Futurismo fue un movimiento artístico y social que se originó en Italia a principios del siglo XX. Enfatizaba la velocidad, la tecnología, la juventud y la violencia, y objetos como el automóvil, el avión y la ciudad industrial. Sus figuras clave fueron los italianos Filippo Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini, Giacomo Balla y Luigi Russolo. Glorificaba la modernidad y pretendía liberar a Italia del peso de su pasado. El cubismo contribuyó a la formación del estilo artístico del futurismo italiano. Entre las obras importantes de los futuristas se incluyen el Manifiesto del futurismo de Marinetti, las Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni, la pintura de Abstract Abstract + Sound de Balla y The Art of Noises de Russolo. Aunque fue en gran medida un fenómeno italiano, hubo movimientos paralelos en Rusia, Inglaterra, Bélgica y otros lugares. Los futuristas practicaron en todos los medios del arte, incluyendo pintura, escultura, cerámica, diseño gráfico, diseño industrial, diseño de interiores, diseño urbano, teatro, cine, moda, textiles, literatura, música, arquitectura e incluso comidas futuristas. Hasta cierto punto, el futurismo influyó en los movimientos artísticos Art Deco, Constructivism, Surrealism, Dada, y en mayor grado Precisionism, Rayonism, y Vorticism.

El futurismo es un movimiento italiano, de origen literario, que creció hasta abarcar la pintura, la escultura, la fotografía y la arquitectura, lanzado por la publicación el 20 de febrero de 1909 de «Le Futurisme» de Filippo Tommaso Marinetti en el periódico de París Le Figaro Marinetti. rechazar el pasado, revolucionar la cultura y hacerlo más moderno La nueva ideología del futurismo se impuso con violento entusiasmo contra la pesada herencia de un arte ligado a la tradición cultural italiana y exaltó la idea de una estética generada por el mito moderno del máquina y de velocidad.

Futurismo italiano
El futurismo es un movimiento de vanguardia fundado en Milán en 1909 por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti. Marinetti lanzó el movimiento en su Manifiesto Futurista, que publicó por primera vez el 5 de febrero de 1909 en La gazzetta dell’Emilia, un artículo que luego se reprodujo en el diario francés Le Figaro el sábado 20 de febrero de 1909. Pronto se le unió el los pintores Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Gino Severini y el compositor Luigi Russolo. Marinetti expresó un odio apasionado por todo lo viejo, especialmente la tradición política y artística. «No queremos parte de eso, el pasado», escribió, «¡nosotros los jóvenes y fuertes futuristas!» Los futuristas admiraban la velocidad, la tecnología, la juventud y la violencia, el automóvil, el avión y la ciudad industrial, todo lo que representaba el triunfo tecnológico de la humanidad sobre la naturaleza, y eran apasionados nacionalistas. Rechazaron el culto del pasado y toda imitación, la originalidad elogiada, «por atrevida, por violenta que sea», portaron orgullosamente «la mancha de la locura», desestimaron a los críticos de arte por inútiles, se rebelaron contra la armonía y el buen gusto, barrieron todos los temas y sujetos de todo el arte anterior, y se glorió en la ciencia.

La publicación de manifiestos era una característica del futurismo, y los futuristas (generalmente dirigidos o incitados por Marinetti) los escribieron sobre muchos temas, incluyendo pintura, arquitectura, religión, vestimenta y cocina.

El manifiesto fundacional no contenía un programa artístico positivo, que los futuristas intentaron crear en su posterior Manifiesto técnico de la pintura futurista (1914). Esto los comprometió con un «dinamismo universal», que se representaría directamente en la pintura. Los objetos en realidad no estaban separados el uno del otro o de su entorno: «Las dieciséis personas que te rodean en un autobús rodante son a su vez y al mismo tiempo una, diez y cuatro, están inmóviles y cambian de lugar … El autobús del motor se precipita en las casas por las que pasa y, a su vez, las casas se arrojan sobre el autobús y se mezclan con él «.

Los pintores futuristas fueron lentos para desarrollar un estilo y un tema distintivos. En 1910 y 1911 utilizaron las técnicas del divisionismo, rompiendo la luz y el color en un campo de puntos y rayas punteados, que habían sido creados originalmente por Giovanni Segantini y otros. Más tarde, Severini, que vivía en París, atribuyó su retraso en el estilo y el método en este momento a su distancia de París, el centro del arte de vanguardia. Severini fue el primero en entrar en contacto con el cubismo y, tras una visita a París en 1911, los pintores futuristas adoptaron los métodos de los cubistas. El cubismo les ofreció un medio para analizar la energía en las pinturas y expresar el dinamismo.

A menudo pintaban escenas urbanas modernas. El entierro de Carrà del anarquista Galli (1910-11) es un gran lienzo que representa eventos en los que el artista había estado involucrado, en 1904. La acción de un ataque policial y disturbios se realiza enérgicamente con diagonales y planos rotos. Su libro Leaving the Theatre (1910-11) utiliza una técnica de divisionista para representar a figuras aisladas y sin rostro caminando penosamente por la noche bajo las luces de la calle.

The City Rises (1910) de Boccioni representa escenas de construcción y trabajo manual con un enorme caballo rojo erguido en el primer plano del centro, que los trabajadores luchan por controlar. Sus Estados de Mente, en tres grandes paneles, El adiós, Los que se van y Aquellos que se quedan «, hizo su primera gran declaración de la pintura futurista, reuniendo sus intereses en Bergson, el cubismo y la compleja experiencia del mundo moderno del individuo en lo que se ha descrito como una de las «obras maestras menores» de la pintura de principios del siglo XX «. El trabajo intenta transmitir sentimientos y sensaciones experimentados en el tiempo, utilizando nuevos medios de expresión, incluidas las «líneas de fuerza», que pretendían transmitir las tendencias direccionales de los objetos a través del espacio, «simultaneidad», que combinaba recuerdos, impresiones del presente y anticipación de eventos futuros, y «ambiente emocional» en el que el artista busca por intuición vincular las simpatías entre la escena exterior y la emoción interior.

Las intenciones de Boccioni en el arte estuvieron fuertemente influenciadas por las ideas de Bergson, incluida la idea de intuición, que Bergson definió como una experiencia simple e indivisible de simpatía a través de la cual uno se mueve al interior de un objeto para captar lo que es único e inefable dentro de él. eso. Los futuristas apuntaron a través de su arte para permitir al espectador aprehender el ser interno de lo que representaban. Boccioni desarrolló estas ideas extensamente en su libro, Pittura scultura Futuriste: Dinamismo plastico (Escultura futurista de la pintura: Dinamismo plástico) (1914).

El dinamismo de Balla sobre un perro en una correa (1912) ejemplifica la insistencia de los futuristas en que el mundo percibido está en constante movimiento. La pintura representa a un perro cuyas patas, cola y correa -y los pies de la mujer que lo camina- se han multiplicado hasta convertirse en una mancha de movimiento. Ilustra los preceptos del Manifiesto Técnico de la Pintura Futurista que, «Debido a la persistencia de una imagen en la retina, los objetos en movimiento se multiplican constantemente, su forma cambia como vibraciones rápidas, en su alocada carrera. cuatro patas, pero veinte, y sus movimientos son triangulares «. Su Ritmo del arco (1912) describe de manera similar los movimientos de la mano y el instrumento de un violinista, representados en movimientos rápidos dentro de un marco triangular.

La adopción del cubismo determinó el estilo de la posterior pintura futurista, que Boccioni y Severini en particular continuaron representando con los colores rotos y las pinceladas cortas del divisionismo. Pero la pintura futurista difería tanto en el tema como en el tratamiento del cubismo tranquilo y estático de Picasso, Braque y Gris. Aunque había retratos futuristas (por ejemplo, La mujer con absenta de Carrà (1911), Autorretrato de Severini (1912) y Materia de Boccioni (1912)), era la escena urbana y los vehículos en movimiento lo que tipificaba la pintura futurista, por ejemplo, La calle de Boccioni. La casa (1911), el Jeroglífico dinámico de Severini del Bal Tabarin (1912) y el Automóvil a la velocidad (1913) de Russolo

En 1912 y 1913, Boccioni recurrió a la escultura para traducir en tres dimensiones sus ideas futuristas. En Unique Forms of Continuity in Space (1913) intentó comprender la relación entre el objeto y su entorno, que era fundamental para su teoría del «dinamismo». La escultura representa una figura de zancadas, fundida en bronce póstumamente y expuesta en la Tate Modern. (Ahora aparece en el lado nacional de las monedas italianas de 20 céntimos de euro). Continuó explorando el tema en Synthesis of Human Dynamism (1912), Speeding Muscles (1913) y Spiral Expansion of Speeding Muscles (1913). Sus ideas sobre la escultura fueron publicadas en el Manifiesto Técnico de la Escultura Futurista. En 1915, Balla también recurrió a la escultura haciendo «reconstrucciones» abstractas, que fueron creadas con diversos materiales, aparentemente eran móviles e incluso hacían ruidos. Dijo que, después de hacer veinte fotografías en las que había estudiado la velocidad de los automóviles, entendió que «el único plano del lienzo no permitía la sugerencia del volumen dinámico de velocidad en profundidad … sentí la necesidad de construir el primer complejo plástico dinámico con alambres de hierro, planos de cartón, tela y papel de seda, etc. »

En 1914, disputas personales y diferencias artísticas entre el grupo de Milán, alrededor de Marinetti, Boccioni y Balla, y el grupo de Florencia, alrededor de Carrà, Ardengo Soffici (1879-1964) y Giovanni Papini (1881-1956), crearon una grieta en italiano Futurismo El grupo de Florence estaba resentido por el predominio de Marinetti y Boccioni, a quienes acusaron de intentar establecer «una iglesia inmóvil con un credo infalible», y cada grupo descartó al otro como passéiste.

El futurismo había admirado desde el principio la violencia y era intensamente patriótico. El Manifiesto Futurista había declarado: «Glorificaremos la guerra, la única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructivo de portadores de la libertad, bellas ideas por las que vale la pena morir y el desprecio por la mujer». Aunque debía mucho de su carácter y algunas de sus ideas a los movimientos políticos radicales, no estuvo demasiado involucrado en la política hasta el otoño de 1913. Luego, por temor a la reelección de Giolitti, Marinetti publicó un manifiesto político. En 1914, los futuristas comenzaron a hacer campaña activa contra el imperio austro-húngaro, que todavía controlaba algunos territorios italianos, y la neutralidad italiana entre las principales potencias. En septiembre, Boccioni, sentado en el balcón del Teatro dal Verme de Milán, rompió una bandera austriaca y la lanzó al público, mientras que Marinetti agitó una bandera italiana. Cuando Italia ingresó en la Primera Guerra Mundial en 1915, muchos futuristas se alistaron. La experiencia de la guerra marcó a varios futuristas, particularmente a Marinetti, quien luchó en las montañas de Trentino en la frontera de Italia y Austria-Hungría, participando activamente en la propaganda. La experiencia de combate también influyó en la música futurista.

El estallido de la guerra disimuló el hecho de que el futurismo italiano había llegado a su fin. El grupo de Florence había reconocido formalmente su retirada del movimiento a fines de 1914. Boccioni produjo solo un cuadro de guerra y fue asesinado en 1916. Severini pintó algunas imágenes de guerra significativas en 1915 (por ejemplo, Guerra, Tren Blindado y Tren de la Cruz Roja), pero en París se volvió hacia el cubismo y la posguerra se asoció con el Regreso al orden.

Después de la guerra, Marinetti revivió el movimiento. Este revival fue llamado il secondo Futurismo (Segundo Futurismo) por escritores en la década de 1960. El historiador de arte Giovanni Lista ha clasificado el futurismo por décadas: «dinamismo plástico» para la primera década, «arte mecánico» para la década de 1920, «aerosoles» para la década de 1930.

Futurismo ruso
El futurismo ruso fue un movimiento de la literatura y las artes visuales. El poeta Vladimir Mayakovsky era un miembro prominente del movimiento. Artistas visuales como David Burlyuk, Mikhail Larionov, Natalia Goncharova y Kazimir Malevich se inspiraron en la imaginería de los escritos futuristas y fueron poetas en sí mismos. También tiene un mayor impacto en el movimiento del suprematismo. Otros poetas que adoptaron el Futurismo incluyeron a Velimir Khlebnikov y Aleksey Kruchenykh. Poetas y pintores colaboraron en la producción teatral, como la ópera futurista Victory Over the Sun, con textos de Kruchenykh y sets de Malevich.

El estilo principal de la pintura fue el Cubo-Futurismo, adoptado en 1913 cuando Aristarkh Lentulov regresó de París y expuso sus pinturas en Moscú. Cubo-Futurism combina las formas del cubismo con la representación del movimiento. Al igual que sus predecesores italianos, los futuristas rusos estaban fascinados con el dinamismo, la velocidad y la inquietud de la vida urbana moderna.

Los futuristas rusos buscaron controversia al repudiar el arte del pasado, diciendo que Pushkin y Dostoievski deberían ser «lanzados por la borda desde el vapor de la modernidad». No reconocieron ninguna autoridad y profesaron no deberle nada incluso a Marinetti, cuyos principios habían adoptado anteriormente, obstruyéndolo cuando vino a Rusia para hacer proselitismo en 1914.

El movimiento comenzó a declinar después de la revolución de 1917. Algunos futuristas murieron, otros emigraron. Mayakovsky y Malevich se convirtieron en parte del establishment soviético y del movimiento Agitprop de los años veinte. Khlebnikov y otros fueron perseguidos. Mayakovsky se suicidó el 14 de abril de 1930.

Arquitectura
El arquitecto futurista Antonio Sant’Elia expresó sus ideas sobre la modernidad en sus dibujos para La Città Nuova (La Nueva Ciudad) (1912-1914). Este proyecto nunca se construyó y Sant’Elia fue asesinada en la Primera Guerra Mundial, pero sus ideas influyeron en generaciones posteriores de arquitectos y artistas. La ciudad fue un telón de fondo en el que se proyecta el dinamismo de la vida futurista. La ciudad había reemplazado el paisaje como el escenario de la emocionante vida moderna. Sant’Elia se propuso crear una ciudad como una máquina eficiente y rápida. Él manipula la luz y la forma para enfatizar la calidad escultural de sus proyectos. Las curvas barrocas y las incrustaciones se habían quitado para revelar las líneas esenciales de formas sin precedentes de su simplicidad. En la nueva ciudad, cada aspecto de la vida debía ser racionalizado y centralizado en una gran potencia de energía. La ciudad no estaba destinada a durar, y se esperaba que cada generación posterior construyera su propia ciudad en lugar de heredar la arquitectura del pasado.

Los arquitectos futuristas a veces estaban en desacuerdo con la tendencia del estado fascista hacia los patrones estéticos imperial-romanos. Sin embargo, varios edificios futuristas se construyeron en los años 1920-1940, incluidos edificios públicos como estaciones de ferrocarril, centros turísticos marítimos y oficinas de correos. Ejemplos de edificios futuristas todavía en uso hoy en día son la estación de trenes de Trento, construida por Angiolo Mazzoni, y la estación de Santa Maria Novella en Florencia. La estación de Florencia fue diseñada en 1932 por el Gruppo Toscano (grupo toscano) de arquitectos, que incluía a Giovanni Michelucci e Italo Gamberini, con contribuciones de Mazzoni.

Música
La música futurista rechazó la tradición e introdujo sonidos experimentales inspirados en la maquinaria, e influiría en varios compositores del siglo XX.

Francesco Balilla Pratella se unió al movimiento futurista en 1910 y escribió un Manifiesto de Músicos Futuristas en el que apeló a los jóvenes (como lo hizo Marinetti), porque solo ellos podían entender lo que tenía que decir. Según Pratella, la música italiana era inferior a la música en el extranjero. Elogió el «genio sublime» de Wagner y vio cierto valor en el trabajo de otros compositores contemporáneos, por ejemplo, Richard Strauss, Elgar, Mussorgsky y Sibelius. Por el contrario, la sinfonía italiana estuvo dominada por la ópera en una «forma absurda y antimusical». Se decía que los conservatorios fomentaban el atraso y la mediocridad. Los editores perpetuaron la mediocridad y la dominación de la música por las óperas «raquíticas y vulgares» de Puccini y Umberto Giordano. El único Pratella italiano que pudo elogiar fue a su maestro Pietro Mascagni, porque se había rebelado contra los editores y había intentado innovar en la ópera, pero incluso Mascagni era demasiado tradicional para los gustos de Pratella. Ante esta mediocridad y conservadurismo, Pratella desplegó «la bandera roja del futurismo, llamando a su símbolo llameante a compositores tan jóvenes como corazones para amar y luchar, mentes para concebir y cejas libres de cobardía».

Luigi Russolo (1885-1947) escribió El arte de los ruidos (1913), un texto influyente en la estética musical del siglo XX. Russolo utilizó instrumentos que llamó intonarumori, que eran generadores de ruido acústico que permitían al intérprete crear y controlar la dinámica y el tono de varios tipos diferentes de ruidos. Russolo y Marinetti dieron el primer concierto de música futurista, completo con intonarumori, en 1914. Sin embargo, se les impidió actuar en muchas ciudades europeas importantes por el estallido de la guerra.

El futurismo fue uno de varios movimientos del siglo XX en la música de arte que rindió homenaje a las máquinas incluidas o imitadas. Se ha visto que Ferruccio Busoni anticipó algunas ideas futuristas, aunque permaneció casado con la tradición. El intonarumori de Russolo influyó en Stravinsky, Arthur Honegger, George Antheil, Edgar Varèse, Stockhausen y John Cage. En Pacific 231, Honegger imitó el sonido de una locomotora de vapor. También hay elementos futuristas en The Steel Step de Prokofiev y en su Segunda Sinfonía.

Lo más notable a este respecto, sin embargo, es el estadounidense George Antheil. Su fascinación por la maquinaria es evidente en su Airplane Sonata, Death of the Machines y en el Ballet Mécanique de 30 minutos. El Ballet Mécanique fue originalmente pensado para acompañar una película experimental de Fernand Léger, pero el puntaje musical es dos veces la duración de la película y ahora está solo. La partitura requiere un conjunto de percusión compuesto por tres xilófonos, cuatro bombo, un tam-tam, tres hélices de avión, siete campanas eléctricas, una sirena, dos «pianistas en vivo» y dieciséis pianos sincronizados. La pieza de Antheil fue la primera en sincronizar máquinas con jugadores humanos y explotar la diferencia entre lo que las máquinas y los humanos pueden jugar.

Otros compositores ofrecieron variantes más melódicas de la música futurista, especialmente Franco Casavola, que estuvo activo con el movimiento por invitación de Marinetti entre 1924 y 1927, y Arthur-Vincent Lourié, el primer músico futurista ruso y signatario del Futurista de San Petersburgo. Manifiesto en 1914. Sus cinco Synthèses ofrecen una forma de dodecafonía, mientras que Formes en l’air estaba dedicado a Picasso y es un concepto Cubo-Futurista. Nacido en Ucrania y criado en Nueva York, Leo Ornstein dio su primer recital de ‘Futurist Music’ en el Steinway Hall de Londres el 27 de marzo de 1914. Según el periódico Daily Sketch, «uno escuchó con angustia considerable. Nada tan horrible como el del señor Ornstein. la música se ha escuchado hasta ahora. Las personas con sordera completa deben asistir al próximo recital «.

Baile
El movimiento futurista también influyó en el concepto de danza. De hecho, el baile fue interpretado como una forma alternativa de expresar la última fusión del hombre con la máquina. La altura de un avión volador, el poder del motor de un automóvil y los rugidos de la maquinaria compleja eran todos signos de la inteligencia y excelencia del hombre que el arte de la danza tenía que enfatizar y elogiar. Este tipo de danza se considera futurista ya que interrumpe el sistema referencial de la danza clásica tradicional e introduce un estilo diferente, nuevo para el público sofisticado de la burguesía. El bailarín ya no realiza una historia, un contenido claro, que se puede leer de acuerdo con las reglas del ballet. Una de las bailarinas futuristas más famosas fue la italiana Giannina Censi (it). Formada como bailarina clásica, es conocida por su «Aerodanze» y continuó ganándose la vida actuando en producciones clásicas y populares. Ella describe esta forma innovadora de danza como resultado de una profunda colaboración con Marinetti y su poesía. A través de estas palabras, explica: «Lancé esta idea de la poesía aéreo-futurista con Marinetti, él mismo declamando la poesía. Un pequeño escenario de unos pocos metros cuadrados; … me hice un traje de satén con un casco; que el avión tenía que ser expresado por mi cuerpo. Volaba y, además, daba la impresión de que estas alas temblaban, del aparato que temblaba, … Y el rostro tenía que expresar lo que sentía el piloto «.

Literatura
El futurismo como movimiento literario hizo su debut oficial con el Manifiesto del Futurismo de FT Marinetti (1909), ya que delineó los diversos ideales que la poesía futurista debería esforzarse. La poesía, el medio predominante de la literatura futurista, puede caracterizarse por sus combinaciones inesperadas de imágenes e hiperconciencia (que no debe confundirse con la duración real del poema). Los futuristas llamaron a su estilo de libertad condicional de la poesía en libertà (palabra autonomía) en el cual todas las ideas del metro fueron rechazadas y la palabra se convirtió en la unidad principal de la preocupación. De esta manera, los futuristas lograron crear un nuevo lenguaje libre de puntuación de sintaxis y métricas que permitían la libre expresión.

El teatro también tiene un lugar importante dentro del universo futurista. Las obras de este género tienen escenas de pocas frases, tienen un énfasis en el sentido del humor absurdo e intentan desacreditar las tradiciones profundamente enraizadas a través de la parodia y otras técnicas de devaluación. Hay una serie de ejemplos de novelas futuristas tanto del periodo inicial del futurismo como del período neo-futurista, desde el propio Marinetti hasta un número de futuristas menos conocidos, como Primo Conti, Ardengo Soffici y Giordano Bruno Sanzin (Zig Zag, Il Romanzo Futurista editado por Alessandro Masi, 1995). Son muy diversos en su estilo, con muy poco recurso a las características de la poesía futurista, como ‘libertad condicional en libertad’. La locomotora con le calze de Arnaldo Ginna se sumerge en un mundo de tonterías absurdas, puerilmente crudo. Su hermano Bruno Corra escribió en Sam Dunn è morto (Sam Dunn is Dead) una obra maestra de la ficción futurista, en un género que él mismo llamó ‘Synthetic’ caracterizado por la compresión y la precisión; es una pieza sofisticada que se eleva por encima de las otras novelas a través de la fuerza y ​​la omnipresencia de su ironía.

Película
Cuando fue entrevistada sobre su película favorita de todos los tiempos, la famosa crítica de cine Pauline Kael afirmó que el director Dimitri Kirsanoff, en su película muda experimental Ménilmontant, «desarrolló una técnica que sugiere el movimiento conocido en la pintura como Futurismo».

1920 y 1930
Muchos futuristas italianos apoyaron el fascismo con la esperanza de modernizar un país dividido entre el norte industrializado y el sur rural y arcaico. Al igual que los fascistas, los futuristas eran nacionalistas italianos, radicales, admiradores de la violencia y se oponían a la democracia parlamentaria. Marinetti fundó el Partido Político Futurista (Partito Politico Futurista) a principios de 1918, que fue absorbido por Fasci di combattimento de Benito Mussolini en 1919, convirtiendo a Marinetti en uno de los primeros miembros del Partido Nacional Fascista. Se opuso a la posterior exaltación fascista de las instituciones existentes, calificándolas de «reaccionarias», y abandonó el congreso del partido fascista de 1920 con disgusto, retirándose de la política durante tres años; pero apoyó el fascismo italiano hasta su muerte en 1944. La asociación de los futuristas con el fascismo después de su triunfo en 1922 les trajo aceptación oficial en Italia y la capacidad de llevar a cabo una importante labor, especialmente en arquitectura. Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas futuristas tuvieron dificultades en sus carreras debido a su asociación con un régimen derrotado y desacreditado.

Marinetti buscó hacer del futurismo el arte estatal oficial de la Italia fascista pero no lo hizo. Mussolini personalmente no estaba interesado en el arte y eligió patrocinar numerosos estilos y movimientos para mantener a los artistas fieles al régimen. Al inaugurar la exposición de arte del grupo Novecento Italiano en 1923, dijo: «Declaro que está lejos de mi idea alentar algo así como un arte estatal. El arte pertenece al dominio del individuo. El estado tiene un solo deber: no socavar el arte, proporcionar condiciones humanas para los artistas, alentarlos desde el punto de vista artístico y nacional «. La amante de Mussolini, Margherita Sarfatti, que fue tan capaz como una empresaria cultural como Marinetti, promovió con éxito el grupo rival de Novecento e incluso persuadió a Marinetti para que se siente en su consejo. Aunque en los primeros años del fascismo italiano el arte moderno fue tolerado e incluso adoptado, hacia finales de la década de 1930, los fascistas de derecha introdujeron el concepto de «arte degenerado» de Alemania a Italia y condenaron el futurismo.

Marinetti hizo numerosos movimientos para congraciarse con el régimen, volviéndose menos radical y vanguardista con cada uno. Se mudó de Milán a Roma para estar más cerca del centro de las cosas. Se convirtió en académico a pesar de su condena de academias, se casó a pesar de su condena al matrimonio, promovió el arte religioso después del Tratado de Letrán de 1929 e incluso se reconcilió con la Iglesia Católica, declarando que Jesús era un Futurista.

Aunque el futurismo se identificó con el fascismo, tenía partidarios izquierdistas y antifascistas. Tienden a oponerse a la dirección artística y política de Marinetti del movimiento, y en 1924 los socialistas, comunistas y anarquistas abandonaron el Congreso Futurista de Milán. Las voces antifascistas en el futurismo no se silenciaron por completo hasta la anexión de Abyssinia y el Pacto Italo-Alemán de Acero en 1939. Esta asociación de fascistas, socialistas y anarquistas en el movimiento futurista, que puede parecer extraña hoy, se puede entender en términos de la influencia de Georges Sorel, cuyas ideas sobre el efecto regenerador de la violencia política tenían adherentes en todo el espectro político.

El futurismo se expandió para abarcar muchos dominios artísticos y finalmente incluyó pintura, escultura, cerámica, diseño gráfico, diseño industrial, diseño de interiores, diseño de teatro, textiles, teatro, literatura, música y arquitectura.

Aeropainting
Aeropainting (aeropittura) fue una expresión importante de la segunda generación de futurismo que comenzó en 1926. La tecnología y la emoción del vuelo, experimentada directamente por la mayoría de los aeropainters, ofrecían aviones y paisajes aéreos como un nuevo tema. Aeropainting fue variada en materia y tratamiento, incluido el realismo (especialmente en obras de propaganda), abstracción, dinamismo, paisajes tranquilos de Umbría, retratos de Mussolini (por ejemplo, Dottori’s Portrait of il Duce), pinturas religiosas devocionales, arte decorativo e imágenes de aviones .

Aeropainting fue lanzado en un manifiesto de 1929, Perspectives of Flight, firmado por Benedetta, Depero, Dottori, Fillìa, Marinetti, Prampolini, Somenzi y Tato (Guglielmo Sansoni). Los artistas declararon que «las perspectivas cambiantes del vuelo constituyen una realidad absolutamente nueva que no tiene nada en común con la realidad tradicionalmente constituida por una perspectiva terrestre» y que «pintar desde esta nueva realidad requiere un profundo desprecio por los detalles y la necesidad de sintetizar y transfigurar todo «. Crispolti identifica tres «posiciones» principales en aeropainting: «una visión de proyección cósmica, en su forma más típica en el ‘idealismo cósmico’ de Prampolini … una ‘envergadura’ de fantasías aéreas que rayan a veces en el cuento de hadas (por ejemplo en Dottori). …), y una especie de documentalismo aeronáutico que se acerca vertiginosamente a la celebración directa de la maquinaria (especialmente en Crali, pero también en Tato y Ambrosi) «.

Eventualmente hubo más de cien aeropainters. Las figuras principales incluyen a Fortunato Depero, Enrico Prampolini, Gerardo Dottori y Crali. Crali continuó produciendo aeropittura hasta la década de 1980.

Legado
El futurismo influyó en muchos otros movimientos artísticos del siglo XX, como el Art Deco, el Vorticismo, el Constructivismo, el Surrealismo, el Dada y mucho más tarde el Neo-Futurismo. El futurismo como movimiento artístico coherente y organizado ahora se considera como extinto, habiéndose extinguido en 1944 con la muerte de su líder Marinetti.

No obstante, los ideales del futurismo siguen siendo componentes importantes de la cultura occidental moderna; el énfasis en la juventud, la velocidad, el poder y la tecnología encontrando expresión en gran parte del cine y la cultura comercial moderna. Ridley Scott evocó conscientemente los diseños de Sant’Elia en Blade Runner. Los ecos del pensamiento de Marinetti, especialmente su «metalización soñada del cuerpo humano», todavía prevalecen fuertemente en la cultura japonesa, y emergen en el manga / anime y las obras de artistas como Shinya Tsukamoto, director del «Tetsuo» (iluminado . «Ironman») películas. El futurismo ha producido varias reacciones, incluido el género literario del cyberpunk, en el que la tecnología a menudo se trata con un ojo crítico, mientras que los artistas que se destacaron durante el primer brote de Internet, como Stelarc y Mariko Mori, producen trabajos que comentan Ideales futuristas. y el movimiento de arte y arquitectura neo-futurista en el que la tecnología se considera un motor para una mejor calidad de vida y valores de sostenibilidad.

En 1988 se inició una reactivación del movimiento futurista en el teatro con la creación del estilo neo-futurista en Chicago, que utiliza el enfoque del futurismo en la velocidad y la brevedad para crear una nueva forma de teatro inmediato. Actualmente, hay compañías neo-futuristas activas en Chicago, Nueva York, San Francisco y Montreal.

Las ideas futuristas se han discernido en la música de baile occidental desde la década de 1980.

El álbum de 1986 del compositor japonés Ryuichi Sakamoto ‘Futurista’ se inspiró en el movimiento. Presenta un discurso de Tommaso Marinetti en la pista ‘Variety Show’.

En 2009, el director italiano Marco Bellocchio incluyó el arte futurista en su película «Vincere».

En 2014, el Museo Solomon R. Guggenheim presentó la exposición «Italian Futurism, 1909-1944: Reconstructing the Universe». Esta fue la primera descripción completa del futurismo italiano que se presentará en los Estados Unidos.

La colección de arte italiano moderno de Estorick es un museo en Londres con una colección centrada en artistas futuristas italianos y sus pinturas.