Frida Kahlo: me retrato, Museo Dolores Olmedo

Esta exposición es una invitación a identificar a Frida, la pintora, más allá de la figura icónica, a comprender el camino que la llevó a convertirse en la representante del arte mexicano en el mundo.

Me retrato
«Me pinto a mí mismo» es una frase completamente reveladora, no solo porque nos refiere al trabajo del artista, sino también al personaje mismo, es decir, quién es y fue Frida Kahlo. La exposición destaca los tres géneros pictóricos desarrollados por Frida: retratos, autorretratos y bodegones.

Si volvemos a la época de su juventud, encontramos a una joven, que parece haberse recuperado del grave accidente que sufrió en 1925. Ella posa no solo para su padre, el fotógrafo Guillermo Kahlo, sino también para el espectador. Desde ese momento, vemos una intencionalidad que durará hasta sus últimos días: saber y disfrutar ser observada.

Alrededor de 1945, a la edad de 38 años, Frida se conocía a la perfección: una mujer adulta que había acumulado innumerables experiencias de vida, tal vez más que cualquier otra mujer de su edad. Su producción artística incluyó varios autorretratos famosos, pero es en Self-Portrait with Small Monkey que la vemos rodeada de todos los elementos de su mundo personal.

No necesitamos una corona para reconocer a la reina que vio en sí misma. Solo necesita ver su actitud de serenidad, desafiando al espectador, ya que a menudo aparece en sus autorretratos o fotografías.

Árbol de la esperanza, mantente fuerte
La procedencia de la colección Frida Kahlo en el Museo Dolores Olmedo no podría explicarse sin la presencia del ingeniero Eduardo Morillo Safa, el principal coleccionista de las obras de la artista durante su vida.

Alicia de Morillo Safa tuvo que vender la colección después de la muerte del ingeniero. Las obras se ofrecieron inicialmente a Diego Rivera, quien carecía de recursos y aconsejó a Dolores Olmedo que las comprara.

Morillo Safa le había encargado al artista varios retratos de miembros de su familia, como el de su madre, Rosita Morillo, quien era una figura materna para Frida.

Tu amigo que te ama …
La amistad siempre fue de gran importancia para Frida. Desde temprana edad, se rodeó de personas a las que amaba y dejó de amar. Muchas de las cartas escritas en su juventud revelan a esa niña inquieta que ansiaba el afecto de sus amigos; una chica audaz que buscó la compañía y la aceptación de los de su edad y trató de escapar del control familiar.

El autorretrato con boina roja (1932) nos recuerda a «amiga Frida» (la amiga-novia-amante de Alejandro Gómez Arias). En ese momento, encontramos a una adolescente inmersa en una literatura mundial, entusiasmada con los viajes, apasionada por un amor joven que nunca florecería como ella esperaba, y al mismo tiempo, una mujer que descubriría su propia fuerza interior.

Los primeros lienzos de Frida fueron retratos de sus amigos y vecinos en Coyoacán o en la Escuela Nacional Preparatoria. Entre ellos estaba el Retrato de Alicia Galant, en el reverso del cual escribió lo siguiente: Mi primera obra de arte, Frida Kahlo, 1927.

Las personas que conoció después de su matrimonio con Diego Rivera también se representan en la serie de retratos, como Lady Cristina Hastings y Eva Frederick, a quien conoció en los Estados Unidos.

Pertenecían a un círculo de mujeres que acompañaban a artistas, intelectuales, críticos, periodistas, científicos, magnates y asistentes que rodeaban a Rivera en el país del norte.

Soy desintegracion
Uno de los aspectos más fascinantes de la obra de Frida Kahlo es su simbolismo. Lo desarrolló en sus pinturas usando colores específicos y ciertos elementos de especial importancia para ella, y que había abrazado a lo largo de los años, en función de sus lecturas y experiencias.

Frida revisitó el perfecto binomio de vida y muerte de la cosmovisión prehispánica y lo capturó en varios de sus lienzos, como los que retratan y rinden homenaje a Luther Burbank.

El simbolismo de Kahlo en estas obras se refiere a la creencia mesoamericana de que al final de la vida terrenal, las almas de los hombres están destinadas a ir a otro espacio espiritual.

Ese mismo simbolismo se transmite en The Fallecida Dimas Rosas, una pieza en la que representa a uno de los hijos de la pareja que trabajó para Rivera y Kahlo, y cuya muerte debe haber sido muy dolorosa, no solo para la familia, sino también para Frida. .

La fertilidad se convirtió en otro símbolo en su pintura, a veces combinada con elementos eróticos-sexuales, como en La flor de la vida, donde la vida y la muerte se entrelazan nuevamente.

Tomó la idea de que poseía el poder de dar vida o muerte a su máxima expresión en My Nurse and I. Aquí vemos a Frida alimentándose, representada con una doble personalidad: Frida-baby y Frida-niñera.

Aparece como una pequeña criatura indefensa, como solía sentirse, alimentada y cuidada sola. En otras palabras, la fuerte Frida brindó apoyo y sustento a una débil Frida.

En todas estas pinturas, aparecen referencias al simbolismo, la cultura y la historia mexicanas. Provienen de la educación que recibió en la casa de su familia, en la escuela, en sus excursiones por las calles y mercados de la ciudad. Quizás eso es lo que los hace más accesibles y atractivos para el espectador, mucho más que la intencionalidad de los pintores que formaron parte del movimiento artístico conocido como la Escuela Mexicana de Pintura. Artísticamente, Frida creció como individuo, sin pertenecer a ninguna escuela; ella creó su propio estilo y, por lo tanto, se volvió eterna y eternamente moderna.

Si solo tuviera sus caricias sobre mí …
Frida Kahlo no solo cautivó al espectador a través de su pintura. Esa sensualidad nunca fue visible en sus autorretratos, pero siempre estuvo presente en su vida, sin duda. En sus pinturas, por ejemplo, el tema del desnudo aparece en una docena de obras, generalmente asociadas con su propio cuerpo. Sin embargo, estos desnudos son cualquier cosa menos sensuales.

Lo mismo se aplica a los desnudos de otras personas, como la de Ady Weber, que era su prima, su prima, una joven adolescente cuyo cuerpo aún no había alcanzado la madurez femenina.

Otro es el desnudo de Eva Frederick, que representa a una mujer adulta, su amiga estadounidense, que mira serenamente al espectador.

Quería ahogar mis penas en licor …
El dolor se reflejaba constantemente en sus autorretratos, a veces como consecuencia del accidente, otras veces por una variedad de razones, como su incapacidad para tener hijos, sus abortos involuntarios e incluso las infinitas infidelidades de Diego Rivera.

Uno de los autorretratos más emblemáticos es The Broken Column. Fue pintado poco después de que Frida se sometió a una cirugía de columna. La operación la dejó en cama y «confinada» en un corsé de metal que ayudaría a aliviar su malestar físico.

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Junto con la angustia física, estaba su angustia emocional, causada por las ausencias y el philander de Diego. La máscara (de la locura) es una pintura asociada con una de estas infidelidades.

Vestida como una tehuana, adornada y elegante, Frida se esconde detrás de una máscara de cartón, una de las muchas piezas de arte popular que coleccionó. Su dolor es obvio, pero no lo vemos. . . porque es la máscara que llora.

Nadie sabrá lo mucho que amo a Diego
Sin duda, su matrimonio con Diego Rivera fue uno de los eventos más cruciales en su vida, no solo personalmente, sino también artísticamente, ya que contribuyó al desarrollo de su pintura.

Rivera fue el mayor amor de Frida; cartas, poemas y retratos lo atestiguan, incluidos los autorretratos dobles que ejecutó, mitad Frida, mitad Diego y al mismo tiempo en uno: Diego y yo.

La influencia artística de Rivera se refleja en el trabajo de Kahlo, en algunos de los temas en los que el muralista estaba trabajando en esos años: los niños mexicanos. De esos años es su Pequeña Virginia, un retrato con combinaciones de colores brillantes y las mismas características de choque típicas del arte popular mexicano.

Un detalle interesante se encuentra en la parte posterior del retrato de Virginia, donde se puede ver, al revés, el Boceto para el autorretrato con avión. La pintura basada en este boceto fue subastada en 2000, rompiendo tres récords principales: el precio más alto en una subasta para una obra latinoamericana; siendo una pintura de la pintora más buscada del mundo; y la obra más cara de cualquier artista mexicano hasta ese momento.

Larga vida
En la década de 1950, Kahlo pintaba constantemente bodegones; El tercer género artístico más importante en su pintura, después de autorretratos y retratos.

Todos los elementos vistos anteriormente en sus autorretratos todavía están aquí: las piezas prehispánicas que nos recuerdan a Diego Rivera; los loros, que otras veces la rodeaban, ahora están posados ​​en la fruta; Las cintas, que solía acompañar a las dedicatorias en sus retratos y autorretratos, son reemplazadas por pequeñas banderas mexicanas pegadas en la fruta, pero con la misma intencionalidad de afecto que antes.

Un coco llora y la fruta «sangra» en lugar de su cuerpo. La sexualidad que transmitía en sus pinturas en otras ocasiones ahora se hace aún más evidente, menos velada, en la fruta madura cortada abierta para revelar su suculenta carne, en una invitación directa al placer.

La última naturaleza muerta que Frida Kahlo pintó en 1954 fue Long Live Life. Es un lienzo con sandías dispuestas en una composición simple y hermosa. El título es significativo; Puede referirse a la vida que el artista anhelaba seguir viviendo, continuar pintando.

Curiosamente, al final de su vida, Diego Rivera también pintó, como su trabajo final, un bodegón titulado The Watermelons. ¿El destino, coincidencia? Quizás.

Cada (Tick Tock) es un segundo paso de la vida …
Alrededor de 1938 en México, Frida conoció a André Breton, poeta francés, crítico de arte y líder del movimiento surrealista, que abogó por un mundo ilógico, subconsciente, metafísico y onírico sobre el mundo lógico, consciente y físico.

Dibujos como The Dream o Oneiric Self-Portrait and Fantasy nos recuerdan por qué para Breton, Kahlo fue un pintor surrealista. Con respecto a este dibujo, Frida dijo: El surrealismo es la sorpresa mágica de encontrar un león en el armario donde querías agarrar una camisa.

La tragedia es la cosa más ridícula que tiene el «hombre»
Del arte popular, Frida Kahlo extrajo uno de los elementos más típicos de sus pinturas: el pequeño formato y el uso de láminas de metal como superficie de pintura. La primera vez que usó una de estas láminas de metal fue en 1932 para la pintura «Henry Ford Hospital».

Durante el período posterior a su aborto, la artista produjo una litografía Frida y el aborto involuntario. Solo sobrevivieron tres de las doce copias que hizo de esta litografía, porque destruyó a todas las demás. En el margen izquierdo, escribió en inglés: esas pruebas no son buenas; No está mal teniendo en cuenta tu experiencia. Trabaja duro y obtendrás mejores resultados.

Otra pintura, también a pequeña escala, es Unos pequeños mordiscos de 1935. Este trabajo surgió de dos situaciones en la vida de Frida Kahlo: por un lado, el romance de Diego Rivera con su hermana Cristina alrededor de 1934, que pronto descubrió, y por el otro, su evidente sentido del humor negro: incapaz de expresar su propio dolor, se centró en la desgracia de otra mujer.

Sin Esperanza de 1945, aunque no está pintado sobre metal, conserva las características del pequeño formato empleado en las otras obras y alude a las dietas de engorde a las que fue sometida, porque su falta de apetito la había llevado a una pérdida de peso severa.

¿Pero dónde comienza esta historia? ¿De dónde viene Frida Kahlo la pintora? Ella lo explica en un texto de 1947:

Comencé a pintar (…) por el aburrimiento de estar en cama durante un año, después de un accidente en el que me fracturé la columna vertebral, el pie y otros huesos. Tenía dieciséis años y tenía muchas ganas de estudiar medicina. Pero la colisión entre un autobús de Coyoacán y un tranvía de Tlalpan puso fin a eso (…).

Es paradójico que en su Diario haya escrito: «La tragedia es lo más ridículo que tiene el» hombre «. Si hay una vida que ha sido trágica, es precisamente la de Frida Kahlo: polio a la edad de seis años, un accidente a los 18 años (con lesiones graves en la columna vertebral que la plagarían durante toda su vida), varios abortos involuntarios, gangrena de el pie derecho a los 42 años y, finalmente, la amputación de ese mismo pie a los 46 años. Si esto no es una tragedia, ¿qué es?

Museo Dolores Olmedo
El Museo Dolores Olmedo Patiño está ubicado en Xochimilco, en el sur de la Ciudad de México, México. Lleva el nombre del coleccionista Dolores Olmedo Patiño y se centra principalmente en la difusión de la obra de Diego Rivera y Frida Kahlo, protege una colección de aproximadamente 3000 piezas, que se rotan periódicamente para su exhibición. La colección del museo incluye aproximadamente 600 piezas prehispánicas de culturas mesoamericanas, como la olmeca, la mixteca, la zapoteca, la totonaca, la maya, la azteca y las que se asentaron en la región del oeste de México. Tiene la atracción adicional de los espantosos y xoloitzcuintles que caminan por sus patios.

El Museo Dolores Olmedo se encuentra en una estructura de piedra, que data del siglo XVI, anteriormente conocida como la Hacienda La Noria. Al donar su colección de arte a la gente de México, Dolores Olmedo Pati F1o (1908-2002) creó un conjunto coherente, donde los tesoros de las bellas artes se incorporaron a la construcción colonial añadida durante el siglo XVII, rodeada de exuberantes jardines, sombreados por singularmente Especies de plantas mexicanas, y habitadas por hermosos animales como los pavos reales mágicos, aparentemente confeccionados con joyas vivas y los enigmáticos perros sin pelo Xoloiztcuintle, una raza precolombina que es única para la vista y cálida al tacto.

El museo tiene 139 obras de Diego Rivera y 25 obras de Frida Kahlo, lo que lo convierte en la colección más grande de México de las obras de ambos. También tiene 43 creaciones de Angelina Beloff, varias de Pablo O’Higgins, arte popular mexicano y más de 600 piezas de arte prehispánico. Las principales corrientes en el museo son: cubismo, postimpresionismo, primitivismo, simbolismo, surrealismo, realismo mágico y realismo social.

Desde que el museo abrió sus puertas al público en septiembre de 1994, su mayor tesoro es su pintura. Las colecciones de obras más importantes del mundo de Diego Rivera y Frida Kahlo se encuentran aquí permanentemente y son adoradas por las legiones de visitantes que acuden en masa para admirarlas. También hay una colección de grabados en madera e ilustraciones de libros de la pintora rusa-francesa Angelina Beloff, la compañera de Rivera durante sus primeros años como pintor en ciernes en Europa.

Además, una exhibición privilegiada de más de novecientas piezas arqueológicas ofrece interés y contraste, así como una visión de la estética de un número entre las diversas culturas antiguas de México. Las figuras de madera dorada del período colonial crean otro contraste. Y como evidencia del imperativo creativo siempre vibrante de México, una colección de arte popular presenta las obras maestras en gran parte anónimas de cerámica, madera, estaño, laca, papel maché y cobre, que el artesano del pueblo ha producido durante generaciones, y que todavía sirven como el utensilios e implementos, así como las ofrendas ceremoniales, de sus vidas diarias.

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