La moda está inspirada en el arte, A través del arte y la moda, Salvatore Ferragamo Museum

El arte y la moda se han enfrentado, a menudo mirándose, incluso en el pasado. Si los artistas han estado fascinados por la ropa, como una herramienta esencial para dar realismo a sus representaciones, los artesanos a medida han inspirado a menudo del mundo del arte y asumieron actitudes que los equiparaban con los artistas. Para los estudiosos del arte, la ropa documentada en una pintura ayuda a salir con una obra de arte. Por otro lado, para los historiadores de la moda, el vestido pintado da cuenta del movimiento, el gesto y la inclinación de un vestido.

El itinerario de la exposición se centra en el trabajo de Salvatore Ferragamo, que estaba fascinado e inspirado por los movimientos artísticos de vanguardia del siglo XX, en varios talleres de los años cincuenta y sesenta que fueron lugares para estudios y encuentros, y en el advenimiento de los cultura de las celebridades. Luego examina la experimentación de los años noventa y continúa reflexionando sobre si en la industria cultural contemporánea todavía podemos hablar de dos mundos separados o si en cambio estamos lidiando con una interacción fluida de roles.

El aspecto distintivo del diseño de la exposición radica en la colaboración con otras instituciones culturales, que participaron activamente en la implementación de este concepto con el objetivo de inspirar una reflexión conjunta: además del Museo Salvatore Ferragamo, promotor y organizador del proyecto junto con el Fondazione Ferragamo, en Florencia, la Biblioteca Nazionale Centrale, la Gallerie degli Uffizi (la Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti y la Galleria del Costume), el Museo Marino Marini y en Prato, el Museo del Tessuto.

Para la moda italiana, desde los primeros debates a principios del siglo XX sobre la necesidad de dar identidad nacional a la producción de ropa en Bel Paese, la referencia al mundo del arte italiano se ha sentido como un elemento de distinción fuerte, en comparación con la moda francesa. , entonces prevaleciente. Fundamental en este camino fue el papel desempeñado por Rosa Genoni, costurera pero también maestra de la sección de sastrería en la Escuela Profesional de Mujeres de Milán. Para la Expo de Milán de 1906, hizo dos prendas hechas, como carteles programáticos de sus ideas, una inspirada en un dibujo de Pisanello conservado en el Museo Condé de Chantilly, la otra en el vestido de primavera de Botticelli. La capa tomada de la obra de Pisanello, generosamente prestada por la Galería de disfraces del Palazzo Pitti, se compara con la ropa contemporánea inspirada en famosas obras de arte en una habitación alfombrada con un artículo de Sergio Tofano, que apareció en “Lidel” en 1920, donde el Un gran ilustrador planteó la hipótesis de la ropa de fabricación italiana tomada de los frescos de Beato Angelico y Masaccio.

La película de la Bienal de Arte y Moda en Florencia en 1996, dirigida por Germano Celant, Ingrid Sischy, Luigi Settembrini, actúa como una caja de resonancia de este tema, una gran exposición que involucró a cuarenta protagonistas internacionales de las artes y treinta y ocho mundo. marcas de moda, en un proyecto que tenía como objetivo explorar y contar las influencias mutuas, la relación creativa entre el universo de la moda y las artes visuales, el diseño, la arquitectura, el cine, la fotografía, las costumbres y la historia, poniendo el tema a la atención de todos.

Durante siglos, los artistas han representado cada detalle minucioso de la ropa que gradualmente se ha puesto de moda, transmitiéndonos el testimonio visual de gestos, posturas y gustos, pero también de soluciones a medida, materiales y decoraciones de muchos artesanos anónimos. Los artistas participaron activamente en esta carrera de lujo, haciendo diseños para telas, cordones, bordados e incluso disfraces para fiestas en la corte y comenzaron lo que habría sido comunicación de moda con obras maestras de grabado. Durante el siglo XIX, la moda comenzó a extenderse en las ciudades con el aporte de la industria textil y las nuevas formas de distribución comercial. Fue una metamorfosis total, que también inició formas originales de diálogo entre el arte y la moda. Las relaciones entre los dos mundos se hicieron más cercanas y más frecuentes y los intercambios ya no se limitaron a la representación del hermoso mundo vestido a la última moda.

A través de una serie de ejemplos, la sección propone un camino a través de este diálogo que ha tenido lugar durante más de un siglo.

Comenzamos con los artistas ingleses prerrafaelitas, la Secesión vienesa de Gustav Klimt y el Wiener Werkstätte continuando con Mariano Fortuny, sin olvidar los experimentos futuristas. Luego pasamos a las experiencias de los artistas que hicieron moda como Sonia Delaunay y las colaboraciones directas entre artistas y creadores de moda, como Thayaht con Vionnet o Dalí y Cocteau con Schiaparelli, hasta las cooperaciones más recientes. Se presta especial atención a los diseñadores que, inspirados en el arte, han innovado profundamente la moda, como en el caso de Yves Saint Laurent con Mondrian

El tema se lleva a cabo teniendo en cuenta diferentes temas: los artistas que crearon alternativas a las tendencias actuales y los que colaboraron con la industria de la moda; Los diseñadores de moda que buscaban la inventiva de los artistas, compartieron las propuestas más originales de algunas vanguardias, pero sobre todo que se inspiraron en las formas o superficies de las obras de todos los tiempos.

Con su presencia en la escena cultural de Nueva York, asistiendo a fiestas, noches de apertura, retrospectivas y desfiles de moda, ayudó a dar forma a la relación entre el arte, la moda y las celebridades que reconocemos hoy. Este concepto se explora en una serie de fotografías que muestran a Warhol en varios eventos sociales de Nueva York y con la famosa instalación Altered Image de Makos Studio.

No hay duda de que con su trabajo, Andy Warhol desencadenó una aportación estética de alto impacto, y con frecuencia sacrílega, siendo el ejemplo más evidente The Souper Dress, una destilación de moda, arte e industria. Hecho en los años sesenta con papel, celulosa y algodón, con una impresión en serigrafía de la famosa lata de sopa Campbell que se repite secuencialmente, este vestido se exhibe como parte de la exposición.

A través del arte y la moda
es arte de moda? Una pregunta simple oculta el complejo universo de una relación articulada que ha sido investigada durante mucho tiempo, pero sin llegar a una definición clara e inequívoca. Este proyecto analiza las formas de diálogo entre estos dos mundos: inspiraciones recíprocas, superposiciones y colaboraciones, desde las experiencias de los prerrafaelitas hasta las del futurismo, y desde el surrealismo hasta la moda radical. El itinerario de la exposición se centra en el trabajo de Salvatore Ferragamo, que estaba fascinado e inspirado por los movimientos artísticos de vanguardia del siglo XX, en varios talleres de los años cincuenta y sesenta que fueron lugares para estudios y encuentros, y en el advenimiento de los cultura de las celebridades. Luego examina la experimentación de los años noventa y continúa reflexionando sobre si en la industria cultural contemporánea todavía podemos hablar de dos mundos separados o si en cambio estamos lidiando con una interacción fluida de roles.

Esta simple pregunta oculta el complejo universo de una relación articulada, que se ha investigado durante mucho tiempo a lo largo del tiempo, sin llegar a una definición clara o inequívoca. La moda, por su necesidad de ser funcional y, por lo tanto, de referirse concretamente a la vida real, así como por su vínculo con la artesanía y la industria, parece estar lejos del ideal del art pour arte, un concepto que, sin embargo, no siempre fue representativo incluso del mundo del arte. Andy Warhol nos enseñó que la singularidad de la obra de arte ya no coincide con la producción artística y que hoy en día proliferan las exposiciones de diseñadores de moda y los estilistas dan la bienvenida a las prácticas del arte contemporáneo con disponibilidad. ¿Todavía es posible, en este contexto, hablar de la dicotomía entre arte y moda como sucedió en el siglo pasado?

Este proyecto analiza las formas de diálogo entre estos dos mundos: contaminaciones, superposiciones y colaboraciones. De las experiencias de los prerrafaelitas a las del futurismo, del surrealismo a la moda radical. El camino se centra en la obra de Salvatore Ferragamo, fascinado e inspirado por la vanguardia artística del siglo XX; en algunos talleres de los años cincuenta y sesenta, un lugar de estudio y reuniones, y sobre el nacimiento de la cultura de las celebridades, para continuar con los experimentos de los noventa y preguntarse si en la industria cultural contemporánea todavía podemos hablar de dos mundos distintos, o si en cambio nos enfrentamos a un juego fluido de roles.

La peculiaridad del plan de exhibición radica en la colaboración de varias instituciones culturales y en la ubicación de la exposición en varios lugares: además del Museo Salvatore Ferragamo, promotor y organizador del proyecto, junto con la Fundación Ferragamo, organizan las diversas exposiciones. en Florencia, la Biblioteca Nacional Central, las Galerías degli Uffizi (Galería de Arte Moderno del Palazzo Pitti), el Museo Marino Marini y, en Prato, el Museo Textil

Las instituciones involucradas participaron activamente en la realización de la idea, con el objetivo de invitar a una reflexión común.

Es un homenaje al Museo Salvatore Ferragamo que seleccionó y concibió el proyecto y un símbolo: por un lado, un elemento decorativo, esencial para la estética de un modelo de 1958 de Salvatore Ferragamo, el décolleté de Tirassegno y, por otro, una obra de uno de los grandes artistas estadounidenses de la segunda mitad del siglo XX, Kenneth Noland, quien fue una inspiración.

La exposición en el Museo Salvatore Ferragamo cuenta con cuatro curadores, Stefania Ricci, directora del Museo Salvatore Ferragamo, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini, Alberto Salvadori, quienes con sus diferentes habilidades y personalidades han colaborado día tras día en la construcción de la ruta, junto con los directores y los gerentes de las diversas instituciones que participaron en la iniciativa con entusiasmo y espíritu de colaboración y con los autores del catálogo, que ayudaron a los curadores en la elección final de las obras, poniendo a disposición sus conocimientos y su profesionalidad. experiencias. Hay muchos préstamos de las más prestigiosas colecciones públicas y privadas, nacionales e internacionales, que le dan a la exposición un toque internacional.

Museo Salvatore Ferragamo
El Museo Salvatore Ferragamo en Florencia, Italia, es un museo de moda dedicado a la vida y obra del diseñador de calzado italiano Salvatore Ferragamo y su compañía homónima. El museo contiene 10,000 modelos de zapatos creados y propiedad de Ferragamo desde la década de 1920 hasta su muerte en 1960. Después de la muerte de Ferragamo, la colección fue ampliada por su viuda y sus hijos. El museo también incluye películas, recortes de prensa, material publicitario, ropa y accesorios desde la década de 1950 hasta la actualidad.

La familia Ferragamo fundó el museo en mayo de 1995 para familiarizar a un público internacional con las cualidades artísticas de Salvatore Ferragamo y el papel que desempeñó en la historia no solo del calzado sino también de la moda internacional.

Como la mayoría de los museos corporativos, el Museo Salvatore Ferragamo y sus archivos provienen de la visión de un emprendedor, en este caso la viuda de Salvatore Ferragamo, Wanda, quien dirigió la compañía desde la muerte del fundador en 1960, y sus seis hijos. En particular, el mayor de sus hijos, Fiamma, quien dirigió el negocio principal de calzado y artículos de cuero de la compañía después de la muerte de su padre, se puso al frente del proyecto en nombre de su familia y lo trajo a la vida, dando forma a su estrategia con la ayuda de historiadores. y archiveros.

La idea del museo surgió inicialmente cuando se organizó una exposición en el Palazzo Strozzi sobre la historia de Salvatore Ferragamo. La exposición fue de gira y fue presentada por algunos de los museos más prestigiosos del mundo, como el Victoria and Albert en Londres, el Museo del Condado de Los Ángeles, el Guggenheim de Nueva York, la Fundación Sogetsu Kai en Tokio y el Museo de Bellas Artes en México. La exposición temporal se convirtió gradualmente en permanente.

En reconocimiento de la importancia cultural del museo y la de sus numerosas iniciativas a lo largo de los años, en 1999, Salvatore Ferragamo recibió el Premio Guggenheim Impresa e Cultura, otorgado anualmente a las empresas que mejor invierten en cultura para fines constructivos. El museo está ubicado en el centro histórico de Florencia, en el Palazzo Spini Ferroni, que también ha sido la sede de la compañía desde 1938.