La pintura neerlandesa temprana se refiere a la obra de artistas, a veces conocidos como los Primitivos flamencos, activos en los Países Bajos de Borgoña y Habsburgo durante el Renacimiento del Norte de los siglos XV y XVI; especialmente en las florecientes ciudades de Brujas, Gante, Tournai y Bruselas. Su trabajo sigue el estilo gótico internacional y comienza aproximadamente con Robert Campin y Jan van Eyck a principios de la década de 1420. Dura al menos hasta la muerte de Gerard David en 1523, aunque muchos eruditos extenderlo al comienzo de la revuelta holandesa en 1566 o 1568 (las aclamadas encuestas de Max J Friedländer ejecutan a Pieter Bruegel el Viejo) La pintura neerlandesa temprana coincide con el Renacimiento italiano temprano y alto, pero se ve como una cultura artística independiente, separada del Renacimiento humanismo que caracterizó los desarrollos en Italia. Debido a que estos pintores representan la culminación del patrimonio artístico medieval del norte de Europa y la incorporación de ideales renacentistas, a veces se los clasifica como pertenecientes tanto al Renacimiento temprano como al Gótico tardío.
Los principales pintores neerlandeses son Campin, van Eyck, Rogier van der Weyden, Dieric Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes y Hieronymus Bosch. Estos artistas hicieron importantes avances en la representación natural y el ilusionismo, y su trabajo presenta típicamente una iconografía compleja. los temas son generalmente escenas religiosas o retratos pequeños, con pintura narrativa o temas mitológicos relativamente raros. El paisaje a menudo se describe ricamente pero se relega como un detalle de fondo antes del siglo XVI. Las obras pintadas son generalmente en panel, ya sea como obras individuales o más complejas Retablos portátiles o fijos en forma de dípticos, trípticos o polípticos. El período también se caracteriza por sus esculturas, tapices, manuscritos iluminados, vidrieras y retablos tallados.
Las primeras generaciones de artistas estuvieron activas durante el apogeo de la influencia borgoñona en Europa, cuando los Países Bajos se convirtieron en el centro político y económico del norte de Europa, destacado por sus artesanías y artículos de lujo Asistido por el sistema de talleres, paneles y una variedad de artesanías. vendidos a príncipes o comerciantes extranjeros a través de compromisos privados o puestos en el mercado. Una mayoría fue destruida durante olas de iconoclasia en los siglos XVI y XVII; hoy en día solo sobreviven unos pocos miles de ejemplos. El arte norteño temprano en general no fue bien visto desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XIX, y los pintores y sus obras no estuvieron bien documentados hasta que los historiadores del arte de mediados del siglo XIX pasaron casi otro siglo atribuciones, estudiando la iconografía, y estableciendo esquemas desnudos incluso de las vidas de los artistas más importantes. La atribución de algunas de las obras más significativas aún se debate.
El término «temprano arte neerlandés» se aplica ampliamente a los pintores activos durante los siglos XV y XVI en las áreas del norte de Europa controladas por los duques de Borgoña y más tarde la dinastía Habsburgo. Estos artistas se convirtieron en una fuerza motriz del Renacimiento del Norte y el alejamiento del el estilo gótico En este contexto político y artístico-histórico, el norte sigue las tierras de Borgoña que se extendían sobre áreas que abarcan partes de la Francia moderna, Alemania, Bélgica y los Países Bajos.
Los artistas holandeses han sido conocidos por una variedad de términos «tardío gótico» es una designación temprana que enfatiza la continuidad con el arte de la Edad Media. A principios del siglo XX, los artistas fueron referidos de diversas maneras en inglés como la escuela «Ghent-Bruges». «o la» Old Netherlandish school «» Flemish Primitives «es un término tradicional histórico-artístico tomado de los primitifs franceses que se popularizaron después de la famosa exposición en Brujas en 1902 y se mantiene en uso hoy en día, especialmente en holandés y alemán. En este contexto «primitivo» no se refiere a una falta de sofisticación, sino que identifica a los artistas como creadores de una nueva tradición en la pintura. Erwin Panofsky prefirió el término ars nova («arte nuevo»), que vinculó el movimiento con innovadores compositores de música. como Guillaume Dufay y Gilles Binchois, que fueron favorecidos por la corte de Borgoña sobre artistas adscritos a la fastuosa corte francesa cuando los duques de Burgundia establecieron centros de poder en los Países Bajos, trajeron consigo una perspectiva más cosmopolita Según Otto Pächt, un giro simultáneo en el arte comenzó entre 1406 y 1420 cuando se produjo una «revolución en la pintura»; surgió una «nueva belleza» en el arte, una que representaba el mundo visible más que el metafísico.
Terminología y alcance
El término «arte neerlandés temprano» se aplica ampliamente a los pintores activos durante los siglos 15 y 16 en las zonas del norte de Europa controladas por los duques de Borgoña y más tarde la dinastía de los Habsburgo. Estos artistas se convirtieron en una fuerza motriz temprana detrás del Renacimiento del Norte y el alejamiento del estilo gótico. En este contexto político e histórico artístico, el norte sigue las tierras de Borgoña, que se extendían sobre áreas que abarcan partes de la Francia moderna, Alemania, Bélgica y los Países Bajos.
Los artistas holandeses han sido conocidos por una variedad de términos. «Late Gothic» es una designación temprana que enfatiza la continuidad con el arte de la Edad Media. A principios del siglo XX, a los artistas se los llamaba en varios idiomas en inglés como la «escuela Ghent-Bruges» o la «escuela Old Netherlandish». «Primitivos flamencos» es un término tradicional histórico-artístico tomado de los primitifs franceses que se popularizaron después de la famosa exposición en Brujas en 1902 y se mantiene en uso hoy en día, especialmente en holandés y alemán. En este contexto, «primitivo» no se refiere a una falta de sofisticación percibida, sino que identifica a los artistas como creadores de una nueva tradición en la pintura. Erwin Panofsky prefirió el término ars nova («arte nuevo»), que vinculó el movimiento con innovadores compositores de música como Guillaume Dufay y Gilles Binchois, quienes fueron favorecidos por la corte de Borgoña sobre artistas adscritos a la fastuosa corte francesa. Cuando los duques de Burgundia establecieron centros de poder en los Países Bajos, trajeron consigo una perspectiva más cosmopolita. Según Otto Pächt, un cambio simultáneo en el arte comenzó en algún momento entre 1406 y 1420 cuando se produjo una «revolución en la pintura»; surgió una «nueva belleza» en el arte, una que representaba el mundo visible más que el metafísico.
En el siglo XIX, los primeros artistas neerlandeses fueron clasificados por nacionalidad, con Jan van Eyck identificado como alemán y van der Weyden (nacido Roger de la Pasture) como francés. Los eruditos a veces estaban preocupados sobre si la génesis de la escuela era en Francia o Alemania. Estos argumentos y distinciones se disiparon después de la Primera Guerra Mundial y, siguiendo las pistas de Friedländer, Panofsky y Pächt, los eruditos en lengua inglesa ahora describen casi universalmente el período como «pintura neerlandesa temprana», aunque muchos historiadores del arte consideran el término flamenco como más correcto .
En el siglo XIV, cuando el arte gótico dio paso a la era gótica internacional, se desarrollaron varias escuelas en el norte de Europa. El temprano arte neerlandés se originó en el arte cortesano francés, y está especialmente vinculado a la tradición y las convenciones de los manuscritos iluminados. Los historiadores del arte moderno ven la era como un comienzo con iluminadores de manuscritos del siglo XIV. Fueron seguidos por pintores de panel como Melchior Broederlam y Robert Campin, este último generalmente considerado el primer maestro neerlandés temprano, bajo el cual Van der Weyden sirvió su aprendizaje. La iluminación alcanzó su punto máximo en la región en las décadas posteriores a 1400, principalmente debido al patrocinio de los duques de Borgoña y de la Casa de Valois-Anjou, como Felipe el Negrita, Luis I de Anjou y Jean, duque de Berry. Este patrocinio continuó en los países bajos con los duques de Borgoña, Felipe el Bueno y su hijo Charles el Negrita. La demanda de manuscritos iluminados disminuyó hacia el final del siglo, tal vez debido al costoso proceso de producción en comparación con la pintura en panel. Sin embargo, la iluminación siguió siendo popular en el extremo de lujo del mercado, y las impresiones, tanto grabados como xilografías, encontraron un nuevo mercado masivo, especialmente los de artistas como Martin Schongauer y Albrecht Dürer.
Siguiendo las innovaciones de Van Eyck, la primera generación de pintores neerlandeses enfatizó la luz y la sombra, elementos que por lo general no aparecen en los manuscritos iluminados del siglo XIV. Las escenas bíblicas se representaron con más naturalismo, lo que hizo su contenido más accesible para los espectadores, mientras que los retratos individuales se hicieron más evocadores y vivos. Johan Huizinga dijo que el arte de la época debía integrarse completamente con la rutina diaria, para «llenar de belleza» la vida devocional en un mundo estrechamente vinculado a la liturgia y los sacramentos. Después de aproximadamente 1500, varios factores se volvieron contra el estilo dominante del norte, y no menos el auge del arte italiano, cuyo atractivo comercial comenzó a rivalizar con el arte holandés en 1510, y lo superó unos diez años después. Dos acontecimientos simbólica e históricamente reflejan este cambio: el transporte de una Virgen y un Niño de mármol por Miguel Ángel a Brujas en 1506, y la llegada de los dibujos animados de tapices de Rafael a Bruselas en 1517, que fueron ampliamente vistos en la ciudad. Aunque la influencia del arte italiano pronto se extendió por el norte, a su vez se había basado en los pintores del norte del siglo XV, con la Virgen de Miguel Ángel basada en un tipo desarrollado por Hans Memling.
La pintura holandesa termina en el sentido más estricto con la muerte de Gerard David en 1523. Varios artistas de mediados y finales del siglo XVI mantuvieron muchas de las convenciones, y con frecuencia, pero no siempre, se asocian con la escuela. El estilo de estos pintores a menudo está en desacuerdo dramático con el de la primera generación de artistas. A principios del siglo XVI, los artistas comenzaron a explorar representaciones ilusionistas de tres dimensiones. La pintura de principios del siglo XVI se puede ver como una guía directa de las innovaciones artísticas y la iconografía del siglo pasado, con algunos pintores, siguiendo los formatos tradicionales y establecidos y el simbolismo del siglo anterior, continuando produciendo copias de obras previamente pintadas. Otros cayeron bajo la influencia del humanismo renacentista, volviéndose hacia los ciclos narrativos seculares, ya que las imágenes bíblicas se mezclaron con temas mitológicos. No se observó una ruptura total con el estilo y la temática de mediados del siglo XV hasta el desarrollo del Manierismo Norteño alrededor de 1590. Hubo una superposición considerable, y las innovaciones de principios y mediados del siglo XVI pueden vincularse al estilo Manierista. incluyendo el retrato secular naturalista, la representación de la vida ordinaria (en oposición a la cortesana) y el desarrollo de paisajes elaborados y paisajes urbanos que fueron más que puntos de vista de fondo.
Cronología
Los orígenes de la escuela neerlandesa temprana se encuentran en las pinturas en miniatura del período gótico tardío. Esto se vio por primera vez en la iluminación manuscrita, que después de 1380 transmitió nuevos niveles de realismo, perspectiva y destreza en dar color, alcanzando su máximo con los hermanos Limbourg y el artista holandés conocido como Mano G, a quien las hojas más significativas de las Horas de Turín-Milán usualmente son atribuidos. Aunque su identidad no se ha establecido definitivamente, Hand G, quien contribuyó c. 1420, se cree que fue Jan van Eyck o su hermano Hubert. Según Georges Hulin de Loo, las contribuciones de Hand G a las Horas Turín-Milán «constituyen el grupo de pinturas más maravilloso que jamás haya decorado ningún libro y, para su época, el trabajo más asombroso conocido de la historia del arte».
El uso de aceite de Jan Van Eyck como medio fue un desarrollo significativo, permitiendo a los artistas una manipulación mucho mayor de la pintura. El historiador de arte del siglo XVI Giorgio Vasari afirmó que van Eyck inventó el uso de la pintura al óleo; una afirmación que, aunque exagerada, indica en qué medida Van Eyck ayudó a diseminar la técnica. Van Eyck empleó un nuevo nivel de virtuosismo, principalmente al aprovechar el hecho de que el aceite se seca muy lentamente; esto le dio más tiempo y más posibilidades para mezclar y mezclar capas de diferentes pigmentos, y Robert Campin y Rogier van der Weyden adoptaron y refinaron rápidamente su técnica. Estos tres artistas son considerados el primer rango y el más influyente de los primeros pintores holandeses de la primera generación. Su influencia se sintió en el norte de Europa, desde Bohemia y Polonia en el este hasta Austria y Suabia en el sur.
Varios artistas tradicionalmente asociados con el movimiento tenían orígenes que no eran ni holandeses ni flamencos en el sentido moderno. Van der Weyden nació Roger de la Pasture en Tournai. El alemán Hans Memling y el estonio Michael Sittow trabajaron en los Países Bajos en un estilo completamente holandés. Simon Marmion es considerado a menudo como un pintor neorlandés temprano porque vino de Amiens, un área gobernada intermitentemente por la corte de Borgoña entre 1435 y 1471. El ducado de Borgoña estaba en su máxima influencia, y las innovaciones hechas por los pintores holandeses pronto fueron reconocidas el continente. En el momento de la muerte de Van Eyck, sus pinturas fueron buscadas por los patrones ricos de toda Europa. Copias de sus obras se distribuyeron ampliamente, un hecho que contribuyó en gran medida a la difusión del estilo de los Países Bajos a Europa central y meridional. El arte centroeuropeo estaba bajo la doble influencia de las innovaciones de Italia y del norte. A menudo, el intercambio de ideas entre los Países Bajos e Italia condujo al mecenazgo de la nobleza como Matthias Corvinus, rey de Hungría, que encargó manuscritos de ambas tradiciones.
La primera generación estaba alfabetizada, bien educada y en su mayoría de origen de clase media. Van Eyck y van der Weyden estaban muy bien situados en la corte borgoñona, y Van Eyck en particular asumió funciones para las cuales era necesaria la capacidad de leer el latín; las inscripciones que se encuentran en sus paneles indican que tenía un buen conocimiento de latín y griego. Varios artistas tuvieron éxito financiero y fueron muy codiciados en los Países Bajos y por los clientes de toda Europa. Muchos artistas, como David y Bouts, pueden permitirse donar grandes obras a las iglesias, monasterios y conventos que elijan. Van Eyck era ayuda de cámara en la corte borgoñona y tenía fácil acceso a Felipe el Bueno. Van der Weyden era un inversor prudente en acciones y propiedades; Bouts tenía una mentalidad comercial y se casó con la heredera Catherine «Mettengelde» («con el dinero»). Vrancke van der Stockt invirtió en tierra.
La influencia de los primeros maestros neerlandeses llegó a artistas como Stefan Lochner y el pintor conocido como el Maestro de la Vida de la Virgen, quienes, trabajando en la Colonia de mediados del siglo XV, se inspiraron en obras importadas de van der Weyden y Bouts. . Culturas pictóricas nuevas y distintivas surgieron; Ulm, Nuremberg, Viena y Munich fueron los centros artísticos más importantes del Sacro Imperio Romano Germánico a principios del siglo XVI. Hubo un aumento en la demanda de grabado (utilizando grabados en madera o cobre) y otras innovaciones tomadas de Francia y el sur de Italia. Algunos pintores del siglo XVI tomaron prestado mucho de las técnicas y estilos del siglo anterior. Incluso artistas progresistas como Jan Gossaert hicieron copias, como su reelaboración de Madonna in the Church de van Eyck. Gerard David relacionó los estilos de Brujas y Amberes, a menudo viajando entre las ciudades. Se mudó a Amberes en 1505, cuando Quentin Matsys era el jefe del gremio de pintores locales, y los dos se hicieron amigos.
En el siglo XVI, las innovaciones iconográficas y técnicas pictóricas desarrolladas por van Eyck se habían convertido en un estándar en todo el norte de Europa. Albrecht Dürer emuló la precisión de Van Eyck. Los pintores disfrutaron de un nuevo nivel de respeto y estatus; los clientes ya no solo se encargaron de las obras, sino que cortejaron a los artistas, patrocinando su viaje y exponiéndolos a nuevas y amplias influencias. Hieronymus Bosch, activo a fines del siglo XV y principios del XVI, sigue siendo uno de los pintores holandeses más importantes y populares. Fue anómalo en el sentido de que en gran medida anticipó representaciones realistas de la naturaleza, la existencia humana y la perspectiva, mientras que su trabajo está casi totalmente libre de influencias italianas. Sus obras más conocidas se caracterizan, en cambio, por elementos fantásticos que tienden hacia la alucinación, recurriendo en cierta medida a la visión del infierno en la Crucifixión de Van Eyck y el díptico del Juicio Final. Bosch siguió a su propia musa, tendiendo hacia el moralismo y el pesimismo. Sus pinturas, especialmente los trípticos, se encuentran entre los más significativos y logrados del último período de los Países Bajos.
La Reforma trajo cambios en la perspectiva y la expresión artística a medida que las imágenes seculares y del paisaje superaban las escenas bíblicas. Las imágenes sagradas se mostraron de una manera didáctica y moralista, con figuras religiosas que se marginaban y relegaban a un segundo plano. Pieter Bruegel el Viejo, uno de los pocos que siguieron el estilo de Bosch, es un puente importante entre los primeros artistas de Holanda y sus sucesores. Su obra conserva muchas convenciones del siglo XV, pero su perspectiva y temas son claramente modernos. Los paisajes arrolladores pasaron a primer plano en pinturas que eran provisionalmente religiosas o mitológicas, y sus escenas de género eran complejas, con matices de escepticismo religioso e incluso indicios de nacionalismo.
Técnica y material
Campin, van Eyck y van der Weyden establecieron el naturalismo como el estilo dominante en la pintura del norte del siglo XV europeo. Estos artistas buscaban mostrar el mundo tal como era en realidad, y representar a la gente de una manera que los hacía parecer más humanos, con una complejidad de emociones más grande que la que se había visto anteriormente. Esta primera generación de artistas neerlandeses tempranos estaba interesada en la reproducción precisa de objetos (según Panofsky, ellos pintaron «oro que parecía oro»), prestando especial atención a los fenómenos naturales como la luz, la sombra y la reflexión. Se movieron más allá de la perspectiva plana y esbozaron la figuración de la pintura anterior a favor de los espacios pictóricos tridimensionales. La posición de los espectadores y cómo podrían relacionarse con la escena se hizo importante por primera vez; en el retrato de Arnolfini, Van Eyck organiza la escena como si el espectador acabara de entrar en la sala que contiene las dos figuras. Los avances en la técnica permitieron representaciones mucho más ricas, más luminosas y detalladas de personas, paisajes, interiores y objetos.
Aunque el uso del aceite como agente aglutinante se remonta al siglo XII, las innovaciones en su manejo y manipulación definen la era. El témpera de huevo fue el medio dominante hasta la década de 1430, y si bien produce colores brillantes y claros, se seca rápidamente y es un medio difícil para lograr texturas naturalistas o sombras profundas. El aceite permite superficies lisas y translúcidas y se puede aplicar en una variedad de grosores, desde líneas finas hasta trazos amplios y gruesos. Se seca lentamente y se manipula fácilmente mientras está húmedo. Estas características permitieron más tiempo para agregar detalles sutiles y habilitar técnicas de mojado sobre mojado. Se pueden realizar transiciones suaves de color porque partes de las capas intermedias de pintura se pueden limpiar o eliminar a medida que se seca la pintura. El aceite permite la diferenciación entre los grados de luz reflejada, de la sombra a los rayos brillantes, y las representaciones de los efectos de luz a través del uso de esmaltes transparentes. Esta nueva libertad en el control de los efectos de luz dio lugar a representaciones más precisas y realistas de texturas superficiales; Van Eyck y van der Weyden suelen mostrar luces que caen sobre superficies como joyas, suelos de madera, textiles y objetos domésticos.
Las pinturas se hicieron con mayor frecuencia en madera, pero a veces en el lienzo menos costoso. La madera era generalmente de roble, a menudo importada de la región del Báltico, con la preferencia de tablas cortadas radialmente que tienen menos probabilidades de deformarse. Por lo general, la savia se eliminó y la tabla se sazuró bien antes de su uso. Los soportes de madera permiten la datación dendrocronológica, y el uso particular del roble báltico da pistas sobre la ubicación del artista. Los paneles generalmente muestran niveles muy altos de artesanía. Lorne Campbell señala que la mayoría son «objetos bellamente elaborados y terminados. Puede ser extremadamente difícil encontrar las uniones». Muchos marcos de pinturas fueron alterados, repintados o dorados en el siglo XVIII y principios del XIX, cuando era una práctica común separar las piezas abaldas holandesas para que pudieran venderse como piezas de género. Muchos paneles supervivientes están pintados en ambos lados o con los emblemas de la familia de los cojinetes reverso, crestas o bocetos de contorno auxiliar. En el caso de los paneles individuales, las marcas en el reverso a menudo no tienen ninguna relación con el anverso y pueden ser adiciones posteriores, o como Campbell especula, «hechas para la diversión del artista». Pintar cada lado de un panel era práctico, ya que impedía que la madera se deformara. Por lo general, los marcos de las obras con bisagras se construyeron antes de que se trabajaran los paneles individuales.
La aglutinante de cola a menudo se usaba como una alternativa económica al petróleo. Se produjeron muchas obras que utilizan este medio, pero pocas sobreviven hoy en día debido a la delicadeza del lienzo y la solubilidad del pegamento de piel del que se deriva el aglutinante. Bien conocidos y relativamente bien conservados, aunque sustancialmente dañados, los ejemplos incluyen La Virgen y el Niño de Matsys con los Santos Barbara y Catherine (hacia 1415-25) y el Entierro de Bouts (hacia 1440-55). La pintura generalmente se aplica con pinceles o, a veces con palos delgados o mangos de cepillos. Los artistas a menudo suavizan los contornos de las sombras con los dedos, a veces para borrar o reducir el esmalte.
Gremios y talleres
La forma más habitual en el siglo XV de que un mecenas encomendara una pieza era visitar un taller de maestría. Solo un cierto número de maestros podría operar dentro de los límites de cualquier ciudad; estaban regulados por gremios de artesanos a los que tenían que estar afiliados para poder operar y recibir comisiones. Los gremios protegen y regulan la pintura, supervisan la producción, el comercio de exportación y el suministro de materias primas; y mantuvieron conjuntos discretos de reglas para pintores de paneles, pintores de telas e iluminadores de libros. Por ejemplo, las reglas establecen mayores requisitos de ciudadanía para los miniaturistas y les prohíbe usar aceites. En general, los pintores de paneles disfrutaron del más alto nivel de protección, y los pintores de tela se clasificaron a continuación.
La membresía de un gremio estaba muy restringida y el acceso era difícil para los recién llegados. Se esperaba que un maestro sirviera como aprendiz en su región y presentara una prueba de ciudadanía, que podría obtenerse por nacimiento en la ciudad o por compra. El aprendizaje duró de cuatro a cinco años, terminando con la producción de una «obra maestra» que demostró su habilidad como artesano, y el pago de una tarifa de entrada sustancial. El sistema era proteccionista a nivel local a través de los matices del sistema de tarifas. Aunque buscaba asegurar una alta calidad de membresía, era un organismo autónomo que tendía a favorecer a los solicitantes ricos. Las conexiones del gremio a veces aparecen en pinturas, más famosas en el Descendimiento de la cruz de van der Weyden, en el cual al cuerpo de Cristo se le da la forma de una ballesta para reflejar su comisión de una capilla para el gremio de arqueros de Lovaina.
Los talleres típicamente consistían en una casa familiar para el maestro y alojamiento para aprendices. Los maestros generalmente construían inventarios de paneles prepintados, así como patrones o diseños de bocetos para la venta inmediata. Con el primero, el maestro era responsable del diseño general de la pintura, y normalmente pintaba las partes focales, como las caras, las manos y las partes bordadas de la ropa de la figura. Los elementos más prosaicos se dejarían a los asistentes; en muchas obras es posible discernir los cambios abruptos en el estilo, con el pasaje Deesis relativamente débil en el díptico de Crucifixión y Juicio Final de van Eyck como un ejemplo mejor conocido. A menudo, el taller de un maestro estaba ocupado tanto con la reproducción de copias de trabajos comercialmente exitosos probados como con el diseño de nuevas composiciones derivadas de las comisiones. En este caso, el maestro generalmente produciría el dibujo inferior o la composición general para ser pintado por los asistentes. Como resultado, muchas obras supervivientes que evidencian composiciones de primer rango pero una ejecución sin inspiración se atribuyen a los miembros o seguidores del taller.
Mecenazgo
En el siglo XV, el alcance y la influencia de los príncipes de Borgoña significaban que las clases de mercaderes y banqueros de los Países Bajos estaban en ascenso. Desde principios hasta mediados del siglo se produjeron grandes aumentos en el comercio internacional y la riqueza nacional, lo que llevó a un enorme aumento en la demanda de arte. Los artistas de la zona atrajeron clientes de la costa del Báltico, las regiones del norte de Alemania y Polonia, la Península Ibérica, Italia y las poderosas familias de Inglaterra y Escocia. Al principio, los maestros actuaron como sus propios distribuidores, asistiendo a ferias donde también podían comprar marcos, paneles y pigmentos. A mediados del siglo vimos el desarrollo del concesionario de arte como una profesión; la actividad se volvió puramente comercial, dominada por la clase mercantil.
Las obras más pequeñas generalmente no se producían por comisión. Con mayor frecuencia, los maestros anticiparon los formatos e imágenes que serían más buscados y sus diseños luego fueron desarrollados por los miembros del taller. Las pinturas listas se vendían en ferias regularmente celebradas, o los compradores podían visitar talleres, que solían agruparse en ciertas áreas de las principales ciudades. A los maestros se les permitió exhibir en sus ventanas frontales. Este era el modo típico de los miles de paneles producidos para la clase media: funcionarios municipales, clérigos, miembros de gremios, médicos y comerciantes.
Pinturas de tela menos caras (tüchlein) eran más comunes en los hogares de clase media, y los registros muestran un gran interés en las pinturas de paneles religiosos de propiedad nacional. Los miembros de la clase de mercaderes normalmente encargaban paneles devocionales más pequeños, que contenían temas específicos. Las alteraciones variaron desde tener paneles individualizados agregados a un patrón prefabricado, hasta la inclusión de un retrato de donante. La adición de escudos de armas fue a menudo el único cambio, una adición que se ve en San Lucas dibujando la Virgen de van der Weyden, que existe en varias variaciones.
Muchos de los duques de Borgoña podían darse el lujo de ser extravagantes en su gusto. Philip the Good siguió el ejemplo establecido anteriormente en Francia por sus tíos abuelos, incluido John, duque de Berry, al convertirse en un gran mecenas de las artes y encargar una gran cantidad de obras de arte. La corte borgoñona fue considerada como el árbitro del gusto y su apreciación a su vez impulsó la demanda de manuscritos iluminados de lujo y costosos, tapices con bordes dorados y copas con borde de joyas. Su apetito por las galas se filtraba a través de la corte y los nobles a las personas que en su mayoría encargaron artistas locales en Brujas y Gante en los años 1440 y 1450. Si bien las pinturas de paneles neerlandeses no tenían un valor intrínseco como lo hacían, por ejemplo, los objetos en metales preciosos, se percibían como objetos preciosos y en el primer rango del arte europeo. Un documento de 1425 escrito por Philip the Good explica que contrató a un pintor para el «excelente trabajo que hace en su oficio». Jan van Eyck pintó la Anunciación mientras estaba en el empleo de Felipe, y Rogier van der Weyden se convirtió en el pintor de retratos del duque en la década de 1440.
El gobierno borgoñón creó una gran clase de cortesanos y funcionarios. Algunos obtuvieron un poder enorme y encargó pinturas para mostrar su riqueza e influencia. Los líderes cívicos también encargaron obras de artistas importantes, como la Justicia de Bouts para el Emperador Otto III, La justicia de Trajano de Van der Weyden y Herkinbald y La justicia de Cambises de David. Las comisiones cívicas eran menos comunes y no tan lucrativas, pero dieron aviso y aumentaron la reputación de un pintor, como Memling, cuyo St John Altarpiece para Sint-Janshospitaal de Brujas le trajo comisiones cívicas adicionales.
El rico mecenazgo extranjero y el desarrollo del comercio internacional permitieron a los maestros establecidos la oportunidad de organizar talleres con asistentes. Aunque los pintores de primer orden como Petrus Christus y Hans Memling encontraron patrocinadores entre la nobleza local, atendieron específicamente a la gran población extranjera en Brujas. Los pintores no solo exportan bienes sino también a ellos mismos; los príncipes y la nobleza extranjeros, esforzándose por emular la opulencia de la corte borgoñona, contrataron pintores alejados de Brujas.
Iconografía
Las pinturas de la primera generación de artistas holandeses a menudo se caracterizan por el uso de simbolismos y referencias bíblicas. Van Eyck fue pionero, y sus innovaciones fueron tomadas y desarrolladas por van der Weyden, Memling y Christus. Cada uno empleó elementos iconográficos ricos y complejos para crear un sentido elevado de creencias contemporáneas e ideales espirituales. Moralmente, las obras expresan una perspectiva temerosa, combinada con un respeto por la moderación y el estoicismo. Las pinturas sobre todo enfatizan lo espiritual sobre lo terrenal. Debido a que el culto a María estaba en un vértice en ese momento, los elementos iconográficos relacionados con la Vida de María predominan enormemente.
Craig Harbison describe la mezcla de realismo y simbolismo como quizás «el aspecto más importante del arte flamenco temprano». La primera generación de pintores holandeses estaban preocupados por hacer los símbolos religiosos más realistas. Van Eyck incorporó una amplia variedad de elementos iconográficos, a menudo transmitiendo lo que él veía como una coexistencia de los mundos espiritual y material. La iconografía estaba incrustada en el trabajo; típicamente las referencias comprendían detalles de fondo pequeños pero clave. Los símbolos incrustados estaban destinados a fundirse en las escenas y «fue una estrategia deliberada para crear una experiencia de revelación espiritual». Las pinturas religiosas de Van Eyck en particular «siempre presentan al espectador con una visión transfigurada de la realidad visible». Para él, el día a día está armoniosamente impregnado de simbolismo, de modo que, según Harbison, «los datos descriptivos se reorganizaron … para que no ilustraran la existencia terrenal, sino lo que él consideraba verdad sobrenatural». Esta mezcla de las evidencias terrenales y celestiales van de la creencia de Eyck de que la «verdad esencial de la doctrina cristiana» se puede encontrar en «el matrimonio de mundos seculares y sagrados, de realidad y símbolo». Representa a Madonnas demasiado grandes, cuyo tamaño poco realista muestra la separación entre lo celestial y lo terrenal, pero las coloca en entornos cotidianos, como iglesias, cámaras domésticas o sentadas con funcionarios judiciales.
Sin embargo, las iglesias terrenales están fuertemente decoradas con símbolos celestiales. Un trono celestial está claramente representado en algunas cámaras domésticas (por ejemplo, en la Madonna de Lucca).Más difícil de discernir son los escenarios para pinturas como Madonna of Chancellor Rolin, donde la ubicación es una fusión de lo terrenal y lo celestial. La iconografía de Van Eyck se trata de un movimiento deficiente y intrincadamente estratificado que un trabajo debe ser visto varias veces antes de que el significado más obvio de un elemento marino aparente. Los símbolos a menudo se entrelazanban sutilmente en las pinturas para que aparecieran después de una visión cercana y repetida, mientras que John Ward, «un pasaje prometido del pecado y la muerte» la salvación y el renacimiento «. «.
Otros artistas emplearon el simbolismo de una manera más prosaica, un pesar de la gran influencia de Van Eyck tanto en sus contemporáneos como en artistas posteriores. Campín mostró una clara separación entre los reinos espirituales y terrenales; una diferencia de van Eyck, no empleó un programa de simbolismo oculto. Los símbolos de Campín no alteran el sentido de lo real; en sus pinturas, una escena doméstica no es más complicada que una que muestra una iconografía religiosa, pero que el espectador reconoce y comprendeía. El simbolismo de Van der Weyden era mucho más matizado que el de Campin, pero no tan denso como el de Van Eyck. Según Harbison, van der Weyden incorporó sus símbolos tan cuidadosamente, y de una manera tan exquisita, que «Ni la unión mística que resulta en su trabajo, ni su realidad en sí misma para el caso,»Su tratamiento de los detalles arquitectónicos, nichos, color y espacio se presenta de una manera tan inexplicable que» los objetos o personas particulares que vemos antes de nosotros se convirtieron repentinamente, discordantemente, en símbolos de la verdad religiosa «.
Pinturas y otros objetos preciosos servían una ayuda importante en la vida religiosa de aquellos que podían permitirse. La oración y la contemplación meditativa fueron medios para lograr la salvación, mientras que los muy ricos también construían iglesias, o encargarían obras de arte y otras piezas devocionales como un medio para asegurar la salvación en la otra vida. Se produjeron un gran número de pinturas de la Virgen y el Niño, y los diseños originales fueron muy copiados y exportados. Muchas de las pinturas se basaron en prototipos bizantinos de los siglos XII y XIII, de los cuales la Madonna Cambra es probablemente la más conocida. De esta manera, las tradiciones de los primeros siglos fueron absorbidas y redesarrolladas como una tradición iconográfica distintivamente rica y compleja.
La devoción mariana creció a partir del siglo XIII, y se formó principalmente en torno a los conceptos de la Inmaculada Concepción y su Asunción al cielo. En una cultura que veneraba la posesión de reliquias como un medio para acercar a lo divino, María no dejaba reliquias corporales, asumía una posición especial entre el cielo y la humanidad. A principios del siglo XV, María había crecido en importancia dentro de la doctrina cristiana en la medida en que era más vista que la intercesora más accesible con Dios. Se pensó que la duración de la detención de cada persona era en el limbo era proporcional a su muestra de devoción mientras estaba en la tierra. La veneración de María alcanzó su apogeo a principios del siglo XV, una época que vio una demanda interminable de obras que representaban su semejanza.Desde mediados del siglo XV, las representaciones neerlandesas de la vida de Cristo tendrían un enfoque en la iconografía del Hombre de los Dolores.
Aquellos que admiten el lujo de encargar retratos de donantes. Dicha, generalmente, la comisión se convirtió en parte de un tríptico, o más tarde como un día más asequible. Van der Weyden popularizó la tradición norteña existencia de retratos marianos de medio cuerpo. Estos se hicieron eco de los iconos bizantinos «milagrosos» que entonces eran populares en Italia. El formato popular más popular en todo el norte, y sus innovaciones son un factor importante que contribuye al surgimiento del médico mariano.