar las paredes se vuelve cada vez más marginal. Es por esta razón que las técnicas antiguas y consolidadas de mosaico y fresco se enfrentan a un declive inevitable. Esta disminución se corresponde con el refinamiento contemporáneo de la pintura sobre vidrio y la pintura de paneles, que ya había comenzado a desarrollarse con cierto éxito en la época romana. Su realización no está subordinada a ningún requisito arquitectónico y esto permite a los artistas expresarse con absoluta libertad. La pintura de vidrio consiste en la realización de ventanas de colores que se aplicarán a las ventanas y rosetas de las catedrales.
Como en la Edad Media no se podían obtener losas grandes, cada ventana tenía que estar compuesta de varias piezas juntas. Por esta razón, se decidió utilizar lentes de colores unidos por medio de marcos formados por tiras de plomo en forma de «H». Primero se cortaron las gafas con puntas de metal al rojo vivo siguiendo los dibujos realizados anteriormente, luego las diversas piezas encajan entre las dos alas de la tira de plomo. Cada tira fue soldada a la adyacente para recomponer el diseño proporcionado por el cartón. El conjunto fue finalmente insertado en un marco de hierro y amurallado. Esta técnica permitió obtener figuraciones de gran efecto.
Para pintar las figuras era necesario tener colores que pudieran adherirse directamente al vidrio. En Francia, se experimentó la grisaille (en italiano grisaglia), una sustancia obtenida de una mezcla de polvos de vidrio y óxidos ferrosos molidos y mezclados con agua y pegamentos animales. El uso de la grisaille fue muy simple: se extendió sobre los diversos pedazos de vidrio para decorar y, una vez seco, tenía la peculiaridad de hacerlos opacos. Luego, la grisaille se rascó con un lápiz óptico de madera, sacando a la luz la transparencia del vidrio de abajo. Para arreglar la pintura, era necesario volver a cocinar los vasos individuales para que la grisaille terminara de derretirse y mezclarse con la pasta de vidrio. Al hacerlo, los contornos trazados se volvieron opacos,
La forma de abordar los temas de la pintura se ve afectada por la cambiante situación histórica, social y económica. La burguesía de la ciudad ahora está animada por un espíritu de concreción cada vez mayor y su visión del mundo y de la vida también cambia radicalmente.
Hay una actualización progresiva de las narraciones sagradas, en las que los personajes de las escrituras sagradas aparecen vestidos con ropa de la época y los lugares corresponden a lugares existentes.
En Italia, a diferencia de Francia, Inglaterra, Alemania y los Países Bajos, el fresco, y en parte también el mosaico, continuaron teniendo una difusión muy amplia. En símbolos religiosos, la ventana permite el paso de luz sobrenatural y metafísica. Las vidrieras recuerdan, según la escatología cristiana, los esplendores de la Jerusalén celestial del Apocalipsis. La luz es el espíritu de Dios y la ventana es un símbolo de María que brilla con luz divina. A menudo, el número de vidrieras tiene un valor simbólico-religioso: están en grupos de tres (la Trinidad), de cuatro (los evangelistas), en segmentos de siete (los siete sacramentos, los siete dones del Espíritu Santo, el siete días de creación según el Génesis).
Manuscritos y grabado
Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, proporcionando un registro de estilos en lugares donde no han sobrevivido obras monumentales. Los primeros manuscritos completos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. Muchos de esos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; El Salterio parisino de San Luis, que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones de página completa en pintura al temple y pan de oro.
A finales del siglo XIII, los escribas comenzaron a crear libros de oración para los laicos, a menudo conocidos como libros de horas debido a su uso en los momentos prescritos del día. El primer ejemplo conocido parece haber escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240. La nobleza frecuentemente compraba tales textos, pagando generosamente por ilustraciones decorativas; Entre los creadores más conocidos de estos se encuentra Jean Pucelle, cuyas Horas de Jeanne d’Evreux fueron encargadas por el rey Carlos IV como un regalo para su reina, Jeanne d’Évreux. Los elementos del gótico francés presente en tales obras incluyen el uso de marcos decorativos que recuerdan la arquitectura de la época con figuras alargadas y detalladas.
Desde mediados del siglo XIV, los blocs de notas con texto e imágenes talladas en madera parecen haber sido asequibles para los párrocos en los Países Bajos, donde eran más populares. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, aún en su mayoría sobre temas religiosos, se estaban volviendo rápidamente accesibles para la clase media próspera, al igual que los grabados de bastante alta calidad de grabadores como Israhel van Meckenem y Master ES. En el siglo XV, la introducción de impresiones baratas, principalmente en xilografía, hizo posible incluso que los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, pequeñas en la parte inferior del mercado, a menudo de colores crudos, se vendieron en miles, pero ahora son extremadamente raras, la mayoría pegadas en las paredes.
Retablo y pintura de paneles
La pintura con óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y fue un sello distintivo del arte renacentista. En el norte de Europa, la importante e innovadora escuela de pintura holandesa temprana tiene un estilo esencialmente gótico, pero también puede considerarse parte del Renacimiento del Norte, ya que hubo un largo retraso antes de que el renacimiento italiano del interés por el clasicismo tuviera un gran impacto en el norte. Pintores como Robert Campin y Jan van Eyck, utilizaron la técnica de la pintura al óleo para crear obras minuciosamente detalladas, correctas en perspectiva, donde el realismo aparente se combinó con un simbolismo ricamente complejo que surge precisamente del detalle realista que ahora pueden incluir, incluso en pequeños trabajos.
En la pintura neerlandesa temprana, de las ciudades más ricas del norte de Europa, un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo se combinó con alusiones teológicas sutiles y complejas, expresadas precisamente a través de escenarios altamente detallados de escenas religiosas. El Retablo de Mérode (1420) de Robert Campin, y la Anunciación de Washington Van Eyck o Madonna del Canciller Rolin (ambos 1430, de Jan van Eyck) son ejemplos. Para los ricos, pequeños cuadros de paneles, incluso los polípticos en la pintura al óleo se estaban volviendo cada vez más populares, a menudo mostrando retratos de donantes junto, aunque a menudo mucho más pequeños que, representados por la Virgen o los santos. Estos generalmente se exhibían en el hogar.
Escultura
La escultura gótica se movió del papel que se le había dado durante el período románico, es decir, para decorar la arquitectura y educar a los fieles mediante la creación de las llamadas Biblias de piedra.
Poco a poco, la disposición de las esculturas en la construcción arquitectónica se hizo más compleja y escenográfica. Los episodios más importantes de escultura fueron, como en la época románica, los portales de las catedrales, donde los personajes del Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento suelen estar representados.
Un pasaje fundamental es el hecho de que en el período gótico las esculturas comenzaron a dejar de incorporarse por completo al espacio arquitectónico (la jamba de un portal o una capital …), pero comenzaron a liberarse simplemente apoyándose contra el Varios elementos portantes. Así aparecieron las primeras estatuas completas, a pesar de que todavía no era concebible un uso independiente y aislado de las mismas. Puede ser que el legado de la lucha contra el paganismo, que veneraba las estatuas en la ronda como una divinidad, aún estuviera latente, sin embargo, hasta el Renacimiento italiano, las estatuas siempre se colocaron contra las paredes, en nichos, debajo de arquitrabes o como cariátides y telamons .
Desde un punto de vista estilístico, las características innovadoras de la escultura gótica son menos evidentes que las introducidas en la arquitectura, pero no menos ricas en consecuencias en desarrollos posteriores en la historia del arte. Si, por un lado, la figura se estira considerablemente y el modelo vive de juegos totalmente nuevos, como las cortinas virtuosas y, a veces, improbables, por otro lado, regresó a representaciones plausibles de movimientos corporales, expresiones faciales, fisionomías individuales, con un La atención del artista al naturalismo nunca conocido en épocas anteriores, que en los mejores ejemplos (como en el portal de la Catedral de Reims, alrededor de 1250, o en las obras de Nicola Pisano) se compara con el retrato romano. Esto es aún más importante ya que precede a los mismos logros en el campo pictórico por algunas décadas.
Sin embargo, en comparación con el clasicismo, debe notarse una inquietud expresiva diferente, una cierta angularidad de las formas y cortinas, un uso inquieto de los efectos del claroscuro.
Escultura monumental
El período gótico se define esencialmente por la arquitectura gótica, y no encaja completamente con el desarrollo del estilo en la escultura, ya sea en su inicio o final. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, continuaron teniendo grandes tímpanos, pero también hileras de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor.
Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres (c. 1145) muestran un alargamiento columnar elegante pero exagerado, pero las del portal del crucero sur, de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un desprendimiento creciente de la pared detrás , y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal oeste de la catedral de Reims unos años más tarde, donde las figuras están casi en la ronda, como se hizo habitual cuando el gótico se extendió por Europa. La Catedral de Bamberg tiene quizás el conjunto más grande de escultura del siglo XIII, que culminó en 1240 con el Jinete de Bamberg, la primera estatua ecuestre de tamaño natural en el arte occidental desde el siglo VI.
En Italia, Nicola Pisano (1258-1278) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se llama Proto-Renacimiento, con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y abarrotadas, incluido un manejo simpático de la desnudez, en paneles de relieve en su púlpito de Catedral de Siena (1265-1268), la Fontana Maggiore en Perugia y el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301.
Otro renacimiento del estilo clásico se ve en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. La escultura del gótico tardío continuó en el norte, con una moda para retablos esculpidos de madera muy grandes con tallas cada vez más virtuosas y grandes números agitados. figuras expresivas; La mayoría de los ejemplos sobrevivientes se encuentran en Alemania, después de mucha iconoclasia en otros lugares. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss y otros continuaron el estilo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente las influencias del Renacimiento italiano.
Las efigies de tumbas de tamaño natural en piedra o alabastro se hicieron populares para los ricos, y las grandes tumbas de varios niveles evolucionaron, con las tumbas Scaliger de Verona tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV, había una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles en gran parte de Europa para parroquias económicas que no podían pagar los retablos de piedra.
Escultura portátil
Las tallas pequeñas, para un mercado principalmente laico y a menudo femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y algunos otros centros. Los tipos de marfil incluían pequeños polípticos devocionales, figuras individuales, especialmente de la Virgen, estuches para espejos, peines y elaborados ataúdes con escenas de romances, utilizados como regalos de compromiso. Los muy ricos recolectaron trabajos en metal esmaltados y joyas extravagantemente elaborados, tanto seculares como religiosos, como el Relicario de la Espina Sagrada del Duque de Berry, hasta que se quedaron sin dinero, cuando se fundieron nuevamente por dinero en efectivo.
Las esculturas góticas independientes del ornamento arquitectónico se crearon principalmente como objetos devocionales para el hogar o como donaciones para iglesias locales, aunque pequeños relieves en marfil, hueso y madera cubren temas religiosos y seculares, y eran para uso religioso y doméstico. Tales esculturas fueron obra de artesanos urbanos, y el tema más típico de las pequeñas estatuas tridimensionales es la Virgen María sola o con un niño. París fue el principal centro de talleres de marfil y se exportó a la mayor parte del norte de Europa, aunque Italia también tuvo una producción considerable.
Un ejemplo de estas esculturas independientes se encuentra entre las colecciones de la Iglesia de la Abadía de St Denis; La Virgen y el Niño de color dorado plateado data de 1339 y presenta a María envuelta en una capa suelta que sostiene una figura infantil de Cristo. Tanto la simplicidad de la capa como la juventud del niño presagian otras esculturas encontradas en el norte de Europa que datan del siglo XIV y principios del siglo XV. Dicha escultura muestra una evolución de un estilo anterior rígido y alargado, todavía parcialmente románico, a una sensación espacial y naturalista a fines del siglo XII y principios del siglo XIII. Otros temas escultóricos góticos franceses incluyeron figuras y escenas de la literatura popular de la época. Las imágenes de la poesía de los trovadores fueron particularmente populares entre los artesanos de cajas de espejos y cajas pequeñas, presumiblemente para uso de las mujeres.
Los recuerdos de peregrinaciones a santuarios, como placas de arcilla o plomo, medallas y ampollas estampadas con imágenes también eran populares y baratos. Su equivalente secular, la insignia de librea, eran signos de lealtad o alianza feudal y política que se consideró una amenaza social en Inglaterra bajo el feudalismo bastardo. Las formas más baratas a veces se regalaban gratis, como con las 13,000 insignias ordenadas en 1483 por el rey Ricardo III de Inglaterra en tela fustia con su emblema de un jabalí blanco para la investidura de su hijo Eduardo como Príncipe de Gales, un gran número dado el población en el momento. La Dunstable Swan Jewel, modelada completamente en redondo en oro esmaltado, es una versión mucho más exclusiva, que se le habría dado a alguien muy cercano o importante para el donante.
La consideración social del arte y el artista.
El florecimiento del negocio de la lana y la tela, vinculado a las ferias y rutas comerciales que cruzan Europa de norte a sur (desde Florencia, Génova y Venecia hasta Champaña y Flandes, sin olvidar a Medina del Campo), produce el nacimiento de un arte singular: El tejido de tapices, que tenía un prestigio social muy importante. No para sus autores, que nunca fueron más allá de la consideración de meros artesanos, sino para sus dueños. Al no tener una separación clara entre las artes industriales y las que consideramos bellas artes hoy en día, lo mismo podría decirse de los maestros constructores, pintores y escultores, que aunque mantenemos el nombre de muchos de ellos, no dejaron de ejercer también uno. de los oficios viles y mecánicos, ni siquiera comparables a las profesiones liberales.