En plein air (literalmente al aire libre) es una frase en francés que indica un método pictórico que consiste en pintar al aire libre para capturar los sutiles matices que la luz genera en cada detalle. Otro objetivo de esta técnica es comprender la verdadera esencia de las cosas, ya que es una expresión derivada de la observación directa de la realidad. En boga, especialmente en el siglo XIX europeo, la corriente pictórica de los impresionistas utilizó ampliamente la pintura al aire libre. Este método contrasta con la pintura de estudio o las reglas académicas que podrían crear un aspecto predeterminado.
Aunque en el pasado histórico los artistas ya utilizaron el recurso de pintar la naturaleza que contemplaban (género o arte paisajístico), no fue hasta mediados del siglo XIX cuando decidieron explícitamente utilizar la luz natural para estudiar y lograr ciertos efectos y aplicar ellos a su pintura. Incluso entonces, los paisajistas tan prominentes como Carlos de Haes continuaron la tradición de reservar la mayor parte del trabajo pictórico para el estudio (como en la llamada pintura del gabinete), y hacer solo bocetos o notas de la naturaleza al aire libre.
Tal novedad fue una ‘elección de estilo’, atribuida a la escuela Barbizon y a los primeros impresionistas en Francia, aunque en Italia otros círculos de pintores como el Macchiaioli también desarrollaron propuestas similares al mismo tiempo, mientras que en Inglaterra lo que los miembros de La escuela de Newlyn en Rusia hizo que muchos de sus mejores paisajistas y en otros países europeos y americanos se especializaran en colonias y círculos especializados en pintura de paisajes.
Quizás la clave del éxito y la popularización del plenario desde la década de 1870 fue la comercialización de contenedores de tubos para pintura al óleo. Antes de ellos, cada pintor tenía que hacer sus propios colores mezclando pigmentos de polvo seco con aceite de linaza. Otro invento de la misma etapa fue el tipo de caballete llamado en inglés «caballete de caja francés», aunque no se ha establecido con certeza quién lo usó primero. Consistía en una estructura muy fácil de transportar, con patas telescópicas, que podrían incorporar la paleta y la caja de pintura; lo que permitió a los pintores al aire libre realizar auténticas excursiones campestres, además de ser aptas para su uso en el estudio.
Concepto
Está claro que pintar al aire libre y pintar al aire libre significan lo mismo y se utilizan para describir una técnica pictórica: trabajar desde lo natural, es decir, en un espacio preferiblemente natural. El término plenairismo, sin embargo, parece informar que se ha agregado a la práctica de esta técnica ideológica, cromática emocional. Recorriendo la historia del arte, está comprobado que los asirios, los chinos, los aztecas y, mucho antes, los artistas rupestres pintaban al aire libre, pero no hay documentación de las razones sociales y artísticas que los llevaron a hacerlo, o si eran simplemente religiosos, geográficos u obvios. Sin embargo, desde su aparición en el semillero parisino a mediados del siglo XIX, el plenario ha resultado en un término conflictivo, un germen de controversia entre críticos, académicos y académicos de arte, y un comodín de uso abstracto para la gran mayoría. Mientras tanto, los pintores salieron al campo a pintar con sus caballetes y sombrillas, trasladando en muchas ocasiones la osadía necesaria y sus modelos a los rincones más inesperados de la naturaleza más o menos salvaje.
Revolucionarios
Es sorprendente que diferentes autores en diferentes contextos, presentados como «paisaje puro» al Greco de Vista de Toledo, al Velázquez de dos pequeños paisajes de la Villa Medici, o al Van Gogh de Cafe Terrace en la noche, que pinta el natural en medio de la noche y se ilumina colocando velas alrededor de su sombrero.
Precursores
Antes del uso ideológico de la técnica de la pintura sobre (y otras, por lo tanto, diecinueve terminologías críticas, burguesas y «Fanes ‘al aire libre, una lista interminable de artistas, muchos de ellos pintados de primera línea» in. Situ «voluntariamente y sistema Aquí, plenairistas fueron: Durero, Claude Lorrain, Poussin, Salvator Rosa y en el tramo, Camille Corot, Joseph Mallord William Turner y Constable.
Parece aceptado, excepto por los chovinistas más recalcitrantes que, aún sin nombre, el plenario se forjó en Inglaterra en el último tercio del siglo XVIII, como un ejercicio, como un recurso técnico, como una receta académica para la correcta pintura de paisajes y como un sinónimo de «absorción de aire y luz». Así, el gran maestro precursor propuesto por especialistas y críticos fue John Constable.
El hecho de que Diderot, después de pasear por el salón parisino de 1767, prefiriera muchos bocetos a las pinturas terminadas, no resta valor a la batalla oficial y frontal, que lucharon los pintores de Barbizón, siguiendo la tradición angloholandesa. Está justificado por las colonias populares de plenarios (ahora ya etiquetados) que en la década de 1820 pintaron corporativamente en el bosque de Fontainebleau, en Saint-Cloud, en Sèvres y en toda la costa del canal de La Mancha.
Acuarelas y viajeros
La creación en 1804, en Inglaterra, de la Sociedad de Acuarelas (Sociedad de Acuarelas) y la popularización de la pintura de acuarela en Europa y América, hicieron de esta técnica el recurso principal de los pintores itinerantes y «pioneros del plenario».
En su viaje a Marruecos en 1831, Eugenio Delacroix, «pintor de gabinetes» ajeno a la pintura de paisajes, el uso profesional de la acuarela por artistas viajeros y las posteriores modas, dibujos, notas y pinturas en siete cuadernos, varios miles de acuarelas. Algunas de esas notas naturales se convertirían en lienzo años después; por ejemplo bodas judías, presentadas en el Salón de París de 1841, y conservadas en el Museo del Louvre. A partir de 1820 data la aceptación de la técnica de la acuarela en los esquemas ultra-académicos de dicho Hall, un catalizador de mercado y de negocios pictóricos y árbitro de arte en los tribunales europeos de la época. En 1824, cuatro artistas ingleses habían triunfado en este Salón (tal vez porque habían sido rechazados antes en su propio país): Thomas Lawrence, John Constable, Copley Fielding y Richard Parkes Bonington.
En el caso específico de Delacroix, sus descubrimientos y reflexiones sobre el comportamiento de la luz en los objetos servirían como premisas para los teóricos del puntillismo como Seurat y Paul Signac.
Esquema y trabajo terminado
Las reflexiones del poeta y crítico de arte Charles Baudelaire después de abandonar el Salón de París de 1845, estimuladas por los paisajes de Corot, revelaron la contradicción oficial de considerar como obras de arte obras meticulosamente trabajadas en el estudio y rechazar como tal bocetos espontáneos tomados de lo natural. Una contradicción sobre la cual, al otro lado de los Alpes, los miembros del círculo de pintores llamados macchiaioli también especularon.
El escándalo se produjo cuando, estimulados por lo obvio, pintores de todo el mundo, centralizados por el ejemplo francés, los más conocidos y difundidos, decidieron considerar y, por lo tanto, presentar y comercializar los supuestos bocetos como obras de arte terminadas. La técnica del plenario acababa de dar el salto cualitativo del que nada ni nadie en el futuro podrían arrebatarle.
Picnic al aire libre y plenitud en la playa
Los idilios campestres de un Watteau, las escenas paisajísticas pastorales de Claudio de Lorena y las escenas más o menos mitológicas o religiosas enmarcadas y a veces envueltas en la naturaleza que pintó Giorgione, no son, evidentemente, pinturas completas, pero es difícil de entender. imagina el desayuno de Manet o las versiones de Claude Monet sin recordarlas. La observación de tal evolución metafísica en la concepción de la pintura ayuda a comprender las claves del plenario como escuela y revolución sin espacio ni tiempo.
Pero el área del paisaje donde la definición de plenario ganó la categoría de escuela de pintura (y continúa manifestándose como tal hasta el punto de haber imitado el hecho en sí), fueron las costas del mar (ya presentes en la intuición de Constable o Courbet) en en general y las playas en particular. Como concluye Linda Nochlin, el último capítulo del Realismo fue pintado al aire libre, junto al mar.
Expansión del plenario en las escuelas de paisajismo.
Apariencia
Plein air apareció a principios del siglo XIX en Inglaterra gracias a John Constable y Richard Parks Bonington. El plenerismo se convierte en la base de la estética de los artistas para quienes la luz y el aire adquieren un significado independiente y un interés puramente pictórico. El objeto en sí no se dibuja conscientemente, apenas se expresa en siluetas concretas, o desaparece por completo. Esta técnica fue muy popular entre los impresionistas franceses (fue entonces que el término al aire libre fue ampliamente utilizado). Artistas como Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-Francois Millet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir y, sobre todo, Claude Monet contribuyeron al desarrollo de la pintura al aire libre.
La pintura con luz natural se conoció durante mucho tiempo y se usó principalmente para crear bocetos. Sin embargo, entre los artistas de la escuela Barbizon y los impresionistas, esta técnica de pintura recibió una nueva vida.
Características de la pintura plein air
El impresionismo, en general, es un excelente ejemplo de la obra del artista al aire libre. El famoso crítico de arte J.-L. Castagnari escribió:
“Ellos [los impresionistas] perciben la naturaleza de tal manera que resulta ser todo menos aburrida y banal. Su pintura está llena de vida, rápida, fácil … No se esfuerzan por una reproducción exacta, pero están limitados por la percepción general … Son impresionistas en el sentido de que no reproducen el paisaje en sí, sino la impresión causada por esto. paisaje … Por lo tanto, se apartan de la realidad y se mueven completamente a la posición del idealismo. »
Fueron los impresionistas quienes plantearon el estudio, realizado al aire libre, al nivel de pinturas independientes completas. Los impresionistas intentaron transmitir sus propias impresiones del mundo con la mayor precisión posible; en aras de este objetivo, abandonaron las reglas académicas existentes de la pintura y crearon su propio método excelente. Su esencia era transmitir con la ayuda de trazos separados de pinturas puras la impresión externa de la luz, la sombra, su reflejo en la superficie de los objetos. Este método creó la impresión de una disolución de la forma en la luz que rodea el espacio aéreo. Claude Monet escribió sobre su trabajo:
«Mi mérito es que escribí directamente desde la naturaleza, tratando de transmitir mis impresiones sobre los fenómenos más inestables y cambiantes».
En los tiempos modernos, la formación al aire libre a menudo se convierte en uno de los elementos fundamentales en la enseñanza de la pintura en diversas instituciones artísticas y educativas y forma parte de la pintura desde la naturaleza.
Historia
Los artistas han pintado durante mucho tiempo al aire libre, pero a mediados del siglo XIX, trabajar con luz natural se volvió particularmente importante para la escuela Barbizon, la escuela Hudson River y los impresionistas.
Muchos artistas de Europa se encuentran en Roma y van a pintar al aire libre. Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) realiza bocetos de paisajes, en óleo, en Roma y sus alrededores (obras expuestas en el Museo del Louvre). También teórico y pedagogo, escribió en 1799 su «Consejo para un estudiante sobre pintura y particularmente sobre el género del Paisaje 1». Esta práctica de «pintura al aire libre» se extendió en Francia a mediados del siglo XIX, con ciertos miembros de la Escuela Barbizon, como Charles-François Daubigny o pintores independientes como Eugène Boudin, que influyeron de manera considerable en los futuros impresionistas que encuentran su maestro en la persona de Edouard Manet 2.
Entre las obras más antiguas de pintura sobre el motivo, citemos las de Alexandre-François Desportes (1661-1743), bocetos pintados al óleo sobre papel. Los temas son paisajes con representación de la flora y la fauna, en preparación para pinturas, escenas de caza en particular, hechas para Louis XIV y Louis XV. Algunas de estas obras ocupan un lugar destacado en el Museo del Louvre o en el Museo de Caza y Naturaleza de París. En 1817, Achille Etna Michallon (1796-1822) fue el primer ganador del «Prix de Rome pour le paysage historique». Entre otros alumnos, tuvo a Corot, que produjo desde 1825 hasta 1828, una serie de paisajes en Italia en particular. Corot continuará a lo largo de su carrera para pintar al aire libre, sobre el motivo; Fue uno de los precursores de la Escuela Barbizon, yendo a pintar en Fontainebleau.
En 1830, la Escuela Barbizon en Francia, permitió a artistas como Charles-François Daubigny y Théodore Rousseau representar con mayor precisión la aparición de escenarios al aire libre en diversas condiciones de luz y clima. A finales de 1800, el enfoque al aire libre se incorporó al estilo de los impresionistas, y artistas como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille comenzaron a crear su trabajo al aire libre. Desde Francia, el movimiento se expandió a América, comenzando en California y luego mudándose a otros lugares estadounidenses notables por sus cualidades de luz natural, incluido el Hudson River Valley en Nueva York.
A fines del siglo XIX y principios del XX, la pintura al aire libre está en auge con la aparición de colores en los tubos (1841). Esto permite a los artistas moverse fácilmente, incluso si la mayoría de las veces completan su pintura en el estudio. Su preocupación se convierte en pintar la naturaleza como les parece, a la luz del momento presente. Los impresionistas pintan paisajes no por su lado pintoresco sino por los efectos atmosféricos, teniendo en cuenta los diferentes aspectos que puede tener un motivo dependiendo de las condiciones de luz y, por lo tanto, de las horas del día, de ahí la aparición de la serie (Catedrales y Piedras de Monet de Monet ) En un trabajo titulado «Historia de los pintores impresionistas» (París, publicado en 1939), Théodore Duret escribirá en particular «la gran innovación de los impresionistas: la pintura al aire libre».
Sin embargo, las actitudes dentro del movimiento impresionista fueron mixtas: Degas se negó a «pintar al aire libre» por falta de tiempo, a diferencia de Renoir, quien, según él, «puede hacer lo que quiera».
Después de los impresionistas, del siglo XX, muchos artistas de todo el mundo pintaron al aire libre; entre ellos se encuentran algunos franceses, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Manguin o el italiano Francesco Filippini. Relativamente hablando, los pintores al aire libre de finales del siglo XX y principios del siglo XXI con los impresionistas comparten el mismo enfoque pictórico: “Es decir, la representación del exterior y el efecto producido por las variaciones constantes e imperceptibles de la luz sobre los elementos. Estos artistas están trabajando en una nueva forma de pintar, vinculada a una nueva forma de ver. Para ellos, se trata de transcribir una sensación inmediata, de representar los efectos luminosos del cielo y el agua, la vibración coloreada de sus efectos cambiantes. «(Théodore Duret, trabajo citado).
Los Macchiaioli eran un grupo de pintores italianos activos en la Toscana en la segunda mitad del siglo XIX, quienes, rompiendo con las convenciones anticuadas enseñadas por las academias de arte italianas, hicieron gran parte de su pintura al aire libre para capturar la luz natural, la sombra, y color. Esta práctica relaciona el Macchiaioli con los impresionistas franceses que salieron a la fama unos años más tarde, aunque el Macchiaioli persiguió propósitos algo diferentes. Su movimiento comenzó en Florencia a finales de la década de 1850.
La Newlyn School en Inglaterra se considera otro gran defensor de la técnica en el siglo XIX. La popularidad de la pintura al aire libre aumentó en la década de 1840 con la introducción de pinturas en tubos (como las de la pasta de dientes). Anteriormente, los pintores hacían sus propias pinturas moliendo y mezclando polvos de pigmentos secos con aceite de linaza.
El acto de pintar al aire libre desde la observación ha sido continuamente popular hasta bien entrado el siglo 21. Hoy en día, la pintura de paisajes está presente en el arte contemporáneo. Este movimiento, que a veces llamamos indiferentemente «pintura de paisajes, pintura sobre el motivo, pintura al aire libre, arte nómada» está representado por artistas como David Hockney, Per Kirkeby, Peter Doig, Antonio López García, Klauss Fussman, Vincent Bioulès, Alexandre Hollan … Es particularmente dinámico en la costa oeste de los Estados Unidos con el renacimiento Plein-Air de California.
Equipamiento y desafíos
Fue a mediados del siglo XIX que se inventó el ‘caballete de caja’, típicamente conocido como el ‘caballete de caja francés’ o ‘caballete de campo’. No se sabe quién lo desarrolló, pero estos caballetes altamente portátiles con patas telescópicas y caja de pintura y paleta incorporadas hicieron que fuera más fácil ingresar al bosque y subir las laderas. Todavía se hacen hoy, siguen siendo una opción popular (incluso para uso doméstico) ya que se pliegan hasta el tamaño de un maletín y, por lo tanto, son fáciles de almacenar.
La caja Pochade es una caja compacta que le permite al artista mantener todos sus suministros y paleta dentro de la caja y tener el trabajo en el interior de la tapa. Algunos diseños permiten un lienzo más grande que puede sujetarse mediante abrazaderas integradas en la tapa. Hay diseños que también pueden contener algunos lienzos o paneles de pintura húmeda dentro de la tapa. Estas cajas tienen una popularidad creciente, ya que si bien se usan principalmente para pintar al aire libre, también se pueden usar en el estudio, el hogar o el aula. Dado que las cajas de pochade se usan principalmente para pintar en el lugar, el lienzo o la superficie de trabajo pueden ser pequeños, generalmente no más de 20 pulgadas (50 cm).
Los desafíos incluyen el tipo de pintura utilizada para pintar al aire libre, animales, insectos, espectadores y condiciones ambientales como el clima. La pintura acrílica puede endurecerse y secarse rápidamente en climas cálidos y soleados y no se puede reutilizar. En el lado opuesto del espectro está el desafío de pintar en condiciones húmedas o húmedas con precipitación. El advenimiento de la pintura al aire libre fue anterior a la invención de los acrílicos. El método tradicional y bien establecido de pintura al aire libre incorpora el uso de pintura al óleo.
Defensores
Pintores impresionistas franceses como Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley y Pierre-Auguste Renoir abogaron por la pintura al aire libre, y gran parte de su trabajo se realizó al aire libre bajo la luz difusa de un gran paraguas blanco. Claude Monet era un ávido artista al aire libre que dedujo que para aprovechar la cercanía y la semejanza de un escenario exterior en un momento específico, uno tenía que estar afuera para hacerlo en lugar de simplemente pintar un escenario exterior en su estudio. En la segunda mitad del siglo XIX y principios del siglo XX en Rusia, pintores como Vasily Polenov, Isaac Levitan, Valentin Serov, Konstantin Korovin e IE Grabar eran conocidos por pintar en plein air.
Pero los entusiastas de la pintura al aire libre no se limitaron al Viejo Mundo. Los impresionistas estadounidenses, como los de la escuela Old Lyme, eran ávidos pintores en plein air. Los pintores impresionistas estadounidenses que destacaron por este estilo durante esta época incluyeron a Guy Rose, Robert William Wood, Mary DeNeale Morgan, John Gamble y Arthur Hill Gilbert. En Canadá, el Grupo de los Siete y Tom Thomson son ejemplos de defensores en plein air.
Lugares
Barbizon (Sena y Marne), se convirtió así en uno de los lugares míticos del período preimpresionista en Francia (escuela de Barbizon). A partir de 1830, lo que sigue siendo una aldea de leñadores de hecho dará la bienvenida a la posada Ganne, todos los pintores que vienen a buscar la inspiración de la naturaleza virgen. Más tarde, comparten sus estadías entre Barbizon y Chailly-en-Bière, encontrando a sus súbditos en el campo o en el bosque cercano de Fontainebleau.
La costa de Normandía (Le Havre, Honfleur) atrae a los impresionistas
Las orillas del Sena en Argenteuil (Val-d’Oise): Monet, Sisley y Signac
Chatou (Yvelines), reunión de los impresionistas y los fauves, que eran clientes habituales en el restaurante la Fournaise
Auvers-sur-Oise (Val-d’Oise), última parada para Van Gogh y Pontoise donde se establecieron Cézanne y Pissarro
Moret-sur-Loing (Sena y Marne) y su iglesia de la que Sisley nunca se cansó
Grez-sur-Loing, «descubierto» por Jean-Baptiste Corot y donde una comunidad de artistas escandinavos se estableció en la década de 1880 (Carl Larsson y su esposa Karin, Peder Severin Krøyer, Michael y Anna Ancher, Christian Krohg)
La montaña Sainte-Victoire celebrada por Cezanne