Romanticismo francés

El romanticismo francés se refiere a la época romántica en la literatura y el arte franceses desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta la primera mitad del siglo XIX.

Clasificación conceptual
«Romanticismo francés» significa no solo el movimiento literario, sino también la visión del mundo, la época, la escuela y el estilo. Incluye todos los géneros y artes. La clasificación temporal es aproximadamente entre 1750 y 1850.

El significado actual de la palabra «romántico» difiere considerablemente del primero. En inglés, «romántico» significaba algo así como «a la manera romana», que a su vez se refería al «romance», que se refería a un género literario de la Edad Media, escrito en romanche vernáculo en lugar de latín, relatando héroes y sentimientos. Los románticos alemanes también asociaron «romántico» sobre todo con «medieval» y «cristiano». En Francia, el movimiento del Romanticismo tardó en ganar terreno en comparación con sus vecinos (por las razones que se explican más adelante).

El romance se entiende generalmente como un cambio hacia la sensibilidad, la naturaleza, los sentimientos, lo fantástico, los sueños, lo inconsciente, lo sublime, lo pasado y lo exótico. El amplio espectro de estos elementos ilustra la orientación universal-poética y liberal del Romanticismo: quiere incluir todos los aspectos de la naturaleza humana y rechaza tanto la exclusión de la subjetividad a través de la Ilustración, la regularidad de lo clásico y la relativización del individuo por el revolución.

General
En los albores del siglo XIX, una nueva generación literaria subió al escenario e instó a una renovación de la literatura. Después de la Revolución Francesa, el individuo había perdido su lugar en la sociedad, el orden político y religioso anterior había sido destruido, y la revolución y Terreur habían dejado huellas traumáticas. El derrocamiento de los grilletes de los Ancien Régimes significa para el individuo tanto la liberación como el aislamiento y la desesperación. Tradicionalmente, las instituciones normativas como la iglesia habían perdido influencia, por lo que los escritores cada vez veían más como su tarea realizar una literatura que estuviera a la altura de las condiciones de la sociedad posrevolucionaria y romper con las reglas aún dominantes de la música clásica. Ya en la Ilustración había surgido una nueva sensibilidad, que estaba condicionada por la situación cambiada del individuo en la sociedad. En particular, Jean-Jacques Rousseau. El calentamiento con la naturaleza, su tendencia a reemplazar la razón por el sentimiento y su lenguaje poético dieron impulsos importantes a la era posrevolucionaria. Pero las posibilidades de desarrollo artístico bajo el régimen napoleónico eran limitadas. Napoleón era muy consciente del efecto didáctico-moralizante de la literatura y culpó a los escritos de la Ilustración por la Revolución y sus tribulaciones. Dibujó la consecuencia de supervisar la obra artística del Imperio y suprimir las opiniones opositoras mediante la censura. Su política cultural estaba dirigida a provocar un renacimiento del período clásico: promovió la literatura que continuó con viejos temas y formas y reprimió el presente.

Al igual que en Alemania, hubo un levantamiento contra la imitación de la antigüedad, especialmente a fines del siglo XVII. La discusión comenzó muy temprano en Francia con la Querelle des Anciens et des Modernes y fue llevada a otros países. El gran avance vino con los dramas de Denis Diderot.

Romanticismo temprano
Dos autores que acogieron inicialmente el reinado de Napoleón, pero que luego entraron en conflicto con él, fueron François-René de Chateaubriand, que era más conservador-aristocrático, y Anne Louise Germaine de Staël, que era hija del ex ministro de Finanzas Necker y liberal. Opinión representada.

Anne Louise Germaine de Staël
Madame de Staël publicó el escrito De la littérature en 1800 en el que concibió la idea de que la historia de una literatura solo puede entenderse en el contexto de su condición social y moral. Según Madame de Staël, las instituciones políticas, los procesos, los valores en ciertos momentos, las leyes, las religiones, pero también la situación geográfica y el clima determinan la literatura de un pueblo. En ese momento el público literario francés era muy francocéntrico; La literatura francesa fue considerada la más perfecta. Madame de Staël ahora afirmaba que la literatura francesa era solo una entre muchas, y que las literaturas del norte (especialmente el inglés y el alemán) tenían prioridad porque eran melancólicas y soñadoras, filosóficas y liberales. Llamó a los franceses a no seguir el ejemplo de la orientación pagana y mediterránea hacia la cultura antigua y cristiano-germánica de la Edad Media. Esto fue considerado una provocación monstruosa. Madame de Staël recibió críticas muy antipáticas. En 1803 fue desterrada por la resistencia conspiratoria a Napoleón. Ella usó este tiempo para una larga estadía en Alemania, donde ella y otros. a. August Wilhelm Schlegel, a quien contrató como tutora y se dirigió a su castillo en Coppet (Suiza). Coppet se convirtió en el centro de un animado intercambio intelectual, donde muchos líderes se encontraron y reunieron nuevos impulsos.

En 1805, Madame de Staël viajó con Schlegel a Italia, donde encontró inspiración para su novela Corinne (1807). En 1810 su obra más famosa Acerca de Alemania (De l’Allemagne), que fue inmediatamente prohibida; Madame de Staël tuvo que ir al exilio de nuevo. En este libro ella describió sus impresiones de Alemania y se entusiasmó con la literatura romántica alemana, especialmente su entusiasmo y seriedad. Ella resumió que a pesar de la impotencia política y las condiciones sociales anticuadas se creó una literatura moderna en Alemania, mientras que Francia se congeló en su imitación del período clásico. El libro apareció unos años más tarde en Francia e inspiró a muchos jóvenes a través de la imagen de cuento de hadas de Alemania. El romanticismo recibió un nuevo significado y fascinación: ya no era solo un sinónimo de «cristiano» y «medieval», sino también de «germánico», «popular» y «moderno». De l’Allemagne Durante décadas, la imagen de Francia de Alemania fue darles forma y disfrazar durante tanto tiempo que su país vecino estaba a punto de convertirse en una fuerza militar peligrosa.

François-René de Chateaubriand
La importancia de Chateaubriand radica sobre todo en el desarrollo de las ideas poéticas y el enriquecimiento de la lengua francesa mediante descripciones de la naturaleza hasta ahora desconocidas. Reconoció la importancia de la revolución, pero vio en ella una destrucción de la tradición cristiana. Él mismo se sintió desarraigado toda su vida y estuvo marcado por una inexplicable melancolía. En 1798/99 renovó su fe cristiana después de golpes severos y decidió escribir una apología del cristianismo (que sin duda tenía motivos de carrera, ya que había previsto una carrera en el servicio civil y se sabía que Napoleón aspiraba a la institucionalización pura de la Iglesia) . En 1802 Le génie du christianisme apareció, en él intentó comprender la causa de los efectos: de la belleza de los fenómenos naturales concluyó la existencia de Dios. Además, él no derivó la posición prominente del cristianismo de su origen divino, sino del atractivo de la enseñanza. Solo la religión puede preservar el equilibrio interno del hombre y crear orden. La religión cristiana inspira las artes a través de las imágenes y la belleza de sus enseñanzas. Las novelas René y Atala originalmente tenían la intención de aparecer en el contexto de esta obra e ilustrar las tesis de la Génie, pero luego fueron eliminadas y publicadas individualmente. Estas obras fueron extremadamente exitosas y contribuyeron significativamente a la recamasticización.

Avance del romanticismo
Después de la abdicación de Napoleón, durante la libertad de expresión temporal, el debate literario público y la confrontación de los frentes ideológicos («les deux Frances») se volvieron a establecer: por un lado estaban los ultras (realistas o legitimistas que deseaban un retorno). del ancien régime) que incluía jóvenes poetas aspirantes como Victor Hugo, Alphonse de Lamartine y Alfred de Vigny. Sus oponentes eran los liberales como Stendhal y Prosper Mérimée, que preferían una monarquía constitucional. Irónicamente, los realistas conservadores al principio defendieron una desviación del clásico, mientras que los clásicos generalmente estaban entre los liberales. Sólo después de la llegada al poder, Carlos X. (1824) cambió esto y los románticos se unieron gradualmente en los llamados «cénacles» con una actitud liberal.

Lamartine publicó en 1820 con gran éxito su colección de poesía romántica Méditations, cuya novela poética inspiró a la juventud y su éxito continuó con Hugo Odes (1822). La Académie française, sin embargo, atacó fuertemente a los románticos, llamándolos «bárbaros» y «sectas». Esto fue seguido por un intercambio literario, que se convirtió en un bataille romantique en la historia y se realizó principalmente en el teatro. En 1823 y 1825 Stendhal escribió el ensayo Racine et Shakespeare en el que atacaba la falsedad, rigidez y antinaturalidad del teatro clásico, que le resultaba especialmente aburrido. Exigió un drama romántico en prosa (en lugar del verso alejandrino ideado) que rompería con las reglas clásicas de las tres unidades y así podría representar conflictos y épocas contemporáneos. Él equiparó el romanticismo con la modernidad y declaró que todos los grandes poetas eran románticos en su época.

En 1827 Hugo escribió la pieza Cromwell, cuyo prefacio se convirtió en un manifiesto del romanticismo, ya que ilustra sus tesis de manera excelente. En esto también pidió un drama moderno, estableciendo la teoría de los tres períodos, según la cual pertenece la letra del pasado, la épica de la antigüedad y el drama de los tiempos modernos. Sobre todo, propagaba un «mélange des genres» que combinaba la épica, el drama y la poesía: todos los aspectos de la naturaleza humana debían integrarse, lo bello y lo feo, lo sublime y lo grotesco. Elogió al cristianismo porque entendía la dualidad del hombre, un ser compuesto de dos elementos (lo bello y lo feo). Hugo reclamó para sí la completa libertad poética. El clímax del enfrentamiento entre clásicos y románticos formó el «Bataille d’Hernani» en la representación de la obra Hernani de Hugo, en la que los partidarios de sus cénacles románticos disputaban con los oponentes en voz alta entre el público y eventualmente llevaron una victoria abrumadora

La segunda generación del romanticismo
En 1830, se produjeron nuevos disturbios políticos y sociales a través de la Revolución de Julio; Los románticos de la primera generación fueron establecidos mientras tanto. Mientras el romanticismo temprano se enfocaba en la posición del individuo en la sociedad y la representación de sus estados mentales apasionados, los crecientes conflictos sociales de la industrialización llevaron a algunos de los románticos, como Víctor Hugo y Alphonse de Lamartine, a recurrir a problemas sociales. Los poetas más jóvenes («segunda generación») como Théophile Gautier, Paul de Musset y Charles Nodier, sin embargo, fueron después de la toma de poder de la burguesía, a quienes odiaban, profundamente decepcionados. Expresaron su desprecio de manera demostrativa hacia el exterior a través de conductas provocativas, vestimenta, etc. La creciente comercialización del arte a menudo los forzó a dedicarse a actividades periodísticas para ganar dinero, una circunstancia que les repugnaba. En contraste con el concepto de l’art social, desarrollaron una dirección de elitismo l’art pour l’art, el arte por el arte (y no por consideración a la sociedad). En definitiva, el drama romántico fracasó, tras el fracaso de Les Burgraves (1843) de Hugo fue inconfundible. Por un lado, no podía establecerse entre el público, porque era simplemente burgués y estaba más inclinado a la música clásica; por otro lado, la censura no permitió la implementación completa del drama romántico contemporáneo (Hugos Marion Delorme y Le roi s’amuse fueron prohibidos).

Romanticismo en el arte francés
La disputa de clásicos y románticos no era solo literaria; también ocurrió en el arte, y el paralelismo es notable entre los dos dominios, artístico y literario.

El arte del Imperio
El romanticismo literario fue anunciado a principios de siglo por el Genie du Christianisme (1802). Casi al mismo tiempo (1804), el Jaffa de Gruppos de Gros había anunciado el romanticismo artístico. Pero en ambos lados solo había sido una llamada de clarín sin eco inmediato; el movimiento real debía ocurrir solo quince años más tarde, en una segunda llamada. Mientras tanto, «el imperio del arte» de Pierre Guerin y Gerard fue lo que fue en la literatura la poesía de Delille, Fontanes y Nepomucene Lemercier. La estética de David, erigida como una pedagogía estrecha y peculiar, el Consulado un sello oficial, y el arte, como la literatura, cumplía cada vez más con el gusto personal de Napoleón.

Al principio dominaba el gusto por el arte romano, y toda una generación se dedicó a construir, tallar y pintar al estilo del arco de triunfo de Septimio Severo y los bajorrelieves de la columna de Trajano.

Más tarde, cuando el maestro había erigido el águila romana sobre todas las naciones de Europa, el campo de este arte, ya tan limitado, se estrecha de nuevo, y el arte oficial tomó prestados todos sus temas del ciclo imperial. De ahí estas alegorías, incluso más frías que las del Antiguo Régimen, esta prodigalidad de atributos belicosos, ese sabor de lo seco, lo rígido y lo tenso que, a partir de las proclamaciones del Emperador, pasaba por todos los motivos decorativos. Todo está ahora con trofeos, cascos y espadas, e incluso en las líneas geométricas de las líneas de muebles de caoba, el metal dorado de cobre, todo militar, brilla en esfinges, obeliscos y piramidios.

Señales de advertencia de una próxima transformación
Sin embargo, el arte, como la literatura, no pudo escapar a la influencia de los nuevos alientos. Entre los propios alumnos de David, más de uno intentaba un matrimonio entre la forma antigua y el sentimiento moderno, entre lo clásico y lo romántico;

como Girodet en su Funeral of Atala (1808), especialmente Prud’hon en su lienzo dramático de Justicia y Venganza divina persiguiendo el crimen (1808). Energía oscura de la composición, gestos de los personajes que no tienen nada de acordado ni esperado, subordinación del drama de la acción al drama de la luz, todo el romanticismo estaba en esta pintura, seguido pronto de un Cristo en la cruz de la expresión más conmovedora .

La revolución romántica
La exposición de la Balsa del Méduse de Géricault en el Salón de 1819 es la señal del asalto romántico contra las obras frías y formales del «arte heroico». Este lienzo de un joven artista, desconocido el día anterior, arroja terror al campo clásico. Los académicos están a raya. Detrás de Géricault, se sienten regañando a un joven batallador e inquieto.

En 1822, de hecho, Delacroix expone a Dante y Virgil al infierno, una obra llena de ardor y un prestigioso color, que pone fin a la ira de los clásicos y afirma el éxito de la nueva pintura. En vano caerá Géricault a los treinta y tres en 1824; Delacroix lo sucede como abanderado de la nueva escuela, de la cual La Bataille de Nancy es un excelente ejemplo.

Dos fechas marcan las etapas última y triunfal, 1824 y 1827:

En el Salón de 1824, junto a la Masacre de Scio de Delacroix; un lienzo roto, rozado por una némesis furiosa, la falange de artistas innovadores brillaba intensamente: Ary Scheffer con un tema nacional, La muerte de Gaston de Foix; Eugene Devéria con una Madonna romántica; Champmartin con su Massacre des Innocents colorido; Léopold Robert con este improvisador napolitano que parece inspirado por Corinne de Germaine de Staël.

En 1827, los vencedores terminaron de aplastar «la cola de David». Delacroix exhibe su deslumbrante Sardanapale, Louis Boulanger su Mazeppa, Ary Scheffer su dolorosa mujer Souliot, mientras que Decamps, en sus primeras pinturas exóticas, preludio de la conquista de Oriente. Por contra, es cierto, la Apoteosis de Homero de Ingres incluida en la misma habitación; pero la Apoteosis reveló un Ingres inesperado, tocado por el art nouveau. En cuanto a las pinturas de los últimos clásicos, el Wattelet y el Turpin de Crisse, la comparación se convirtió en su confusión.

Así, la pintura romántica triunfó a lo largo de la línea. En tres pasos, ella estaba en la meta. Ella distanció la literatura, que todavía estaba esperando su manifiesto; pero ella ayudó a tramar este manifiesto, preparó para él el espíritu público.

Informe de arte romántico y literatura
El arte romántico, como la literatura, tomó ante todo lo contrario del arte clásico. Fue una reacción contra la fórmula de la técnica anterior, y esta reacción fue la consecuencia lógica de ese individualismo que, rompiendo los estrechos moldes de las antiguas doctrinas, había creado el pensamiento moderno. En el arte como en la literatura, era necesario reconocer que las viejas reglas no descansaban sobre ningún fundamento sólido, y que el único agente vital era la libertad. Y el romanticismo artístico, como el romanticismo literario, proclamó que «todo lo que tiene vida tiene derecho».

Por primera vez, la vida natural era arte candente y debilitado; por primera vez, el arte abandonó el invernadero del estudio para vivir la atmósfera común y respirar el aire de los tiempos. En busca del rejuvenecimiento, se dirigió a todo lo que podría infundirle una nueva savia: a la historia, recién exhumado; a la nueva literatura, adornada con su extraño brillo; a mundos fabulosos, reales o imaginarios; a los sueños de Oriente, a las ficciones germánicas.

La prosa armoniosa de Chateaubriand, sus visiones exóticas, su América, su Germania, sus bardos celtas, sus catedrales, su «cristianismo de campanas», despiertan en los artistas un alma que no conocían, y que se aplican para traducir. Atala, René, el genio de la cristiandad, los mártires, son para Girodet y sus emuladores una mina inagotable de temas artísticos.

Por su parte, M me de Stael descubrió el entusiasmo, se instaló como rey en el campo de la mente y hace que la emoción sea sinónimo de inspiración. Por otro lado, impulsando la idea del Genie du Christianisme, invita a nuestros artistas a abandonar la Antigüedad para buscar temas que pertenecen a nuestra propia historia o nuestra propia religión; ella los lanza a la vida, los empuja hacia Alemania e Italia.

La literatura y el arte son uno en este momento, por lo que mucha cohesión es grande entre las diversas formas de pensamiento, que no se ha visto aquí desde la Edad Media.

Víctor Hugo, que vino después y lanzó su manifiesto cuando Géricault y Delacroix ya han ganado la batalla decisiva, asegura las posiciones del arte romántico al reforzar con una autoridad doctrinal los efectos que los pintores habían encontrado instintivamente, y sella el acuerdo definitivo de la literatura y el arte sobre el principio esencial de que todo lo que está en la naturaleza está en el arte.

A estas influencias francesas se agregan influencias extranjeras. Fausto, apenas traducido por Albert Stapfer, encuentra en Delacroix un ilustrador magistral. El mismo Delacroix dibuja con ambas manos en Shakespeare, junto con Chasseriau y muchos otros. En cuanto a Hoffmann, cuyos Cuentos fantásticos han alucinado a toda una generación, su humor se adentra en las abundantes portadas de Nanteuil y las composiciones de Gigoux y Johannot.

La pelea del dibujo y el color: Ingres y Delacroix
La desgracia del arte romántico fue que rápidamente pasó de la inspiración a la rutina. Ya en 1827, Jal, en su relato del Salón, lanza el grito de alarma; más estudios, la pintura se cae, la composición suave, la ciencia nula; «El color no es más, en la mayoría de los innovadores, un sentimiento íntimo, que el dibujo en los estudiantes de la escuela de estilo».

Los artistas solo han cambiado las convenciones; ellos adoptaron solo los más fáciles. Es entonces cuando la relajación de los estudios despierta en el romanticismo al adversario útil que mostrará la necesidad de una sólida enseñanza. Ingres (1781-1867) se designó a sí mismo para este papel con la Apoteosis de Homero. «Este trabajo abiertamente restauró en 1827 todo lo que la nueva escuela afectó a despreciar. Ya no era, es verdad, la pintura de David en el estilo de bajorrelieve, el falso griego, el énfasis académico; era la escuela romana restablecida como un ejemplo, Raphael designado como el maestro a seguir, las leyes de composición puesta en práctica, el dibujo defendido como el alma de la pintura, el color tratado como un accesorio, la elevación del estilo y el pensamiento asignado como el objetivo supremo del arte » (Rocheblave).

Entonces estalla la famosa disputa del dibujo y el color. ¿El arte está en el dibujo? ¿Está en color? ¿Es la línea más expresiva que el efecto? ¿Es más exacto? Es la eterna disensión del dibujante y el pintor, el observador frío y el colorista apasionado. Sin tratar de resolverlo aquí, podemos decir que el malentendido que separaba a Ingres y Delacroix se deriva menos de la verdad o el error de las teorías que apoyan que de la oposición de sus temperamentos. Uno es frío, el otro apasionado; uno metódico y reflexivo, el otro entusiasta y de primer movimiento; uno busca la belleza pura, pero al ser capaz de purificarla, la congela; el otro no busca tan lejos, y si no alcanza la belleza majestuosa y serena,

Y durante treinta años continúa entre estos dos hombres una sorprendente antítesis, ya que la Apoteosis de Homero se opuso a la Toma de Constantinopla por los cruzados, hasta la Apoteosis de Napoleón y el Triunfo de la paz, ¡expuestos al mismo tiempo en 1854! Cada uno de ellos reflexiona sobre una de las grandes caras del arte. Sin embargo, si uno considera las obras más que las ideas, el poder más que la doctrina, sin duda: el dibujante de Edipo adivinando el enigma de la Esfinge y la Fuente. Con toda su ciencia y precisión, no vale la pena el incomparable creador Delacroix. «Pensador profundo, alma atormentada, Delacroix es solo el romanticismo hecho arte. Con la punta de su pincel, mueve la humanidad al corazón. Realmente, solo en su tiempo, el don de la magia, de la evocación a Shakespeare, es que él crea estas formas dolorosas, terribles, como su Medea, que le arrebató a Víctor Hugo este grito: «¡Sé orgulloso, eres irresistiblemente feo! «o que él escribe la leyenda de los siglos a su modo en páginas como la Batalla de Taillebourg» (Rocheblave).

La escultura romántica
Mientras que en la pintura surgió la disputa entre el dibujo y el color, en la escultura surgió la pregunta entre lo antiguo y lo moderno. Nuestros escultores también querían un rejuvenecimiento.

Pero el romanticismo en la escultura no apareció hasta bastante tarde, alrededor de 1830, y duró poco. Hasta entonces los artistas, sin atreverse a romper con el canon tradicional, solo intentaban acentuar el movimiento de las líneas o darles más flexibilidad: la cuadriga del Carrusel de Bossio, el Espartaco de Foyatier, el Corredor de la Maratón de Cortot todavía muestra solo una ruta tímida hacia la libertad.

Los escultores verdaderamente románticos traicionan a sus súbditos: la literatura moderna, la Edad Media y la Biblia les proporcionan casi todos. Jehan Du Seigneur expone en 1831 a Roland furioso desnudo y epiléptico, y en 1833 a Quasimodo y Esmeralda; Étex da en 1833 un Cain peludo y una Francoise de Rimini; Preah, el tipo del escultor romántico, con su truculento cincel, tiene hallazgos funerarios, como su famosa Máscara del silencio, o efectos shakespearianos como el ahogado Ophelia del museo de Marsella; Drouet [¿Cuál?] Esculpe en 1836 a Chactas curioso por la búsqueda de las particularidades étnicas; el mismo año, Rude explotó en el Arco del Triunfo con su Marsellesa gritando el himno de la libertad, temblorosa escultura de la vida, una de las más grandes páginas escultóricas del siglo; al mismo tiempo, Barye crea una escultura de animales que ninguna nación posee.

Pero el escultor romántico es David d’Angers (1788-1856), el artista exaltado por Vigny, celebrado por Hugo, y tan unido al Cenáculo que dejó en mármol la efigie de todos sus miembros. Romántico, era de corazón y mente, el que, desde la sala de estar de 1824, entregó a Delacroix la pelea romántica con su Muerte de Bonchamp, todavía clásica por el desnudo, pero romántica por el acento y el gesto; el que estaba en mármol o en bronce fundido Victor Hugo, Balzac, Goethe, Gericault, Lamartine y Gautier.

La arquitectura romántica
La arquitectura no podía escapar por completo a las influencias que habían transformado la pintura y la escultura. En este campo, más rígido y menos receptivo a las transformaciones inmediatas, el romanticismo tuvo el efecto de mostrar la sequía y la esterilidad de la arquitectura académica y provocar la resurrección de la arquitectura francesa en la Edad Media. arte llamado «gótico», que es el arte más lógico y homogéneo que el mundo ha conocido desde la época de Pericles. Lo que en Notre-Dame de Paris era solo un instinto poético y una admiración romántica, se convirtió en una ciencia, en una doctrina fértil. Al convertir a Notre-Dame en un sitio de construcción donde se ocupó pieza por pieza de todos los trabajos de la catedral, Viollet-le-Duc demostró que el trabajo de la arquitectura es una organización completa, que debe adaptarse a los tiempos, lugares, costumbres, necesidades, el métodos de nuestros antiguos constructores, que fueron la lógica y la perfección, e inauguraron este vasto movimiento de restauración que permitió a nuestras grandes catedrales y castillos antiguos recuperar toda su belleza imponente.

Musica romantica
Al mismo tiempo que nuestros pintores y escultores, Shakespeare, Goethe, Schiller, Byron, Chateaubriand, Victor Hugo abrieron nuevos horizontes para nuestros músicos.

La música italiana se había hundido por el exceso de virtuosismo. Mehul y Cherubini habían dejado de complacer. La disputa de Gluckists y Piccinnistes se había vuelto en favor de los alemanes y sus ricas combinaciones armónicas e instrumentales: Beethoven a comienzos del siglo xix y Weber y Schubert extendieron indefinidamente el poder de la música.

En Francia, esta nueva música fue inaugurada por Berlioz (1803-1869), cuya Sinfonía fantástica y la Condena de Fausto, con sus ricas sonoridades, brillante orquestación, ritmos a veces suaves y poéticos, a veces impetuosos y atormentados, creó la escuela sinfónica francesa.

En el exterior, el romanticismo coincidió con el surgimiento de la música nacional, alimentada por el folclore popular: además de Chopin y Liszt, pero más tarde, Grieg y Rachmaninov.

El ballet romántico
El período romántico se caracteriza por muchas innovaciones en el mundo del ballet:

El bailarín ahora está montado en puntos que alargan las líneas y transforman la forma de andar. Ella usa un tutú blanco, un corpiño angosto y una corona de rosas blancas en el pelo. La bailarina es ligera, aireada, sobrenatural y tiene una gracia inmaterial. El ballet blanco nació y bailarines tan famosos como Carlotta Grisi, Marie Taglioni y Fanny Elssler cautivan a los espectadores en obras inmortales como La Sylphide (1832) y Giselle (1841). El ballet romántico encontrará un teórico en la persona de Carlo Blasis que escribirá en 1830 su manual completo del baile.

El éxito del ballet blanco será relativamente corto y, sin embargo, al igual que el movimiento literario que lo dio a luz, corre rápidamente a mediados del siglo xix.

La transformación del arte romántico
El año 1836 marca una parada en la fortuna del arte romántico: una escena de Hamlet de Delacroix es rechazada en el Salón. Respaldado por la Academia de Bellas Artes, Ingrese eventualmente puso sus manos sobre el jurado. Además, el romanticismo artístico, que comenzó antes que el romanticismo literario, se descompone ante él. Porque, como él, el romanticismo artístico estaba compuesto de varios elementos, diferentes hasta el punto de la hostilidad, y que, aglutinados por el encuentro, pero no fusionados, tenían que ganar cada uno para aislarse, para desprenderse de la masa. Sentido del pasado, sentido del presente, ciencia, color, búsqueda de la característica, descubrimiento de la naturaleza «natural», amor del «color local», todos estos descubrimientos del romanticismo en disolución, crearán en el arte nuevas combinaciones : arte «nota media» de Paul Delaroche, orientalismo de Delacroix que, fuera de la escuela, continúa su ascenso de, Judío Noce, Fanáticos Tánger) Sandy Theodore Rousseau, de Millet y Corot, que conducen al realismo de Courbet y al impresionismo de Manet.

Trabajos
Las obras románticas son muy diferentes; pero comparten una sensibilidad elevada, un entusiasmo por la naturaleza, un subjetivismo que pone al «ego» en el centro de la atención, a la melancolía y al pasado.

En el romanticismo temprano todavía se puede ver una fuerte incertidumbre en las cuestiones de género: Chateaubriands René y Atala son difíciles de clasificar los récits entre novela y novela y la novela de letra de 1804 publicada Oberman de Étienne Pivert de Senancour incluso niega en el prefacio a ser una novela. La trama en René y Atala no es muy compleja, sino que refleja el estado emocionalmente agitado de los héroes. En Oberman Es imposible hablar de una acción en absoluto: el protagonista escribe a un destinatario (posiblemente imaginario) que permanece tan oscuro como otros personajes. Mientras Oberman viaja a Suiza, se da reflejos filosóficos, que perpetúa en sus cartas.

Sin embargo, o tal vez por eso, los héroes de las obras en cuestión ejemplifican al héroe típicamente romántico: tanto Oberman como René son impresionados por una «tristesse d’une vague profonde», una melancolía inexplicable que los lleva de un lugar a otro, haciéndolos desesperar y condenados a la inacción. La causa de este estado mental es el «times du siècle», la enfermedad del siglo, desencadenada por el trauma Revolucionario, los conflictos no resueltos de la sociedad.

Chateaubriand quería ilustrar con René y Atala las tesis de Génie du christianisme: ilustran el contraste entre la condición humana moderna y la armonía que solo la fe cristiana puede transmitir. Solo la sumisión a las normas cristianas puede darle al individuo un lugar útil en la sociedad. También hay algunas contradicciones: la condena de los «tiempos del siècle» de René por parte del Père Souel tiene lugar de manera demasiado casual para parecer esencial y el cristianismo causa una tragedia en Atala, incluso si esto es culpado como fanatismo. Típicamente romántico en René, Atala y Oberman son las descripciones entusiastas de la naturaleza, la evocación de ciertos estados de ánimo que subraya el estado emocional de los personajes (por ejemplo, el servicio es acompañado por el amanecer, la agonía de Atalas con una tormenta terrible, etc. )

Otro tema perseguido por Madame de Staël en Corinne. Describe los problemas de adaptación de una joven extremadamente talentosa, que es superior a su entorno en todos los aspectos y no encuentra ninguna oportunidad, bajo la presión de la sociedad, de combinar su reclamo a la actividad artística con una vida amorosa plena. Los personajes principales sirven cada uno como representantes de un modelo político-cultural específico: Corinne representa el catolicismo, Italia y la libertad, mientras que Lord Oswald encarna a la Inglaterra abiertamente políticamente liberal pero espiritualmente represiva. La novela no solo cuenta la trágica historia de amor de los dos jóvenes, sino que también se familiariza con la cultura, la religión y la moralidad de Italia, que luego se comparan por consideraciones filosóficas con la cultura de Inglaterra y Francia. Esta concepción en consecuencia requiere una desviación del «personal romano» y se narra en tercera persona.

La Notre Dame de Paris (1831) de Victor Hugo es la obra más conocida y tal vez más incomprendida del romanticismo francés, debido al título más tarde cambiado en otros países, The Hunchback of Notre-Dame, que condujo a la concentración de la atención en la figura de Quasimodo. En contraste con el teatro romántico, donde Hugo no pudo realizar sus ambiciones lo suficiente, Notre Dame refleja exactamente refleja las ideas del «Préface de Cromwell». El rechazo del clásico se hace evidente en la primera parte, ya que el público prefiere el tonto desfile como Gringoires aburrido de la pieza clásica perseguida. La mezcla de lo sublime y lo grotesco, lo bello y lo feo se personifica, por ejemplo, en la yuxtaposición del campanario deforme y la graciosa Esmeralda. Pero la catedral es la verdadera protagonista de la novela: une a todos los personajes y forma el umbral entre el final de la Edad Media y el comienzo de los tiempos modernos. Es la primera novela que pone a las masas de las personas en el centro de la acción; el clero inhumano (Claude Frollo) es simbólicamente castigado por la caída en la muerte. Sobre todo, la novela es una súplica para la arquitectura gótica, que a principios del siglo XIX del Avadalismo estaba amenazada. Debido al gran éxito de Notre Dame de Paris, el interés público en la catedral aumentó y se pudo salvar de la decadencia.

Romanticismo y Realismo
Bajo la influencia del positivismo y el avance de las ciencias se desarrolló paralelamente al romanticismo de 1830 una corriente realista en la literatura, que rechazaba la especulación metafísica y, por lo tanto, también el mundo emocional irreal de los románticos y su subjetivismo. Sin embargo, el romanticismo tiene el mérito de abordar activamente las necesidades de su tiempo y promover el desapego de las tradiciones tradicionales. El romance fue así un paso importante en el camino hacia la literatura moderna.