La escultura francesa del siglo XIX es la estatuaria y la producción escultórica en Francia entre 1801 y 1901. Se caracteriza por la diversidad de corrientes y estilos, desde el neoclasicismo de principios de siglo, en el Art Nouveau y el Modernismo de finales de siglo.
La escultura francesa del siglo XIX está marcada por una producción muy importante inducida por órdenes oficiales relacionadas con las transformaciones urbanas y la secularización de la vida pública: las ciudades y los gobiernos, particularmente con Napoleón III y la Tercera República, compiten en esta área. campo. El ascenso de una burguesía adinerada también participa de la moda de las estatuas con monumentos funerarios privados y el gusto por las pequeñas monedas de bronce que muchos escultores de animales hacen una especialidad.
Grandes artistas marcan el siglo como François Rude, David de Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Bartholdi, Jules Dalou, Auguste Rodin y Camille Claudel.
Varios pintores también han practicado la escultura, como Honoré Daumier, Gustave Dore, Jean-Leon Gerome, Edgar Degas y Paul Gauguin. Algunas esculturas de este siglo han hecho escándalo en sus exposiciones, Sátiro y Bacante por Pradier en 1834 Asesinato de Préault el mismo año, Mujer mordida por una serpiente de Auguste Clésinger en 1847, Gorila eliminando a una mujer negra de Emmanuel Frémiet en 1859, The Carpeaux Baile en 1869, el bailarín de Degas de 19 años en 1881, y el Monumento a Balzac de Rodin en 1897.
El fenómeno de la escultura francesa del siglo XIX
El fenómeno de la escultura francesa del siglo XIX. ha atraído a contemporáneos. La lucha con métodos obsoletos e imágenes de academicismo y clasicismo en la escultura del país nunca terminó en una victoria por parte de las corrientes estilísticas más nuevas, aunque dio su historia dramática. El academismo fue apoyado activa y materialmente por los gobiernos y la Academia de las Artes de París, que alimentó su existencia durante cien años y reclutó en sus filas un ejército de artistas de diversos talentos. El apoyo estatal para el desarrollo de la escultura ha creado las condiciones favorables para ello, que no estaba en ninguno de los países de entonces. El ímpetu para ello fue una campaña para la construcción de edificios triunfantes y socialmente significativos, el rápido desarrollo del comercio capitalista a pesar de la guerra y la revolución, la práctica de las exposiciones mundiales, decidida por la burguesía, está convencida de su propio poder.
Así, el escultor Eugène Guillaume ejecutó en 1867 un pedido para siete seno de Napoleón Bonaparte, presentado en diversos períodos de su vida desde su juventud a la derrota en su carrera política. Está claro que tal serie de esculturas era anacrónica y necesaria solo para el régimen monárquico regular. Escultura de Francia del siglo XIX. hubo una censura tangible y presión política.
Un diccionario enciclopédico de Broccuza y Efron incluso dio una lista de las esculturas más destacadas creadas después de un siglo. En la lista cayó –
«Jeanne d’Arc siente la voz de Dios» – bronce, sc. Henry Chapa
«Psique abandonada por Eroth» – mármol, Carre Bellaz Albert-Ernest
«La fuente de la poesía» – marble, sc. Eugene Guillaume
«Chica en el pozo» – mármol, sk. Shaneverk
«Sueño» – mármol, sk. Maturen Moro
«Gloria victis» – bronce, Reino Unido. Antonin Mercier,
«Retary» (gladiador con una cuadrícula y tridente) Antony Noel
Las Alegorías de la Fe, el Amor, el Valor de los Soldados y la Virtud Cívica son cuatro esculturas de bronce realizadas por Paul Dubois para la lápida del General LaMorisier en la Catedral de Nantes.
La lista de esculturas sobresalientes incluía la «Marsella» de Ryuda (la mejor en términos de esculturas del siglo), pero bajo los nombres cotidianos «La Llamada a la Batalla» o «Discurso a la Campaña de Voluntarios en 1792», que neutralizó su contenido revolucionario y lo tradujo a un hogar y políticamente seguro.
Una vez en el centro del distrito aristocrático de París, «Marsella» Francois Rhuda se quedó el examen y el centro de la capital francesa, y el examen es a veces. El relieve se convirtió en la obra central del propio escultor y una importante obra monumental de los plásticos franceses de todo el siglo XIX. Todo esto, en contraste con la mayoría de los productos escultóricos.
Sin embargo, las altas estimaciones de esta lista de esculturas han perdido su relevancia por la censura del diccionario y la pequeña calidad artística de las obras. Diccionario patéticamente observado –
… el nivel general de la escultura francesa durante los años del segundo imperio fue alto, y permanece en él hasta la actualidad (a principios del siglo XX). Debido a que el gobierno es casi el único, pero un patrocinador activo de esta rama del arte, así como la existencia de la academia francesa en Roma, Francia todavía tiene una escuela de escultores, con la cual ninguna de las escuelas de otros países pueden competir con respecto a la solidez del conocimiento, el estilo de continuidad en la composición y el rendimiento, la diversidad y la fortaleza del talento.
Sin embargo, tal evaluación fue meramente una representación de la deseada. La evaluación será rechazada y revisada radicalmente en el siglo XX.
Períodos y estilos
Neoclasicismo
Jean-Antoine Houdon último gran representante de la escultura del siglo 18, haciendo la conexión entre el clasicismo y el neoclasicismo, continúa su actividad hasta 1814, dedicandose principalmente a los bustos de retratos, incluido el del emperador Napoleón I al Museo de Bellas Artes de Dijon. A principios de siglo, la era napoleónica vio consolidarse el neoclasicismo influenciado por el italiano Antonio Canova. En este momento, los principales representantes son Antoine-Denis Chaudet, Pierre Cartellier, Francois Joseph Bosio y Joseph Chinard. Esta corriente se expresa principalmente con las órdenes oficiales del régimen napoleónico, en bajorrelieves, bustos, columnas nacionales y arcos de triunfo. Continúa después del Primer Imperio con el escultor James Pradier más a la moda bajo la Monarquía de Julio y que, por su estilo lleno de sensualidad e inspiraciones orientales, intenta una síntesis entre el clasicismo y el romanticismo 1. Con el neoclasicismo tardío, esta corriente se extiende al Segundo Imperio, con Eugène Guillaume, Pierre-Jules Cavelier y Gabriel-Jules Thomas.
Joseph Chinard, La emperatriz Josephine (1808), Londres, Victoria y Albert Museum.
Antoine-Denis Chaudet, Busto de Napoleón 1º (1811), París, Museo del Louvre.
François Joseph Bosio, Hércules (1824), París, Museo del Louvre.
James Pradier, Las tres gracias (1831), París, Museo del Louvre.
Eugène Guillaume, Música instrumental (1874), París, ópera Garnier.
La escultura romántica
David d’Angers y François Rude son los principales representantes del romanticismo en la escultura. Este estilo se caracteriza por su sentido del movimiento y su impetuosidad, ilustrado por el famoso altorrelieve del Arco del Triunfo. La partida de los voluntarios de 1792 (también llamada Marsellesa) elaborada por Rude desde 1833 hasta 1836. David d’Angers se distingue especialmente a través de sus retratos esculpidos, 500 medallones en bajorrelieve, y varios bustos de los cuales el monumental de Goethe es representativo. Antoine-Louis Barye en sus esculturas de animales como El león aplastando una serpiente, es comparable a Delacroix con sus escenas de caza 3. La escultura romántica realmente emerge en el Salón de 1831, que está particularmente expuesto el Orlando Furioso de Jehan Duseigneur, que trata sobre el tema romántico por excelencia del amor lleva a la locura con una fuerte expresividad investigativa. En el Salón de 1834 Auguste Préault provoca un escándalo artístico con su bajorrelieve Tuerie. Henry de Triqueti y Félicie de Fauveau reviven el Renacimiento italiano para el primero y el gótico para el segundo, en esta pasión por la historia antigua develaron referencias clásicas a la antigüedad, que es otra característica del romanticismo.
David d’Angers, The Great Condé (1817), Angers, David d’Angers Gallery.
François Rude, La salida de los voluntarios de 1792 (1836), París, Arco del triunfo de la estrella.
Auguste Préault, Tuerie (1834), Museo de Bellas Artes, Chartres.
Antoine-Louis Barye, Theseus y el Minotauro, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
Eclecticismo
El eclecticismo es el estilo en boga bajo el Segundo Imperio y la Tercera República. Al igual que en la arquitectura, se caracteriza por el préstamo de diferentes estilos del pasado, la Edad Media, el Renacimiento, el neoclasicismo, el neobarroco. Su representante más famoso es Jean-Baptiste Carpeaux quien sintetiza el espíritu renacentista y el espíritu neobarroco cuyo primer testimonio es su pescador con caparazón. Su grupo Danza para la fachada de la Ópera Garnier, por su escándalo de naturalismo y fue considerado indecente. 6. Charles Cordier con sus bustos. Los orientales quieren introducir un «estudio de las razas» por los retratos de población de Sudán o Darfur.
Charles Cordier, Negro de Sudán (1857), París, Musée d’Orsay.
Alexandre Falguière, Tarsisius, mártir cristiano, (1868), París, Musée d’Orsay.
Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Sleeping Hebe (1869), París, Musée d’Orsay.
Jean-Baptiste Carpeaux, The Dance (1874), París, ópera Garnier.
Louis-Ernest Barrias, Presentación de la naturaleza en Science (1899), París, Musée d’Orsay.
Académico
Adecuado para estatuas monumentales y decoración arquitectónica, la escultura académica se caracteriza por la elección de temas alegóricos y patrióticos, y cuyo estilo se aproxima al neoclasicismo tardío. Henri Chapu, alumno de Pradier, es representante del academicismo alegórico. Otro representante de esta tendencia, Georges Récipon, cuyo carro triunfante de la armonía de la discordia del Grand Palais también es característico del movimiento neobarroco.
La llamada corriente neo-florentina, que apareció en la década de 1860 y creó una escultura canónica elegante, refinada y elegante, fue encarnada por Paul Dubois y Toulousans Alexandre Falguière, Antonin Mercié y Laurent Marqueste.
Nacido en Colmar y marcado por la guerra franco-prusiana, Frédéric-Auguste Bartholdi produjo una estatuaria dedicada a temas patrióticos, El León de Belfort y Vercingetorix de Clermont-Ferrand. Se vuelve universalmente famoso con la Estatua de la Libertad. Otros escultores de monumentos patrióticos, Georges Diebolt creador del zuavo y granadero del Pont de l’Alma y Emmanuel Frémiet, escultor de la Juana de Arco del sitio de las pirámides, la estatua ecuestre de Napoleón, en Laffrey, y el ecuestre Estatua de Duguesclin en Dinan.
Jean-Léon Gérôme fue uno de los pintores académicos (con Ernest Meissonier), que también se acercó a la escultura. Sus obras de inspiración antigua u oriental usan, para algunos de ellos, policromía (The Bowler, Bust of Sarah Bernhardt).
Henri Chapu, Juana de Arco (1872), París, Musée d’Orsay.
Emmanuel Frémiet, Monumento a Juana de Arco (1874), París, Place des Pyramides.
Auguste Bartholdi, Estatua de la Libertad (1886), Nueva York.
Georges Récipon, Harmony triunfa sobre la discordia (1900), París, Grand Palais.
Jean-Léon Gérôme, The Ball Player (1902), Vesoul, Museo Georges-Garret.
Realismo
El dibujante y pintor Honoré Daumier con la serie Celebridades de Juste Milieu de bustos de arcilla en bruto de figuras políticas de la Monarquía de Julio, y Ratapoil, la estatuilla anti-bonapartista de 1851 presagia el realismo en la escultura.
En 1847, Auguste Clésinger fue noticia al exhibir en el Salón a su Mujer herida por una serpiente. El arte de este escultor estaba en línea con el Romanticismo tardío, pero el tratamiento realista inflexible del cuerpo representado en todos sus detalles, llegando incluso a reproducir la celulitis en la parte superior de los muslos, se había obtenido moldeando directamente. del cuerpo de la modelo Apollonie Sabatier, half-socialite a la vista en la sociedad de la época. El realismo de la escultura, la técnica utilizada y la identidad del modelo han contribuido al escándalo de la obra.
El principal representante de la escultura realista es Jules Dalou con obras monumentales sobre el mundo laboral donde demuestra sus compromisos republicanos y Communards. Ha dejado muchos estudios para un proyecto del Monumento a los Trabajadores Inconclusos (Musée du Petit Palais y Musée d’Orsay) que rinde homenaje al mundo del trabajo y al campesinado. Otro escultor representante de esta corriente, el belga Constantin Meunier, cuya mayor parte de su carrera se desarrolla en Bélgica, se dio a conocer en París al exhibir en el Salón de 1886 su martillo. Su bajorrelieve La Glèbe entre las colecciones del Museo de Luxemburgo en 1892, y lo deja como Monumento al Trabajo póstumo.
Auguste Clésinger, Mujer picada por una serpiente (1847), París, Musée d’Orsay.
Honoré Daumier, Ratapoil (1850-1851), Baltimore, Walters Art Museum.
Constantin Meunier, The Puddler (1886), Lovaina, M Museum.
Jules Dalou, Monumento a Boussingault (1895), La Plaine Saint-Denis, Conservatorio Nacional de Artes y Oficios.
Historia
Al final de los siglos XVIII y XIX
La situación en la industria escultórica de Francia a fines del siglo XVIII. se complicó con los trágicos acontecimientos de la Revolución Francesa de 1789 – 1793. La escultura monumental se refiere a las formas de arte de uso intensivo de capital y, por lo general, cae fuera de la práctica durante períodos de agitación o revoluciones populares. La familia real de Francia durante la revolución estuvo aislada de la vida política y artística, como lo fue la rica aristocracia que emigró del país, salvando sus propias vidas. Fueron ellos quienes fueron los principales clientes y consumidores de escultura en Francia.
El país tiene una serie de escultores que continúan trabajando, pero lentamente en las áreas no monumentales. Se trata de Simon Louis Bouazzo (1743-1809), ex director de la fábrica escultórica de Sevres, Claudion (1738-1814), autor de alegorías, phanus, nicho y bacchanas al estilo del rococó y escultor Jean-Antoine Goodon (1741-1828) ) Todos ellos vieron con sus propios ojos el curso de los trágicos acontecimientos de la revolución, el terror, las detenciones de los dictadores de la revolución, la dirección, la toma del poder por el ambicioso general, Napoleón Bonaparte.
Un lugar especial fue ocupado por el escultor Jean-Antoine Gudon (1741-18228). Durante su vida él (como retratista) también trabajó bajo las órdenes de los aristócratas (la hija de Luis XVI, princesa de Adelaida, 1777, el Louvre, el graffiti de Sabran, el Museo de Turingia), y de acuerdo con las órdenes de algunas figuras de la revolución (busto de Dumurie, 1792, Angers, busto de Mirabeau), y por órdenes de la nueva aristocracia militar de Napoleón I Bonaparte (busto de Napoleón, Museo, Dijon). Goodon en su trabajo rompió fuertemente los lazos con el rococó lúdico de la aristocracia francesa y se trasladó a la posición de realismo y valiente restricción del clasicismo con su aspiración a la ilustración, el servicio público y el heroísmo. Desafortunadamente, el trabajo creativo del escultor permanece sin sistematizar y disperso por diferentes continentes [2]. Solo la creatividad de Goodon será un puente que vinculó los mejores logros de la escultura francesa del siglo pasado con la escultura de principios del siglo XIX.
Principios del siglo XIX
El comienzo del siglo XIX. se caracterizó por un aumento de la presión oficial sobre los escultores por parte de Napoleón y su nueva aristocracia militar. Imperio fue introducido en la práctica artística de la fuerza. El Imperio Napoleónico es un estilo rígido, patético y genial, oficial, más simbólico en el retrato frontal y en escultura. Difería notablemente del clasicismo de finales del siglo XVIII, que fue elegido y revivido libremente por los artistas franceses a mediados de siglo. Napoleón, como el usurpador del poder, buscó activamente la grandeza y el halo del poder de los antiguos emperadores romanos. Es por eso que a los artistas de Francia se les ordenó asumir los modelos del arte no republicano de Roma, sino en Roma, la era de los emperadores: oficial, moderada y fría-majestuosa. No hubo imperio y un mayor grado de desarrollo del clasicismo, desde que el imperio impuso a Napoleón por el Imperio, el clasicismo en el país fue restaurado y, un poco más tarde, renació en el academismo del siglo XIX.
De manera oficial, trabajan Antoine-Denis Schode (1763-1810), Pierre Cartelle (1757-1831), Joseph Schinard (1756-1813) y otros. Este estilo oficial fue totalmente respaldado por el escultor Francois Joseph Boziio (1768-1745), que tenía unos diecisiete años en Italia y que contaba con el asesoramiento del escultor Antonio Canova. Bogio llegó a París solo en 1807.
Los escultores reciben órdenes para la creación de arcos triunfales, bustos de la aristocracia militar y numerosos retratos oficiales del dictador Napoleón. La escultura llegó con un estereotipo, la figura fue alimentada en pleno apogeo con signos de grandeza y envuelta en la manera de la época romana. También podía decorar el salón del palacio o la lápida sepulcral, es decir, perder su destino local (Napoleón-legislador, conde François Joseph Boseau, tumba de Casimir Pierre). El tamaño de Napoleón (pequeño en altura e inclinado a un peso superfluo) en la escultura perdió por completo los signos de la realidad y adquirió las características de un símbolo irreal, para la creación de estas esculturas el emperador no publicó (Antonio Canova, «Peace Napoleon» «, Academia de Brera, Milán – alto, flaco, completamente desnudo y con una lanza en la mano a la manera de los antiguos tiranos).
La falsedad y el carácter decorativo generalizado también pasan al relieve del imperio (véase Antoine-Denis Schode, «Homero»)
Esta línea de escultura oficial no se interrumpe ni con el derrocamiento del imperio de Napoleón en 1814 (el llamado Primer Imperio) ni con la restauración de la monarquía. Durante este período, Jean-Jacques Pradieux (1790-1852) trabajó como un francés de ascendencia suiza. Los temas de sus obras – los temas de la antigüedad, retratos, figuras legendarias de la Edad Media.
Otro François Joseph Bozo viviente con la misma diligencia llevará a cabo el seno restaurado en el trono real de Carlos X en 1825 y la «Apoteosis de la Revolución del Rey Luis XVI», 1826, que simbolizaría el regreso a la Edad Media, ignorando cambios significativos en las mentes de los franceses y cambios en las leyes de Francia, introducidas por la revolución y la era de las aventuras militares de Napoleón Bonaparte.
Escultores del período del romanticismo
Las posiciones más consistentes del romanticismo fueron hechas por los artistas de Francia. Fue allí donde la brecha agudamente dolorosa entre el ideal humanista y la cruel realidad del país que condujo las interminables guerras, sufrió la nivelación de la personalidad y la destrucción práctica de la generación más joven en las aventuras militares de Napoleón, la decepción con los frecuentes cambios en la política poder y la falta de perspectivas de estabilidad. El romanticismo de Francia (a diferencia de otras escuelas nacionales) también tuvo un componente patriótico y social que Theodore Gericco encarnó en la película «El conejo de la Medusa» y Eugène Delacroix en las pinturas «La libertad del líder» y «La libertad del líder». Exterminación de los griegos por los turcos en Quíos «(» Cortar en Chios «). El fenómeno único del romanticismo francés y europeo fue el bajorrelieve «Marsella» en el Arco del Triunfo en París (escultor – Francois Ruid).
Solo con el tiempo, el componente patriótico del romanticismo francés quedó en nada, y los artistas se movieron a la posición de resistencia individual a la brutal realidad burguesa (Eugène Delacroix, Alfred Musset, George Sand, Stendhal, Victor Hugo, en Gran Bretaña – George Gordon Byron , etc.)
Una posición intermedia entre el romanticismo y el clasicismo tardío fue tomada por el escultor David d’Ange (1788-1856). Las preferencias políticas republicanas lo obligaron a pasar parte de su vida en la emigración en el Reino Unido. El escultor también fue reconocido en París después de regresar a casa. Intenta domesticar al artista e hizo el gobierno monárquico de Francia. David d’Ange recibió una solicitud de un monumento al Príncipe Conde, comandante del patio en Versalles. Trabajó duro como maestro de los plásticos conmemorativos y creó varias lápidas de arte. Su reputación como escultor talentoso también fortaleció la Orden de la Legión de Honor, que otorgó al poder en 1825. 1826 En el año se convirtió en miembro del Instituto de Francia.
Entre las obras famosas en París es un grupo escultórico para el frontón del Panteón, que convirtió la Iglesia del Imperio de Santa Genoveva. La fría y empírica estilística de la arquitectura del Panteón obligó al artista a recurrir a una imagen alegórica. Creó alegorías inspiradoras alegorías de la historia entre Francia y la libertad. En el estilo exuberante pero formalista del academicismo francés, las figuras realistas de los héroes del pasado estaban comprometidas e injustificables, lo que se convirtió en otra indicación de la profunda crisis del academicismo francés a mediados del siglo XIX.
El romanticismo trajo a la escultura un interés en el noreste del individuo, sus aspiraciones y emociones. En todas las capitales europeas, hay numerosos monumentos a grandes compatriotas, tanto del pasado como del presente. Sin embargo, en el campo de la escultura monumental, hay un ejército de artistas talentosos que pueden ofrecer soluciones y composiciones exuberantes pero banales. El valor artístico de numerosos monumentos es bajo, y las excepciones son pocas. La escultura monumental se ha convertido en un largo período de declive en la calidad y el declive artístico. En general, la escultura de Europa occidental, que dependía casi por completo de los gustos oficiales y los fondos públicos, estaba significativamente rezagada en el desarrollo y la importancia artística de la pintura contemporánea.
Monarquía y escultura de julio
La monarquía de julio (1830-1848) es un gobierno que tomó el poder en Francia después de la Revolución de julio de 1830. Vlad fue llamado acertadamente el «reino de los banqueros», ya que solo la burguesía era parte del gobierno. El presupuesto estatal se convirtió en una fuente de ingresos solo para los banqueros-financieros, que recibieron enormes préstamos y subsidios a través de él. Los banqueros, usando estrechos lazos con el nuevo gobierno, junto con el rey, jugaron con éxito en el mercado accionario, especulando sobre bonos del gobierno y acciones de compañías privadas. Intentaron en todos los sentidos interferir con los defensores franceses de la monarquía de la dinastía borbónica, ya que insistentemente llamaron al retorno del poder y la riqueza.
Para este período hubo la creación de una serie escultórica «Reina de Francia y mujeres glorificadas». Solo se referían a la Reina y a las mujeres gloriosas de Francia. La serie tenía veinte esculturas de mármol de altura completa. Louis-Philippe I, el último monarca con el título de rey en el trono francés, hizo una elección digna de una serie de personas. Sorprendentemente, Zhanna d’Arc, una campesina, llegó a la lista de reinas y santos.
Reglas bajo el título del francés de 1830 a 1848. Era un representante de la dinastía Orleans, después de la Revolución de julio, que lo llevó al poder, se llamó a sí mismo un «rey-ciudadano» para mantenerse en el poder. Él proporcionó fondos para la caminata. Varias personas medievales llegaron a la lista de esculturas creadas, cuyos retratos realistas no existían y no pudieron ser creados durante la Edad Media. Los escultores franceses han creado figuras de fantasía a su discreción. Monótona y decorativa, esculturas de las reinas de Francia y mujeres célebres decoraron el estanque de parterres y figuras frente a la fachada del Palacio de Luxemburgo, que luego se utilizó para el trabajo del Senado. La mayoría de las figuras pseudohistóricas fueron creadas alrededor de 1843, cada una de las cuales costó 12 000 a la tesorería del estado. El levantamiento y la revolución de 1848 obligaron al «ciudadano rey» a renunciar al trono. El resto de la vida vivió Louis-Philippe I en el exilio en el Reino Unido.
Disminución en la segunda mitad del siglo XIX
El declive de las ideas en la escultura fue particularmente notable a mediados de siglo. Cantidades considerables de dinero gastado por los gobiernos en órdenes escultóricas contribuyeron a las condiciones en que una multitud de artistas talentosos, codiciosos de dinero y signos externos de éxito burgués se apresuraron a las esculturas. Se podrían utilizar diferentes sistemas estilísticos en la obra escultórica: clasicismo tardío, academicismo, rasgos del realismo, hechos a partir de la observación cuidadosa de la realidad. Mezcla estilística envuelta, conocida como eclecticismo.
Entre los patrocinadores y clientes del escultor, Antoine Bari está el Príncipe Ferdinand Philip de Orleans. La proximidad a las antiguas familias monárquicas de Francia condujo a la recepción por el escultor de las órdenes para el monumento a Napoleón Bonaparte (un modelo conservado en el Museo d’Orsa), la escultura de caballo de Napoleón III para la puerta del Louvre, ordenando cuatro esculturas alegóricas («Paz», «Guerra», «Fuerza», «Orden») para la decoración del nuevo Palacio del Louvre. Su manera artística se formó en la observación de la realidad, tenía una dirección puramente realista, lo que rompió su conexión con el academicismo entonces dominante.
La disminución de la escultura atrae la atención de los trabajadores del arte que se han hecho famosos en otros campos. Entre ellos se encuentra el artista y artista gráfico Gustav Dore (1832-1883).
Gustave Dora se convirtió en el ejemplo perfecto del dominio escultórico de la escultura del gabinete «El parque y el amor de Eroth» o «El amor en manos del destino». Un dibujante virtuoso con una imaginación artística desarrollada, soportó toda la habilidad de recrear las figuras alegóricas de Parks y Eroth. En la escultura, Dore archivó solo el último parque, que amenazadoramente mantiene alerta a las tijeras. Junto con Eroth, miran en una dirección, como si miraran a la próxima víctima. La mano de Erota pudo haber estado armada con un arco, porque un carcaj con flechas yacía a los pies de una diosa. El artista recreó cuidadosamente la cara del anciano. Parques con mejillas caídas y cuello arrugado, que contrastan con la juventud de un adolescente alado. Las imágenes inspiradas y las figuras alegóricas cuidadosamente reproducidas y los detalles del grupo escultórico (Parques pesados con reminiscencias de la Capa de la Muerte, carcaj de flechas, reloj de arena, atributo del destructivo dios Cronos) trajeron al grupo estilísticamente escultórico académico al nivel de verdaderas obras maestras que eran raras.
Escultura del impresionismo
El Impresionismo funciona esencialmente pictórico, encuentra equivalencias en escultura, por la técnica del modelado y el tratamiento superficial espontáneo. Dos artistas de la pintura representan esta tendencia en escultura, Edgar Degas y Auguste Renoir. Degas generó controversia con Little Dancer, de catorce años, cuyo realismo sorprendió a sus contemporáneos. Solo una escultura para ser expuesta, deja después de su muerte una serie de ceras modeladas por representantes de estudios de movimiento, que fueron fundidas en bronce. Otro representante de esta tendencia, el francés naturalizado italiano Medardo Rosso cuyas esculturas toman por título: Impresión de mujer bajo un paraguas, o Impresión en ómnibus. Su trabajo podría haber influido en Rodin cuando estaba trabajando en su Balzac
Edgar Degas, Great Arabesque, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
Edgar Degas, Little Dancer de catorce años, Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek.
Medardo Rosso, Cabeza de Niño (1892-1893), Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina.
Auguste Renoir, Busto de Coco (1908), Frankfurt-am-Main, Städel Museum.
Simbolismo
El origen artístico del origen literario, el simbolismo también encontró en la escultura un modo de expresión. Estilo imbuido de libertad, es principalmente con los altos y bajos relieves que se expresa por completo. Se encuentra en particular, en los monumentos funerarios. Albert Bartholome deja muchas obras representativas, incluido el cementerio memorial de guerra Pere Lachaise, y máscaras de bronce inspiradas en el arte japonés 18. También influenciado por el arte japonés, a través de sus máscaras de cerámica, Jean Carriès marcó el 1881 viviendo con su cabeza decapitada de Carlos I en bronce. Con la Porte de l’Enfer Auguste Rodin en su lugar, se da cuenta del monumento del simbolismo en la escultura. Otros representantes, Pierre Roche hizo la transición desde el simbolismo de sus temas, y el estilo Art Nouveau.
Albert Bartholomew, War Memorial (1899), París, Père-Lachaise Cemetery.
Jean Carriès, Máscara de terror, París, Petit Palais.
Auguste Rodin, La Puerta del Infierno, París, Musée Rodin.
Pierre Roche, el Esfuerzo (alrededor de 1900), París, jardín de Luxemburgo.
Art Nouveau
El extremo del siglo coincide con la aparición del Art Nouveau, cuyas principales expresiones en la escultura en Francia son principalmente decorativas, con artistas como Raoul Larche, Agathon Leonard o François-Rupert Carabin.
Raoul Larche, Loie Fuller (hacia 1896), Dayton Art Institute.
Pierre Roche, Loie Fuller (circa 1901), Museo de Artes Decorativas de París.
Leonard Agathon, Scarf Dancer (circa 1900), Rijksmuseum Amsterdam.
François-Rupert Carabin, Piano (1900), Museo de Artes Decorativas de París.
Escultura moderna
Auguste Rodin, un escultor que ha abordado el neobarroco, el simbolismo y el realismo, es considerado como el inventor de la escultura moderna. Con su Monumento en Balzac exhibió su manifiesto de modernidad en la escultura y causó un escándalo durante su presentación pública. Sus discípulos Camille Claudel y Antoine Bourdelle, especialmente con Hércules el Arquero (1910), aseguran la transición al 20º.
Auguste Rodin, El burgués de Calais (1889), París, Musée Rodin.
Auguste Rodin, Monumento a Balzac (1898), París, Museo Rodin.
Antoine Bourdelle Gran guerrero de Montauban (1898-1900), museo-jardín departamental Bourdelle d’Egreville.
Camille Claudel, The Wall Age (1899), París, museo Rodin.