La historia de la pintura oriental incluye una amplia gama de influencias de diversas culturas y religiones. Los desarrollos en la pintura oriental históricamente son paralelos a los de la pintura occidental, en general unos siglos antes. El arte africano, el arte judío, el arte islámico, el arte indio, el arte chino, el arte coreano y el arte japonés tuvieron una influencia significativa en el arte occidental y, viceversa.
La pintura china es una de las tradiciones artísticas continuas más antiguas del mundo. Las primeras pinturas no eran representativas sino ornamentales; consistían en patrones o diseños en lugar de imágenes. La cerámica primitiva estaba pintada con espirales, zigzags, puntos o animales. Fue solo durante el período de los Estados Combatientes (403-221 aC) que los artistas comenzaron a representar el mundo que los rodeaba. La pintura japonesa es una de las más antiguas y altamente refinadas de las artes japonesas, que abarca una amplia variedad de géneros y estilos. La historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas. La pintura coreana, como una forma independiente, comenzó alrededor del 108 aC, en torno a la caída de Gojoseon, por lo que es uno de los más antiguos del mundo. Las obras de arte de ese período de tiempo se convirtieron en los diversos estilos que caracterizaron el período de los Tres Reinos de Corea, sobre todo las pinturas y frescos que adornan las tumbas de la realeza de Goguryeo. Durante el período de los Tres Reinos y durante la dinastía Goryeo, la pintura coreana se caracterizó principalmente por una combinación de paisajes de estilo coreano, rasgos faciales, temas centrados en el budismo y un énfasis en la observación celestial facilitada por el rápido desarrollo de la astronomía coreana.
Pintura del este asiático
China, Japón y Corea tienen una fuerte tradición en la pintura, que también está muy vinculada al arte de la caligrafía y el grabado (tanto que comúnmente se lo ve como pintura). La pintura tradicional del lejano Oriente se caracteriza por técnicas basadas en agua, menos realismo, sujetos «elegantes» y estilizados, enfoque gráfico de la representación, la importancia del espacio en blanco (o espacio negativo) y una preferencia por el paisaje (en lugar de la figura humana) como tema. Más allá de la tinta y el color en rollos de seda o papel, el oro en la laca también era un medio común en las obras de arte del este asiático pintadas. Aunque la seda era un medio algo caro para pintar en el pasado, la invención del papel durante el siglo I dC por el eunuco de la corte Han Cai Lun no solo proporcionó un medio barato y generalizado para la escritura, sino también un medio barato y generalizado para la pintura (haciéndolo más accesible para el público).
Las ideologías del confucianismo, el taoísmo y el budismo jugaron un papel importante en el arte de Asia oriental. Los pintores de la dinastía Song medieval como Lin Tinggui y su Luohan Laundering (ubicado en la Galería de Arte Freer Smithsonian) del siglo XII son excelentes ejemplos de ideas budistas fusionadas en obras de arte clásicas chinas. En este último cuadro sobre seda (imagen y descripción proporcionadas en el enlace), el budista Luohan calvo se representan en un entorno práctico de lavado de ropa junto a un río. Sin embargo, la pintura en sí misma es visualmente impactante, con el Luohan retratado con detalles ricos y colores brillantes y opacos en contraste con un ambiente boscoso brumoso, marrón y sosa. Además, las copas de los árboles están envueltas en remolinos de niebla, proporcionando el «espacio negativo» común mencionado anteriormente en el arte oriental asiático.
En Japonisme, los postimpresionistas de finales del siglo XIX como Van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec y los tonalistas como James McNeill Whistler admiraron a los artistas japoneses de Ukiyo-e de principios del siglo XIX como Hokusai (1760-1849) e Hiroshige (1797- 1858) y fueron influenciados por ellos.
pintura china
Los primeros ejemplos sobrevivientes de obras de arte pintadas chinas datan del Período de los Estados Combatientes (481 – 221 aC), con pinturas sobre seda o murales de tumbas en roca, ladrillo o piedra. Eran a menudo en formato estilizado simplista y en patrones geométricos más o menos rudimentarios. A menudo representaban criaturas mitológicas, escenas domésticas, escenas de trabajo o escenas palaciegas llenas de funcionarios en la corte. Las ilustraciones durante este período y la posterior dinastía Qin (221 – 207 aC) y la dinastía Han (202 aC – 220 dC) no se hicieron como un medio en sí mismo o para una mayor expresión personal; más bien se creó una obra de arte para simbolizar y honrar ritos funerarios, representaciones de deidades mitológicas o espíritus de antepasados, etc. Pinturas sobre seda de funcionarios de la corte y escenas domésticas se pueden encontrar durante la dinastía Han, junto con escenas de hombres cazando a caballo o participando Desfile militar. También había pintura en obras de arte tridimensionales, como estatuillas y estatuas, como los colores pintados originalmente que cubren el soldado y las estatuas de caballo del Ejército de terracota. Durante el clima social y cultural de la antigua Dinastía Jin del Este (316-420 dC) basada en Nanjing en el sur, la pintura se convirtió en uno de los pasatiempos oficiales de los funcionarios burocráticos y aristócratas enseñados por Confucio (junto con la música tocada por la cítara guqin, escribir caprichosas caligrafías, y escribir y recitar poesía). La pintura se convirtió en una forma común de autoexpresión artística, y durante este período los pintores en la corte o entre los circuitos sociales de élite fueron juzgados y clasificados por sus pares.
El establecimiento de la pintura de paisaje clásica china está acreditado en gran parte por el artista de la dinastía Jin del Este, Gu Kaizhi (344 – 406 dC), uno de los artistas más famosos de la historia de China. Al igual que las alargadas escenas de desplazamiento de Kaizhi, dinastía Tang (618-907 dC) artistas chinos como Wu Daozi pintaron obras de arte vívidas y muy detalladas en largos rollos horizontales (que fueron muy populares durante Tang), como sus ochenta y siete personas celestiales. Las obras de arte pintadas durante el período Tang se referían a los efectos de un entorno paisajístico idealizado, con escasa cantidad de objetos, personas o actividades, así como de naturaleza monocromática (por ejemplo, los murales de la tumba de Price Yide en el Mausoleo de Qianling). También hubo figuras como el pintor de la era Tang, Zhan Ziqian, quien pintó pinturas de paisajes excelentes que estaban muy por delante de su época en la representación del realismo. Sin embargo, el arte del paisaje no alcanzó un mayor nivel de madurez y realismo en general hasta el período de las Cinco Dinastías y los Diez Reinos (907 – 960 dC). Durante este tiempo, hubo pintores de paisajes excepcionales como Dong Yuan (refiérase a este artículo para ver un ejemplo de su obra de arte), y aquellos que pintaron representaciones más vívidas y realistas de escenas domésticas, como Gu Hongzhong y sus Noctámbulos de Han Xizai.
Durante la dinastía Song china (960-1279 dC), no solo se mejoró el arte del paisaje, sino que la pintura de retratos se estandarizó y sofisticó más que antes (por ejemplo, se refiere al emperador Huizong de Song) y alcanzó su edad clásica durante el Dinastía Ming (1368 – 1644 dC). Durante finales del siglo XIII y la primera mitad del siglo XIV, a los chinos bajo la dinastía Yuan controlada por los mongoles no se les permitió ingresar a cargos superiores de gobierno (reservados a mongoles u otros grupos étnicos de Asia Central) y el examen imperial cesó el momento. Muchos chinos educados en Confucio que ahora carecían de profesión recurrieron a las artes de la pintura y el teatro, ya que el período Yuan se convirtió en una de las épocas más vibrantes y abundantes para las obras de arte chino. Un ejemplo de esto sería Qian Xuan (1235-1305 dC), que era un funcionario de la dinastía Song, pero por patriotismo, se negó a servir en la corte Yuan y se dedicó a la pintura. Entre los ejemplos de obras de arte excepcionales de este período figuran los murales pintados, ricos y detallados, del Palacio de Yongle, o «Palacio de la Longevidad de Dachunyang», de 1262 d. C., Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO. Dentro del palacio, las pinturas cubren un área de más de 1000 metros cuadrados, y contienen principalmente temas taoístas. Fue durante la dinastía Song que los pintores también se reunían en clubes o reuniones sociales para debatir sobre su arte o sobre las obras de arte de los demás, cuyo elogio a menudo conducía a persuasiones para comerciar y vender preciosas obras de arte. Sin embargo, también hubo muchas críticas duras del arte de los demás, mostrando la diferencia de estilo y gusto entre los diferentes pintores. En 1088 dC, el científico y estadista científico Shen Kuo escribió una vez sobre la obra de un Li Cheng, a quien criticó de la siguiente manera:
… Luego estaba Li Cheng, que cuando representaba pabellones y casas de campo en medio de montañas, edificios de edificios, pagodas y similares, siempre solía pintar los aleros como se ve desde abajo. Su idea era que ‘uno debería mirar hacia arriba desde abajo, del mismo modo que un hombre parado en un terreno llano y mirando hacia el alero de una pagoda puede ver sus vigas y sus vigas voladoras en voladizo’. Esto está todo mal. En general, la forma correcta de pintar un paisaje es ver lo pequeño desde el punto de vista de lo grande … al igual que se observan las montañas artificiales en los jardines (a medida que uno camina). Si se aplica (método de Li) a la pintura de montañas reales, mirándolas desde abajo, solo se puede ver un perfil a la vez, y no la riqueza de sus pendientes y perfiles multitudinarios, para no decir nada de todo lo que va en los valles y cañones, y en las calles y patios con sus viviendas y casas. Si nos ubicamos al este de una montaña, sus partes occidentales estarían en el límite de distancia lejana, y viceversa. Sin duda, esto no podría llamarse una pintura exitosa? El Sr. Li no entendió el principio de «ver lo pequeño desde el punto de vista de lo grande». Sin duda fue maravilloso para disminuir con precisión las alturas y las distancias, pero ¿se debe dar tanta importancia a los ángulos y esquinas de los edificios?
Aunque a menudo se prefirió el alto nivel de estilización, atractivo místico y elegancia surrealista sobre el realismo (como en el estilo shan shui), comenzando con la dinastía Song medieval, hubo muchos pintores chinos que representaron escenas de la naturaleza que eran vívidamente reales. Más tarde, los artistas de la Dinastía Ming tomarían este énfasis de la dinastía Song para detalles intrincados y realismo en objetos de la naturaleza, especialmente en representaciones de animales (como patos, cisnes, gorriones, tigres, etc.) entre parches de flores de colores brillantes y matorrales de maleza y madera (un buen ejemplo sería la pintura anónima de la dinastía Ming Birds and Plum Blossoms, ubicada en la Galería Freer del Museo Smithsonian en Washington, DC). Hubo muchos artistas renombrados de la dinastía Ming; Qiu Ying es un excelente ejemplo de un pintor supremo de la era Ming (famoso incluso en su época), utilizando en su obra escenas domésticas, bulliciosas escenas palaciegas y escenas de naturaleza de valles fluviales y montañas cubiertas de niebla y nubes en remolino. Durante la dinastía Ming también había escuelas de arte diferentes y rivales relacionadas con la pintura, como la Escuela Wu y la Escuela Zhe.
La pintura china clásica continuó en la dinastía Qing moderna temprana, con pinturas de retrato muy realistas como se veían a finales de la dinastía Ming de principios del siglo XVII. Los retratos del emperador Kangxi, el emperador Yongzheng y el emperador Qianlong son excelentes ejemplos de pintura de retrato china realista. Durante el reinado de Qianlong y el siglo XIX, los estilos de pintura del Barroco europeo tuvieron una notable influencia en los retratos chinos, especialmente con los efectos visuales pintados de la iluminación y la sombra. Del mismo modo, las pinturas de Asia oriental y otras obras de arte (como la porcelana y la laca) fueron muy apreciadas en Europa desde el contacto inicial en el siglo XVI.
Pintura japonesa
La pintura japonesa (絵 画) es una de las más antiguas y más refinadas de las artes japonesas, que abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que con las artes japonesas en general, la pintura japonesa se desarrolló a través de una larga historia de síntesis y competencia entre la estética japonesa nativa y la adaptación de ideas importadas. Ukiyo-e, o «imágenes del mundo flotante», es un género de grabados en madera japoneses (o «xilografías») y pinturas producidas entre los siglos XVII y XX, con motivos de paisajes, teatro y distritos cortesanos. Es el principal género artístico de la impresión en madera japonesa. El grabado japonés, especialmente del período Edo, ejerció una enorme influencia en la pintura francesa durante el siglo XIX.
Pintura coreana
La pintura coreana, como una forma independiente, comenzó alrededor del 108 aC, en torno a la caída de Gojoseon, por lo que es uno de los más antiguos del mundo. Las obras de arte de ese período de tiempo se convirtieron en los diversos estilos que caracterizaron el período de los Tres Reinos de Corea, sobre todo las pinturas y frescos que adornan las tumbas de la realeza de Goguryeo. Durante el período de los Tres Reinos y durante la dinastía Goryeo, la pintura coreana se caracterizó principalmente por una combinación de paisajes de estilo coreano, rasgos faciales, temas centrados en el budismo y un énfasis en la observación celestial facilitada por el rápido desarrollo de la astronomía coreana. No fue sino hasta la dinastía Joseon que los temas confucianos comenzaron a echar raíces en las pinturas coreanas, usadas en armonía con los aspectos indígenas.
La historia de la pintura coreana se ha caracterizado por el uso de obras monocromáticas de pinceladas negras, a menudo sobre papel de morera o seda. Este estilo es evidente en «Min-Hwa», o arte popular colorido, pinturas de tumbas y artes rituales y festivas, ambas incorporaron un amplio uso del color.
Pintura del sur de Asia
Pintura india
Las pinturas indias históricamente giraban alrededor de las deidades y los reyes religiosos. Arte indio es un término colectivo para varias escuelas de arte diferentes que existían en el subcontinente indio. Las pinturas variaban desde grandes frescos de Ajanta a las intrincadas pinturas en miniatura de Mughal hasta las obras de metal embellecidas de la escuela Tanjore. Las pinturas de Gandhar-Taxila están influenciadas por las obras persas en el oeste. El estilo de pintura oriental se desarrolló principalmente en torno a la escuela de arte de Nalanda. Las obras están inspiradas principalmente en varias escenas de la mitología india.
Historia
Las primeras pinturas indias fueron las pinturas rupestres de la prehistoria, los petroglifos que se encuentran en lugares como los refugios rocosos de Bhimbetka, y algunos de ellos son anteriores al 5500 aC. Tales trabajos continuaron y después de varios milenios, en el siglo VII, pilares tallados de Ajanta, estado de Maharashtra presentan un buen ejemplo de pinturas indias, y los colores, en su mayoría varios tonos de rojo y naranja, se derivan de los minerales.
Las cuevas de Ajanta en Maharashtra, India, son monumentos rupestres excavados en la roca que datan del siglo II aC y contienen pinturas y esculturas consideradas obras maestras del arte religioso budista y del arte pictórico universal.
Pintura Madhubani
La pintura de Madhubani es un estilo de pintura india, que se practica en la región de Mithila del estado de Bihar, India. Los orígenes de la pintura Madhubani están envueltos en la antigüedad.
Pintura de Rajput
La pintura de Rajput, un estilo de pintura india, evolucionó y floreció, durante el siglo XVIII, en las cortes reales de Rajputana, India. Cada reino de Rajput evolucionó con un estilo distinto, pero con ciertas características comunes. Las pinturas de Rajput representan una serie de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata, la vida de Krishna, hermosos paisajes y humanos. Las miniaturas eran el medio preferido de la pintura de Rajput, pero varios manuscritos también contienen pinturas de Rajput, y las pinturas incluso se hicieron en las paredes de palacios, cámaras interiores de los fuertes, havelies, en particular, los havelis de Shekhawait.
Los colores extraídos de ciertos minerales, fuentes vegetales, conchas de conchas, e incluso se derivaron mediante el procesamiento de piedras preciosas, oro y plata. La preparación de los colores deseados fue un proceso largo, que a veces llevaba semanas. Los pinceles usados eran muy finos.
Pintura de Mughal
La pintura de Mughal es un estilo particular de la pintura india, generalmente confinada a ilustraciones en el libro y hecha en miniaturas, y que emergió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol entre los siglos XVI y XVII.
Pintura Tanjore
La pintura de Tanjore es una forma importante de la pintura clásica del sur de la India, originaria de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. La forma de arte se remonta a principios del siglo noveno, un período dominado por los gobernantes de Chola, que animó el arte y la literatura. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores vivos y atención al detalle. Los temas para la mayoría de estas pinturas son dioses hindúes y diosas y escenas de la mitología hindú. En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.
El proceso de hacer una pintura de Tanjore implica muchas etapas. La primera etapa implica la realización del boceto preliminar de la imagen en la base. La base consiste en una tela pegada sobre una base de madera. A continuación, polvo de tiza u óxido de zinc se mezcla con adhesivo soluble en agua y se aplica sobre la base. Para suavizar la base, a veces se usa un abrasivo suave. Después de que se hace el dibujo, la decoración de las joyas y las prendas de vestir en la imagen se hace con piedras semipreciosas. Cordones o hilos también se utilizan para decorar la joyería. Además de esto, las hojas de oro se pegan. Finalmente, los tintes se usan para agregar colores a las figuras en las pinturas.
La escuela de Madras
Durante el gobierno británico en la India, la corona descubrió que Madras tenía algunas de las mentes artísticas más talentosas e intelectuales del mundo. Como los británicos también establecieron un gran asentamiento en Madras y sus alrededores, se eligió a Georgetown para establecer un instituto que atienda las expectativas artísticas de la familia real en Londres. Esto se conoce como la Escuela Madras. Al principio, los artistas tradicionales fueron empleados para producir exquisitas variedades de muebles, trabajos en metal y curiosidades, y su trabajo fue enviado a los palacios reales de la Reina.
A diferencia de la Escuela de Bengala, donde la «copia» es la norma de la enseñanza, la Escuela Madras prospera en «crear» nuevos estilos, argumentos y tendencias.
La escuela de Bengala
La escuela de arte de Bengala fue un influyente estilo de arte que floreció en la India durante el Raj británico a principios del siglo XX. Se asoció con el nacionalismo indio, pero también fue promovido y respaldado por muchos administradores artísticos británicos.
La Escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionó contra los estilos de arte académico previamente promovidos en la India, tanto por artistas indios como Raja Ravi Varma y en las escuelas de arte británicas. Siguiendo la amplia influencia de las ideas espirituales indias en Occidente, el maestro de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta animando a los estudiantes a imitar las miniaturas de Mughal. Esto causó una inmensa controversia, lo que llevó a una huelga de estudiantes y quejas de la prensa local, incluidos los nacionalistas que consideraron que era una medida retrógrada. Havel fue apoyado por el artista Abanindranath Tagore, sobrino del poeta Rabindranath Tagore. Tagore pintó una serie de obras influenciadas por el arte Mughal, un estilo que él y Havel creían que era una expresión de las distintas cualidades espirituales de la India, a diferencia del «materialismo» de Occidente. La pintura más conocida de Tagore, Bharat Mata (Madre India), representaba a una mujer joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India. Más tarde, Tagore intentó desarrollar vínculos con artistas japoneses como parte de una aspiración a construir un modelo de arte panasiático.
La influencia de la Escuela de Bengala en la India disminuyó con la difusión de ideas modernistas en la década de 1920. En el período posterior a la independencia, los artistas indios mostraron una mayor adaptabilidad al tomar prestado libremente de los estilos europeos y amalgamarlos libremente con los motivos indios a las nuevas formas de arte. Mientras que artistas como Francis Newton Souza y Tyeb Mehta fueron más occidentales en su enfoque, hubo otros como Ganesh Pyne y Maqbool Fida Husain quienes desarrollaron estilos de trabajo totalmente indígenas. Hoy, después del proceso de liberalización del mercado en India, los artistas están experimentando una mayor exposición a la escena artística internacional que les está ayudando a emerger con nuevas formas de arte que hasta ahora no se veían en la India. Jitish Kallat saltó a la fama a finales de la década de 1990 con sus pinturas, que eran modernas y estaban fuera del alcance de la definición genérica. Sin embargo, aunque los artistas en India en el nuevo siglo están probando nuevos estilos, temas y metáforas, no habría sido posible obtener un reconocimiento tan rápido sin la ayuda de las casas comerciales que ahora están entrando en el campo del arte como nunca antes .
Pintura india moderna
Amrita Sher-Gil era una pintora india, a veces conocida como Frida Kahlo de la India, y hoy es considerada una importante pintora de la India del siglo XX, cuyo legado está a la par del de los Maestros del renacimiento de Bengala; ella es también la pintora de mujer ‘más cara’ de la India.
Hoy, ella está entre los Nueve Maestros, cuyo trabajo fue declarado tesoros artísticos por The Archaeological Survey of India, en 1976 y 1979, y más de 100 de sus pinturas se muestran ahora en la National Gallery of Modern Art, Nueva Delhi.
Durante la época colonial, las influencias occidentales comenzaron a tener un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que utilizaba las ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios. Otros, como Jamini Roy, se inspiraron conscientemente en el arte popular.
En el momento de la Independencia en 1947, varias escuelas de arte en la India brindaban acceso a técnicas e ideas modernas. Se establecieron galerías para exhibir estos artistas. El arte indio moderno generalmente muestra la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo se inspira en temas e imágenes de la India. Los artistas principales están comenzando a ganar reconocimiento internacional, inicialmente entre la diáspora india, pero también entre el público no indio.
El Grupo de Artistas Progresistas, establecido poco después de que la India se independizara en 1947, tenía la intención de establecer nuevas formas de expresar a la India en la era poscolonial. Los fundadores fueron seis artistas eminentes: KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza y FN Souza, aunque el grupo fue disuelto en 1956, fue profundamente influyente en cambiar el idioma del arte indio. Casi todos los artistas principales de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que hoy son conocidos son Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta y Akbar Padamsee. Otros pintores famosos como Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura del arte de la India. Se han convertido en íconos del arte indio moderno. Los historiadores del arte como el Prof. Rai Anand Krishna también se han referido a aquellas obras de artistas modernos que reflejan el ethos indio. Geeta Vadhera ha sido aclamada al traducir temas espirituales indios complejos sobre lienzos como el pensamiento sufí, los Upanishads y Bhagwad Geeta.
El arte indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de los años noventa. Artistas de varios campos ahora comenzaron a traer estilos variados de trabajo. En la India posterior a la liberalización, muchos artistas se han establecido en el mercado internacional del arte como el pintor abstracto Natvar Bhavsar, el artista figurativo Devajyoti Ray y el escultor Anish Kapoor, cuyas enormes obras de arte postminimalistas han adquirido atención por su gran tamaño. Muchas casas de arte y galerías también se han abierto en EE. UU. Y Europa para exhibir obras de arte indias.
Pintura filipina
La pintura filipina como un todo se puede ver como una amalgama de muchas influencias culturales, aunque tiende a ser más occidental en su forma actual con raíces orientales.
La pintura filipina temprana se puede encontrar en diseños de resbalones rojos (arcilla mezclada con agua) embellecidos en la cerámica ritual de Filipinas, como el aclamado Tarro Manunggul. La evidencia de la alfarería filipina fechada ya en 6000 aC se ha encontrado en Sanga-sanga Cave, Sulu y Laurente Cave, Cagayan. Se ha demostrado que en el 5000 aC, la fabricación de cerámica se practicaba en todo el país. Los primeros filipinos comenzaron a hacer alfarería antes que sus vecinos camboyanos y casi al mismo tiempo que los tailandeses como parte de lo que parece ser un desarrollo generalizado de la tecnología de la cerámica en la Era de Hielo. Otras evidencias de la pintura se manifiestan en la tradición del tatuaje de los primeros filipinos, a quienes el explorador portugués denominó Pintados o la ‘Gente Pintada’ de Visayas. Varios diseños que hacen referencia a la flora y la fauna con cuerpos celestes decoran sus cuerpos en diversas pigmentaciones de colores. Tal vez, algunas de las pinturas más elaboradas hechas por los primeros filipinos que perduran hasta nuestros días pueden manifestarse entre las artes y la arquitectura del Maranao que son bien conocidas por los Dragones Nāga y el Sarimanok tallados y pintados en el hermoso Panolong de su Torogan o la Casa del Rey.
Los filipinos comenzaron a crear pinturas de la tradición europea durante el período español del siglo XVII. Las primeras de estas pinturas fueron frescos de la Iglesia, imágenes religiosas de fuentes bíblicas, así como grabados, esculturas y litografías con iconos cristianos y la nobleza europea. La mayoría de las pinturas y esculturas entre los siglos XIX y XX produjeron una mezcla de obras de arte religioso, político y paisajístico, con cualidades de dulzura, oscuridad y luz. Los primeros pintores modernistas como Damián Domingo se asociaron con pinturas religiosas y seculares. El arte de Juan Luna y Félix Hidalgo mostró una tendencia a la declaración política. Artistas como Fernando Amorsolo usaron el postmodernismo para producir pinturas que ilustraban la cultura, la naturaleza y la armonía de Filipinas. Mientras que otros artistas como Fernando Zóbel utilizaron realidades y abstractos en su trabajo.
Pintura islámica
La representación de humanos, animales o cualquier otro tema figurativo está prohibida dentro del Islam para evitar que los creyentes se vuelvan idolatras, por lo que no existe una tradición de pintura (o escultura) religiosamente motivada dentro de la cultura musulmana. La actividad pictórica se redujo a Arabesque, principalmente abstracto, con una configuración geométrica o patrones florales y similares a plantas. Fuertemente relacionado con la arquitectura y la caligrafía, puede verse ampliamente como utilizado para la pintura de azulejos en mezquitas o en iluminaciones alrededor del texto del Corán y otros libros. De hecho, el arte abstracto no es una invención del arte moderno, sino que está presente en culturas preclásicas, bárbaras y no occidentales muchos siglos antes y es esencialmente un arte decorativo o aplicado. El ilustrador notable MC Escher fue influenciado por este arte geométrico y basado en patrones. Art Nouveau (Aubrey Beardsley y el arquitecto Antonio Gaudí) reintrodujeron patrones florales abstractos en el arte occidental.
Tenga en cuenta que a pesar del tabú de la visualización figurativa, algunos países musulmanes sí cultivaron una rica tradición en la pintura, aunque no por derecho propio, sino como un complemento de la palabra escrita. El arte iraní o persa, ampliamente conocido como miniatura persa, se concentra en la ilustración de obras literarias épicas o románticas. Los ilustradores persas evitaron deliberadamente el uso del sombreado y la perspectiva, aunque estaban familiarizados con ella en su historia preislámica, a fin de cumplir con la regla de no crear ninguna ilusión real del mundo real. Su objetivo no era representar el mundo tal como es, sino crear imágenes de un mundo ideal de belleza intemporal y orden perfecto.
En la actualidad, la pintura de estudiantes de arte o artistas profesionales en países musulmanes árabes y no árabes sigue las mismas tendencias del arte de la cultura occidental.
Corrí
El historiador oriental Basil Gray cree que «Irán ha ofrecido un arte particularmente único para el mundo que es excelente en su género». Las cuevas de la provincia iraní de Lorestán muestran imágenes pintadas de animales y escenas de caza. Algunos como los de Fars Province y Sialk tienen al menos 5,000 años de antigüedad. Se cree que la pintura en Irán alcanzó su clímax durante la era de Tamerlán, cuando maestros destacados como Kamaleddin Behzad dieron a luz a un nuevo estilo de pintura.
Las pinturas del período de Qajar son una combinación de influencias europeas y escuelas de pintura en miniatura de Safavid, como las introducidas por Reza Abbasi y las obras clásicas de Mihr ‘Ali. Maestros como Kamal-ol-molk impulsaron aún más la influencia europea en Irán. Fue durante la era de Qajar cuando surgió «Coffee House painting». Los sujetos de este estilo a menudo eran de naturaleza religiosa y representaban escenas de epopeyas chiítas y similares.