Reseña de la exposición en los primeros años, Museo de Arte Moderno de Estocolmo, Suecia

El Museo de Arte Moderno (Moderna Museet) es un museo estatal de arte moderno y contemporáneo ubicado en la isla de Skeppsholmen, un escenario de belleza natural. Inaugurado en 1958, el edificio fue diseñado por el arquitecto español Rafael Moneo. En 2009, el museo abrió una nueva sucursal en Malmö, en el sur de Suecia, Moderna Museet Malmö.

Moderna Museet es un museo estatal con un mandato nacional para el arte moderno y contemporáneo. La colección está a la vanguardia de su tipo en Europa. El museo es un lugar de encuentro para personas y arte con una base sólida en la sociedad y el mundo en general. Con su programa de exposiciones de clase mundial, proyectos basados ​​en colecciones y actividades educativas, Moderna Museet tiene una presencia local sustancial y un alcance internacional. El intercambio con otras instituciones artísticas de todo el mundo es extenso.

El Museo de Arte Moderno de Estocolmo es una autoridad administrativa estatal dependiente del Ministerio de Cultura y, según sus instrucciones, tiene la tarea de recopilar, preservar, exhibir y comunicar el arte de los siglos XX y XXI en todas sus formas. Moderna Museet promoverá los contactos internacionales a través de la colaboración con instituciones fuera de Suecia en forma de exposiciones itinerantes, y también será responsable de la participación sueca en bienales de arte internacionales. El Museo Moderno es también un museo central, con responsabilidad nacional en su área.

El Moderna Museet fue inaugurado en la casa de ejercicios de Skeppsholmen, el 9 de mayo de 1958. El superintendente del Museo Nacional, Otte Sköld, recordó en su discurso inaugural que ya en 1908 se había tomado el problema del arte local actual en el Museo Nacional. en serio y la idea de un nuevo edificio para estas colecciones. Poco antes de su muerte, Otte Sköld vio por sí mismo el museo realizado y su compromiso con la creación del nuevo museo había sido decisivo. Junto con, entre otros, los Amigos del Museo Moderno, que fue fundado en 1953, dio su propio hogar a la colección de arte del siglo XX del Museo Nacional. Los superintendentes conductores del museo, Pontus Hultén y Olle Granath, vinieron con sus contactos e iniciativas para perseguir estas intenciones en las décadas siguientes.

El 14 de febrero de 2004, el edificio del museo fue reabierto con festividades. Además de las reparaciones, se había aprovechado la oportunidad para mejorar algunos de los espacios, en parte para facilitar el desplazamiento de los visitantes por el museo y en parte para utilizar el espacio de la entrada superior de manera más adecuada. Al mismo tiempo, se actualizó el perfil gráfico del museo. Otra novedad importante en la reapertura fue la introducción de anfitriones del museo, personas que tienen una variedad de habilidades, desde salvar vidas hasta poder contar a los visitantes sobre las obras de arte tanto en las exposiciones permanentes como en las temporales. La razón para introducir nuevos anfitriones fue atender el gran aumento en el número de visitantes desde que se abolió la tarifa de admisión.

En 1901, el arquitecto John Smedberg estableció un hermoso edificio de planta eléctrica en Gasverksgatan 22. Hoy en día, la misión de transformar el edificio en un museo más apropiado fue para la galardonada firma de arquitectos Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Eligieron establecer un nuevo anexo, una adición contemporánea al edificio histórico. Y dale al interior un orden espacial completamente nuevo.

La pasión de Moderna Museet es mediar el arte para las personas. Abrazar, desafiar e inspirar a las personas y nos impulsa la ambición de hablar con muchos. Moderna Museet incluyente y para celebrar la diversidad reconociendo que las personas llegan desde diferentes puntos de partida. Moderna Museet atrae a un público más amplio al compartir la maravilla del arte.

Moderna Museet tiene una larga historia de acoger a artistas internacionales para exposiciones, actuaciones y otras presentaciones innovadoras, así como a través de su colección de renombre mundial. Experimente una de las colecciones de arte más importantes de Europa desde el siglo XX hasta la actualidad, con obras de artistas como Picasso, Dali, Derkert y Matisse.

El extraordinario poder del arte es nuestro alma. El arte surge y refleja su propio tiempo. Permite preguntas que generan nuevas perspectivas; los artistas son una fuerza enorme y estimulan una creatividad más amplia. El Moderna Museet defiende el arte porque abre nuevos caminos y permite una visión reflexiva tanto de la historia como del presente.

Moderna Museet fue una plataforma estimulante para las personas y el arte, para ser un museo vibrante, abierto y dinámico que existe como un espíritu, que ofrece al público formas elementales, atractivas y directas de encontrar el arte en igualdad de condiciones. Moderna Museet inspira y crea espacio para nuevas ideas al ser una plataforma estimulante que hace que el arte de clase mundial sea accesible para una amplia audiencia. Establecemos nuevos estándares para los museos de arte en todo el mundo.

Moderna Museet recopila, conserva, exhibe y medita el arte moderno y contemporáneo. Moderna Museet gestiona nuestro patrimonio cultural con base en los más altos estándares de excelencia y genera investigaciones que conducen a colaboraciones y reconocimientos internacionales de alta calidad. Moderna Museet es una institución líder en nuestro campo y creemos en compartir nuestro conocimiento.

La colección, la investigación, las exposiciones, la mediación y la comunicación del Moderna Museet deben complementarse y fertilizarse entre sí; estas actividades no pueden estar solas. Moderna Museet nos definimos a partir de los contextos en los que nos involucramos. Nuestro objetivo de poner el mejor arte a disposición de la mayor cantidad de personas posible debe basarse en prácticas sostenibles que tengan en cuenta los impactos ambientales y sociales. Moderna Museet debe ser impulsado por el coraje de experimentar, atreverse a traspasar los límites y tomar nuevos caminos en la forma en que gestionamos nuestras tareas.

Con una colección de arte que comprende más de 130 000 obras, Moderna Museet (Museo de Arte Moderno) es el principal museo de arte moderno y contemporáneo de Suecia. Moderna Museet tiene una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Europa. Las colecciones contienen pintura, escultura, fotografía y cine de arte contemporáneo desde 1900 en adelante, y en el caso de fotografías también de alrededor de 1840.

Combinando obras maestras internacionales de artistas como Warhol, Picasso y Dali con exposiciones temporales de destacados artistas de los siglos XX y XXI, Moderna Museet logra atraer a muchos visitantes que regresan para una experiencia artística en constante cambio. La colección original estaba dominada por el arte sueco y nórdico, el arte estadounidense de los años 50 y 60 y el modernismo de orientación francesa, sin embargo, la colección se ha ampliado para incluir más artistas femeninas y crear una colección más versátil con obras de todo el mundo. mundo.

El Moderna Museet organiza varias exposiciones grandes tanto en Estocolmo como en Malmö cada año, una serie de exposiciones medianas y pequeñas. En 2012, el museo de Estocolmo tuvo alrededor de 500.000 visitantes y el museo de Malmö más de 100.000 visitantes.

Desde sus inicios en 1958, el Museo ha sido conocido por su estrecha relación con los artistas: Marcel Duchamp, por ejemplo, firmó varias de sus obras en Estocolmo hacia el final de su vida, y Andy Warhol tuvo su primera exposición individual en un museo en Europa en Moderna Museet en 1968.

La colección del Moderna Museet ahora comprende unas 6.000 pinturas, esculturas e instalaciones, 25.000 acuarelas, dibujos y grabados, 400 videos y películas de arte y 100.000 fotografías. La colección abarca pinturas, esculturas, instalaciones, películas, videos, dibujos y grabados de artistas suecos e internacionales de los siglos XX y XXI, y fotografías desde la década de 1840 hasta la actualidad.

Gracias a iniciativas de recolección enfocadas, el Museo ha aumentado con éxito la amplitud y profundidad de su colección. En 1963, se inauguró el Museo de Nuestros Deseos, que transformó instantáneamente al museo en una institución de arte líder en Europa; el gobierno contribuyó con 5 millones de coronas suecas para la adquisición de obras icónicas de Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico y muchos otros. Hace unas décadas, el ejercicio se repitió, pero esta vez destacando solo a mujeres artistas: se agregaron a la colección obras de Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller y otras.

Solo se puede exhibir una fracción de la colección. Pero nos permite explorar y reformular la narrativa histórica del arte estándar a través de nuevos conocimientos y cambios constantes en la exposición. Esto incluye Moderna Museet Malmö, con su enfoque innovador en la selección y exhibición de obras de la colección desde su apertura en 2009.

Una gran colección de arte es el mejor punto de partida posible para experimentos visuales e intelectuales. Moderna Museet, como museo abierto y vivo, está constantemente reescribiendo la historia estándar del modernismo cambiando con frecuencia su colección de formas radicalmente nuevas. Desde 2009, el Museo tiene dos ubicaciones, Estocolmo y Malmö, donde se han presentado regularmente selecciones innovadoras de obras de la colección desde su apertura. Algunas de las obras icónicas, como el Paisaje marroquí (Acanto) de Henri Mattisse, el Monograma de Robert Rauchenberg y la escultura Sin título de Eva Hesse, casi siempre están disponibles para su consulta.

¡Explosión! – Pintura como acción
Explosion explora las ricas y complejas fertilizaciones cruzadas y las fronteras de la pintura, la performance y el arte conceptual. Traza esta idea ampliada de la pintura como acción desde finales de la década de 1940 hasta la actualidad. La exposición incluirá obras en diferentes medios de unos 45 artistas de muchas partes del mundo como el importante grupo japonés Gutai, entre otros Shozo Shimamoto, Sadamasa Motonaga, Saburo Murakami y Kazuo Shiraga, junto a artistas como Allan Kaprow, Jackson Pollock, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Ana Mendieta, Alison Knowles, Rivane Neuenschwander, Yoko Ono y Lawrence Weiner.

Después de la Segunda Guerra Mundial, varios pintores de diferentes partes del mundo comenzaron a atacar los supuestos fundamentales de la pintura de maneras que eran a la vez agresivas y divertidas. Muchos artistas dieron tanta importancia al acto creativo en sí como a la pintura que resultó de él. En esta tierra fronteriza entre la pintura y la performance, el azar o el espectador fueron reclutados a menudo como co-creadores de la obra. Esta actitud experimental y conceptual hacia la pintura y el arte inspiró posteriormente a muchos otros artistas. En los últimos años ha aumentado el interés por el arte de la performance y, con él, el interés por sus raíces.

Ignasi Aballí (1958)
La obra Persones de Ignasi Aballí consiste en una larga línea de huellas sucias a lo largo de una pared. Fueron hechos por el artista apoyado contra la pared y apoyando lánguidamente un pie contra ella. La obra también sirve como una especie de coreografía, ya que se invita al público a completarla apoyándose contra la pared y dejando huellas sucias en la pared blanca normalmente impecable del museo. Aballí está consumido por los temas de la ausencia y la desaparición, y las diversas formas de capturar el tiempo. Su práctica es a menudo conceptual, basada en su experiencia como pintor.

William Anastasi (1933)
A principios de la década de 1970, William Anastasi comenzó a trabajar en una serie de dibujos a ciegas cuando estaba en el metro de Nueva York. A menudo, se dirigía a John Cage para jugar al ajedrez. Con su bloc de dibujo en su regazo y un bolígrafo en cada mano, se ponía sus grandes audífonos y cerraba los ojos para concentrarse y lograr un estado mental meditativo. Su cuerpo se movía con las sacudidas, paradas y aceleraciones del tren. Como un sismógrafo, Anastasi registró los cambios en su posición. Al convertirse en un instrumento de registro del movimiento del tren, renunció a la autoría de los dibujos. El título de la obra es el momento en que se realizó.

Janine Antoni (1964)
Janine Antoni usa su cabello como un pincel para pintar el piso de la galería con colorante para el cabello Loving Care. Antoni explora los rituales diarios que realizamos en nuestro cuerpo. Toma las actividades cotidianas, como comer, bañarse y fregar el suelo, y las transforma en procesos escultóricos, imitando los rituales del arte. Talla sus dientes y pinta con su cabello y pestañas. Los materiales que utiliza son los que normalmente se utilizan en el cuerpo para definirlo en la sociedad: jabón, manteca de cerdo, chocolate y tinte para el cabello. Su significado particular para las mujeres significa que sus obras se interpretan de manera diferente según el género del espectador, afirma.

John Baldessari (1931)
Siendo hijo de un terrateniente, John Baldessari ocasionalmente tenía que redecorar pisos. Solía ​​fingir que estaba haciendo un cuadro cuando pintaba una pared. Este divertido ejercicio conceptual lo ayudó a superar la monótona tarea. También empezó a pensar en la diferencia entre un tipo de pintor y otro. En Six Colorful Inside Jobs, Baldessari permite que una persona vuelva a pintar una habitación durante seis días con los seis colores primarios y secundarios, filmando todo desde arriba. Horas de pintura se convierten en minutos de película. El título es un juego de palabras. Inside Job alude a un drama de detectives de Hollywood. El tiempo corresponde a seis días laborables. Como Dios, el pintor descansa el séptimo día.

Lynda Benglis (1941)
En la serie de obras de Lynda Benglis, Pours, la pintura se vierte en grandes cubas y se deja secar en el suelo. Así, la pintura tiene el carácter de una escultura, pintura seca sin «soporte» en forma de lienzo o panel. A diferencia de Pollock, la pintura no se cuelga de una pared, sino que se instala directamente en el suelo. Además de sus cualidades pictóricas y escultóricas, las obras de Benglis también son un comentario sobre Pollock, que se realza aún más en las imágenes publicadas en la revista estadounidense Life en 1970, junto con una imagen más pequeña de la pintura de Pollock.

Olle Bonniér (1925)
Olle Bonniér mostró por primera vez su trabajo en una legendaria exposición colectiva en Estocolmo en 1947. Dos años más tarde, en 1949, creó la obra Plingeling, que es tanto una pintura abstracta como una partitura musical. Esta pintura blanca podría verse como un universo iridiscente. Los puntos que surgen en este universo tienen órbitas irracionales, chocando ocasionalmente entre sí de modo que surge un tintineo. Plingeling no contiene instrucciones explícitas sobre cómo se supone que debe jugarse, y el resultado es diferente cada vez que se realiza. La obra de Bonniér es un ejemplo temprano de pintura performativa, una obra creada como pintura pero que incorpora instrucciones que pueden transformarse en música.

George Brecht (1926-2008)
Water Yam es un libro de artista que Georg Brecht publicó originalmente en 1963, en una caja diseñada por George Maciunas, quien escribió el Manifiesto Fluxus. Esta caja, que a veces se llama Fluxbox o Fluxkit, contiene tarjetas de diferentes tamaños que son puntajes de eventos, o puntajes de Flux, para varios tipos de eventos. Las partituras suelen dejar espacio para el azar o las coincidencias, lo que obliga al usuario, o al público si la partitura se realiza públicamente, a realizar su propia interpretación y así convertirse en co-creadores de la obra. Brecht dijo que sus partituras estaban destinadas a garantizar «que los detalles de la vida cotidiana, las constelaciones aleatorias de objetos que nos rodean, dejen de pasar desapercibidos».

Tony Conrad (1940)
Cuando Tony Conrad llegó a Nueva York en la década de 1960, se mostró escéptico con respecto a la escena artística, pero descubrió la vibrante escena cinematográfica, encontrándola más interesante ya que era independiente de las instituciones artísticas. Conrad quería combinar el cine con los nuevos y emocionantes desarrollos de la pintura. Una de sus estrategias fue hacer películas ultralargas. Andy Warhol había hecho películas que duraron 24 horas. ¡El trabajo de Conrad Yellow Movie es una película que ha estado sucediendo durante 40 años! La idea es que la pintura barata cambie de color gradualmente con el tiempo. Nadie puede medir el cambio que está ocurriendo en la «película», pero esto no tiene importancia, ya que está ocurriendo en su propia imaginación, dice Conrad.

Öyvind Fahlström (1928-1976)
Öyvind Fahlström fue un artista polifacético que trabajó de forma experimental y en varias disciplinas. Fue artista visual, escritor, cineasta y compositor. Su encuentro con el arte pop y la cultura del cómic en Nueva York a principios de la década de 1960 tuvo un impacto radical en su arte, y comenzó a realizar pinturas variables en forma de juegos de mesa. Los juegos eran su forma de ilustrar las constelaciones de poder político, social y económico. Se invita intencionalmente a los espectadores a mover los marcadores y elementos de las pinturas para formar nuevas combinaciones.

Ceal Floyer (1968)
Las principales preocupaciones de Ceal Floyer son la luz, la sombra y el color, y cómo percibimos e interpretamos el mundo con nuestros sentidos. Con un uso prolífico de la tecnología moderna, crea obras basadas en ideas que combinan elegancia con aparente simplicidad. Aquí, la pantalla del monitor está completamente llena de colores intercambiables. De hecho, se trata de primeros planos de un vaso de agua, en el que se sumergen pinceles con diferentes pigmentos. Los pigmentos corresponden a los colores básicos de la tecnología de video. Así, Floyer aúna color analógico y digital.

Pinot Gallizio (1902-1964)
En 1959 se publicó el manifiesto de Pinot Gallizio para la pintura industrial. El arte industrial debía producirse mecánicamente y estar disponible para todos. El arte se haría entre la gente, o no se haría en absoluto. La idea era que miles de kilómetros de lienzos fueran producidos en masa y luego distribuidos a la gente, para liberarlos del arte burgués que había llevado a la especulación financiera y contribuido a perpetuar la división de clases. Cantidad y calidad se convertirían en una y la misma cosa, acabando así con el estatus de la obra de arte como un bien de lujo. Gallizio también fue miembro fundador del movimiento artístico de izquierda radical conocido como situacionismo, que quería liberar al arte de su papel como mercancía fetichista del capitalismo.

Cai Guo-Qiang (1957)
Cai Guo-Qiang usa pólvora y fuegos artificiales para hacer dibujos en el aire. A veces estos trabajos duran unos segundos, a veces las explosiones dejan huellas en papel o lienzo. Desde 1989, Guo-Qiang ha estado realizando «proyectos para extraterrestres» trabajos explosivos monumentales directamente en el suelo, para que puedan ser vistos desde otros planetas. En 1998, Guo-Qiang llevó a cabo un proyecto sobre las aguas heladas entre el Moderna Museet y el Vasa Museum: un rastro de mechas y pólvora hizo que las aguas entre las dos islas se separaran por un momento, como el Mar Rojo en la Biblia, cuando Moisés llevó a los judíos a la tierra prometida.

Sadaharu Horio (1939)
Sadaharu Horio mostró su trabajo por primera vez con Gutai en 1966. Con más de 100 exposiciones y representaciones anuales, destaca que las exposiciones no son una situación separada sino una extensión de la vida, y que las actividades del día a día son básicamente una representación. . Cada momento es diferente e insustituible. Horio se dedica a las posibilidades del momento con la franqueza de un niño. En un ritual continuo, cubre todos los días con pintura los objetos cotidianos que le rodean. Para no tener que elegir colores, se apega al orden de las pinturas de la caja, y así evade cualquier rastro personal. Este ritual pictórico podría ser asumido por cualquiera y perpetuado eternamente.

Yves Klein (1928-1962)
Para Yves Klein, el color azul representa el vacío, el cielo y el mar: lo intangible. Casi todas sus obras son monocromas en su color característico, International Klein Blue. Usó un aglutinante especial que no afecta el brillo y el carácter intenso del pigmento. Las antropometrías de Klein son pinturas hechas con una audiencia, como representaciones. Los modelos se pintaban directamente sobre el cuerpo del otro y se apretaban contra el lienzo, o se arrastraban entre sí, como pinceles vivos. Se dice que Klein tuvo la idea de pintar como una huella directa del cuerpo al ver una piedra en Hiroshima con la sombra de un ser humano quemada por la bomba atómica. Esta vista también puede haber inspirado sus pinturas de fuego.

Akira Kanayama
Akira Kanayama era el secretario del grupo Gutai. Dijo en broma que el puesto implicaba tanto trabajo que no tenía tiempo para pintar y, en cambio, dejó que un coche de juguete a control remoto pintara por él. La Obra resultante (1957) puede verse como una crítica a las pinturas de goteo de Jackson Pollock, con las que tienen cierto parecido. En Kanayama, el genio masculino que expresa sus sentimientos con pintura es suplantado por un carro de juguete que gira aleatoriamente alrededor del papel, dejando un rastro de pintura o, como en la obra Footprints, donde las plantas del artista han dejado huellas en el papel. Kanayama desafió así la relevancia personal del artista para la calidad y el ingenio del trabajo.

Paul McCarthy
The Black and White Tapes es una recopilación de 13 actuaciones tempranas de la década de 1970. Esta selección muestra el desarrollo incipiente de los temas, la corporalidad brutal y la personalidad escénica que ha llegado a significar su obra. Como Hermann Nitsch y los accionistas de Viena, Paul McCarthy explora la pérdida de control, pero sin los elementos rituales y con vínculos directos con la superficialidad y la abundancia material de Hollywood. Tanto Nitsch como McCarthy tienen en común que la forma líquida (pintura) no se limita directamente a un lienzo, sino que se derrama de tal manera que se asemeja a los fluidos corporales que aparecen repentina y catastróficamente por todas partes.

Ana Mendieta
A principios de la década de 1970, Ana Mendieta comenzó a crear siluetas y «esculturas de cuerpos de tierra» principalmente de sangre, tierra, fuego y agua. Usando su cuerpo como herramienta, dejó huellas humanas en la naturaleza. Sus actuaciones fueron documentadas en película. Ana Mendieta fue la primera en combinar los dos movimientos contemporáneos de land-art y body-art, dando como resultado obras que involucran los temas de la vida, la muerte, el lugar y la pertenencia. El uso ritualista de sangre, pólvora, tierra y fuego de Mendieta también está vinculado a la religión cubana de la santería. Cuando tenía trece años, Mendieta fue enviada de Cuba a los Estados Unidos, donde se crió en orfanatos. Su búsqueda de identidad y sentido de pertenencia impregna toda la obra de Mendieta.

Saburo Murakami
Saburo Murakami fue cofundador del grupo Gutai y uno de sus miembros más importantes. Formuló el concepto del grupo de exhibiciones al aire libre y creó actos escénicos en los que desafió a la pintura moviendo sus límites y explorando si el género podía ir más allá de la pintura sobre lienzo. La obra Six Holes supone un golpe literal y teórico contra la pintura. El artista ha hecho agujeros a través de múltiples capas de papel marrón estirado sobre un marco, utilizando varias partes de su cuerpo. El resultado de sus experimentos fueron nuevos tipos de «pinturas», un primer intento artístico de renegociar la relación entre la actuación y el objeto.

Rivane Neuenschwander
Rivane Neuenschwander llama a su arte «materialismo etéreo». Utiliza materiales cotidianos para expresar el paso del tiempo, la fragilidad de la vida y las relaciones humanas, permitiendo muchas veces que el azar y los procesos interpretativos determinen el resultado final, como cuando pidió a dos chefs que crearan una comida a partir de una lista de la compra que encontró en el piso de un supermercado. En la obra Secondary Stories (2006), círculos de papel de seda de colores brillantes flotan sobre un techo interior con ventiladores. De vez en cuando, caen al azar al suelo, formando nuevos patrones como gotas de pintura.

Hermann Nitsch
Las representaciones teatrales y agresivas de pintura y el arte corporal de los accionistas de Viena combinaron el arte con los rituales y la religión. En muchos aspectos, las obras de Hermann Nitsch son como dramas clásicos, con su lucha por la catarsis, una forma de curación y purificación a través del sufrimiento. Ofrecen resistencia al hecho de que el hombre occidental moderno está tan alejado de los rituales que causaron el éxtasis con su efecto purificador y regenerador. Según estas ideas, no podemos experimentar una gran alegría a menos que también podamos experimentar dolor, pena y miedo. Las prácticas de los accionistas de Viena pueden verse como parte de la tradición expresionista austriaca, con elementos de catolicismo, psicoanálisis y rebelión contra el orden social burgués y jerárquico.

Niki de Saint Phalle
A principios de la década de 1960, Niki de Saint Phalle sacudió la escena artística dominada por los hombres hasta sus cimientos con sus Shooting Pictures (Tirs). En estos trabajos, cubrió recipientes de pintura con gruesas capas de yeso sobre una tabla de madera. Luego les disparó con un rifle desde una gran distancia; cuando la bala golpeó los contenedores, la pintura se derramó al azar sobre el yeso. El acto de disparar se convirtió en un acto excesivamente intencional que también podría verse como una actuación. Al describir el acto, Niki de Saint Phalle dijo que estaba disparando contra todos los hombres, su hermano, la sociedad, la Iglesia y la escuela.

Jackson Pollock
Cuando Jackson Pollock tuvo su gran avance en 1947, se había convertido a una forma de pintar completamente nueva y revolucionaria. Colocando lienzos grandes directamente en el suelo, mojó pinceles y palos en botes de pintura líquida y dejó que goteara sobre el lienzo mientras se movía por sus cuatro lados, mientras escuchaba un bebop fuerte u otra música de jazz. Este método, dijo, estaba relacionado con las pinturas rituales de arena de los indios nativos americanos hechas con arenas de colores que estaban esparcidas en hermosos patrones. Para Pollock, el acto de pintar en sí mismo era tan importante como el trabajo terminado. Su forma de pintar se llama Action Painting, y es considerado uno de los expresionistas abstractos fundamentales.

Robert Rauschenberg, Niki de Saint Phalle
En mayo de 1961 se inauguró la exposición Movimiento en el arte con una fiesta. Niki de Saint Phalle había pegado una miríada de bolsas llenas de pintura al telón de fondo de un teatro, encima del cual colocó una lámina de plástico y una alfombra, para formar una pista de baile. Cuando los invitados empezaron a bailar, las bolsas estallaron creando una pintura abstracta. Después de la fiesta, Robert Rauschenberg y Billy Klüver (fundador de Experiments in Art and Technology, EAT) fueron los únicos invitados restantes. La pintura todavía estaba en el escenario. Lo sacaron afuera, y Rauschenberg sugirió que podrían mejorar el trabajo, y quizás atraer la atención de un taxista, extendiéndolo por la calle. Varios autos que pasaban dejaron huellas de neumáticos en la lona antes de que un taxi finalmente se detuviera.

Carolee Schneemann
Carolee Schneemann es una pionera de la performance y el arte feminista. A principios de la década de 1960, utilizó su cuerpo como material artístico y fue la primera artista estadounidense que trabajó con «body art». En Eye Body aparece desnuda, manchada de pintura, grasa y tiza. Trasladando la pintura del lienzo a su cuerpo, Schneeman desafía el papel femenino contemporáneo y la actitud predominante en el arte hacia el cuerpo femenino como un objeto a representar y mirar. Ha sido criticada por ser drástica, pero sus obras espectaculares siempre tienen un propósito. Como sujeto y objeto de sus pinturas, reclama el poder sobre el cuerpo y la sexualidad femeninos. Además de las performances, Schneemann realiza montajes, películas, videos e instalaciones.

Eclipse – Arte en una edad oscura
Eclipse, un oscurecimiento del sol, describe tanto una situación en la sociedad donde muchos de los ideales de la Ilustración parecen abandonados, como un enfoque artístico. Los artistas de esta exposición de arte contemporáneo internacional comparten una falta de fe en una cultura didácticamente esclarecedora; de ahí la metáfora del título.

Los artistas presentados utilizan la instalación, la escultura, la performance, la proyección de video y la pintura como medios para explorar y formular temas oscuros o irracionales. Muchos de ellos tienen un sentido especial de lo absurdo de la vida, lo que resulta en un refrescante sentido del humor. Las cuestiones existenciales relativas a la condición de la humanidad es el punto de partida. La exposición persigue dos vías principales: una sombría, mística y lacónica, la otra más anárquica y burlesca.

Eclipse es tanto una declaración como una pregunta sobre el arte actual. Si los artistas de los 90 estaban preocupados por la realidad, una postura que podría expresarse, por ejemplo, en estrategias documentales y estéticas relacionales, muchos artistas de hoy están más interesados ​​en la especulación, en reflejar lo incomprensible. Puede sonar drástico decir que vivimos en una era oscura. Pero después del 11 de septiembre, en una era de agitación política, asistimos a un aumento de la intolerancia. La exposición destaca el arte que no es político de una manera simplista, pero afirma su derecho a decir algo incorrecto, arte que usa la licencia de la ficción para experimentar.

Michaël Borremans
El artista belga Michaël Borremans (n. 1963, residente en Gante), mejor conocido por sus pinturas y dibujos, se presenta con una serie de obras en su característico estilo neo-surrealista. Los sujetos son personas que parecen pertenecer a un pasado en tonos sepia, concentrados en alguna tarea enigmática. Los títulos de las obras se suman al ambiente de incertidumbre sobre qué tipo de escenas estamos viendo, como La ventaja, que muestra a un joven con camisa de fuerza.

Anri Sala
La cualidad enigmática de las pinturas de Borremans tiene una correspondencia con las obras de vídeo de Anri Sala (nacido en 1974, que vive en Berlín), a menudo filmadas en la penumbra. En una de sus obras, Ghostgames, dos personas participan en un juego en lo que podría ser una playa en la oscuridad, donde usan los rayos de las linternas para atraer o presionar a los cangrejos para que se arrastren entre las piernas del oponente, marcando así un gol. . La falta de información en las imágenes sugiere interrogantes y agudiza los sentidos.

Nathalie Djurberg
Nathalie Djurberg (n. 1978, residente en Berlín) crea obras de video ambientadas en un universo grotesco de figuras hechas de plastilina. El formato de las películas es como la televisión infantil, pero los personajes, a menudo mujeres angustiosamente obesas, están involucrados en brutales agresiones. Djurberg se presenta actualmente en una exposición individual en Fondazione Prada en Milán.

Dana Schutz
Las pinturas de Dana Schutz (n. 1976, residente en Nueva York) también evocan un mundo extraño, posiblemente postapocalíptico, habitado por supervivientes grotescos, como los ‘autocaníbales’ que se operan unos a otros, los ‘fanáticos de la gravedad ‘o aquellos que simplemente están’ en Jesús ‘. Formalmente, navega ágilmente entre los diversos estilos de la historia del arte. Sus pinturas se basan a menudo en ideas que sirven como desafíos, temas aparentemente imposibles de pintar.

Ellen Gallagher
Las obras de Ellen Gallagher (n. 1965, viviendo en Rotterdam y Nueva York) de Luxe mezclan personajes históricos y mitológicos hechos de viejas imágenes publicitarias dirigidas a lectores afroamericanos. También se presentan algunas de sus acuarelas de la serie Water Ecstatic. La serie se basa en un mito sobre los humanos submarinos, una especie especial que se desarrolló a partir de esclavas embarazadas que se ahogaron en el paso atlántico de la trata de esclavos.

Tom Mccarthy
Tom McCarthy (nacido en 1969, residente en Londres) es el secretario general del INS – Sociedad Internacional de Necronáutica, un pastiche sobre los grupos de artistas de vanguardia de principios del siglo XX. El INS aparece con un informe, Calling All Agents, de una de las reuniones del grupo en Austria, que perpetra la idea de que el arte contiene mensajes subversivos que son dyamita política. Un nuevo trabajo de audio específico del sitio de McCarthy se presentará en sueco en las audioguías que se utilizan normalmente para guiar a los visitantes a través de la colección.

Lucas Ajemian
Las obras de Lucas Ajemian (n. 1975, residente en Nueva York) aluden al arte como portador de mensajes codificados. Con su hermano, el músico de jazz Jason Ajemian, crea una actuación en la iglesia de Skeppsholmen que será filmada en video y mostrada en la exposición; tocan el clásico de Black Sabbath Into the Void de 1971, al revés, junto con una orquesta de diez hombres, en referencia a los mitos que afirman que esto revelaría mensajes satánicos ocultos.

Mike Nelson
Mike Nelson (nacido en 1967, residente en Londres) también colabora con un grupo, en su caso, la pandilla de motociclistas ficticia The Amnesiacs, que consiste en veteranos de la Guerra del Golfo con amnesia. Los miembros «ayudan» a Nelson a crear obras que reconstruyen sus recuerdos, como en Amnesiac Shrine, una gran instalación espacial que fue adquirida para la colección Moderna Museet con financiación de Friends of Moderna Museet, como regalo del 50 aniversario.

Paul Mccarthy
En sus trabajos de video basados ​​en performance, Paul McCarthy (n. 1945, que vive en Los Ángeles) retrata figuras paternas que son a la vez amenazantes y patéticas; la cabeza de una muñeca que se parece a Alfred E. Neuman o un pirata ensangrentado y burlón, en una especie de Disney World enloquecido. La colaboración de Magnus af Petersens con Paul McCarthy en relación con su retrospectiva en Moderna Museet en 2006 fue un evento que inspiró el concepto de Eclipse.