El arte ambiental es una gama de prácticas artísticas que abarca tanto enfoques históricos de la naturaleza en el arte como tipos de obras más recientes, ecológicos y políticamente motivados. El arte ambiental ha evolucionado lejos de las preocupaciones formales, trabajadas con la tierra como material escultórico, hacia una relación más profunda con los sistemas, procesos y fenómenos en relación con las preocupaciones sociales. Los enfoques sociales y ecológicos integrados desarrollados como una postura ética y restaurativa surgieron en los años noventa. En los últimos diez años, el arte ambiental se ha convertido en un punto focal de exposiciones en todo el mundo a medida que los aspectos sociales y culturales del cambio climático pasan a primer plano.

En un mundo en crecimiento, la cantidad de artistas que crean, centrándose en sistemas e interacciones dentro de nuestro entorno, es ecológica, geográfica, política, cultural y biológica. Muchas de las obras en este arte están compuestas por elementos bidimensionales y tridimensionales, en los que los efectos visuales y vocales pueden integrarse para mostrar cómo la humanidad debe estar anclada y conectada al mundo natural social, filosófica, económica y espiritualmente. .

El término «arte ambiental» a menudo abarca preocupaciones «ecológicas» pero no es específico para ellas. Celebra principalmente la conexión de un artista con la naturaleza utilizando materiales naturales. El concepto se comprende mejor en relación con el arte histórico terrestre / terrestre y el campo en evolución del arte ecológico. El campo es interdisciplinario en el hecho de que los artistas ambientales adoptan ideas de la ciencia y la filosofía. La práctica abarca medios tradicionales, nuevos medios y formas sociales críticas de producción. El trabajo abarca una gama completa de condiciones ambientales / paisajísticas desde la rural, a la suburbana y urbana, así como urbana / rural industrial.

La mayoría de los artistas presentan el desapego de la humanidad del medio ambiente y tratan de corregirlo a través de cuatro motivos principales que conducen al cambio:

Sensibilizar sobre la fragilidad de la naturaleza y la necesidad de protegerla.
Explore diversos fenómenos naturales para seguir los cambios y expresarlos en el arte.
Recolecte materiales de la naturaleza de diferentes partes del mundo y distribúyalos.
Para evitar el deterioro de la situación ambiental en el suelo en la restauración del paisaje dañado y volver a su estado natural.

Historia:
Se puede argumentar que el arte ambiental comenzó con las pinturas rupestres del Paleolítico de nuestros antepasados. Si bien no se han encontrado (aún) paisajes, las pinturas rupestres representan otros aspectos de la naturaleza importantes para los primeros humanos, como los animales y las figuras humanas. «Son observaciones prehistóricas de la naturaleza. De una manera u otra, la naturaleza durante siglos siguió siendo el tema preferencial del arte creativo». Los ejemplos más modernos de arte ambiental provienen de la pintura y la representación del paisaje. Cuando los artistas pintaron en el lugar, desarrollaron una conexión profunda con el entorno y su clima y trajeron estas observaciones cercanas a sus lienzos. Las pinturas del cielo de John Constable «representan más de cerca el cielo en la naturaleza». La serie London de Monet también ejemplifica la conexión del artista con el medio ambiente. «Para mí, un paisaje no existe en sí mismo, ya que su apariencia cambia en cada momento, pero la atmósfera que lo rodea le da vida, el aire y la luz, que varían continuamente para mí, es solo la atmósfera que lo rodea les da a los sujetos su verdadero valor «.

Los fundamentos del arte ambiental comenzaron con el movimiento del Arte Romántico (1800-1850). A raíz de la Revolución Industrial, este movimiento se llamó el movimiento «Neo-Romántico». Las principales obras de arte incluían adorar la belleza de la naturaleza, incluidas las imágenes de destrucción y contaminación para enfatizar la injusticia y la desigualdad ambiental.

Los románticos adoraban la grandeza y la belleza de la naturaleza y creían que la humanidad debería estar unida a ella y no separada de ella. Los artistas buscaron despertar a la humanidad para regresar a la naturaleza y se enfocaron principalmente en la pintura, la música y la escultura para exponer la injusticia del desprendimiento humano de la naturaleza con el fin de conmocionar y despertar a la humanidad a la acción.

Con el nacimiento del arte minimalista, especialmente en los Estados Unidos, muchos artistas sintieron que los límites de la galería o el museo ya no satisfacían sus demandas. La escultura minimalista se ocupó de los límites de la exhibición mediante instalaciones y otras actividades artísticas, y fuera de los límites del espacio institucional fue un movimiento obvio para muchos de ellos. Hacia el final de la década de 1960, comenzó una tendencia de documentación y pensamiento estético y crítico sobre el arte de la tierra.

El crecimiento del movimiento de arte ambiental comenzó principalmente a partir de 1900 con la nueva tendencia llamada «Land Art». Este movimiento artístico se desarrolló en América en 1960, cuando varias esculturas y pintores como Robert Smithson (1973-1938) con su famosa obra Whirlpool Pier (1970) causaron daños irreversibles y significativos en el paisaje en el que trabajaba. El trabajo fue construido con basalto y tierra y Smithson, quien usó una excavadora para rayar y cortar el paisaje, afectó directamente al lago.

En 1912 Boccioni ya teorizaba en su Manifiesto técnico de la escultura futurista que no podía haber renovación, excepto a través de la escultura del entorno, capaz de modelar la atmósfera que lo rodea.

Otros precedentes del Arte Ambiental se pueden rastrear en las vanguardias históricas: el entorno del Proun del constructivista El Lissitskij es un espacio expositivo creado para la gran exposición de Berlín en 1923 en el que elementos arquitectónicos, pintores y modelos están inextricablemente unidos; mientras que el Merzbau del Dadaísta Kurt Schwitters es una acumulación progresiva de objetos cotidianos realizados en el estudio del artista en Hannover durante diez años, durante los cuales se convierte en un testimonio orgánico de la vida del artista.

La participación del espacio real comenzó a ser un aspecto significativo de las obras de arte de finales de los años 50, y luego continúa afectando las principales corrientes artísticas (neodidaismo, arte programado, minimalismo, arte procesual, arte povera, arte conceptual ) para todos los ’60, hasta el comienzo de los años 70. Inicialmente, el Arte Ambiental estaba mucho más relacionado con la escultura (en particular como Arte Específico del Sitio, Arte Terrestre y Arte Povera) considerando la creciente crítica de las esculturas y prácticas tradicionales que se consideraban cada vez más obsoletas y potencialmente en desarmonía con el entorno natural .

Los pintores contemporáneos, como Diane Burko, representan los fenómenos naturales -y su cambio a lo largo del tiempo- para transmitir cuestiones ecológicas, llamando la atención sobre el cambio climático. Los paisajes de Alexis Rockman representan una visión sardónica del cambio climático y las intervenciones de la humanidad con otras especies a través de la ingeniería genética.

Hal Foster, crítico de arte contemporáneo de EE. UU., Define las obras de arte ambiental como «esculturas específicas de un sitio que utilizan material tomado del entorno para crear nuevas formas o redirigir nuestras percepciones del contexto; programas que importan objetos nuevos no naturales a un escenario natural para propósitos similares; actividades individuales en el paisaje en las que el factor tiempo juega un papel decisivo; intervenciones colaborativas y socialmente conscientes «. Esta cita muestra cómo el término «arte ambiental» se refiere a procesos y resultados artísticos que son muy diferentes entre sí, pero en la base de lo cual está la superación de la concepción de la autonomía de la obra de arte con respecto al contexto en cual es colocado

A pesar del deseo inicial del arte ambiental de combatir el «sistema de arte», al eliminar el objeto artístico en sí mismo y, más en general, la mercantilización de la obra de arte, se hizo esencial exhibir las obras en las galerías y museos para el reconocimiento de su estado como obras de arte y para poder recolectar el capital financiero necesario para su realización. Esta necesidad llevó a muchos artistas a concebir el trabajo a los fines de su reproducción fotográfica y fílmica, como en los casos de Richard Long y Robert Smithson, que ahora tienen tanto un valor documental como un valor de mercado.

Movimiento:
El crecimiento del arte ambiental como un «movimiento» comenzó a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970. En sus primeras fases estuvo más asociada con la escultura -especialmente el arte específico del sitio, Land art y Arte povera- que surgió de la creciente crítica de las formas y prácticas escultóricas tradicionales que se consideraban cada vez más anticuadas y potencialmente en desacuerdo con el entorno natural .

En octubre de 1968, Robert Smithson organizó una exposición en la Galería Dwan en Nueva York titulada «Movimiento de tierras». Las obras en la exposición planteaban un desafío explícito a las nociones convencionales de exhibición y venta, ya que eran demasiado grandes o demasiado pesadas para ser recolectadas ; la mayoría fueron representados solo por fotografías, enfatizando aún más su resistencia a la adquisición. Para estos artistas, escapar de los confines de la galería y la teoría modernista se logró al salir de las ciudades y salir al desierto.

«No estaban representando el paisaje, sino comprometiéndolo; su arte no era simplemente del paisaje, sino también de él «. Este cambio a finales de los años sesenta y setenta representa una noción vanguardista de la escultura, el paisaje y nuestra relación con él. La obra desafió los medios convencionales para crear esculturas, pero también desafió a más modos elitistas de diseminación y exhibición de arte, como el programa Dawn Gallery mencionado anteriormente. Este cambio abrió un nuevo espacio y al hacerlo amplió las formas en que el trabajo fue documentado y conceptualizado.

En Europa, artistas como Nils Udo, Jean-Max Albert, Piotr Kowalski, entre otros, habían estado creando arte ambiental desde la década de 1960.

Urbano:
«Nadie sabe exactamente cuándo comenzaron a aparecer barcos fantasmas cerca de la desembocadura del arroyo, pero los residentes locales recuerdan haber jugado con ellos en la década de 1950 cuando todavía estaban flotando. Se dice que algunos de ellos son antiguos barcos balleneros cuyos dueños no querían pagar para que sean desechados apropiadamente. Los arrastrarían hasta el arroyo y los quemarían hasta la línea de flotación. El Cuerpo de Ingenieros del Ejército identificó barcos abandonados en otras partes de la ciudad, pero no aquí. El lodo del arroyo es tan tóxico que perturbar los naufragios liberaría un torrente de sustancias químicas peligrosas en el agua y el aire «. – Elizabeth Albert, texto de la exposición, «Playas silenciosas, historias no contadas, el muelle olvidado de la ciudad de Nueva York»

En 1978, Barry Thomas y sus amigos ocuparon ilegalmente un lote vacante de CBD en Wellington, Nueva Zelanda. Dejó una carga de tierra vegetal en el camión y plantó 180 plántulas de repollo en forma de la palabra «Repollo» para su «lote vacante de coles». Luego, el sitio fue inundado con el trabajo de artistas contribuyentes: todo el evento duró 6 meses y finalizó con un festival de una semana que celebra los árboles y bosques nativos. En 2012, el Museo de Nueva Zelanda Te Papa Tongarewa -la institución cultural más grande del país- compró todos los archivos del parche de repollo y lo citó como «una parte importante de nuestra historia artística y social».

Si bien este trabajo anterior se realizó principalmente en los desiertos del oeste de Estados Unidos, a fines de la década de 1970 y comienzos de la década de 1980, las obras se trasladaron al paisaje público. Artistas como Robert Morris comenzaron a involucrar a los departamentos del condado y las comisiones públicas de arte para crear obras en espacios públicos, como una gravera abandonada. Herbert Bayer utilizó un enfoque similar y fue seleccionado para crear su movimiento de tierras de Mill Creek Canyon en 1982. El proyecto cumplió funciones como control de la erosión, un lugar para servir como reserva durante períodos de lluvias intensas y un parque de 2.5 acres durante las estaciones secas. El libro pionero de Lucy Lippard, sobre el paralelismo entre el arte terrestre contemporáneo y los sitios prehistóricos, examinó las formas en que estas culturas, formas e imágenes prehistóricas se han «superpuesto» al trabajo de artistas contemporáneos que trabajan con la tierra y los sistemas naturales.

El término en expansión del arte ambiental también abarca el alcance del paisaje urbano. Agnes Denes creó un trabajo en el centro de Manhattan Wheatfield – A Confrontation (1982) en el que plantó un campo de trigo en el sitio de dos acres de un vertedero cubierto de detritus y escombros urbanos. El sitio ahora es Battery Park City y el World Financial Center: cambiando de poder ecológico a poder económico.

Arte eléctrico: en 1999, la artista búlgara Elena Paroucheva creó un nuevo concepto para los postes de electricidad de las líneas eléctricas.

Alan Sonfist introdujo la idea ecologista clave de devolver la naturaleza al entorno urbano con su primera escultura histórica Time Landscape, propuesta a la ciudad de Nueva York en 1965 y visible hasta la actualidad en la esquina de Houston y LaGuardia en Greenwich Village de Nueva York. Hoy, Sonfist une fuerzas con el amplio entusiasmo por cuestiones medioambientales y ecológicas entre autoridades públicas y ciudadanos privados para proponer una red de dichos sitios en toda el área metropolitana, que elevará la conciencia del papel clave que la naturaleza jugará en los desafíos del siglo XXI. siglo. La sacralidad de la naturaleza y el entorno natural a menudo es evidente en el trabajo de los Artistas Ambientales.

Así como los movimientos de tierra en los desiertos del oeste surgieron de las nociones de pintura de paisajes, el crecimiento del arte público estimuló a los artistas a involucrar el paisaje urbano como otro entorno y también como una plataforma para involucrar ideas y conceptos sobre el medioambiente a un público más amplio. . «Muchos artistas del medio ambiente ahora desean no solo una audiencia para su trabajo, sino un público con el que puedan expresar el significado y el propósito de su arte». La instalación de Andrea Polli Particle Falls hizo que las partículas en el aire fueran visibles de una manera que los transeúntes podían ver. Para HighWaterLine Eve Mosher y otros caminaron por barrios en ciudades en riesgo como la ciudad de Nueva York y Miami, marcando el daño proyectado de inundación que podría ocurrir como resultado del cambio climático y hablando con los residentes sobre lo que estaban haciendo.

La supertormenta Sandy inició numerosas respuestas de artistas a la orilla del agua olvidada de la Ciudad de Nueva York y canales históricos. La exposición, Silent Beaches, Untold Stories: Forgotten Waterfront de la ciudad de Nueva York, comisariada por la profesora de St. John’s University, Elizabeth Alpert, presentó una gama de enfoques de artistas sobre el entorno urbano y los complejos sistemas ecológicos de la ciudad de Nueva York.

EcoArt:
Arte ecológico a.k.a. EcoArt es una práctica artística o disciplina que propone paradigmas sostenibles con las formas de vida y los recursos de nuestro planeta. Está compuesto por artistas, científicos, filósofos y activistas que se dedican a las prácticas del arte ecológico. Los precedentes históricos incluyen Earthworks, Land Art y pintura / fotografía de paisajes. EcoArt se distingue por un enfoque en los sistemas y las interrelaciones dentro de nuestro entorno: el ecológico, geográfico, político, biológico y cultural. Ecoart crea conciencia, estimula el diálogo, cambia el comportamiento humano hacia otras especies y fomenta el respeto a largo plazo de los sistemas naturales con los que convivimos. Se manifiesta como arte restaurativo o intervencionista socialmente comprometido, activista, basado en la comunidad. Artista ecológico, Aviva Rahmani cree que «el arte ecológico es una práctica de arte, a menudo en colaboración con científicos, urbanistas, arquitectos y otros, que resulta en una intervención directa en la degradación ambiental. A menudo, el artista es el agente principal en esa práctica». Existen numerosos enfoques para EcoArt que incluyen, entre otros:

Representational Artworks: revela información y condiciones principalmente a través de la creación de imágenes y la creación de objetos con la intención de estimular el diálogo.
Proyectos de remediación que recuperan o restauran ambientes contaminados y alterados: estos artistas a menudo trabajan con científicos ambientales, arquitectos paisajistas y urbanistas.
Activista Proyectos que involucran, informan, energizan y activan el cambio de conductas y / o las políticas públicas.
Esculturas sociales: obras de arte basadas en el tiempo y socialmente comprometidas que involucran a las comunidades en el monitoreo de sus paisajes y toman un rol participativo en prácticas y estilos de vida sustentables.
Enfoques ecopoéticos que inician una rediseño y reencantamiento con el mundo natural, inspirando la curación y la convivencia con otras especies.
Encuentros directos: obras de arte que ponen en juego fenómenos naturales como el agua, el clima, la luz solar, las plantas, etc.
Obras didácticas o pedagógicas que comparten información sobre la injusticia ambiental y los problemas ecológicos, como la contaminación del agua y del suelo y los peligros para la salud.
Estética vivida y relacional que involucra existencias sostenibles, fuera de la red, de permacultura.

Definición de EcoArt: Hay discusión y debate entre los Artistas Ecológicos, si el Arte Ecológico o EcoArt, se debe considerar una disciplina discreta dentro de las Artes, distinta del Arte Ambiental. Una definición actual de arte ecológico, redactada colectivamente por EcoArtNetwork es «El arte ecológico es una práctica artística que abarca una ética de justicia social tanto en su contenido como en su forma / materiales. EcoArt se creó para inspirar cuidado y respeto, estimular el diálogo y alentar el florecimiento a largo plazo de los entornos sociales y naturales en los que vivimos. Se manifiesta comúnmente como arte restaurativo o intervencionista socialmente comprometido, activista, basado en la comunidad. «Los artistas considerados que trabajan en este campo se suscriben generalmente a uno o más de los siguientes principios:

Enfóquese en la red de interrelaciones en nuestro entorno: en los aspectos físicos, biológicos, culturales, políticos e históricos de los sistemas ecológicos.
Cree trabajos que empleen materiales naturales o se relacionen con fuerzas ambientales como el viento, el agua o la luz solar.
Recuperar, restaurar y remediar entornos dañados.
Informar al público sobre la dinámica ecológica y los problemas ambientales que enfrentamos.
Revisar las relaciones ecológicas, proponiendo creativamente nuevas posibilidades para la coexistencia, la sostenibilidad y la curación.

Impacto:
Dentro del arte ambiental, se puede hacer una distinción crucial entre los artistas ambientales que no consideran el posible daño al medio ambiente en el que pueden incurrir sus obras de arte, y aquellos cuya intención es no causar daño a la naturaleza. Por ejemplo, a pesar de sus méritos estéticos, la célebre escultura Spiral Jetty (1969) del artista estadounidense Robert Smithson infligió daños permanentes al paisaje con el que trabajaba, utilizando una excavadora para raspar y cortar la tierra, con la espiral misma incidiendo en el lago. Del mismo modo, se criticaron al escultor europeo Christo cuando envolvió temporalmente la costa en Little Bay, al sur de Sydney, Australia, en 1969. Los comentarios de los conservacionistas atrajeron la atención internacional en los círculos ecologistas y llevaron a los artistas contemporáneos de la región a replantearse las inclinaciones de arte terrestre y arte específico del sitio.

El arte sostenible se produce teniendo en cuenta el impacto más amplio del trabajo y su recepción en relación con sus entornos (social, económico, biofísico, histórico y cultural). Algunos artistas eligen minimizar su impacto potencial, mientras que otros trabajos implican restaurar el paisaje inmediato a un estado natural.

El escultor británico Richard Long ha realizado durante varias décadas trabajos temporales de escultura al aire libre, reorganizando los materiales naturales encontrados en el lugar, como rocas, barro y ramas, que por lo tanto no tendrán un efecto perjudicial prolongado. Chris Drury instituyó un trabajo titulado «Medicine Wheel», que fue el fruto y el resultado de una caminata de meditación diaria, una vez al día, durante un año calendario. El resultado de este trabajo fue un mandala de objetos encontrados en mosaico: el arte de la naturaleza como arte de proceso. El cultivador Stan Herd muestra una conexión similar y respeto por la tierra.

Destacados artistas del medio ambiente como el escultor holandés Herman de Vries, el escultor australiano John Davis y el escultor británico Andy Goldsworthy abandonan ilesos el paisaje con el que trabajaron; en algunos casos han revegetado terrenos dañados con flora indígena apropiada en el proceso de hacer su trabajo. De esta manera, la obra de arte surge de una sensibilidad hacia el hábitat. Tal vez la instancia más célebre del arte ambiental de finales del siglo XX fue 7000 Oaks, una acción ecológica escenificada en Documenta en 1982 por Joseph Beuys, en la que el artista y sus asistentes destacaron la condición del entorno local plantando 7000 árboles de roble y alrededor de la ciudad de Kassel.

Transformación:
Otros artistas, como la artista ecofeminista Aviva Rahmani, reflexionan sobre nuestro compromiso humano con el mundo natural y crean obras de arte ecológicamente informadas que se centran en la transformación o la recuperación. En las últimas dos décadas, Rosalie Gascoigne realizó importantes trabajos relacionados con el medio ambiente, quienes modelaron sus serenas esculturas a partir de la basura y la basura que encontró descartada en las zonas rurales. Del mismo modo, Marina DeBris utiliza basura de la playa para crear basura, educando a la gente sobre basura en la playa y el océano. Patrice Stellest creó grandes instalaciones con basura, pero también incorporó artículos pertinentes recolectados en todo el mundo y mecanismos de energía solar. John Wolseley recorre regiones remotas, reuniendo datos visuales y científicos, y luego incorpora información visual y de otro tipo en complejas obras de escalas murales en papel. El arte ecológico o el arte verde de los escultores de vidrio con sede en Washington, DC Erwin Timmers y Alison Sigethy incorpora algunos de los materiales de construcción menos reciclados; vidrio estructural La escritora y teórica de EcoArt Linda Weintraub acuñó el término «ciclo-lógica» para describir la correlación entre el reciclaje y la psicología. La noción del siglo 21 del compromiso consciente de los artistas con sus materiales se remonta a las pilas de basura del paleolítico de cerámica descartada y metales de antiguas civilizaciones. Weintraub cita el trabajo de la becaria de MacArthur, Sarah Sze, que recicla, reutiliza y reacondiciona los desechos del flujo de residuos en elegantes instalaciones extensas. Su trabajo autoreflexivo llama nuestra atención sobre nuestras propias vidas desordenadas y nuestra conexión con la cultura del consumidor. El campo de energía de Brigitte Hitschler extrajo energía de 400 diodos rojos del montón de escoria de potasa a ser recuperado en el que fueron instalados, usando el arte y la ciencia para revelar la cultura material oculta. La artista y activista ecológica Beverly Naidus crea instalaciones que abordan las crisis ambientales, los problemas del legado nuclear y crea trabajos en papel que prevén la transformación. Su proyecto de permacultura basado en la comunidad, Eden Reframed remedia el suelo degradado utilizando fitorremediación y hongos, resultando en un lugar público para cultivar y cosechar plantas medicinales y plantas comestibles. Naidus es una educadora que ha enseñado en la Universidad de Washington, Tacoma durante más de diez años, donde creó el currículo Interdisciplinary Studio Arts in Community fusionando el arte con la ecología y las prácticas socialmente comprometidas. El libro de Naidus, Arts for Change: Teaching Outside the Frame es un recurso para maestros, activistas y artistas. La escultora y artista de instalación Erika Wanenmacher se inspiró en Tony Price en su desarrollo de obras relacionadas con la creatividad, la mitología y la presencia nuclear de Nuevo México. Varios artistas, entre ellos Daniele Del Nero, han trabajado de diferentes maneras utilizando el molde viviente como elemento artístico.

Renovable
La escultura de la energía renovable es otro desarrollo reciente en el arte ambiental. En respuesta a la creciente preocupación por el cambio climático global, los artistas están diseñando intervenciones explícitas a nivel funcional, combinando respuestas estéticas con las propiedades funcionales de la generación o el ahorro de energía. El proyecto de energía eólica de Queensbridge de Andrea Polli es un ejemplo de arquitectura experimental que incorpora turbinas de viento en la estructura de un puente para recrear aspectos del diseño original y para iluminar el puente y las áreas vecinas. La escultura pública de Ralf Sander, World Saving Machine, usó energía solar para crear nieve y hielo fuera del Museo de Arte de Seúl en el caluroso verano coreano. Los practicantes de esta área emergente a menudo trabajan de acuerdo con códigos éticos y prácticos ecológicamente informados que se ajustan a los criterios de Ecodiseño.