Grabados y esculturas Experimentos, Instituto Tomie Ohtake

En más de 60 años de producción, Tomie Ohtake concibió un conjunto notable de obras y se aventuró a través de diferentes idiomas, sin abandonar los ejes principales que guiaron su investigación: color, gesto y materialidad. Tomie Ohtake: experimentos de grabados y esculturas, se centra en el grabado y la escultura, áreas que, junto con la pintura, son igualmente vastas en la producción del artista.

Tomie Ohtake es conocida por su trabajo, de un aparente minimalismo que se disuelve a segunda vista, revelándose a la vez complejo y delicado. Su trabajo, de un aparente minimalismo que se deshace a segunda vista, revelándose a sí misma, compleja y delicada al mismo tiempo, su producción creativa avanza, contra el tiempo.

Se destaca la fluidez con la que transpuso los rastros y movimientos de la pintura, particularmente la suya, a estos nuevos materiales, más rígidos y con otros límites. El gesto está presente en estas prácticas, ya sea en las curvas y giros de los tubos de acero que parecen haber sido moldeados por las propias manos de Tomie, o en la imprecisión de las formas presentes en los grabados, tomadas con fidelidad de los estudios realizados por el artista. rasgar y cortar papeles, dejando en claro su compromiso de llevar a cabo el trabajo.

El grabado en la obra de la artista apareció quince años después de que ella ya fuera reconocida como pintora brasileña. Inicialmente, sus impresiones fueron en serigrafía, con superficies cubiertas de colores, hasta que llegó a la construcción de planos rotos, ondulados y desvaídos. Poco a poco, el artista desarrolló nuevos medios, litografía, con diferentes posibilidades, como dibujos hechos a lápiz. Sin embargo, fue en el grabado en metal que encontró la misma libertad que el pincel y con el que continuó trabajando.

Los grabados presentes en esta exposición muestran cómo Tomie hizo de esta técnica un campo fértil e innovador. Creó series en grandes formatos, transformó la impresión en un objeto, produjo obras que avanzan de un plano a otro (en la confluencia de 90 grados) e incluso trabajó con cuatro manos en la composición del álbum Yu-Gen, una serie inspirado en Japón, con poemas de Haroldo de Campos inscritos en imágenes creadas por el artista. Con su experimentalismo inusual, sus grabados también han ganado reconocimiento internacional desde 1972, cuando fue invitada a participar en la sala Grafica D’Oggi en la Bienal de Venecia, una exposición a la que asistieron los artistas más importantes del mundo, como los estadounidenses de Arte pop.

La escultura en la obra de Tomie, por otro lado, aparece desde 1996, cuando fue invitada por la Bienal de São Paulo a participar en una sala especial. Para el evento internacional, diseñó una serie de piezas tubulares de acero, líneas flotantes que, en lugar de imponer un volumen, resaltan el vacío. De esta serie, se despliegan cuatro de las esculturas reunidas en Tomie Ohtake: colores grabados, líneas en el espacio, mientras que el conjunto de tres anillos circulares, también presentes en la exposición, fue parte de su primera instalación, realizada por invitación de Paço das Artes, en 2000. Con aproximadamente cuatro metros de diámetro, con formas diferentes y onduladas que alcanzan hasta 1.50 m de altura, los aros hacen un movimiento pendular cuando se tocan, permitiendo al espectador mover las piezas.

Biografía
Tomie Ohtake (Kyoto, 21 de noviembre de 1913 – São Paulo, 12 de febrero de 2015) fue un artista japonés naturalizado brasileño.

Tomie Ohtake es uno de los principales representantes del abstraccionismo informal. Su obra incluye pinturas, grabados y esculturas. Fue galardonada en el Salón Nacional de Arte Moderno en 1960; y en 1988 fue bendecida con la Orden de Río Branco por la escultura pública que conmemora el 80 aniversario de la inmigración japonesa en São Paulo.

Por su reconocida carrera, Tomie Ohtake es considerada la «dama de las artes plásticas brasileñas». Artistas como Tomie Ohtake, Tikashi Fukushima, Manabu Mabe y otros son reconocidos abstraccionistas, representantes de Brasil, que tienen muchos seguidores.

Los trabajos
El vasto trabajo de Tomie Ohtake está atravesado por una búsqueda constante y asidua de síntesis. Ya sea conquistado por la economía de formas simples rotas en composiciones refinadas y concisas, o por el equilibrio entre el uso libre de formas abstractas, el impulso gestual y el cuidado meticuloso en la disposición de estos elementos. El hecho es que el trabajo del artista desarrolla el umbral entre intención y acción, racionalidad y sensualidad, en una matriz impregnada de aspectos de la pintura occidental que se refieren a la tradición japonesa. En su discurso sintético y en su personalidad tranquila, Tomie Ohtake siempre se aseguraba de señalar la necesidad de no titular sus obras: nombrarlas restringiría la posibilidad de interpretaciones. La artista se separó de la figuración explícita de los primeros estudios y se sumergió en la exploración abstracta realizada sin una regla y una brújula, no formas libres figurativas que no dejan de evocar superficies de agua, luces, estrellas, imágenes del cosmos, dependiendo de la imaginación del observador. .

Por lo tanto, utilizó recursos y diversas técnicas que fueron capaces de elevar las lecturas más variadas. Transitado entre estas formas de hacer inventiva: pintado con los ojos vendados; transpone estampados, patrones y texturas extraídos de imágenes en revistas; Perfeccionó su gesto de manera que sus pinturas, esculturas y producciones gráficas tengan la misma delicadeza y fluidez en las formas; ella aprovechó el potencial de cada soporte, usando paletas cromáticas audaces y exuberantes cada una.

En casa, en el Ateliê
El ambiente familiar de Tomie Ohtake jugó un papel importante en su vida y su trabajo. La artista, que comenzó a producir en la década de 1950, a punto de cumplir 40 años, vivía con sus dos hijos en una pequeña casa en el barrio de Mooca en São Paulo. Allí, en un espacio reducido, realizó sus primeras obras, pasó de la figuración a la abstracción, e hizo algunas de las colecciones de obras más importantes de su carrera, incluso con algunas limitaciones, como la necesidad de tener que ir al exterior para poder claramente lo que pintaba con un retiro.

En la década de 1970, después de mudarse a una nueva residencia, el artista obtuvo mayor libertad para producir. El espacio ya no era una limitación y los formatos más grandes y las diferentes técnicas podrían explotarse como sus impulsos creativos. Concebida por su hijo Ruy Ohtake, la casa está diseñada para configurarse como un gran entorno continuo en el que las habitaciones compactas diseñadas como celdas podrían distribuirse libremente. Sus estructuras de soporte, soportaban las paredes laterales, dejando el centro libre como un amplio corredor en el que, desde la puerta de enlace, puede ver toda la extensión construida. Sin embargo, después de algunas renovaciones, se adjuntaron otras áreas, incluido un nuevo estudio que permitió nuevos experimentos y también incluyó trabajos y documentos anteriores, almacenados en una reserva técnica. Fue en este gran entorno donde Tomie Ohtake desarrolló su trabajo, pasó tiempo con su familia y recibió amigos, artistas, críticos, curadores y periodistas, creando una red distinta de relaciones y colaboraciones. Su figura y su hogar son parte de los recuerdos de muchas generaciones de arte brasileño como sinónimo de generosidad y perseverancia.

Primeros años
Desde 1952, Tomie Ohtake se unió a clases de pintura. Al principio, sin pretensiones, aprendió el oficio y las técnicas con el profesor Keisuke Sugano, quien alentó la producción pictórica, inicialmente figurativa. Los paisajes, lo que vio a través de su ventana, los objetos de su hogar y las imágenes aparecen en este primer momento de la producción del artista. Sin embargo, es posible ver que los troncos y ramas enredados, grupos de casas, entre otras figuras, se están volviendo gradualmente menos reconocibles, diluyéndose para formar composiciones cada vez más geométricas.

Pinturas a ciegas
Además de las formas y los colores, la cuestión de los sentidos también estaba en la agenda del trabajo de Tomie Ohtake. Entre 1959 y 1962, el artista realizó una serie de pinturas con los ojos vendados, conjunto que se conoció como el título de «Pinturas a ciegas» otorgado por el curador Paulo Herkenhoff. A partir de este procedimiento, el artista presentó una discusión sobre el arte y la ceguera estableciendo un diálogo con el filósofo francés Maurice Merleau-Ponty a través de la percepción del mundo pasando a los sentidos, eso es exactamente lo que es privarse de la visión durante el proceso de pintura. . Sin embargo, aunque se enfrentan a la posibilidad, no están totalmente hechos a ciegas: el artista había elegido previamente los colores y había que seguir un camino determinado. Los colores predominantes en estos trabajos son blanco, negro, gris y marrón.

Processo Construtivo
Desde mediados de la década de 1960, Tomie Ohtake retiró de las revistas brasileñas y japonesas referencias utilizadas para elaborar collages. Estos, a su vez, funcionaron casi como un prototipo para pinturas y grabados. Esta característica se usó para definir los campos de color cerca de formas geométricas que se vuelven inexactas por el efecto de las rasgaduras hechas a mano en papel, o por texturas, surcos y rebabas resultantes de la manualidade este método. Incluso las marcas y las manchas más sutiles presentes en los collages a menudo se implementaron fielmente en sus pinturas y grabados.

Ya en las décadas de 1970 y 1980, es evidente en sus estudios una mayor definición en las formas de contorno. Esto se deriva del uso de tijeras para hacer cortes en papeles. Los estudios y, por lo tanto, los trabajos se hacen más regulares. Aun así, las tijeras no tienen la precisión de una brújula y una regla, instrumentos que Tomie Ohtake usó, por lo tanto, mantienen abierta la posibilidad de que ocurran desviaciones gestuales de la rectitud de las formas geométricas. Con los años, estos proyectos se volvieron más escasos, notable también por las composiciones más fluidas, más pinceladas orgánicas y más flexibles como la estructura. Sin embargo, se realizaron estudios recurrentes para exhibiciones y tipo de catalogación que la propia artista bosquejó, con información sobre préstamos, ventas o que se exhibían.

Formas geométricas
«A diferencia del racionalismo de la geometría occidental, Ohtake experimenta una imprecisión incesante»

Tomie cósmico
Tomie Ohtake fue un artista que exploró la geometría. No afiliada a ningún movimiento que prevaleciera, como es el caso del concretismo y el neoconcretismo, por ejemplo, la artista trajo su propio lenguaje y formas de hacerlo guiados por la abstracción, la aplicación del color, la preparación de texturas y gestos expresivos. En la década de 2000, se observa en la producción del artista una recurrencia de forma circular. Las formas orgánicas, brillantes y curvilíneas plantean interpretaciones relacionadas con el cosmos: bolas incandescentes que a su vez se asemejan a galaxias, agujeros negros, eclipses, planetas o aparecen en pares, sugiriendo ondas, radiaciones. Sin embargo, aunque sus pinturas permiten una lectura telescópica, también es posible creer que las imágenes construidas provienen de la lente de un microscopio. El círculo también puede leerse por aspectos del zen japonés, lo que demuestra su poder rítmico, la idea de los ciclos e inspira un cierto silencio, como una gran curva solitaria sobre un fondo monocromático.

Litografías
Desde principios de la década de 1960, Tomie Ohtake realizó estudios a partir de papel cortado encontrado en revistas. Con el grabado, comenzó su experiencia con el proceso de serigrafía que le permitió al artista transponer la fluidez de su gesto para representar a la imprenta. A principios de 1970, Tomie Ohtake ingresó al mundo de la litografía. Esta parte de su producción destaca por el uso del color tan vibrante y también por combinaciones inusuales que el artista lo creó. Se diferencian de las de su producción pictórica. La litografía de Tomie aprovecha todo el repertorio gráfico disponible en esta técnica. Sus posibilidades de reproducción y trabajar junto con un experto técnico le permitieron crear soluciones compositivas como la preparación cromática y la superposición de formas.

100 – 101
En sus últimos dos años de vida, Tomie Ohtake tuvo una producción poderosa y a gran escala. Obra construida como resultado de la reducción dramática de la variación cromática, creando monocromos brillantes y radiantes en blanco, rojo, amarillo y azul. Sus líneas y formas están delineadas por relieves, gruesas capas de pintura acumulada que hacen del fondo de la pantalla una topografía llena de accidentes y discontinuidades.

Trabajos públicos
Desde la década de 1980, Tomie Ohtake trajo a los espacios públicos y áreas de formas de convivencia, que se refieren a los elementos pictóricos de su producción plástica. En los lugares donde viven varias ciudades, estas formas se convierten en kilos o toneladas de hierro, concreto, acero, gránulos de vidrio o lo que sea necesario; tales volúmenes que pueden alcanzar una escala monumental, nunca parecen tener el peso que realmente tienen.

Una de sus primeras obras públicas, que ya no existe pero que generó varios debates, fue la estrella flotante que diseñó para Río de Janeiro en 1985. Construyó una pieza de metal, que se destacaba sobre el agua con sol y se hizo de la misma manera. espacio y con la misma infraestructura utilizada para mantener naves. Una de sus obras de gran reconocimiento público, realizada en conmemoración de los 80 años de inmigración japonesa en Brasil en 1988, representó a las generaciones de japoneses que estuvieron aquí (issei, nissei, sansei, yonsei) por cuatro arcos, o curvas / ondas. – de la Avenida 23 de Maio. Veinte años después, regresó para celebrar la inmigración, esta vez en su centenario con una pieza circular dispuesta en una de las vías de acceso al aeropuerto internacional de Guarulhos.

En 1997, concibió su primer trabajo tridimensional para integrar un edificio. Ubicada en el complejo del Laboratorio Aché, cuyo diseño arquitectónico es el autor de Ruy Ohtake, su hijo, la obra, apoyada por un solo punto, funciona como una cinta Moebius, una forma geométrica en la que no es posible distinguir los lados por dentro y afuera, asemejándose al símbolo del infinito por su movimiento siempre continuo. Antes de esto, Tomie Ohtake ya había colaborado con la arquitectura en la realización de paneles, murales y pinturas que se relacionan con los espacios proyectados.

El procedimiento de trabajo de la artista, cuando se propuso actuar en la escala arquitectónica, comenzó con la creación de bocetos, collages y maquetas rápidas, a menudo hechas a mano sin comprometer su fuerza. Luego, sus modelos imaginativos fueron posibles gracias a la colaboración con técnicos e ingenieros, que emplearon métodos sofisticados para traducir sus delicadas formas en esculturas monumentales.

Instituto Tomie Ohtake
El Instituto Tomie Ohtake, inaugurado desde el 28 de noviembre de 2001, es uno de los pocos espacios en São Paulo que ha sido diseñado con el propósito específico de organizar exposiciones de arte, arquitectura y diseño nacionales e internacionales.

En honor al artista que lleva su nombre, el Instituto alberga exposiciones que arrojan luz sobre los desarrollos artísticos en las últimas seis décadas, así como sobre los movimientos artísticos anteriores que contribuyen a una mejor comprensión del período en que vivió y trabajó Tomie Ohtake. . Desde que abrió sus puertas al público, el Instituto ha presentado espectáculos nunca antes vistos en Brasil, incluidos Louise Bourgeois, Josef Albers, Yayoi Kusama, Salvador Dalí y Joan Miró, entre otros.

Además de su programa de exhibición pionero, amplificado a través de un programa paralelo de debates, investigación, producción de contenido, trabajo de archivo y publicaciones, el Instituto Tomie Ohtake, desde su fundación, ha realizado una investigación significativa sobre los enfoques para la enseñanza del arte contemporáneo. Esto se manifiesta en los nuevos y pioneros métodos de capacitación para maestros y estudiantes en escuelas públicas y privadas, un programa de eventos abierto a todos y proyectos diseñados para alentar a las nuevas generaciones de artistas a desarrollarse y prosperar.