La arquitectura renacentista francesa es una denominación historiográfica que designa la producción arquitectónica de la Edad Moderna en lo que hoy es Francia, principalmente en el reino de Francia, aunque también en partes de Flandes, Lorena, Alsacia, Savoia, Cerdanya, Bretaña y Provenza.
Corresponde a la arquitectura francesa de la época del Renacimiento, que reemplazó gradualmente a la arquitectura gótica, que había nacido en el país en el siglo XII, a partir de la importación y adaptación de los modelos del Renacimiento italiano. Apareció a principios del siglo XVI, más de medio siglo después que en Italia, en diferentes regiones francesas, especialmente en el Valle del Loira y la Ile de France, y continuó hasta el comienzo del siglo XVII, cuando va a ser sucedido por la arquitectura barroca.
Periodización: las cuatro fases del Renacimiento francés
El Renacimiento en Francia se considera comúnmente dividido en cuatro partes. El primer acto corresponde al estilo Luis XII -1495-1530 aproximadamente-, que forma la transición entre el gótico y el renacentista. Este primer estilo florece a partir de 1515, especialmente en el Valle del Loira, donde la plena aceptación del Renacimiento italiano se hizo sentir con mayor rapidez. Como en Italia, aunque más tarde, tres fases siguen más tarde hasta el comienzo del siglo XVII, un primer y un segundo renacimiento que terminan en manierismo.
En cada etapa de su desarrollo, el arte del Renacimiento francés se mantuvo como un arte original, nacido del encuentro entre modelos italianos, artistas flamencos y peculiaridades francesas. Los modelos, sin embargo, cambiaron mucho entre 1495 y 1610, ya que los franceses posteriormente admiraron el arte final del Quattrocento, el Alto Renacimiento y más tarde el Manierismo. De estos encuentros sucesivos se originó una producción artística abundante, desordenada y, a veces, difícil de entender. Cuando se establece el equilibrio, surgen dos hechos básicos: el arte moderno francés se formó a través de las grandes obras de mediados del siglo XVI, mientras que cerca del palacio real de Fontainebleau, «la verdadera nueva Roma», nació bajo la voluntad del rey Francisco I. era un centro artístico importante, que era el único en Europa capaz de competir con los grandes centros italianos y que se llamará la escuela de Fontainebleau.
La nueva situación así creada controlaba el futuro: anunciando la afirmación de un estilo nacional ya a mediados del siglo XVII y el futuro papel desempeñado por Versalles.
El estilo de Luis XII: transición entre el gótico y el primer renacimiento (1495-1525 / 1530)
El estilo de Luis XII (1495-1525 / 1530), es un estilo de transición, un pasaje muy corto entre dos períodos brillantes, el período gótico y el Renacimiento. Describe un momento en el que las artes decorativas a partir del arco ojival y el naturalismo gótico se desplazarán hacia el arco de medio punto y las formas suaves y redondeadas se mezclan con antiguos motivos estilizados típicos del primer Renacimiento: todavía hay una gran cantidad de gótico en el castillo de Blois, y no hay nada en la tumba de San Luis XII en Saint-Denis.
Desde 1495, una colonia de artistas italianos se instaló en Amboise y trabajó en colaboración con maestros de maestros franceses. Esta fecha generalmente se considera como el punto de partida de este nuevo movimiento artístico. En general, el edificio sigue siendo francés y solo la decoración cambia y se vuelve italiana. Sería por lo tanto inadecuado determinar este estilo con la única contribución de Italia: las relaciones existentes entre la producción arquitectónica francesa y la de la arquitectura española plateresca, y la influencia del norte, especialmente Amberes, también se notan en las artes decorativas así como en el vidrio teñido.
Los límites del estilo Luis XII son bastante variables, especialmente cuando se trata de las regiones fuera del valle del Loira. Además de los diecisiete años del reinado de Luis XII (1498-1515), este período incluye el reinado de Carlos VIII y el comienzo del de Francesc I, iniciando el movimiento artístico en 1495 para hacerlo terminar en 1525/1530: en 1530 corresponde a un verdadero cambio estilístico, que, después de la creación de Francesc I de la Escuela de Fontainebleau, se considera generalmente como la plena aceptación del estilo renacentista.
En arquitectura, el uso de «ladrillo y piedra», todavía presente en los edificios del siglo XIV, tiende a generalizarse. Los altos techos franceses con torres de esquina y fachadas con escaleras helicoidales perpetúan la tradición, pero la superposición sistemática de vacíos, la ruptura de áticos y la aparición de cabañas influenciadas por la villa Poggioreale y el Castell Nou de Nápoles es el manifiesto de una nueva decoración arte donde el edificio sigue siendo profundamente gótico. La propagación del vocabulario ornamental proveniente de Pavía y Milán jugó un papel importante al ser percibida como la llegada de una cierta modernidad.
En este arte en plena mutación, los jardines se volvieron tan importantes como la misma arquitectura. La llegada a Amboise de artistas italianos, como Pacello da Mercogliano, fue originalmente de Carlos VIII para la creación de los jardines más grandes del Renacimiento francés gracias a las nuevas creaciones paisajísticas, a la instalación de una ménagerie (colección de bestias salvajes) y el trabajo de aclimatación agronómica llevado a cabo desde 1496 en los «Jardins du Roy», en ese momento ubicados en el dominio real de Château-Gaillard. En 1499, Luis XII confió la realización de los jardines del castillo de Blois al mismo equipo que fue contratado más tarde por Georges d’Amboise para parterres en diferentes niveles en su castillo de Gaillon.
En conclusión, el estilo de Louis XII muestra que quería sorprender tanto al francés como al italiano: fue a partir de la fantasía con la que se incorporaron las novedades italianas a edificios que todavía eran todos medievales franceses, ya que nacerá alrededor de 1515/1520 el primero Renacimiento o principios del Renacimiento.
Primer Renacimiento (1515 a 1530/1540)
Como en el período anterior, la manifestación más obvia del Primer Renacimiento en Francia se expresa por la construcción de castillos residenciales, no solo en el valle del Loira y de Ile de France, sino en algunas provincias, pero en el sur, como Berry, el Carcí y el Perigord -Castell d’Assier y Montal- que, después de recuperarse de la Guerra de los cien años, vieron a sus grandes familias endeudadas por varias generaciones para modernizar los edificios medievales preexistentes.
Si, desde finales del siglo XV, el proceso transitorio del estilo de Luis XII impuso gradualmente las formas del Primer Renacimiento, desde los años 1515/1520, la llegada de una nueva ola de «artistas italianos, más numerosos que antes» , tendrá una gran influencia en el arte francés, creando una verdadera ruptura: las formas góticas, finalmente, gradualmente diluyen la dignidad italiana. Esta evolución es particularmente sensible en el portal de la iglesia de Saint-Maurille de Vouziers, donde una ornamentación clásica enmascaró una todavía edificio gótico.
A diferencia del período anterior, el protagonista principal ya no estaba, pero el rey mismo el rey Francisco I, que se comporta como un monarca humanista se convierte en uno de los principales actores de esta evolución estilística, imponente – Sé en las artes, como mecenas y guía de su pueblo y del cristianismo, sin renunciar a su rol militar. Es por eso que atrajo a artistas italianos para construir sus castillos. Estos sabios artesanos tendrán entonces un gran aura sobre los maestros de las obras francesas: el presunto arquitecto de Chambord, Domenico Bernabei da Cortona (hacia 1465/1470 – 1549) habría sido dicho en italiano llamado «Boccador», en el oído que habló con «palabras de oro».
Sin embargo, a lo largo del Primer Renacimiento francés, la planta de los edificios seguirá siendo tradicional y los elementos arquitectónicos se inspirarán libremente en el nuevo arte que llega de Lombardía. Nunca, quizás, la arquitectura francesa habrá mostrado más elegancia, ligereza y fantasía que durante este período artístico. Hay un gusto especial en los edificios del Valle del Loira, donde los maestros franceses tradicionales, llenos de elocuencia, no aceptan nada más que la nueva arquitectura al aceptar siempre la construcción con la forma apropiada de las siluetas audaces y pintorescas de la Edad Media con el Decoración renacentista italiana. Por eso, en la tradición del estilo Luis XII, las tradiciones nacionales se conservan durante todo el período, como los techos altos: solo el castillo de Saint-Germain-en-Fangui estaba cubierto de terrazas. Aunque el avance de la artillería había devuelto cualquier dispositivo de defensa inútil -ya fueran torres, grietas o cortinas de castillos-, aún se conservaba tradicionalmente, pero al estar vacío de contenido se podía transformar en muchos otros elementos decorativos. Así, en muchos edificios, como los castillos de Chenonceau, La Rochefoucauld, Villandry o, como fue el caso de Azay-le-Rideau -recluido en el siglo XIX-, la permanencia del donjonit fue justificada más que por el majestuoso símbolo que representaba; Su función militar fue reemplazada por la de prestigio y aparato.
En este movimiento, las torres de vigilancia de los castillos medievales se convierten, en Azay-le-Rideau, en graciosas torres de esquina que salen, mientras las almenas de los caminos redondos se convierten en pequeñas ventanas, transformando este espacio en una agradable galería de circulación. Al estilo de Luis XII, las ventanas de las fachadas tienen su «chambranle», que conectan piso con piso, formando una especie de tramo completado en tragaluz trabajado. Esta grilla, que se encuentra en el castillo de Blois o en el castillo de Chambord, da lugar a una sensación de regularidad, a menudo «ficticia», subrayando horizontal y verticalmente, mientras que la proliferación de chimeneas y pináculos parece formar una corona en el edificio , siendo el último reflejo de la magia medieval.
Esta interpretación de los logros de Bramante, también si no respeta las órdenes antiguas de algún modo, se encuentra en la superposición de arcos enmarcados por pilastras que adornan los patios del castillo de La Rochefoucauld y luego el de Chambord. Primera presentación Ex nihilo, el castillo de Chambord es un lugar de encuentro para las cacerías y celebraciones de la corte, concebido como un sitio de teatro deshabitado. La presencia de Leonardo da Vinci y Domenico da Cortona (Boccador), hacen preguntas sobre el castillo en francés en contacto con el Renacimiento italiano. Mientras que las torres de la Edad Media no tuvieron otras veces más que las ventanas de los arqueros, una superposición de ventanas con pilastras viene aquí para iluminar el edificio extensamente, mientras que la corona que se desmorona desaparece por primera vez.
La exuberante decoración se relaciona especialmente con los techos de las chimeneas, claraboyas y torrecillas, todos decorados con losas o discos de pizarra, tabernáculos y pingüinos tratados al gusto del norte de Italia, siempre evocando el revestimiento de mármol negro de la Cartuja de Pavía, donde Francesc Yo había sido un prisionero. Si el desarrollo de apartamentos simétricos con destino residencial era una novedad, la organización de la planta seguía siendo tradicional, recordando el castillo de Vincennes, con un donjoncentral rodeado por un muro donde se ubican el patio y las dependencias comunes.3 El proyecto inicial de 1519 , sin embargo, fue modificado desde 1526 para transferir el departamento del Rey a un ala lateral: el muelle central es incompatible con el nuevo ritual de la corte que requería un apartamento real en una fila. Al igual que en Villa Mèdici, cada nivel tiene ahora sus apartamentos distribuidos alrededor de un eje central para la doble escalera, diseñado en colaboración con Leonardo da Vinci. Sin embargo, el trabajo se ralentizó: después de la derrota de Pavía, Francesc se vio obligado a regresar a París.
A su regreso del cautiverio, en 1527, aunque el mecenazgo del entorno real siguió siendo importante, el rey no fue menos el protagonista de los desarrollos estilísticos en su país, debido a los cambios que realizó en toda una serie de castillos cerca del capital a Villers-cotterêt y La Muette. Mientras en la Isla de Francia surgían nuevas innovaciones, el valle del Loira se convirtió en el conservatorio del Primer Renacimiento.
El castillo de Madrid, ahora destruido, refleja esta evolución: el Palacio de los Vargas de la Casa de Campo, residencia de un gran financiero español ubicado frente a donde estuvo la prisión de Francesc I en Madrid, inspiró la realización de este palacio sin pozo la planta recolectada que está en contra de la tradición francesa. Realizado como una nueva residencia de vacaciones, los apartamentos simétricos están organizados cerca de un salón de baile central, mientras que dos pisos de logias forman la torre del edificio, presentando una decoración inédita de cerámica esmaltada hecha por Della Robbia. La altura del castillo estaba marcada por los pabellones avanzados, reemplazando aquí las torres medievales de Chambord, cuyo nuevo ritmo se obtuvo al separar el ático. El uso de una planta geométrica y la presencia de logias, anunciando el Palacio de Farnese, son un reflejo distante de Poggio Reale en Nápoles y la Villa Médica.
Inmediatamente después, tuvo lugar un evento de gran importancia en el castillo de Fontainebleau, convertido entre 1530 y 1540 en la residencia principal del soberano. Aunque hay un gran contraste entre la calidad media de la arquitectura y el esplendor de la decoración de interiores, los logros dirigidos por Gilles le Breton marcan un cambio profundo que destaca el final del período. Aunque el torreón del siglo XII se conserva, el patio oval correspondiente a la antigua fortaleza medieval fue adornado por Rosso y Serlio con un porche que se abre en una escalera de doble altura. El «pabellón de la puerta de oro», construido para la ocasión, retoma las disposiciones observadas desde 1509 en el castillo de Gaillon. Pero al contrario de lo que se observa en el valle del Loira, en el futuro se elige una arquitectura austera basada en piedra de mampostería y piedras revestidas. Si se solapan las pilastras de las fachadas, pero nada merece respeto en antiguas logias superpuestas, los niveles de escansión por frontones triangulares y banderas rectangulares en los tejados cortan una impresión clásica transformando esta arquitectura, en una entrada triunfal, como en el Castel Nuovo en Nápoles. Pero antes de que los edificios del nuevo castillo se completaran, Francesc I trajo un gran grupo de artistas italianos para embellecer el palacio. Crea según sus deseos, una especie de «nueva Roma», que se llamará la Escuela de Fontainebleau, con un influyente círculo intelectual y artístico. Hasta su muerte en 1540, Rosso desempeña el papel principal en lo que está sucediendo por Francesco Primaticcio: la decoración de la Galería Francesc I, un vasto complejo dedicado a la exaltación de la monarquía francesa es la expresión más bella. En los años siguientes, la adquisición de la próxima abadía de los Trinitarios, permitió abandonar el corazón medieval del castillo y crear un moderno ex nihilo alrededor de un imponente patio de honor. Inspirado en Medical Villa, la unión con el antiguo castillo se realizó a través de un nuevo ala porticada, lo que permitió completar la Galería Francesc I, superpuesta en lujosos apartamentos con baño. En cuanto al cuerpo central con pabellones cuadrados de la nueva ala del palacio, se inspiró en el castillo de Bury, anotado, por su planta rectilínea y sus claraboyas con frontones triangulares purificados, la evolución clasicista que marcó el Segundo Renacimiento
Alto Renacimiento
El arte de la época entre el reinado de Francisco I y Enrique IV estuvo fuertemente influenciado por el Cinquecento italiano, ya en su fase manierista, asociado con pintores como Miguel Ángel o Parmigianino. El Manierismo muestra una retórica visual que se caracteriza por ser alargada y elegante, siendo la pintura de historia considerada el género más importante en la jerarquía de géneros. Destacan los pintores Jean Clouet y su hijo François Clouet y los italianos Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio y Niccolò dell’Abbate, la llamada Escuela Fontainebleau de 1531. Leonardo da Vinci Vivió en Francia en sus últimos años (1516-1519) bajo el patrocinio de Francesc I, pero a excepción de las obras que realizó, no realizó ninguna comisión para el monarca. En arquitectura, destaca la presencia (entre 1496-1508) de Giovanni Giocondo quien, exigido por Carlos VIII, acondicionó y rehabilitó diferentes construcciones (Pont Nôtre-Dame); así como la de Sebastiano Serlio, tanto por sus construcciones como por su tratado, Los siete libros de arquitectura (1537-1551), que condicionarán a los arquitectos franceses más importantes, como Philibert de l’Orme y Pierre Lescot.
En escultura, Benvenuto Cellini (Saler de Francesc I de Francia, 1539-1543) dejará una influencia clasicista que permaneció hasta el siglo XVII. Entre los escultores locales se destacaron Jean Goujon y Germain Pilon.
Mientras trabajaba en los castillos del Loira, en París, la antigua fortaleza del Louvre fue reconstruida como un palacio urbano bajo la dirección de Pierre Lescot. Al oeste del Louvre, Caterina de Mèdici se construyó el Palacio de las Tullerías con amplios jardines y una gruta.
Las guerras de religión eclipsaron la producción artística, pero fomentaron la reflexión intelectual y la propaganda religiosa y política.
Bajo renacimiento
La ascensión al trono de Enrique IV condujo a un período de intenso desarrollo urbano en París, que incluyó la construcción del Pont Neuf, la Place Dauphine 19, el Palais des Vosges, el Palais Royal y partes del Palacio del Louvre. El mismo rey reunió a los artistas de la llamada Segunda Escuela de Fontainebleau: Toussaint Dubreuil, Martin Fréminet y Ambroise Dubois. Maria de Medici, su segunda esposa y regente de Francia en su muerte, llamó a Rubens, que pintó obras a gran escala para el Palacio de Luxemburgo. Otro pintor de flamenco que trabajó para su corte fue Frans Pourbus el Vell.
En la corte de los duques de Lorena, en ese momento fuera del reino de Francia, se desarrolló un manierismo tardío muy diferenciado: artistas como Jacques Bellange, Claude Deruet y Jacques Callot, excelentes grabadores, con un ligero contacto con los artistas franceses de el período, caracterizado por un estilo intenso y extremo, a menudo erótico, que incluye escenas nocturnas e imágenes de pesadillas.
El segundo Renacimiento: clasicismo (1540 a 1559/1564)
El segundo Renacimiento marca desde 1540 la maduración del estilo apareció a principios de siglo, así como su naturalización, mientras que el Valle del Loira termina relegado como conservatorio de las formas del Primer Renacimiento. Este nuevo período se desarrolló más tarde, principalmente durante los reinados de Enric II, Francesc II y Carlos IX, que no se completará hasta alrededor de 1559-1564, en el momento en que las Guerras Religiosas en Francia, que estarán marcadas por la Masacre de El día de San Bartolomé y la contrarreforma católica.
Aunque el Primer Renacimiento fue aceptado gradualmente en las provincias, toda una serie de innovaciones se hacen sentir en Ille-de-France. A partir de 1540, el clasicismo progresa, después de la llegada a Francia de Serlio (1475-1555): aunque su obra arquitectónica fue limitada, su influencia fue considerable para la publicación de Sette libri dell’architettura (1537-1551). Gracias a sus trabajos grabados, fue uno de los primeros en iniciar a otros artistas en la belleza de los monumentos antiguos, contribuyendo a que las plantas y las decoraciones evolucionen hacia una mayor sobriedad y regularidad.
Los arquitectos que, en la época del estilo de Luis XII y el Primer Renacimiento, fueron maestros tradicionales y elocuentes de maestros, se convirtieron en eruditos y eruditos, y algunos de ellos estudiaron en Italia. Sin embargo, la arquitectura francesa sigue manteniendo sus propias características que seducen al mismo Serlio: hay grandes edificios para edificios conmemorativos conmemorativos [son grandes ornamentos para edificios como una corona] y los grandes áticos están cubiertos con pizarra azul de choses très plaisantes et nobles [ cosas muy agradables y nobles].
Marcando un verdadero cambio de estilo, esta nueva generación de artistas opera una síntesis original entre las lecciones de la antigüedad, la del Renacimiento italiano y las tradiciones nacionales. Entre los más famosos, Philibert Delorme es el autor del Hôtel Bullioud en Lyon, los castillos de Saint-Maur-des-Fossés y Anet, así como la capilla Villers-Cotterêts; Pierre Lescot construyó el ala renacentista del Palacio del Louvre y el Hôtel de Jacques de Ligneris (Museo de Carnavalet); Jean Bullant construyó los castillos de Ecouen y Fère-en-Tardenois, así como el pequeño castillo de Chantilly.
Estos arquitectos colaboraron estrechamente con los escultores y definieron una arquitectura y decoración estudiadas, prefiriendo la belleza de las líneas a la riqueza de la ornamentación: Cellini esculpió el Golden Gate, el relieve de bronce de la Ninfa de Fontainebleau; Su trabajo normalmente «manierista» causó una gran impresión en Francia y probablemente influyó en Jean Goujon, autor de la Fuente de los Inocentes y la decoración de la fachada del Louvre. La influencia manierista también impregna la obra de Pierre Bontemps, a cargo de la tumba de Francisco I en Saint-Denis, y el monumento al corazón de Francisco I.
En Borgoña, el castillo de Ancy-le-Franc (1538-1546) fue uno de los primeros proyectos que respondieron a este nuevo ideal. Diseñado por el arquitecto Serlio, este castillo construido por Antoine III de Clermont, de 1538 a 1546, marca una evolución hacia el clasicismo en Francia. Con este edificio, la arquitectura modular fue nombrada en el terreno francés. Solo que aquí están los frontones ligeros de las ventanas del primer piso, recuerdan el Primer Renacimiento. Fuera de esto, nada distrae la disposición uniforme de huecos en arcadas o ventanas, separados por una sección de pilastras gemelas, cerrando un nicho y montados en un estilo alto. Esta alternancia de un vacío principal y un vacío secundario – simulado aquí más tarde representado por un nicho – enmarcado por pilastras representa uno de los primeros ejemplos en Francia del tramo rítmico tratado con franqueza y rigor.
El ala Lescot du Louvre, una compañía que comenzó en 1546, fue la obra maestra del Segundo Renacimiento. Este trabajo de Pierre Lescot, un arquitecto anticuario, fue decorado por Jean Goujon. La escala originalmente planeada en el centro del cuerpo de Logis fue desplazada a petición de Enric II para crear una gran sala donde las cariátides griegas, a petición de Jean Goujon, del Erechthe en la Acrópolis de Atenas. A la manera de un manifiesto de estilo francés predicado por Lescot, la fachada presenta una superposición de nuevos órdenes clásicos sin lograr la regularidad italiana: a medida que crece, las proporciones son cada vez más finas y la idea de coronar las dos órdenes se superpone con una banda ancha decorada , dedicado a la aclimatación en Francia, el piso del ático tan apreciado en Italia, utilizando por primera vez áticos divididos en Francia, para dar la ilusión de un ático recto. A pesar de su pequeña excursión, los vanguardistas, el último recuerdo de las torres medievales, son suficientes para «alentar» la fachada. Las admirables esculturas de Goujon ayudan a hacer de este edificio una obra única. En la planta baja, los arcos de medio punto enmarcados por pilastras provocan la acentuación de la vertical y la horizontal, mientras que el juego de soportes dobles que enmarca un nicho decorado con una medalla, representa una disposición que se convertirá en típica de la arquitectura francesa.
Otro logro importante de este período, el castillo de Anet, fue dirigido por Philibert Delorme, a expensas del rey, para Diana de Poitiers, la amante de Enric II. Destruido durante la Revolución Francesa, hoy no se conserva sin alteraciones más que la capilla y las tres órdenes superpuestas conservadas en la École des Beaux-Arts de París. Convertido en típico del Segundo Renacimiento, la planta cuadrangular tiene una logis ubicada frente a la entrada. Los campos fortificados, como Écouen, tienen pistolas para el aparato y las partes. La entrada de una forma piramidal es una reminiscencia italiana que representa un arco de triunfo interpretado por Delorme. Cuatro columnas jónicas sostienen un arco que cae sobre un arquitrabe, mientras que las columnas de los pasajes laterales están inspiradas en el Palacio del Sangallo el Jove de Antonio Fornese. Bajo el corte de las balaustradas, un juego de policromía de materiales, enmarca la Ninfa de Fontainebleau hecha por Cellini a través de la puerta dorada de Fontainebleau. En la parte superior, un grupo de robots, desapareciendo, marcaba las horas. Philibert Delorme expresa su gusto por los extraños inventos inspirados por los caprichos de Miguel Ángel, en todas partes: la capilla del castillo de Anet es el éxito más innovador. Esta fue la primera vez que se usó la planta central en Francia. Si el nicho cortado rodeado de pilastras está influenciado por los logros contemporáneos de Bramante y Miquel Àngel, el friso que la corona está inspirada en Sangallo. Las esculturas son, quizás, de Jean Goujon. El edificio sirve como una joya del esmalte de Francesc I y los apóstoles de Scibec de Carpi. La bóveda de la cúpula Desarrolla una decoración que involucra un conjunto de círculos que se reflejan, octogonales, en el piso del piso. Este motivo, inspirado en los elementos que se encuentran con frecuencia en los mosaicos romanos, muestra el deseo de superar el modelo italiano al referirse directamente a los logros antiguos, con el fin de crear una arquitectura original en francés.
Junto a estos importantes proyectos reales, las principales residencias de la ciudad participan en la naturalización de este nuevo estilo: bajo el ímpetu del II Renacimiento, toda la suntuosa decoración de follaje y los exquisitos medallones que adornaban la Galería del «Hotel de Chabouillé». de Moret-sur-Loing, desaparecen frente al sistema de «proporciones modulares», estrictamente aplicado a la apertura de la casa de Jean d’Alibert en Orleans, donde los soportes curvos, inspirados en la Escuela de Fontainebleau superan Las ventanas.
Manierismo (1559/1564 – principios del siglo XVII)
Formando un último eco del Renacimiento y del humanismo en Francia, esta última fase se desvía de los años 1559/1564, del clasicismo atmosférico por su fantasía creativa, que puede justificar para este estilo el nombre de manierista. Justo cuando comienzan las guerras religiosas, marcadas por la Masacre de San Bartolomé, el pesimismo y el escepticismo invadieron a los hombres y artistas de mera formación humanista. Los viejos pensadores de referencia serán los estoicos, preferiblemente Platón. Si el humanismo sobrevive, su profunda filosofía evoluciona, siendo reanudada y repensada por la contrarreforma católica.
Desde la claridad de las formas y el clasicismo del Segundo Renacimiento, existe una arquitectura manierista. Emergiendo nuevamente con una fuerza renovada, el juego de los volúmenes y las búsquedas en la luz y la sombra, ya barroco, se mezcla con frontones fragmentados, pilastras, grutescos, pergaminos u otras máscaras, salidas de la cultura renacentista. Ventanas y áticos a menudo invaden el entablamento: esto se conoce como pasarelas. Así, en el Hôtel d’Angoulême Lamoignon en París – alrededor de 1584 -, una orden colosal fue marcada tan grande como en el Palacio Valmarana por Andrea Palladio, el entablamento se rompe con áticos que descienden al arquitrabe. Los arquitectos tienen una predilección marcada por las columnas espalda con espalda, estriadas, adornadas, siendo las columnas francesas más espectaculares de troncos curvados inventados por Philibert Delorme y aparecidos en el período anterior. Esta invención es parte de un gusto general por el ornamento, que también se manifiesta en la ropa, la joyería y el bordado. Por lo tanto, es una expresión de la nueva madurez en la arquitectura francesa. Delorme lo justifica: «Si se ha permitido a los arquitectos antiguos en varios países y naciones inventar nuevas columnas (…), quién imperio francés nuevo, invenciones, quelques-une et appelions françaises».
A pesar de una caída significativa en el mecenazgo real, vinculado a la situación política, Caterina de Mèdici y las élites sociales continuaron encargando obras a los artistas: Philibert Delorme fue comisionado desde 1564 para completar el castillo de Saint-Maur y para construir el palacio de las Tulleries, construcciones que continuarán más tarde por Jean Bullant, un arquitecto que también coronará el puente del castillo de Chenonceau con una galería (1576-1577). Para conectar el nuevo palacio de las Tullerías con el antiguo Louvre, Jacques II Androuet du Cerceau comienza, alrededor de 1594, la construcción de la galería del lado del agua, más tarde completada por Louis Métezeau mientras se realiza en paralelo a Diana de France, el Hôtel Lamoignon .
La gran construcción de esta época, el palacio de las Tullerías iniciado por Delorme tuvo que articularse en torno a tres patios con pabellones coronados por cúpulas y con la creación de jardines. En la parte que mira al parque, el pabellón central flanqueado por dos alas longitudinales uniformes tiene una altura solamente de una planta baja que está terminada por una planta con áticos en el techo. El pabellón central ofrece un ritmo hecho por columnas bien decoradas, que alberga una escalera helicoidal cerca de un gran vacío lleno de columnas -completas solo bajo Enrique IV-. Es la obra más manierista de Delorme relacionada con las últimas producciones de florentinos y Miquel Àngel. Pero Delorme murió en 1570. Bullant, su sucesor, no logró terminar más de una parte. Este trabajo es un testimonio de la arquitectura «francesa».
El ala de la «Bella Chimenea» del castillo de Fontainebleau es representativa del resultado del Renacimiento francés, aunque manchada por el manierismo italiano. Diseñado de manera grandiosa por Francesco Primaticcio, alrededor de 1565-1570, tiene la peculiaridad de tener dos escaleras en rampas divergentes que magnificaron la entrada a los apartamentos de Carlos IX. Primaticcio pudo haber encontrado la idea de las dos escaleras en la rampa derecha en los grandes logros de Bramante en el Vaticano o Miguel Ángel en el Capitolio, invirtiendo la sensación de las rampas. La fachada está decorada con grandes bronces de temas mitológicos, ejecutados entre 1541 y 1543 por Primaticcio, enviados a Roma a petición de Francesc I, para hacer copias en yeso obtenidas de las esculturas de mármol que allí se conservaban. Un taller de fundición instalado en el castillo de Fontainebleau, en el patio del Caballo Blanco, permitió llevar a cabo la fundición bajo la dirección del arquitecto italiano Jacopo Vignola.
Al mismo tiempo, en relación con un «intercambio forzado» con Diana de Poitiers, Caterina de Mèdici, nueva propietaria del castillo de Chenonceau, construyó sobre el «puente de Diana» dos galerías superpuestas que forman un área de recepción única en el mundo , dando al castillo su aspecto actual, las obras comenzaron en 1576 y se completaron en 1581. La galería es probablemente la obra de Bullant que reemplazó a Delorme en el favor real. Esta nueva construcción forma dos espacios superpuestos de 60 m de largo y 5,85 m de ancho, iluminados por 18 ventanas.La planta baja consiste en una sucesión de torrecillas en el medio de la luna, inspirada por los términos de la antigüedad, que comprime el punto de las tallas de la plataforma. Estas torrecillas terminan en un balcón en el piso noble, el primero, con las paredes más ornamentadas en la planta baja. Típico de esta arquitectura manierista, las fachadas tienen ventanas altas que están acabadas con amplios frontones curvos, conectados por divisiones horizontales con marcos moldeados. Caterina de Mèdici también quería tener un acabado más clásico con este castillo que todavía era demasiado gótico para su gusto. Fue con esta intención que la sección central, en la entrada del castillo, estaba decorada con dos buses y que cuatro ventanas nuevas estaban perforadas en las secciones laterales;acomodar las cuatro cariátides inspiradas por los logros de Giulio Romano, que ahora se conserva en el jardín.
Marcando una última evolución artística de este Renacimiento tardío, Pierre Lescot el castillo de Vallery (1562), en el que se puede nombrar el estilo rústico francés: construido a partir de 1548 para el mariscal Jacques d’Albon de Saint-André, el edificio se caracteriza por sistema de paredes de ladrillo y cadenas de piedra dentada que marcan los ángulos de los cuerpos del edificio y enmarca las secciones de ventanas, cortadas por una o dos bandas de piedra.El bajo costo, y también el encanto de la policromía de esta arquitectura «en tres», probablemente explica su éxito desde el reinado de Enric III y se acerca a los principios del siglo XVII, en el que se dice, el estilo de Luis XIII: castillo Wideville (1580-1584) en los Yvelines, el palacio de la abadía de Saint-Germain-des-Prés o el castillo de Rosny-sur-Seine (1595-1606).
Arquitectura religiosa
En la dominación religiosa en Francia, las iglesias construidas en el Renacimiento son menos numerosas que los edificios civiles, pero sí conserva un buen nombre. & C atras del monasterio real de Brou. Algunos ejemplos significativos de la arquitectura renacentista se encuentran en la iglesia de San Eustaquio en París, que marcó el comienzo de la transición entre el gótico y el renacimiento, y en la iglesia de Saint-Étienne-du-Mont, en París, en la iglesia de Sant Acceul d’Ecouen, en la iglesia de Sant Miquel de Dijon, en la abadía de Fontevraud -especialmente en el claustro y la sala capitular-, en la catedral de Sant Lluís de Blois y en la catedral de El Havre. Finalmente,hay una peculiaridad específica de muchas iglesias construidas en el siglo XVI que están rodeadas por lo que se llama el recinto parroquial, el recinto que incorpora en general, además de la iglesia, una puerta triunfal, un jardín, una dura prueba y construcción en un Renacimiento local pero muy rico.
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