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Obra de arte total

Obra de arte total (en alemán: Gesamtkunstwerk) es una obra de arte que hace uso de todas o muchas formas de arte o se esfuerza por lograrlo. Una Gesamtkunstwerk es una obra que combina diversas artes como la música, la poesía, la danza / pantomima, la arquitectura y la pintura. La compilación no es arbitraria e ilustrativa: los componentes se complementan necesariamente entre sí.

Gesamtkunstwerk, que también significa «obra de arte total», «síntesis de artes», «obra de arte universal», «síntesis de las artes», «obra de arte integral», «forma de arte que todo lo abarca» o «obra de arte total», a un tipo de arte autónomo que se integra simultáneamente y relacionado con diferentes medios o disciplinas artísticas, el Gesamtkunstwerk tiene una «tendencia a erradicar el límite entre la estructura estética y la realidad» (Odo Marquard). No es una referencia a la creación divina, como era habitual en el arte entre el gótico y el barroco, pero reivindica su propia validez.

El término fue utilizado por primera vez por el escritor y filósofo alemán K. F. E. Trahndorff en un ensayo en 1827. Sin embargo, la síntesis de la fusión de las artes ha aparecido durante mucho tiempo en la historia. El compositor de ópera alemán Richard Wagner utilizó el término en dos ensayos de 1849, y la palabra se ha asociado particularmente con sus ideales estéticos.

Desde su acuñación, el término Gesamtkunstwer ha sido ampliamente utilizado en dramaturgia, bellas artes y artes escénicas, y en general para describir diferentes manifestaciones artísticas en las que se combinan elementos de diversas artes. El arte cinematográfico y otras artes audiovisuales, como los videos musicales o los videojuegos, también se han descrito como «obras de arte total» debido a su combinación de teatro, música, imagen, etc. En arquitectura este término se usa para describir un edificio en el que cada parte está diseñada para complementar a otros dentro de un todo.

En el siglo XX, algunos escritores aplicaron el término a algunas formas de arquitectura, mientras que otros lo aplicaron al cine y a los medios de comunicación.

El término también fue utilizado por artistas pertenecientes a la «Secesión de Viena» de principios del siglo XX, para describir su objetivo estético.

Historia:
Antigua Obra de arte total:
Las tradiciones del pensamiento de Síntesis y las actitudes epistemológicas se remontan a la antigüedad, manifestándose en varios lenguajes simbólicos (los investigadores señalan, por ejemplo, los jeroglíficos egipcios). Ya en ese momento, se reveló el vínculo entre las palabras y las imágenes, en pictogramas, que eran el núcleo de la literatura visual moderna como una combinación integral de una variedad de significados materiales y comunes.

En la cultura griega, fue importante conectar la letra y la música y tratar el texto como un poema melítico, que siempre debe estar asociado con la melodía y el canto. Por ejemplo, todos los poemas conservados de Sappho tienen un carácter melódico (los melos griegos significan tanto como la melodía).

En la cultura romana, el poeta Horacio en su Carta a las Pizzas (conocido como Arte Poético) incluía la famosa frase pictura poesis (poesía latina como pintura), utilizada como inspiración en la estética renacentista, por ejemplo, por Leonardo da Vinci como autor del Tratado de pintura.

La idea del Gesamtkunstwerk surge en la era romántica. El filósofo Friedrich Schelling, por ejemplo, enfatizó el «devenir necesario del hombre» (Bruno o el principio divino y natural de las cosas, 1802). Esta mayor confianza en sí mismo hizo posible equiparar el trabajo del artista con el trabajo de la naturaleza. El término en sí mismo es utilizado por primera vez por el escritor y filósofo Eusebius Trahndorff en su obra Estética o Doctrina de la cosmovisión y el arte (1827). En 1849 reaparece en el libro de Richard Wagner, El arte y la revolución. Si Wagner sabía que el trabajo de Trahndorff es una pregunta abierta.

Síntesis de las artes de la Edad Media:
Además de la inspiración antigua, la sensibilidad a la comunidad de las artes fue revelada por la Edad Media, especialmente su ars moriendi (arte latino de morir) como tema en las artes visuales (capturado de una manera narrativa y «literaria»).

Otra área de interpenetración mutua fue en la Edad Media un manuscrito. Florecer en la época, primero en los monasterios benedictinos, independientemente de su tema y calidad artística, promete la estética del cómic.

Un artista versátil apareció en la Edad Media, abrazando y uniendo gran parte de su imaginación: una mujer, benedictina y mística Hildegard de Bingen: poeta, pintora, compositora, también teóloga (mujer teóloga) y filósofa (y fitoterapeuta que practica la medicina natural) y un cocinero que valora lo que el siglo XX llamaba comida orgánica).

La síntesis renacentista de las artes:
El Renacimiento estaba interesado en la imaginación, que él trató como una fantasía, pero también cognición. Los fundamentos teóricos de la síntesis de las artes (como se menciona en el Romanticismo) fueron dados por la filosofía y la estética del neoplatonismo florentino, especialmente Marsilio Ficino en extensos comentarios sobre la Fiesta de Platón y en el tratado Teología platónica. El símbolo del renacimiento también fue el tema del avivamiento. Gian Francesco Pico della Mirandola en su ensayo Sobre la imaginación, señaló las pinturas simbólicas como bellas y útiles para educar a los jóvenes. Numerosos léxicos de símbolos han sido publicados en este espíritu.

Gracias a la invención de la imprenta, los libros ya se imprimieron, y obtuvieron (por el bien de la tradición medieval de los manuscritos) un rico entorno tipográfico, utilizando gráficos (generalmente xilografías), que requerían la percepción del lector en el espíritu de la síntesis artística. Tal personaje era, por ejemplo, Santa Claus Santa Claus, que contenía grabados, como una especie de libro emblemático. Los volúmenes, en los cuales el texto fue tratado como un material gráfico separado, también se popularizaron; ellos fueron el núcleo de la literatura visual.

La búsqueda de una síntesis artística estrictamente entendida, sin embargo, fue inhibida por el clasicismo renacentista, enfatizando la autonomía de cada una de las artes.

Síntesis Barroca de las Artes:
Desarrolló por completo el pensamiento sobre la comunidad hasta la época del Barroco, buscando el conocimiento universal y la unidad espiritual y formal de todas las artes. Los diccionarios barrocos de símbolos se abrieron a la comprensión del ser como la unidad de todas sus manifestaciones espirituales y materiales: la unidad «capturada» por el símbolo. Cesare Ripa y su iconología eran de particular importancia: una amplia, ilustrada con xilografías, un diccionario de nociones cubiertas de una manera emblemática: como una imagen simbólica y un comentario discursivo sobre ella. En la época del Barroco, también se reveló la interdependencia entre la naturaleza y la cultura. Esto tuvo un impacto en la estética barroca.

Pole Sarbiewski en un ensayo sobre las ventajas y desventajas de la elegía en el espíritu de reconocer la uniformidad de la percepción, analizó la dimensión emocional de las vocales, y en el extenso tratado Dii Gentium dio un diccionario de mitos culturales, combinando la tradición antigua y cristiana .

Dentro del arte barroco, el cumplimiento de la síntesis de las artes se ha convertido en un emblema como género desde el límite de la literatura y las bellas artes. También hubo frecuentes obras y libros tratados experimentalmente como un todo desde el límite de la literatura y las artes visuales, con una composición fantástica del texto, tratado desde el lado tipográfico como una «pintura». El texto tomó la forma de un cetro, un árbol, un vaso grande, etc. El barroco es, en este sentido, un período de exuberante floración de la literatura visual. En Polonia, tales formas fueron frecuentes en la literatura ocasional, y los ejemplos son textos en forma de cruz, cetros, estrellas, un obelisco o un monumento funerario.

Más plenamente, sin embargo, el sueño de una comunidad de artes se realiza con la ópera, un género creado en la época barroca, precisamente en la búsqueda de la síntesis, combinando música (composición, creación de bases sólidas), literatura (libreto cantada), teatro (puesta en escena) y pintura (de la cual se dibuja el diseño del escenario). La ópera se formó en el círculo florentino Camerata (el fondo teórico fue dado al nuevo pensamiento estético por el Renacimiento Vincenzo Galilei en el innovador tratado Diálogo de la música antigua y moderna), desarrollado en Venecia, y sus primeras obras maestras fueron dadas por Claudio Monteverdi (en 1607 su Orfeo se estrena como el comienzo de la especie).

El visionario barroco, que combina varios materiales y áreas de percepción, permitió prácticamente cumplir con el concepto de la síntesis de las artes.

La síntesis ilustrada de las artes:
La excepción fue la ópera, no el todo (a menudo limitado a la actuación vocal en sí), sino el creado por Wolfgang Amadeus Mozart. Dos de sus obras operísticas más completas, Don Giovanni y The Magic Flute, crean una combinación perfectamente armoniosa de música, texto, historia y el juego de la imaginación.

Romanticismo síntesis de las artes:
El período de renovación de los viejos sueños y una nueva fascinación por la síntesis de las artes se ha convertido, renovando así el pensamiento antiguo y llegando también a los maestros del Barroco (como Shakespeare), el Romanticismo. También inspiró las conferencias sobre la estética de Hegel, que trató el arte como una manifestación del absoluto en una forma sensual, extensas reflexiones dedicadas a formas simbólicas en el arte, la «forma romántica del arte» y tipos particulares de arte.

El pensamiento filosófico y estético del Romanticismo se ha centrado a menudo en la unidad espiritual del hombre y la naturaleza, incluida la cultura y la naturaleza, y la cercanía de la persona humana y Dios, dibujando un proyecto de arte que afecta simbólicamente a estas afinidades: Jean Paul Richter, Friedrich Schleiermacher escribió al respecto, el pintor Otto Runge (amigo del pintor representando simbólicamente el paisaje), también el pensador Karl Trahndorff (1782-1863), quien desarrolló el concepto de Gesamtkunstwerk (obras de arte universal o más bien «total» – entendido como un concepto coherente combinación de diversas artes: poesía, música, pintura, danza). En todas partes, aquí el arte se concibe como un lenguaje homogéneo, a pesar de la variedad de material, revelando un ser: un «trabajo total» (Gesamtkunstwerk).

Cumpliendo con la síntesis de las obras fue dado por autores de la frontera de la ilustración y el romanticismo: Johann Wolfgang Goethe (en la tragedia de Fausto) y, especialmente, el versátil William Blake (místico, poeta, pintor y artista gráfico, armoniosamente

En el romanticismo maduro, el concepto de comunidad de imaginación y material fue proclamado y realizado, abriendo su trabajo a la inspiración de otras artes: el pintor Eugène Delacroix y el compositor polaco Fryderyk Chopin. Otros románticos polacos también dan forma a la síntesis de obras: Juliusz Słowacki (especialmente en obras tardías que dan una unidad visionaria de poesía y efectos pictóricos y musicales) y Cyprian Norwid (como artista versátil: poeta, pintor y dibujante – «el mago», como él se llamó a sí mismo).

El género que era rico en esta era en las grandes visiones en el espíritu de la síntesis de obras teatrales era el drama, o más específicamente el género idiomático de la época: un drama romántico. La recepción romántica del Barroco (aún no se lo llamó una era), que incluye a Calderón, y especialmente a Shakespeare, leyó como un visionario que enseña la libertad artística, combina varios estilos y materiales de arte, tuvo un gran papel en su forma. La base teórica del drama romántico fue formulada por Victor Hugo. Un Fausto Goethean, lleno de efectos musicales y, especialmente en la Parte II, casi «película» dio la visión sincrética y el cumplimiento de la síntesis de las artes. Todavía en el romanticismo, estas características han resaltado las adaptaciones operísticas de Charles Gounod (Fausto) y Hector Berlioz (La maldición de Fausto). Dentro del drama romántico polaco, Adam Mickiewicz en Dziady (especialmente en la Parte II) y Juliusz Słowacki en los dramas (más plenamente en el último – Samuel Zborowski) dan visiones sincréticas.

La ópera romántica renovó la original, en forma barroca, de la tradición del género como forma sincrética (Gaetano Donizetti y Łucja de Lammermoor, Modest Mussorgsky y Borys Godunov, mencionado Gounod y Berlioz), y sobre todo Giuseppe Verdi y óperas basadas en las tragedias de Shakespeare Macbeth y Otello). En Francia, una variación del género, sin saberlo (sin tanta conciencia estética) se refería al Barroco, se convirtió en una gran opéra, cuyo representante fue Giacomo Meyerbeer. A menudo, sin embargo, la ópera romántica se centró demasiado en torno a las partes vocales espectaculares, perdiendo la esencia del género.

De particular importancia fue el compositor romántico tardío Richard Wagner, que formuló en las teorías del concepto de drama musical (distinguido de la ópera). Sus obras (como Tristan e Isolde, la tetralogía del Anillo de Nibelung), hechas de estas suposiciones, fueron un nuevo cumplimiento de la concepción Barroco-Romántica de la cohesión del material de diversas artes dentro de un trabajo visual creativo. Wagner implementó el «trabajo total» postulado por los teóricos anteriores: Gesamtkunstwerk. Él mismo escribió un libreto poético para sus obras.

Wagner y la Gesamtkunstwerk:
Algunos elementos de la reforma de la ópera, que buscaban una fórmula más «clásica», habían comenzado a fines del siglo XVIII. Después de la larga dominación de la ópera seria, y la da capo aria, un movimiento comenzó a avanzar el libretista y el compositor en relación con los cantantes, y para devolver el drama a un enfoque más intenso y menos moralista. Este movimiento, «la ópera de la reforma» se asocia principalmente con Christoph Willibald Gluck y Ranieri de ‘Calzabigi. Los temas en las óperas producidas por las colaboraciones de Gluck con Calzabigi continúan a través de las óperas de Carl Maria von Weber, hasta que Wagner, rechazando tanto la tradición del bel canto italiano como la «ópera espectáculo» francesa, desarrolló su unión de música, drama, efectos teatrales, y de vez en cuando bailar

Sin embargo, estas tendencias se desarrollaron fortuitamente, en lugar de responder a una filosofía del arte específica; Wagner, que reconoció las reformas de Gluck y admiró las obras de Weber, quiso consolidar su punto de vista, originalmente, como parte de sus opiniones sociales y políticas radicales de fines de la década de 1840. Anterior a Wagner, otros que habían expresado ideas sobre la unión de las artes, que era un tema familiar entre los románticos alemanes, como lo demuestra el título del ensayo de Trahndorff, en el que apareció por primera vez la palabra «Estética o Teoría de la Filosofía del Arte» . Otros que escribieron sobre las síntesis de las artes incluyeron a Gottfried Lessing, Ludwig Tieck y Novalis. La entusiasta revisión que hizo Carl Maria von Weber de E.T.A. La ópera Undine (1816) de Hoffmann la admiraba como «una obra de arte completa en sí misma, en la que las contribuciones parciales de las artes relacionadas y colaboradoras se combinan, desaparecen y, al desaparecer, de alguna forma forman un mundo nuevo».

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Wagner utilizó el término exacto «Gesamtkunstwerk» (que deletreaba «Gesammtkunstwerk») en solo dos ocasiones, en sus ensayos de 1849 «Art and Revolution» y «The Artwork of the Future», donde habla de su ideal de unificar todas las obras de arte a través del teatro. También usó en estos ensayos muchas expresiones similares, tales como «la obra de arte consumada del futuro» y «el drama integrado», y con frecuencia se refirió a «Gesamtkunst». Tal obra de arte sería la expresión más clara y profunda de la leyenda popular, aunque abstraída de sus particularismos nacionalistas a una fábula humanista universal.

Wagner llamó a la tragedia del Ático la «gran Gesamtkunstwerk». En su obra El arte del futuro, escrita poco después, Wagner amplió el significado del término. En su concepción de una obra de arte integral y diversa, que describió en detalle en su extenso libro Ópera y Drama y que luego otros trataron como un drama musical, Wagner subordinó las «artes hermanas» individuales a un propósito común, el drama. Desde su punto de vista, la creciente división del trabajo (por ejemplo, en la separación de las divisiones teatrales) y el aislamiento egoísta en la sociedad deberían ser abolidos. Al mismo tiempo, como modelo y enemigo, imaginó la gran ópera francesa, en la que todas las artes escénicas ya estaban unidas en su último stand técnico. Wagner comenzó desde la convicción de que la ópera estaba en el camino equivocado si establecía la música de manera absoluta y subordinaba a todos los demás elementos, sobre todo al drama en sí.

Los hermanos de Wagner habían sido actores, cantantes y bailarines al mismo tiempo, lo cual ya no era posible debido a la especialización de las profesiones teatrales después de 1850. De otra manera, esta universalidad debería ser restaurada: a través del mismo trabajo de los intérpretes en el trabajo de arte al servicio de su autor. Wagner habló de una «cooperativa de todos los artistas». Partió de las ideas estéticas de los románticos alemanes, así como de los discursos políticos y estéticos que fueron virulentos en París alrededor de 1840 a raíz de las diversas revoluciones y esperaba realizar una utopía social por medio de la estética:

«La gran obra de arte, que debe abarcar todos los géneros del arte, para consumir, por así decirlo, a cada una de estas especies como medios a favor de la consecución del propósito colectivo de todos, a saber, la exposición inmediata e incondicionada de la perfecta naturaleza humana, esta gran obra de arte no reconoce como el acto arbitrariamente posible del individuo, sino como el trabajo común necesariamente concebible de los hombres del futuro.

Wagner sintió que las tragedias griegas de Esquilo habían sido los mejores (aunque todavía defectuosos) ejemplos hasta ahora de síntesis artística total, pero que esta síntesis había sido posteriormente corrompida por Eurípides. Wagner sintió que durante el resto de la historia de la humanidad hasta el día de hoy (es decir, 1850) las artes se habían desviado cada vez más, dando como resultado «monstruosidades» como la Gran Ópera. Wagner sintió que tales obras celebraban el canto de bravura, los efectos escénicos sensacionales y las tramas sin sentido. En «Arte y revolución», Wagner aplica el término «Gesamtkunstwerk» en el contexto de la tragedia griega. En «The Art-Work of the Future» la usa para aplicarla a su propio ideal, aún no realizado.

En su extenso libro Opera and Drama (completado en 1851) lleva estas ideas más allá, describiendo en detalle su idea de la unión de ópera y drama (más tarde llamada drama musical a pesar de la desaprobación de Wagner del término), en la que las artes individuales están subordinadas a un propósito común.

El ciclo de ópera de Der Wagner, Der Ring des Nibelungen, y específicamente sus componentes Das Rheingold y Die Walküre representan quizás lo más cercano que él, o cualquier otra persona, llegó a realizar estos ideales; él mismo fue después de esta etapa para relajar sus propias críticas y escribir más ‘operativamente’.

Wagner dio gran importancia a los elementos ambientales, como la iluminación, los efectos de sonido o la disposición de los asientos, para centrar la atención del espectador en el escenario, logrando así su inmersión completa en el drama. Estas ideas eran revolucionarias en su momento, pero pronto fueron asumidas por la ópera moderna.

Música Gesamtkunstwerk:
El término música gesamtkunstwerk indica el ideal del teatro en el que confluyen la música, el teatro, la música, la poesía y las artes figurativas, para lograr una síntesis perfecta de las diferentes artes. Además, este trabajo total, por un lado, constituirá la expresión más profunda del alma de un pueblo, por otro, se proyectará en un campo de universalidad. El ejemplo supremo de esta concepción fue, para el compositor de Bayreuth, la tragedia ática y especialmente eskyleana, mientras que más tarde, desde Eurípides hasta la tradición operística, especialmente en Italia, el ideal de Gesamtkunstwerk experimentó un deterioro progresivo; La intención de Wagner fue precisamente restablecer la obra de arte total e imponerla como una forma artística perfecta y definitiva. Poco después de Wagner, de hecho, Aleksandr Skrjabin concibió su Prometheus o Poema de fuego, una grandiosa sinestesia artística, para la cual incluso diseñó un instrumento que asociaba a cada nota un rayo de luz coloreada que debería inundar la sala. Un proyecto, esto, tan adelantado a su tiempo, que no fue posible realizarlo.

El ideal de Gesamtkunstwerk es exaltado por los artistas figurativos de la Secesión vienesa, incluido Gustav Klimt, que diseña, esculpe, pinta y decora en vista de una fusión idealizada de las diversas artes.

Arquitectura Gesamtkunstwerk:
Algunos escritores de arquitectura han usado el término Gesamtkunstwerk para indicar las circunstancias en las que un arquitecto es responsable del diseño y / o la supervisión de la totalidad del edificio: conchas, accesorios, mobiliario y paisaje. Es difícil hacer un reclamo cuando la noción de Gesamtkunstwerk se empleó por primera vez desde el punto de vista de un edificio y sus contenidos (aunque el término en sí no se usó en este contexto hasta fines del siglo XX); Ya durante el Renacimiento, artistas como Miguel Ángel no vieron una división estricta en sus tareas entre la arquitectura, el diseño de interiores, la escultura, la pintura e incluso la ingeniería. El historiador Robert L. Delevoy argumentó que el Art Nouveau representaba una tendencia esencialmente decorativa que se prestaba a la idea del Gesamtkunstwerk arquitectónico. Pero igualmente es posible que haya nacido de teorías sociales que surgieron del miedo al surgimiento del industrialismo.

Sin embargo, la evidencia de interiores completos que tipifican el concepto de Gesamtkunstwerk se puede ver algo antes de la década de 1890. Hubo una tendencia creciente entre los arquitectos en los siglos XVIII y XIX para controlar cada faceta de una comisión arquitectónica. Además de ser responsables de la estructura, trataron de ampliar su función para incluir el diseño (o al menos el examen) de todos los aspectos del trabajo interior. Esto incluía no solo las características arquitectónicas del interior, sino también el diseño de muebles, alfombras, papel pintado, telas, lámparas y manijas de las puertas. Robert Adam y Augustus Welby Pugin son ejemplos de esta tendencia a crear un efecto de armonización general que en algunos casos podría incluso extenderse a la elección o diseño de la mesa de plata, porcelana y cristalería.

Un enfoque claramente moderno del concepto de arquitectura Gesamtkunstwerk surgió con la escuela Bauhaus, establecida por primera vez en Weimar en 1919 por Walter Gropius. La escuela se especializó en diseño, arte y artesanía (la arquitectura no se introdujo como un curso separado hasta 1927 después de que se hubiera transferido a Dessau). Gropius afirmó que los artistas y los arquitectos también deberían ser artesanos, que deberían tener experiencia en el trabajo con diferentes materiales y medios artísticos, incluidos el diseño industrial, el diseño de ropa y el teatro y la música. Sin embargo, Gropius no necesariamente vio un edificio y cada aspecto de su diseño como el trabajo de una sola mano.

La corporación de desarrollo canadiense Westbank, fundada por Ian Gillespie, utiliza Gesamtkunstwerk como la idea fundadora detrás de la visión y la filosofía de la compañía para el desarrollo urbano.

Simbolismo y síntesis del modernismo:
Impresionado por la visión del trabajo «total» del arte de Richard Wagner, Charles Baudelaire consideraba la música como un modelo para la poesía que expresaba las experiencias e impresiones más personales y elusivas. Tal importancia simbólica se le dio a los músicos, porque fue ella, más efectivamente que la palabra, e incluso la imagen (entonces todavía realista), lo que estimuló los sentimientos y desencadenó la intuición. El famoso soneto Baudelaire Correspondances (en traducciones al polaco fue dado a equivalentes o echos, aunque el título simplemente significa Correspondencia, en el sentido de «interacción mutua») del volumen Flowers of Evil, 1857) pronto se convirtió en parte del retorno de corespondances des arts como un término en el campo de la estética. Baudelaire describió en este soneto la afinidad espiritual del hombre y la naturaleza, llamada el «bosque de símbolos». A partir de esta visión romántica de la naturaleza, el poeta dibujó un nuevo concepto del símbolo, no tanto como una partícula de un léxico reconocible de significados, sino como una visión profundamente personal e incomprensible. Baudelaire inspiró el simbolismo como una estética y una dirección artística que se abrió a las afinidades de las artes y se dirigía hacia una gran visión sincrética. Así escribió Arthur Rimbaud, que se expresa en su poesía y en su prosa poética, y programáticamente Sonoflu Sonnet (que revela las afinidades entre el sonido y la imagen).

Desde la inspiración del nuevo simbolismo, el modernismo como una época en la literatura y el arte llegó a menudo a la síntesis de las artes. Desarrollaban creativamente a los compositores Gustav Mahler (en sus sinfonías ricas en filosofía) y Aleksandr Scriabin (combinando el sonido y el color dentro de la interpretación, el famoso concepto del «piano de la luz»). Entre los artistas de la Joven Polonia, Stanisław Wyspiański, poeta, pintor y dibujante, se da cuenta de la comunidad artística más versátil, especialmente en los dramas de Noc listopadowa, Wesele y la visionaria Akropolis. La síntesis de las obras teatrales también la interpreta Tadeusz Miciński en – con el estilo pictórico y casi «cine» – la tragedia de Basilis Teofanu ‘

Las definiciones de la síntesis de las artes y la correspondencia de las artes a menudo se usan indistintamente, mientras que difieren en los propósitos y campos del arte en los que se manifestaron principalmente.

Después de la Primera Guerra Mundial, el poeta Guillaume Apollinaire en la colección de Caligramas (1918) audazmente trató el texto como una composición gráfica libre, dando todo el carácter de la poesía visual (por ejemplo, en la obra Mandolina, clavo de olor y bambú). El futurismo también a menudo experimentó, tratando de sintetizar las artes.

Un nuevo elogio de la imaginación fue dado por el surrealismo, algo programáticamente abierto al campo libre de asociaciones y la combinación del material de diversas artes. El teórico, André Breton, le dio al Manifiesto del surrealismo (1924) un programa de arte liberado y fantasmagórico. Las realizaciones artísticas de estos supuestos fueron más modestas. La excepción fue la película muda de Luis Buñuel, un perro andaluz de 1928: una combinación alucinatoria de imágenes drásticas (la famosa escena de cortar el ojo con una navaja) con un vago significado simbólico, especialmente erótico; pero esto fue principalmente un estudio del subconsciente. Sin embargo, la importancia de la idea del surrealismo como inspiración para el arte posterior es grande: este es el consentimiento (del espíritu del Barroco y el Romanticismo) a la libertad creativa del artista.

En el período de entreguerras, el poeta y pintor futurista, Tytus Czyżewski, tomó sus obras de una manera cercana a la poesía visual: estos son los poemas Poznań y Dom, el poema visiones eléctricas. Tom Czyżewski Pastorałki logra el efecto de la síntesis de las artes combinando el texto poético y estilizado en los gráficos antiguos con ilustraciones de Tadeusz Makowski. Lo más cercano a la síntesis de las artes son los dos artistas versátiles: Witkacy y Bruno Schulz, tanto en términos del alcance de las actividades creativas como en la configuración del material de las obras. La teoría de Formas Puras de Witkacy fue también un proyecto de arte sincrético que expresa (como escribió) «sentimientos metafísicos», combinando la dimensión estética y existencial, y constituyendo una catarsis purificadora. Witkiewicz le dio a sus óleos del período del formismo una dimensión literaria-visionaria (Tempting Saint Antoni), mientras que en sus dramas dio forma a tensiones llenas de tensión, composición sofisticada, incluida en la pintura y el cine (Kurka Wodna, Matka, Sonata Beelzebub). Schulz creó un marco basado en la trama erótica de los gráficos (Xięga idwochwalcza), y la prosa se expresó como imágenes ricamente enyesadas construidas expresionísticamente.

Síntesis posmoderna de las artes:
La literatura más reciente se refiere a la idea de la síntesis de las artes, a menudo con motivo del experimento. Jan Lechoń, un poeta siempre sensible a la pintura y la música, el poema de Sarabanda para Wanda Landowska (de su último volumen, Marble and Rose, 1954), lo describió como casi musical, según el título, sarabande, cuyo ritmo se asemeja a una miniatura de clavicémbalo. Jarosław Iwaszkiewicz, todavía en el período de entreguerras en la obra dedicada de Witkacy, An Evening to Abdon (1922), construyó una historia temperamental como la visión de un sueño, un ritmo musical distintivo y una vívida claridad de capas de imágenes. Años más tarde, como la síntesis de la narrativa psicológica, las imágenes pintadas y los motivos leitmotiv de la música (usando las composiciones de Wagner), construyó la historia de los sueños a partir del volumen de los sueños. Jardines. Sérénité (1974). En el último volumen de poesía y prosa, el Tatra Album (1975) publicó un poema titulado Niebo escrito en prosa rítmica, inicialmente comentó que es «un intento de colocar la forma de sonata lo más cerca posible de la palabra» – el trabajo es por lo tanto, una transposición literaria de la forma musical sonata.

En la cultura contemporánea, la síntesis programática de las artes fue modelada por el compositor Olivier Messiaen (dotado de imaginación sincrética, «audiencia colorida», asociando colores y sonidos), especialmente en la ópera San Francisco de Asís y música electrónica usando ondas Martenot. Varios materiales también se conectan en obras operísticas de Krzysztof Penderecki, más plenamente en la sacra rappresentazione (una variedad de género de la ópera) Paradise Lost, que llega directamente a la tradición estilística barroca-romántica.

La especial individualidad fue el versátil Roland Topor, de la tradición barroca y, en particular, el surrealismo (conoció a Breton personalmente), un artista gráfico, dramaturgo y autor de la historia derivando su trabajo, también cooperando con la película (linterna mágica para Casanova Fellini).

La película creada durante el período moderno como una técnica de grabación y visualización del movimiento, y con el tiempo y el arte, podría construir una visión sincrética tan pronto como la madurez técnica del mensaje se lograra dentro de la precisión del sonido y el color. Sucedió en los años 50-60. El siglo veinte. Construyó las mejores visiones del cine, Federico Fellini, el director de la imaginación del pintor (y su talento artístico), y también musicalmente sensible. Creó una síntesis de obras de teatro a lo largo de toda la obra, culminando en secuencias seleccionadas: en las películas de Giulietta de fantasmas (episodios sensuales y orgiásticos en la casa de Suzy, vecino del protagonista), Satyricon (paseo de amantes homosexuales en la casa pública), Roma (desfile de la iglesia), Casanova (mago del proyecto de Topor, que suena coral por el episodio musical de Wagner en alemán), Ciudad de las mujeres (esposa del héroe, cantando en la casa Snaporaza aria de Verdiowska La Traviata), y el barco navega (música por Verdi en la dispersión de las cenizas del cantante en el mar y el hundimiento).

Un estilo similar fue revelado por Luchino Visconti (que valoró la ópera y dirigió las óperas) en las películas de Leopard y el Crepúsculo de los Dioses, pero especialmente en la música sagrada de Wagner Ludwig (cuyo héroe era el loco patrón del compositor – Rey Ludwig Bavarian). La síntesis de las obras es interpretada por Ken Russell, la saturación de sus películas con la música de compositores retratados, también utilizada en escenas estrictamente visionarias (Amantes de la música – sobre Tchaikovsky, Mahler), y en Devils dando una visión brutal y teatral del Barroco era. Russell hizo la película de Tommy en 1975, que es una adaptación barroca y vívida del musical: la síntesis de las artes ha entrado en el círculo de la cultura de masas. A su vez, en las películas de Andrey Tarkovsky (Andrei Rublev, Zwierciadło, Sacrifice), la síntesis de las artes se crea mediante citas directas de las obras de pintura, conectadas con la música de los grandes maestros. Una síntesis similar fue obtenida por Werner Herzog, asociando el paisaje y el sonido filmado «pictórico» (Glass Heart – con música rock psicodélica, Fitzcarraldo – con música de ópera).

En la exposición «The Hang to Gesamtkunstwerk» de Harald Szeemann, que se mostró en 1983 en el Kunsthaus Zürich, en el Museo del siglo XX en Viena y principios de 1984 también en Berlín Charlottenburg, se presentaron varias obras de arte al público. público: entre otros el Merzbau de Kurt Schwitters, el Goetheanum en Dornach, las catedrales (como la Sagrada Familia) de Antonio Gaudí, el Monte Verità cerca de Ascona, el Vittoriale degli italiani en el Lago de Garda. La exposición ha reunido utopías europeas desde 1800 que no quieren limitarse a un significado puramente estético, sino que tienen en mente una transformación de la realidad social en una sociedad renovada.

Más recientemente, el término Gesamtkunstwerk se superpone con el de la intermedialidad (sintética). Si las obras de arte que abordan diferentes sentidos al mismo tiempo, son composiciones gratuitas en el sentido de multimedia o de medios mixtos, o si cumplen el requisito de unificación en un Gesamtkunstwerk, es una cuestión de interpretación. Happening, Fluxus, Performance, Experimental Theatre y otros fenómenos también se interpretan como variaciones de la idea del Gesamtkunstwerk.

Una ópera separada está ocupada por una ópera, que es una adaptación de la ópera, pero solo cuando el director no apunta al realismo, sino que extrae las consecuencias artísticas del encuentro de muchas obras dentro de una obra. Eso es lo que hicieron Ingmar Bergman (La flauta mágica de Mozart) y Andrzej Żuławski (Borys Godunov según Mussorgsky). Está cerca de la película musical europea, que se aparta de la tradición de un musical de forma realista: Jacques Demy y Parasolki de Cherburgo, con Catherine Deneuve en el papel principal y la música de Legrand, la película está cantada en su totalidad, pero también llena de buen gusto. marcos de colores.

Dentro del ámbito de la pintura y las esculturas después de la Segunda Guerra Mundial, la síntesis de las artes se reveló, además, a menudo a través del sincretismo de la forma, y ​​finalmente el alejamiento del acabado, terminado por el artista, trabaja para mostrar el proceso creativo utilizando el material de diversas artes. Tal arte conceptual como, relacionado con él, improvisación de ejecución, que muestra el arte como un proceso: utilizan una variedad de materiales: pintura, literatura, pero especialmente tecnología multimedia (especialmente video). Sí, con el uso de dispositivos electrónicos y tecnología digital, toma forma la vieja idea de siglos de síntesis de las artes.

Dentro de la cultura de masas, el fenómeno que emerge de la síntesis más simple del material dentro de la percepción es un cómic. La manifestación práctica más interesante y frecuentemente sofisticada y artísticamente sobresaliente de la síntesis de las artes es un video clip, un fenómeno común en la cultura musical popular y basado en la asociación de imagen y sonido. Interpretando, o más bien visualizando, una canción, un video musical cuelga alrededor del contorno de la trama, le da al intérprete el papel de actuar, da sentido al escenario, disfraces, o incluso a los personajes de maquillaje. El montaje (generalmente su ritmo rápido) es de especial importancia, así como los efectos visuales especiales obtenidos por computadora. El conjunto resultante de esto es una síntesis de las artes. Los logros de Pioneer en este sentido tuvieron la banda Queen (en el video de la canción «Save Me» la animación se utilizó por primera vez). Los videos musicales originales fueron grabados por Madonna («Music», también «Hung Up» y «Sorry» – del álbum Confessions on a Dance Floor). El maestro de esta forma fue Michael Jackson, cuyo video musical para la canción principal del álbum Thriller se considera una obra maestra.

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