La exposición «Game Changers: Reinventing the 20th Century Silhouette» analiza el innovador trabajo del diseñador de moda Cristóbal Balenciaga, cuyas innovaciones a mediados del siglo XX crearon una silueta radicalmente nueva, otorgándole al cuerpo libertad de movimiento y construyendo volúmenes arquitectónicos para crear un espacio a su alrededor.

Junto con los pioneros de la alta costura en las décadas de 1920 y 1930 y, más tarde, en los diseñadores de las décadas de 1980 y 1990, Balenciaga demostró ser una alternativa para la silueta constructiva predominante del reloj de arena. Estos «Game Changers» miraron la moda del siglo XX desde una nueva perspectiva.

Las prendas influyentes de Japón, como el kimono, liberaron a las mujeres de sus corsés ajustados a principios del siglo XX. Diseñadores de moda como Madeleine Vionnet, Paul Poiret y Coco Chanel dieron forma a esta libertad en la década de 1920-1930 con innovaciones técnicas e ideas modernas sobre la feminidad. A finales del siglo XX, los límites de la silueta femenina son explorados por diseñadores japoneses y belgas como Issey Miyake, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Ann Demeulemeester y Martin Margiela. Allanaron el camino para nuevas formas de cuerpo y siluetas abstractas, y dieron una nueva interpretación de lo que podría considerarse como moda.

La figura central de la exposición es el diseñador de moda vasco Cristóbal Balenciaga (1895-1972), quien es visto como la figura central entre los dos períodos, el arquitecto de la innovación. Sus patrones y trabajos son el eje central de la exposición. Cada uno de los diseñadores trabajó a su manera en ideas igualmente innovadoras y cambió los límites de la clásica silueta femenina.

De esta manera, la moda se convierte en más que una secuencia de tendencias; La moda es una forma de dar forma al cuerpo, al espacio y al movimiento. La colección SS 1997 de Ray Kawakubo «Body Meets Dress, Dress Meets Body» muestra cómo estas nuevas formas se han convertido en parte del vocabulario de la moda.

La exposición reúne 100 siluetas exclusivas de alta costura y confección de Cristobal Balenciaga, Paul Poiret, Madeleine Vionet, Gabrielle Chanel, pero también Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Maison Martin Margiela. Con préstamos de prestigiosas colecciones del museo del Fashion Technology Institute de Nueva York, V&A, MUDE Lisbon y Musée Galliera.

Descubre a los diseñadores innovadores que innovaron radicalmente la silueta del siglo XX.

La exhibición de Game Changers se llevó a cabo en MoMu desde marzo de 2016 hasta agosto de 2016. El espectáculo consistió en más de 130 siluetas de diseñadores innovadores, con Cristóbal Balenciaga como protagonista.

La exposición combinó piezas de archivo de MoMu con préstamos de Palais Galliera, V&A, FIT, los archivos de Balenciaga en París, SAIC Chicago, Gemeentemuseum Den Haag, Museo Groninger, MKG Hamburg, Kunstgewerbemuseum Berlin, Modemuseum Hasselt.

El espectáculo fue curado por Miren Arzalluz y Karen Van Godtsenhoven.

El salto del tigre
Mirando hacia atrás hacia el futuro.

El tema introductorio de la exposición se llama ‘El salto del tigre’ y consta de dos siluetas que cambian el juego, una de Cristóbal Balenciaga y una de Rei Kawakubo.

La frase ‘salto de tigre’ proviene del concepto alemán ‘Tigersprung’ del filósofo Walter Benjamin, quien describe la moda como algo que está orientado hacia el futuro, pero al mismo tiempo mira hacia atrás en el pasado en busca de inspiración: la innovación a través de una nueva visita al El pasado es un principio rector en toda la exposición.

El icónico acolchado de Rei Kawakubo «Body Meets Dress, Dress Meets Body» Primavera / Verano de 1997 muestra cómo los diseñadores del siglo XX desafían la silueta del reloj de arena occidental, allanando el camino para nuevas formas, curvas y constelaciones en el siglo XXI.

MoMu adquirió este vestido en la subasta de alta costura Didier Ludot de julio de 2015. MoMu colecciona diseños belgas y diseñadores de vanguardia internacionales como Comme des Garçons de Rei Kawakubo.

Como puede ver en este vestido asimétrico de tafetán de la colección Otoño / Invierno 1953 de Balenciaga, el uso de formas e innovaciones historicistas hace de su trabajo un ejemplo del principio del salto del tigre.

Iconos de Balenciaga
Las siluetas más emblemáticas de Cristóbal Balenciaga.

Las siluetas más emblemáticas de Balenciaga rompieron con el ideal del reloj de arena predominante en la moda del siglo XX: la línea de barril, el look semiempotrado (1951), la túnica (1955), el vestido de saco (1957), el vestido de cuatro esquinas (1968) , y la muñeca trapezoidal de 1958, que marcó el comienzo de su fase más abstracta, donde prendas progresivamente conceptuales de calidad arquitectónica vistieron un cuerpo sin restricciones y más libre.

En 1942, durante el período restrictivo de la ocupación nazi de París, Balenciaga se embarcó en un proceso de experimentación de formas con resultados sin precedentes.

El mismo año (1947), Christian Dior cautivó al mundo con el «New Look», Balenciaga presentó una novedosa silueta de líneas fluidas y curvas que envolvían más bien
Que constricta el cuerpo.

Este vestido de gazar de seda de cuatro esquinas de 1967 fue una de las creaciones escultóricas más abstractas de Balenciaga al final de su carrera y sigue siendo una de sus prendas más icónicas.

El vestido de saco se separó de las siluetas estructuradas y conscientes del cuerpo de la alta costura de los años 50 y liberó el cuerpo de una manera elegante y cómoda.

La prenda suelta fue una evolución impactante que anunció la silueta fácil y mínima de los años sesenta.

Kimono
«Aprendí del espacio entre el cuerpo y la tela del kimono tradicional … no el estilo, sino el espacio». – Issey Miyake

Este grupo estudia la adopción de los principios del kimono en la moda occidental.

Un elemento importante del cambio y la innovación en la moda occidental del siglo XX, proviene de las nociones orientales de la vestimenta, y especialmente de la japonesa. Japón abrió sus puertas al oeste solo en la segunda mitad del siglo XIX: se produjo una manía generalizada de las artes decorativas japonesas llamada japonismo. En oposición a las modas europeas que son intrincadas y cortadas cerca del cuerpo, que dan forma a las curvas de una mujer, las nociones orientales del vestido se centran en piezas rectangulares de tela que se envuelven alrededor del cuerpo, creando un «atuendo más suave».

La couturière francesa Madeleine Vionnet se convirtió en una ávida coleccionista de kimonos y grabados de ukiyo-e que influyeron profundamente en su trabajo.

Ella dijo: “El vestido no debe colgarse del cuerpo sino seguir sus líneas. Debe acompañar a su portador y cuando una mujer sonríe, el vestido debe sonreír con ella «.

La innovación técnica y la asimilación estética inspiradas en el kimono de Vionnet tendrían un impacto fundamental en el trabajo de Cristóbal Balenciaga, que se encuentra en el corazón de su visión alternativa de la silueta en los años 50 y 60.

Los diseñadores japoneses de finales del siglo XX, como Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto e Issey Miyake, crean modas internacionales que se presentan en París.

La influencia de la estética japonesa, como el wabi-sabi, y el principio del kimono, la idea de envolver la tela alrededor del cuerpo están presentes en su trabajo y han sido retomados por muchos contemporáneos.

El fotógrafo Peter Lindbergh capturó algunas de las prendas más emblemáticas de Rei Kawakubo en esta serie de 1983 (ver también la siguiente imagen).

Volúmenes de gran tamaño
Las versiones inflables de Maison Martin Margiela de prendas arquetípicas hechas en talla 78, deconstruyen las nociones de alta costura (a medida) y prêt-à-porter (listas para usar): no se ajustan al cuerpo del usuario. y no vienen en tamaños comerciales predefinidos.

Las prendas de gran tamaño de Margiela deconstruyen el sistema de la moda, en el que se fabrican prendas industriales prefabricadas para una multitud de diferentes tipos de cuerpos en tamaños estándar: estas prendas borran la idea de un tipo de cuerpo estándar con la premisa de ‘talla única’ todos’.

La linea recta
Este grupo muestra cómo en diferentes momentos del siglo XX, en los años 20 y 60, la silueta curva en forma de S dio paso a una línea más recta y moderna.

La silueta sinuosa de moda de finales del siglo XIX y principios del XX, en su apogeo en el Art Nouveau y caracterizada por una cintura extremadamente pequeña y un amplio seno, dio paso gradualmente a las líneas más rectas de los vestidos reformados a principios del siglo XX.

La garçonne llevaba el pelo corto, vestidos de camisa rectas y tenía una figura infantil.

Chanel no solo «liberó» a la Nueva Mujer, sino que también impuso un nuevo ideal de belleza, del cual todavía se pueden sentir los ecos en la actualidad.

La ropa deportiva influyó en la alta costura, y diseñadores como Chanel, Jean Patou, Madeleine Vionnet atendieron a la liberada New Woman, que era deportiva y elegante.

Balenciaga reinterpretó la línea recta en su célebre silueta de ‘túnica’ de 1955, una prenda simple que le llegaba hasta las rodillas y que llevaba sobre una falda recta y más larga. El atuendo sugiere el contorno de la silueta, mientras que el espacio entre el cuerpo del portador y la prenda permite el movimiento libre. Su elegante sencillez aseguró un éxito instantáneo e impacto.

La reinterpretación de la túnica de Balenciaga pronto se convirtió en un nuevo clásico en su trabajo y reapareció en todas las colecciones de Balenciaga, desde febrero de 1955 hasta la última en febrero de 1968.

El espíritu revolucionario de la década de 1920 se refleja en la década de 1960 con siluetas rectas, símbolos de libertad y modernidad similares para la generación de la Era Espacial. El ‘youthquake’ y los diseñadores futuristas de la década de 1960 eliminaron la cintura de la década de 1950 y presentaron, una vez más, una silueta de gamine en su lugar. André Courrèges y Paco Rabanne estuvieron involucrados en aprendizajes o trabajaron para el sello de Balenciaga y se hicieron cargo de sus formas geométricas puras.

El fotógrafo francés Peter Knapp fue un colaborador cercano de André Courrèges y creó algunas de las imágenes más notables de la Era Espacial en la década de 1960.

Repensando el cuerpo
El vestido se une al cuerpo, el cuerpo se viste y se convierte en uno, Rei Kawakubo S / S 1997

El cuerpo, una vez liberado del corsé, estaba listo para asumir un nuevo papel con respecto a la prenda a finales del siglo XX.

En la primavera / verano de 1997, Rei Kawakubo tomó la idea de «repensar el cuerpo» un paso más allá y lanzó su famosa colección ‘Lumps’ n Bumps ‘, llamada’ Dress Meets Body, Body Meets Dress, and Become One ‘: una colección que Formas orgánicas acolchadas integradas, desodan o reforman el cuerpo humano.

Kawakubo lo llamó simplemente «repensar el cuerpo», mientras que la prensa apodó la colección Quasimodo o, peor aún, «la colección más fea del año».

«No lo que se ha visto antes, no lo que se ha repetido, sino los nuevos descubrimientos que miran hacia el futuro, que son liberados y animados».
– Comunicado de prensa Comme des Garçons 1997

La coreógrafa Merce Cunningham, quien trabajó con la colección en su producción de Escenario, simplemente dice: «los bultos son formas familiares que podemos ver todos los días, un mensajero en bicicleta con una bolsa sobre el hombro, un turista con pañuelo, un bebé en una madre». brazo.»

De manera similar, el trabajo de Georgina Godley, una artista y diseñadora de modas británica, escapa a la representación del cuerpo femenino como sexy / sin sexo: optó por la «tercera vía» en su lugar, adorando al cuerpo femenino, inspirada en África
diosas de la fertilidad, así como las mujeres de Vermeer.

Martin Margiela, en broma, deconstruye la idea occidental de la mujer como una «muñeca viva» o la muñeca como una versión más perfecta de la mujer: sus colecciones con maniquíes de confección se convirtieron en chalecos (primavera / verano 1997, otoño? Invierno 1997-98), y una chaqueta simulada de alambre de metal adaptable de la década de 1950 (otoño-invierno 1989–90).
Al vestir el cuerpo real y vivo de un maniquí, que actúa como una versión fetichizada del cuerpo femenino, muestra lo extraño que es el muñeco estandarizado para el cuerpo vivo real.

«Muñecas … esto es lo que muchos hombres quieren que sean las mujeres … solo muñecas».
– Yohji Yamamoto

Para colocar el cuerpo en el escenario central de la exposición, MoMu creó un video holográfico, dirigido por el fotógrafo Daniel Sannwald (graduado de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes). En una coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman) y con una selección de piezas de archivo de Balenciaga seleccionadas por Demna Gvasalia, actual directora artística de la casa de Balenciaga, y graduada del departamento de moda de la Real Academia de Bellas Artes.

Estas piezas de archivo van acompañadas de diseños innovadores de Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Maison Martin Margiela, Comme des Garçons y el propio sello Vêtements de Gvasalia.

En una evocación de la fase pre-lingüística de la vida humana (13 meses), en la que no hay un ‘yo’ ni una distinción entre el cuerpo del niño, el cuerpo de la madre y el mundo externo, las prendas abstractas y los cuerpos vivos se funden en Nuevas constelaciones.

Visto desde la parte posterior
«Solo puedo ver a una mujer como una persona que pasa, una persona que desaparece. Creo que la ropa debe hacerse con la espalda y no con el frente». – Yohji Yamamoto

La parte posterior de la silueta femenina se convirtió en un punto focal en la obra de Cristóbal Balenciaga. El escote que cae con gracia en la nuca, o más abajo en la espalda, forma un vestuario característicamente fluido.

Balenciaga se inspiró en el tradicional escote de kimono, incorporando cuellos cortados del cuello que exponen suavemente la nuca en sus trajes a medida y conjuntos de día.

En Japón, la nuca se considera una de las características más hermosas del cuerpo de una mujer.

Por lo tanto, la parte posterior del collar de kimono se sumerge para exponer la nuca y hacer que parezca más larga.

En contraste con las líneas fluidas del collar, el kimono se sujeta firmemente alrededor del pecho y está adornado con otros accesorios prominentes en la parte posterior, como el nudo de obi voluminoso y el peinado de moño alto decorado con peines.

Balenciaga también incorporaría su interpretación personal de estos elementos en sus diseños más célebres de la década de 1960, como el vestido rosa de su colección Otoño / Invierno 1965, que también se muestra en esta exposición.

La babydoll
El camino a la abstracción.

Balenciaga introdujo por primera vez en su colección de Invierno de 1957 el vestido de camisola o muñeca, que toma su nombre de la negligée holgada de la década de 1950.

Era un diseño de cóctel en forma de trapecio hecho con encaje y usado sobre un vestido ajustado que destacaba la forma del cuerpo real del usuario, lo que resultó en un compromiso entre la expresión de la cintura y su negación.

En la siguiente colección de verano de 1958, Cristóbal Balenciaga fue un paso más allá y exageró el volumen en vestidos completos, donde se eliminó radicalmente cualquier referencia al cuerpo.

La cintura, las caderas y los pechos pasaron desapercibidos habitando el nuevo espacio vacío que mediaba entre el cuerpo y la prenda.

La muñeca puede considerarse el último de los hitos en la experimentación con forma de Balenciaga durante los años cincuenta.

La forma trapezoidal de la muñeca es un punto de partida agradecido para los diseñadores contemporáneos.

Última abstracción
La etapa final

En 1968, Cristóbal Balenciaga cerró su casa, después de haber dado al mundo sus diseños más creativos y puros en la década de 1960, lo que llevó a una máxima abstracción del cuerpo, como se puede ver en su Le Chou Noir o su icónico vestido de cuatro esquinas, ambos parte de su colección invierno 1967.

Se dice que el trabajo tardío de alta costura de Balenciaga está «fuera de contacto» con el auge de prêt-à-porter de la década de 1960, pero de hecho su abstracción corporal progresiva y líneas puras se pueden encontrar en las creaciones de las generaciones que lo siguieron, incluyendo Pierre Cardin (a veces reprochado por sus formas de hongos y abstracción), Issey Miyake y generaciones posteriores de diseñadores internacionales, incluyendo Sybilla (España), Hussein Chalayan (Chipre), Junya Watanabe (Japón) y los vestidos impresos en 3D de Iris van Herpen (Países Bajos). ).

Empujan la moda aún más hacia adelante en una tradición de innovación al igual que sus antecesores. De esta manera, las ideas del pasado chocan con las formas del futuro en el eterno Salto de un Tigre.

La silueta de cierre viene de ‘Horn of Plenty’ de Alexander McQueen, esta colección es la última colección que McQueen creó «antes de que estuviera listo», en sus propias palabras, «tratar con la historia de la moda y podría comenzar como un diseñador maduro».

Evoca a los diseñadores emblemáticos del siglo XX, como Chanel, Dior y Balenciaga, y les pone su propio sello. Los típicos motivos de pata de gallo de Chanel y Dior se convierten en un estampado de aves, firma de McQueen.

El vestido con forma de oruga de Balenciaga se convierte en un volumen dramático.

Museo de la moda de Amberes, Bélgica

MoMu (Museo de la moda) es el museo de la moda de la Provincia de Amberes, Bélgica. Fundado el 21 de septiembre de 2002, el museo colecciona, conserva, estudia y exhibe la moda belga. El museo se centra específicamente en los diseñadores de moda contemporáneos belgas debido al surgimiento de un grupo de diseñadores de moda formados en Amberes durante los años ochenta y noventa (Martin Margiela, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, AF Vandevorst, etc.). La primera directora del museo fue Linda Loppa, quien también fue la fundadora y directora de la Escuela de Moda de la Real Academia de Bellas Artes (Amberes). El actual director es Kaat Debo.

Colección
MoMu tiene una colección de más de 33,000 artículos: ropa, calzado, textiles, accesorios, encaje, … La ropa y los accesorios forman el núcleo de la colección que surgió a través de las compras, pero también a través de donaciones de particulares, diseñadores y moda. casas y mediante una serie de préstamos a largo plazo. Por ejemplo, los primeros regalos de Linda Loppa y Christine Matthijs dieron inicio a la colección de diseñadores de MoMu. Esta subcolección se enriqueció con generosas donaciones de, entre otros, Dries Van Noten y Bernhard Willhelm. Pero también con préstamos a largo plazo, que incluyen 100 siluetas de Walter Van Beirendonckin 2012, unas pocas docenas de zapatos de diseñador y más de 100 sombreros del diseñador británico Stephen Jones por coleccionistas y fundadores de la tienda de zapatos Antwerp Coccodrillo Geert Bruloot y Eddy Michiels. La colección del museo se amplió en unos pocos cientos de piezas en 2012 a través de la donación y la compra parcial de la colección de moda histórica de los coleccionistas holandeses Jacoba de Jonge. Junto con las colecciones anteriores del antiguo Museo de vestuario y textiles Vrieselhof, MoMu administra hoy una colección de alrededor de 33,000 objetos que se conservan en gran parte en el hogar.

La colección se compone de prendas de vestir, accesorios y textiles, así como piezas inesperadas, como herramientas, máquinas para la producción textil, patrones e invitaciones a desfiles de moda.

La política de colección de MoMu se centra en el trabajo de diseñadores belgas y ex alumnos del Departamento de Moda de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes. Nombres destacados del mundo de la moda internacional contemporánea también están representados en la colección.

La colección crece cada año a través de adquisiciones, préstamos y numerosas donaciones, y ahora consta de más de 33,000 piezas. Esto hace que la colección MoMu sea la colección más grande e importante de moda contemporánea belga en el mundo. El museo recibe continuamente solicitudes internacionales de préstamo para piezas de su colección de diseñadores.

La colección histórica de vestimenta y textiles de Europa occidental de MoMu es una continuación de la colección del antiguo Museo de Vestuario y Textil Vrieselhof.

En 2011, la colección histórica se amplió con una importante adquisición. Más de 2,000 objetos de los siglos XVIII, XIX y primera mitad del siglo XX fueron adquiridos de la colección privada de la Sra. Jacoba de Jonge, complementando la colección existente de MoMu.

Además de la colección de moda y vestuario, el museo también alberga una gran colección de bibliotecas. La biblioteca MoMu es una biblioteca académica de moda histórica y contemporánea, textiles y vestimenta étnica. Con más de 15,000 libros, un archivo lleno de valiosas obras de referencia, cientos de revistas contemporáneas e históricas y una base de datos digital de imágenes en rápido crecimiento, la biblioteca MoMu es una de las mejores en su campo a nivel mundial.

En 2017, la colección de estudio se añadió a la colección del museo. La colección de estudio es una colección separada destinada a enseñar a los visitantes sobre la moda al permitirles estudiar los objetos de cerca. La colección de estudios puede usarse para investigación académica, como material de enseñanza o como inspiración. Se podrá consultar a partir de otoño de 2018.

La colección de estudio comprende prendas históricas, contemporáneas y étnicas, fragmentos y muestras. Esta colección más accesible consiste en una donación de la Sra. Jacoba de Jonge, un préstamo a largo plazo del Departamento de Conservación y Restauración de la Universidad de Amberes y piezas de MoMu.