Pintura florentina

La pintura florentina o la escuela florentina se refiere a artistas en, desde o influenciados por el estilo naturalista desarrollado en Florencia en el siglo XIV, en gran medida a través de los esfuerzos de Giotto di Bondone, y en el siglo XV la escuela líder de pintura occidental. Algunos de los pintores más conocidos de la Escuela Florentina anterior son Fra Angelico, Botticelli, Filippo Lippi, la familia Ghirlandaio, Masolino y Masaccio.

Florencia fue el lugar de nacimiento del Alto Renacimiento, pero a principios del siglo XVI los artistas más importantes, incluidos Miguel Ángel y Rafael, se sintieron atraídos por Roma, donde se encontraban las mayores comisiones. En parte esto fue siguiendo a los Medici, algunos de los cuales se convirtieron en cardenales e incluso en el Papa. Un proceso similar afectó a los artistas florentinos posteriores. En el período barroco, los muchos pintores que trabajaban en Florencia rara vez eran figuras importantes.

Antes de 1400
El primer arte toscano distintivo, producido en el siglo XIII en Pisa y Lucca, formó la base para un desarrollo posterior. Nicola Pisano mostró su aprecio por las formas clásicas al igual que su hijo, Giovanni Pisano, quien llevó las nuevas ideas de la escultura gótica a la lengua vernácula toscana, formando figuras de naturalismo sin precedentes. Esto se hizo eco en el trabajo de los pintores pisanos en los siglos XII y XIII, en particular el de Giunta Pisano, quien a su vez influyó en grandes personajes como Cimabue, y a través de él Giotto y los artistas florentinos de principios del siglo XIV.

El proyecto pictórico florentino a gran escala más antiguo existente es la decoración en mosaico del interior de la cúpula del Baptisterio de San Juan, que comenzó alrededor de 1225. Aunque los artistas venecianos estuvieron involucrados en el proyecto, los artistas toscanos crearon escenas expresivas y animadas, mostrando emociones contenido a diferencia de la tradición bizantina imperante. Se dice que Coppo di Marcovaldo fue el responsable de la figura central de Cristo y es el primer artista florentino involucrado en el proyecto. Al igual que los paneles de la Virgen y el Niño pintados para las iglesias servitas en Siena y Orvieto, a veces atribuidas a Coppo, la figura de Cristo tiene un sentido de volumen.

Se encargaron obras similares para las iglesias florentinas de Santa Maria Novella, Santa Trinita y Ognissanti a finales del siglo XIII y principios del siglo XIV. El panel de Duccio de alrededor de 1285, Madonna with Child entronizado y seis Angels o Rucellai Madonna, para Santa Maria Novella, ahora en la Galería Ufizi, muestra un desarrollo del espacio y la forma naturalista, y puede que no haya sido originalmente pensado como retablos. Los paneles de la Virgen se utilizaron en la parte superior de las pantallas de la cruz, como en la Basílica de San Francisco de Asís, que tiene el panel en el fresco de la Verificación de los estigmas en el ciclo de la vida de San Francisco. Sin embargo, la Madonna de Santa Trinita de Cimabue y la Rucellai Madonna de Duccio conservan el estilo anterior de mostrar la luz en las cortinas como una red de líneas.

El sentido de la luz de Giotto habría sido influenciado por los frescos que había visto mientras trabajaba en Roma, y ​​en sus pinturas murales narrativas, particularmente las encargadas por la familia Bardi, sus figuras se colocan en un espacio naturalista y poseen dimensión y expresión dramática. Sus contemporáneos, como Bernardo Daddi, utilizaron un enfoque similar a la luz, su atención al naturalismo fue alentada por los sujetos encargados para las iglesias franciscanas y dominicanas del siglo XIV, e influiría en los pintores florentinos en los siglos siguientes. Mientras que algunas eran composiciones tradicionales, como las relacionadas con el fundador de la orden y los primeros santos, otras, como escenas de eventos recientes, personas y lugares, no tenían precedentes, lo que permitía la invención.

El siglo XIII fue testigo de un aumento en la demanda de pintura de paneles religiosos, particularmente retablos, aunque la razón de esto es oscura, los pintores y trabajadores de la madera toscanos de principios del siglo XIV crearon retablos que eran piezas más elaboradas y multipanelled con marcos complejos. Los contratos de la época señalan que los clientes a menudo tenían en mente una forma de carpintería al contratar a un artista, y discutían las figuras religiosas que se representaban con los artistas. Sin embargo, el contenido de las escenas narrativas en los paneles predella rara vez se mencionan en los contratos y pueden haberse dejado a los artistas interesados.

Las iglesias florentinas comisionaron a muchos artistas de Siena para crear retablos, como Ugolino di Nerio, a quien se le pidió que pintara una obra a gran escala para el altar de la Basílica de Santa Croce, que pudo haber sido el primer políptico en un altar florentino. Los gremios, conscientes del estímulo que trajo la artesanía externa, facilitaron el trabajo de artistas de otras áreas en Florencia. Los escultores tenían su propio gremio que tenía un estatus menor, y en 1316 los pintores eran miembros del influyente Arte dei Medici e Speziali. Los propios gremios se convirtieron en importantes mecenas del arte y desde principios del siglo XIV, varios gremios importantes supervisaron el mantenimiento y la mejora de los edificios religiosos individuales; Todos los gremios participaron en la restauración de Orsanmichele.

El naturalismo desarrollado por los primeros artistas florentinos disminuyó durante el tercer cuarto del siglo XIV, probablemente como consecuencia de la peste. Las principales comisiones, como el retablo para la familia Strozzi (que data de alrededor de 1354-57) en Santa Maria Novella, se confiaron a Andrea di Cione, cuyo trabajo, y el de sus hermanos, es más icónico en su tratamiento de figuras y tener una sensación anterior de espacio comprimido.

Renacimiento temprano, después de 1400
Florencia continuó siendo el centro más importante de la pintura renacentista italiana. Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas en Florencia datan de 1401, el primer año del siglo conocido en italiano como Quattrocento, sinónimo del Renacimiento temprano; Sin embargo, no son pinturas. En esa fecha se llevó a cabo un concurso para encontrar un artista para crear un par de puertas de bronce para el Baptisterio de San Juan, la iglesia más antigua que queda en la ciudad. El Baptisterio es un gran edificio octogonal de estilo románico. El interior de su cúpula está decorada con una enorme figura de mosaico de Cristo en Majestad que se cree que fue diseñada por Coppo di Marcovaldo. Tiene tres grandes portales, el central está lleno en ese momento por un conjunto de puertas creadas por Andrea Pisano ochenta años antes.

Las puertas de Pisano se dividieron en 28 compartimientos de quatrefoil, que contienen escenas narrativas de la vida de Juan el Bautista. Los competidores, de los cuales había siete artistas jóvenes, debían diseñar un panel de bronce de forma y tamaño similar, que representara el Sacrificio de Isaac. Dos de los paneles han sobrevivido, el de Lorenzo Ghiberti y el de Brunelleschi. Cada panel muestra algunos motivos muy clasificadores que indican la dirección en que se movían el arte y la filosofía, en ese momento. Ghiberti ha utilizado la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura en el estilo clásico. Se arrodilla sobre una tumba decorada con rollos de acanto que también son una referencia al arte de la antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, Una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura romana de bronce de un niño que le saca una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante en su intensidad dinámica. Menos elegante que la de Ghiberti, se trata más del drama humano y la tragedia inminente.

Ghiberti ganó la competencia. Su primera serie de puertas Baptisterio tardó 27 años en completarse, después de lo cual se le encargó hacer otra. En el total de 50 años que Ghiberti trabajó en ellos, las puertas proporcionaron un campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Siendo narrativa en el tema y empleando no solo la habilidad para organizar composiciones figurativas sino también la floreciente habilidad de la perspectiva lineal, las puertas debían tener una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino. Eran un factor unificador, una fuente de orgullo y camaradería tanto para la ciudad como para sus artistas. Miguel Ángel los llamaría las Puertas del Paraíso.

Capilla Brancacci
En 1426, dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la Iglesia Carmelita de Florencia. Ambos fueron llamados por el nombre de Tommaso y fueron apodados Masaccio y Masolino, Slovenly Tom y Little Tom.

Más que cualquier otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones en el trabajo de Giotto. Él llevó adelante la práctica de pintar desde la naturaleza. Sus pinturas demuestran una comprensión de la anatomía, el escorzo, la perspectiva lineal, la luz y el estudio de las cortinas. Entre sus obras, las figuras de Adán y Eva expulsadas del Edén, pintadas al costado del arco en la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de la emoción humana. Contrastan con las gentiles y bonitas figuras pintadas por Masolino en el lado opuesto de Adán y Eva que reciben la fruta prohibida. La pintura de la Capilla Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26 años. El trabajo fue terminado más tarde por Filippino Lippi. El trabajo de Masaccio se convirtió en una fuente de inspiración para muchos pintores posteriores,

Desarrollo de perspectiva lineal.
Durante la primera mitad del siglo XV, la consecución del efecto del espacio realista en una pintura mediante el uso de la perspectiva lineal fue una preocupación importante de muchos pintores, así como de los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó varios estudios cuidadosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la Catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho trompe l’oeil alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella.

Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que pensó en poco más y experimentó con ella en muchas pinturas, siendo las más conocidas las tres imágenes de la Batalla de San Romano que usan armas rotas en el suelo y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.

En la década de 1450, Piero della Francesca, en pinturas como La flagelación de Cristo, demostró su dominio sobre la perspectiva lineal y también sobre la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, tal vez Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que Brunelleschi había estado haciendo. Desde este momento, la perspectiva lineal fue entendida y empleada regularmente, como por ejemplo Perugino en su Cristo dando las llaves a San Pedro en la Capilla Sixtina.

Comprensión de la luz.
Giotto usó la tonalidad para crear forma. Taddeo Gaddi en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli demostró cómo la luz se puede usar para crear drama. Paolo Uccello, cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromáticos. Hizo varios de estos en tierra verde o “tierra verde”, animando sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en la pared de la catedral de Florencia. Tanto aquí como en las cuatro cabezas de los profetas que pintó alrededor de la esfera del reloj interior de la catedral, utilizó tonos fuertemente contrastantes, lo que sugiere que cada fuente estaba iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real en la catedral. .

Piero della Francesca llevó su estudio de la luz más allá. En la Flagelación demuestra un conocimiento de cómo la luz se difunde proporcionalmente desde su punto de origen. Hay dos fuentes de luz en esta pintura, una interna a un edificio y la otra externa. De la fuente interna, aunque la luz misma es invisible, su posición puede calcularse con certeza matemática. Leonardo da Vinci debía llevar adelante el trabajo de Piero sobre la luz.

La virgen
La Santísima Virgen María, venerada por la Iglesia Católica en todo el mundo, fue evocada particularmente en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna en el mercado del maíz y donde tanto la Catedral de “Nuestra Señora de las Flores” como el gran dominicano Iglesia de Santa Maria Novella fueron nombrados en su honor.

La imagen milagrosa en el mercado del maíz fue destruida por el fuego, pero Bernardo Daddi la reemplazó con una nueva imagen en la década de 1330, colocada en un dosel elaborado y lujosamente diseñado por Orcagna. El piso inferior abierto del edificio estaba cerrado y dedicado como Orsanmichele.

Las representaciones de la Virgen y el Niño eran una forma de arte muy popular en Florencia. Tomaron todas las formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en masa hasta magníficos retablos como los de Cimabue, Giotto y Masaccio. Las pequeñas Madonnas para el hogar eran el trabajo de pan y mantequilla de la mayoría de los talleres de pintura, a menudo producidos en gran parte por los miembros más jóvenes siguiendo un modelo del maestro. Los edificios públicos y las oficinas gubernamentales también a menudo contenían estas u otras pinturas religiosas.

Entre los que pintaron Madonnas devocionales durante el Renacimiento temprano están Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Verrocchio y Davide Ghirlandaio. Más tarde, el principal proveedor fue Botticelli y su taller, que produjo grandes cantidades de Madonnas para iglesias, hogares y también edificios públicos. Introdujo un gran formato de tondo redondo para grandes casas. Las Madonnas y los santos de Perugino son conocidos por su dulzura y varias pequeñas Madonnas atribuidas a Leonardo da Vinci, como la Madonna Benois, han sobrevivido. Incluso Miguel Ángel, que era principalmente un escultor, fue persuadido para pintar el Doni Tondo, mientras que para Rafael, se encuentran entre sus obras más populares y numerosas.

Bandejas de parto
Una especialidad florentina era la desco da parto o bandeja de parto redonda o de 12 lados, en la que una nueva madre servía dulces a las amigas que la visitaron después del nacimiento. El resto del tiempo, estos parecen haber sido colgados en el dormitorio. Ambos lados están pintados, uno con escenas para alentar a la madre durante el embarazo, que a menudo muestra a un niño desnudo; Se cree que ver imágenes positivas promueve el resultado representado.

Pintura y grabado
Desde mediados de siglo, Florencia se convirtió en el principal centro de Italia de la nueva industria del grabado, ya que algunos de los muchos orfebres florentinos se dedicaron a la fabricación de planchas para grabados. A menudo copiaban el estilo de los pintores, o dibujos proporcionados por ellos. Botticelli fue uno de los primeros en experimentar con dibujos para ilustraciones de libros, en su caso de Dante. Antonio del Pollaiolo era orfebre e impresor, y grabó su propia Batalla de los hombres desnudos; En su tamaño y sofisticación, llevó la impresión italiana a nuevos niveles, y sigue siendo una de las impresiones más famosas del Renacimiento.

Patrocinio y humanismo
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso las que se hicieron como decoración para iglesias, generalmente fueron encargadas y pagadas por mecenas privados. Gran parte del patrocinio provino de la familia Medici, o de aquellos que estaban estrechamente asociados o relacionados con ellos, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.

En la década de 1460, Cosimo de ‘Medici el Viejo había establecido a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente, y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica, que se centró en la humanidad como el centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios, y sobre el amor fraterno o “platónico” como lo más cercano que una persona podría llegar a emular o comprender el amor de Dios.

En el período medieval, todo lo relacionado con el período clásico se percibía como asociado con el paganismo. En el Renacimiento llegó a asociarse cada vez más con la iluminación. Las figuras de la mitología clásica comenzaron a asumir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y, en particular, la Diosa Venus asumió una nueva discreción. Nacida completamente formada, por una especie de milagro, era la nueva Eva, símbolo del amor inocente, o incluso, por extensión, un símbolo de la propia Virgen María. Vemos a Venus en ambos roles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli hizo en la década de 1480 para el sobrino de Cosimo, Pierfrancesco Medici, el Primavera y el nacimiento de Venus.

Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio, un dibujante meticuloso y preciso y uno de los mejores pintores de retratos de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para asociados Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia, la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella . En estos ciclos de la vida de San Francisco y de la vida de la Virgen María y de la vida de Juan el Bautista había lugar para retratos de mecenas y de mecenas. Gracias al patrocinio de Sassetti, hay un retrato del hombre mismo, con su empleador, Lorenzo il Magnifico, y los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista, Agnolo Poliziano. En la Capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado por los otros miembros influyentes de la Academia platónica, incluido Marsilio Ficino.

Influencia flamenca
Desde aproximadamente 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas se introdujeron en el medio de la pintura al óleo. Mientras que tanto el temple como el fresco se prestaban a la representación del patrón, ninguno presentaba una forma exitosa de representar texturas naturales de manera realista. El medio altamente flexible de aceites, que podía hacerse opaco o transparente, y permitía alteraciones y adiciones durante días después de haber sido establecido, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.

En 1475, un gran retablo de la Adoración de los pastores llegó a Florencia. Pintado por Hugo van der Goes a instancias de la familia Portinari, fue enviado desde Brujas e instalado en la Capilla de Sant ‘Egidio en el hospital de Santa Maria Nuova. El retablo brilla con intensos rojos y verdes, contrastando con las túnicas de terciopelo negro brillante de los donantes de Portinari. En primer plano hay una naturaleza muerta de flores en recipientes contrastantes, uno de cerámica vidriada y el otro de vidrio. El florero de cristal solo era suficiente para llamar la atención. Pero el aspecto más influyente del tríptico fue la calidad extremadamente natural y realista de los tres pastores con barba incipiente, manos desgastadas por el trabajo y expresiones que van desde la adoración al asombro hasta la incomprensión. Domenico Ghirlandaio rápidamente pintó su propia versión,

Comisión papal en Roma
En 1477, el papa Sixto IV reemplazó la vieja capilla abandonada en el Vaticano en la que se realizaban muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planeado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas sobre ellos.

En 1480, un grupo de artistas de Florencia se encargó de la obra: Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli. Este ciclo de frescos representaba Historias de la vida de Moisés en un lado de la capilla y Historias de la vida de Cristo en el otro, con los frescos que se complementan entre sí en el tema. La Natividad de Jesús y el hallazgo de Moisés estaban adyacentes en la pared detrás del altar, con un retablo de la Asunción de la Virgen entre ellos. Estas pinturas, todas de Perugino, fueron destruidas más tarde para pintar el Juicio Final de Miguel Ángel.

Las 12 imágenes restantes indican el virtuosismo que estos artistas habían alcanzado y la obvia cooperación entre individuos que normalmente empleaban estilos y habilidades muy diferentes. Las pinturas dieron un alcance completo a sus capacidades, ya que incluían una gran cantidad de figuras de hombres, mujeres y niños y personajes que iban desde ángeles guías hasta faraones enfurecidos y el mismo diablo. Cada pintura requería un paisaje. Debido a la escala de las figuras que los artistas acordaron, en cada imagen, el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de Botticelli de La purificación del leproso, hay pequeñas narraciones adicionales que tienen lugar en el paisaje, en este caso Las tentaciones de Cristo.

La escena de Perugino de Cristo dando las llaves a San Pedro es notable por la claridad y simplicidad de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente el paisaje urbano en perspectiva que incluye referencias al ministerio de Pedro. a Roma por la presencia de dos arcos triunfales, y centralmente ubicado un edificio octogonal que podría ser un bautisterio cristiano o un mausoleo romano.

Alto renacimiento
Florencia fue el lugar de nacimiento del Alto Renacimiento, pero a principios del siglo XVI los artistas más importantes se sintieron atraídos por Roma, donde comenzaron a existir las mayores comisiones. En parte esto fue siguiendo a los Medici, algunos de los cuales se convirtieron en cardenales e incluso en el Papa.

Leonardo da Vinci
Leonardo, debido al alcance de sus intereses y al extraordinario grado de talento que demostró en tantas áreas diversas, es considerado como el “hombre renacentista” arquetípico. Pero fue ante todo como pintor que fue admirado dentro de su propio tiempo, y como pintor, se basó en el conocimiento que obtuvo de todos sus otros intereses.

Leonardo fue un observador científico. Aprendió mirando las cosas. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la forma humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender los músculos y los tendones.

Más que cualquier otro artista, avanzó el estudio de la “atmósfera”. En sus pinturas, como la Mona Lisa y la Virgen de las Rocas, utilizó la luz y la sombra con tanta sutileza que, por falta de una palabra mejor, se la conoció como “sfumato” o “humo” de Leonardo.

Simultáneamente a invitar al espectador a un misterioso mundo de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes giratorios, Leonardo logró un cierto grado de realismo en la expresión de la emoción humana, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio. La Última Cena de Leonardo, pintada en el refectorio de un monasterio en Milán, se convirtió en el punto de referencia para la pintura narrativa religiosa para el próximo medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena, pero solo Leonardo estaba destinado a ser reproducido innumerables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, crochet y alfombras de mesa.

Además del impacto directo de las obras mismas, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte a través de su generosidad a un séquito de estudiantes.

Miguel Ángel
En 1508, el papa Julio II logró que el escultor Miguel Ángel aceptara continuar con el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina se construyó de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda que formaban superficies ideales para pintar a los Doce Apóstoles. Miguel Ángel, que había cedido a las demandas del Papa con poca gracia, pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en diseño como en iconografía. La escala del trabajo, que ejecutó con una sola mano, excepto por la asistencia manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.

El plan del Papa para los Apóstoles temáticamente habría formado un vínculo pictórico entre las narraciones del Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento en las paredes, y los papas en la galería de retratos. Son los doce apóstoles, y su líder Peter como primer obispo de Roma, los que hacen ese puente. Pero el esquema de Miguel Ángel fue en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema es sobre la desgracia de la humanidad. Se trata de por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús.

Superficialmente, el techo es una construcción humanista. Las figuras son de dimensión sobrehumana y, en el caso de Adán, de tal belleza que, según el biógrafo Vasari, realmente parece que Dios mismo había diseñado la figura, en lugar de Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no ha glorificado el estado humano, y ciertamente no ha presentado el ideal humanista del amor platónico. De hecho, los antepasados ​​de Cristo, que pintó alrededor de la sección superior de la pared, demuestran todos los peores aspectos de las relaciones familiares, mostrando disfunción en tantas formas diferentes como hay familias.

Vasari elogió los poderes aparentemente infinitos de invención de Miguel Ángel para crear posturas para las figuras. Raphael, a quien Bramante le dio una vista previa después de que Miguel Ángel se había quitado el pincel y se había marchado a Bolonia con temperamento, pintó al menos dos figuras imitando a los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de Sant ‘Agostino y la otra en el Vaticano, su retrato del propio Miguel Ángel en la escuela de Atenas.

Rafael
Con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, el nombre de Rafael es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era más joven que Miguel Ángel a los 18 años y Leonardo a los 30. No se puede decir de él que haya avanzado mucho el estado de la pintura como sus dos famosos contemporáneos. hizo. Más bien, su trabajo fue la culminación de todos los desarrollos del Alto Renacimiento.

Raphael tuvo la suerte de nacer hijo de un pintor, por lo que su carrera profesional, a diferencia de la de Miguel Ángel, que era hijo de la nobleza menor, se decidió sin una pelea. Algunos años después de la muerte de su padre, trabajó en el taller de Umbría de Perugino, un excelente pintor y un excelente técnico. Su primera pintura firmada y fechada, ejecutada a la edad de 21 años, es El compromiso de la Virgen, que revela inmediatamente sus orígenes en el Cristo de Perugino que le dio las llaves a Pedro.

Raphael era un personaje despreocupado que sin vergüenza recurría a las habilidades de los pintores de renombre cuya esperanza de vida abarcaba la suya. En sus obras se unen las cualidades individuales de numerosos pintores diferentes. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, el retrato realista de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida ejecutó una serie de grandes retablos, un impresionante fresco clásico de la ninfa del mar, Galatea, retratos destacados con dos papas y un famoso escritor entre ellos, y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina, una serie de paredes frescos en las cámaras del Vaticano cercanas, de las cuales la Escuela de Atenas es singularmente significativa.

Este fresco representa una reunión de todos los atenienses antiguos más eruditos, reunidos en un gran escenario clásico alrededor de la figura central de Platón, a quien Rafael ha modelado sobre Leonardo da Vinci. La melancólica figura de Heráclito, sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel, y es una referencia a la pintura de este último del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, al lado de su maestro, Perugino.

Pero la principal fuente de popularidad de Raphael no fueron sus obras principales, sino sus pequeñas imágenes florentinas de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó a la misma mujer rubia regordeta y de rostro tranquilo y su sucesión de bebés regordetes, el más famoso probablemente sea La Belle Jardinière (“La Virgen del hermoso jardín”), ahora en el Louvre. Su obra más grande, la Madonna Sixtina, utilizada como diseño para innumerables vitrales, ha venido, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se han reproducido en todo, desde servilletas de papel hasta sombrillas.

Manierismo temprano
Los primeros manieristas en Florencia, especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto, como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino, son notables por sus formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral. Como líder de la Primera Escuela de Fontainebleau, Rosso fue una fuerza importante en la introducción del estilo renacentista en Francia.

Parmigianino (estudiante de Correggio) y Giulio Romano (asistente principal de Raphael) se movían en direcciones estéticas igualmente estilizadas en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo se ha caracterizado como una reacción o extensión exagerada. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar esculturas helenísticas y pinturas de maestros del pasado. Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como “anticlásico”, pero en ese momento se consideraba una progresión natural del Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por sus formas “anticlásicas”, duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. Marcia B. Hall, profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro After Raphael que Raphael ‘

Manierismo posterior
Bronzino (d.1572), un alumno de Pontormo, fue principalmente un retratista de la corte de los Medici, en un estilo manierista formal algo frío. En la misma generación, Giorgio Vasari (m. 1574) es mucho mejor recordado como el autor de la vida de los pintores, escultores y arquitectos más excelentes, que tuvo un efecto enorme y duradero en el establecimiento de la reputación de la escuela florentina. Pero fue el pintor principal de la pintura de historia en la corte de los Medici, aunque su trabajo ahora se considera generalmente agotador después del impacto que tiene el trabajo de Miguel Ángel, y no lo logró. Esto se había convertido en una falla común en la pintura florentina en las décadas posteriores a 1530, ya que muchos pintores intentaron emular a los gigantes del Alto Renacimiento.

Barroco
En el período barroco, Florencia ya no era el centro más importante de pintura en Italia, pero de todos modos era importante. Los principales artistas nacidos en la ciudad y que, a diferencia de otros, pasaron gran parte de sus carreras allí, incluyen a Cristofano Allori, Matteo Rosselli, Francesco Furini y Carlo Dolci. Pietro da Cortona nació en el Gran Ducado de Toscana e hizo mucho trabajo en la ciudad.