Características de la arquitectura renacentista

La arquitectura renacentista es un estilo neoclásico, inspirado en los ejemplos de la arquitectura antigua griega y romana y las ideas clásicas de simetría, claridad, belleza y armonía. El Renacimiento fue una época de gran interés por la cultura, el arte, la filosofía y la mitología seculares clásicas. También se asoció con el principio de Protágoras de que «el hombre es la medida de todas las cosas». Esto era tan cierto para el arte y la arquitectura religiosos del Renacimiento como para el arte y la arquitectura seculares del Renacimiento.

Si bien los arquitectos renacentistas descartaron el estilo de arco apuntado que había prevalecido en siglos anteriores y acuñaron el término arquitectura gótica para asociarlo con los destructores de la antigua Roma, también fue una consecuencia del período y estilo góticos. En pintura y escultura, el Renacimiento representó la forma humana con más precisión anatómica que en el período románico anterior. Pero mientras que, por ejemplo, las catedrales góticas están destinadas a inspirar asombro por el poder de Dios y la Iglesia y hacer que las personas que ingresan a las catedrales se sientan pequeñas en comparación con los vastos interiores y los techos abovedados, las iglesias renacentistas y los edificios seculares están destinados a relajar al individuo. , que tiene la reconfortante sensación de que todo es armonioso y a escala humana.

Visión general
La arquitectura renacentista es la etapa de la arquitectura italiana que evolucionó desde 1420 hasta mediados del siglo XVI, con el regreso a la vida de la antigüedad clásica. Las principales características de la arquitectura renacentista son, de hecho, la sensibilidad hacia el pasado antiguo, la reanudación de los órdenes clásicos, la clara articulación en los planos y alzados, así como las proporciones entre las partes individuales de los edificios.

El estilo del llamado «Renacimiento temprano» se originó en Florencia, favorecido por la afirmación de la burguesía y la cultura humanista, floreciendo luego en otras cortes como las de Mantua y Urbino. La fase posterior del siglo XVI, denominada «Renacimiento clásico», tuvo en Roma el nuevo centro de la vida artística, coexistiendo en el mismo siglo con el manierismo, generalmente considerado por la historiografía como la tercera fase del Renacimiento.

En los siglos siguientes, las ideas arquitectónicas desarrolladas en Italia también se extendieron al resto de Europa, pero las obras resultantes tenían poco en común con las características de la arquitectura italiana, consistente en el renacimiento de los detalles romanos y en el sentido de equilibrio y estabilidad.

Tratados y teorías
En el Renacimiento, con el redescubrimiento del único tratado de arquitectura que llegó intacto desde la antigüedad, la De architectura de Vitruvio, se generalizó la capacidad de expresar de una forma más completa teorías y conocimientos prácticos del arte edificatoria. Directamente conectado al modelo de Vitruvio está el De re aedificatoria, un tratado que Leon Battista Alberti publicó en latín a mediados del siglo XV. La obra retomó del texto clásico la subdivisión en diez libros, así como la mayor parte de los temas, pero abordándolos en un orden más racional; Al incorporar plenamente la teoría de los órdenes arquitectónicos, Alberti sometió las declaraciones de Vitruvio a una comparación con los edificios de la antigüedad que aún se conservan, analizando los principios a partir de los cuales se originaron ciertos preceptos.

Después de Alberti, Filarete compuso un tratado manuscrito en veinticinco volúmenes, en el que los conceptos arquitectónicos no se exhibían de forma sistemática, sino en tono episódico y narrativo, a partir de la descripción de la fundación de la ciudad de Sforzinda, la primera ciudad ideal totalmente teorizada del Renacimiento. Otras ideas originales se encuentran en el tratado de Francesco di Giorgio Martini, en el que la investigación sobre los principios innovadores del arte fortificante, llamado fortificación moderna, es de gran importancia.

En 1537 Sebastiano Serlio publicó el primero de Los siete libros de arquitectura: la obra tuvo un éxito inmediato, fue reimpresa repetidamente en italiano y francés, y tuvo traducciones, completas o parciales, también en flamenco, alemán, español, holandés e inglés. De hecho, fue el primer tratado de arquitectura en privilegiar el aspecto práctico sobre el teórico y el primero en codificar, en una secuencia lógica, los cinco órdenes, ofreciendo también un vasto repertorio de motivos, incluida la apertura, formado por un arco central y dos aberturas laterales en arquitrabe, conocidas como serliana. La parte más importante fueron las ilustraciones, mientras que al texto se le dio la tarea de explicar los dibujos, y no al revés. Sin embargo, la influencia que tuvo el accidente cerebrovascular en la arquitectura francesa e inglesa fue muy mala,

En su Regla de los cinco órdenes de arquitectura (1562), Jacopo Barozzi da Vignola redujo aún más las partes que contienen el texto, simplificó el método para determinar las proporciones y fijó el módulo como un instrumento de medición absoluto, es decir, liberándolo de diferentes sistemas regionales de medición. . El tratado fue un éxito sin precedentes, tanto que fue publicado en más de 250 ediciones y en 4 idiomas diferentes.

Los cuatro libros de arquitectura, que Andrea Palladio publicó en 1570, también gozaron de gran éxito. Más exhaustiva que el tratado de Vignola y más precisa que la de Serlio, la obra de Palladio se caracteriza por el rigor en el uso del método en las proyecciones ortogonales y la renuncia a los dibujos con efectos pictóricos y de perspectiva, para facilitar la lectura. dimensiones. Además de los pedidos de temas arquitectónicos y constructivos, los cuatro libros contienen los diseños de edificios antiguos, así como plantas y alzados de fábricas realizados por el mismo arquitecto. Iñigo Jones lo estudió en profundidad y, a través de él, la arquitectura palladiana tuvo éxito en la Inglaterra del siglo XVII.

Caracteristicas
El término «Renacimiento» ya era utilizado por los tratadistas de la época para resaltar el redescubrimiento de la arquitectura romana, de la que sobrevivieron varios vestigios en el siglo XV. Los principales índices de esta actitud fueron la nueva sensibilidad hacia las formas del pasado, no solo de la arquitectura romana, sino también del primitivo románico cristiano y florentino, el renacimiento de los órdenes clásicos, el uso de formas geométricas elementales para la definición de los planos, la búsqueda de articulaciones ortogonales y simétricas, así como el uso de la proporción armónica en las partes individuales del edificio. En particular, una característica común entre la arquitectura renacentista y romana es el efecto que produce la adaptación de masas simples basadas en los sistemas modulares de proporción,

Los arquitectos renacentistas adoptaron las características distintivas obvias de la arquitectura clásica romana. Sin embargo, las formas y los propósitos de los edificios habían cambiado con el tiempo, al igual que la estructura de las ciudades. Entre los primeros edificios del Clasicismo renacido se encontraban iglesias de un tipo que los romanos nunca habían construido. Tampoco existían modelos para el tipo de vivienda de las grandes ciudades que requerían los ricos comerciantes del siglo XV. Por el contrario, no hubo necesidad de enormes instalaciones deportivas y baños públicos como los que habían construido los romanos. Los órdenes antiguos fueron analizados y reconstruidos para servir a nuevos propósitos.

Al fin y al cabo, el historiador del arte Bruno Zevi definió el Renacimiento como «una reflexión matemática realizada sobre métricas románicas y góticas», destacando la investigación, por parte de los arquitectos de los siglos XV y XVI, de una métrica espacial basada en relaciones matemáticas elementales. En otras palabras, el gran logro del Renacimiento, en comparación con el pasado, fue haber creado en los espacios interiores lo que los antiguos griegos habían creado para el exterior de sus templos, dando vida a ambientes regulados por leyes inmediatamente perceptibles y fácilmente medibles por el observador. El estudio de la perspectiva de Filippo Brunelleschi ciertamente tuvo un peso decisivo en esto; Brunelleschi introdujo una visión interior totalizadora, elevando la perspectiva a una estructura espacial global. Desde Brunelleschi en adelante »

Plan
Los planos de los edificios renacentistas tienen un aspecto cuadrado y simétrico en el que las proporciones suelen basarse en un módulo. Dentro de una iglesia, el módulo suele tener el ancho de un pasillo. La necesidad de integrar el diseño del plano con la fachada se introdujo como un problema en el trabajo de Filippo Brunelleschi, pero nunca pudo llevar a cabo este aspecto de su trabajo. El primer edificio que demostró esto fue San Andrea en Mantua de Alberti. El desarrollo del plan en la arquitectura secular tuvo lugar en el siglo XVI y culminó con la obra de Palladio.

Fachada
Las fachadas son simétricas alrededor de su eje vertical. Las fachadas de las iglesias generalmente están coronadas por un frontón y organizadas por un sistema de pilastras, arcos y entablamentos. Las columnas y ventanas muestran una progresión hacia el centro. Una de las primeras fachadas auténticamente renacentistas fue la Catedral de Pienza (1459-1462), que se ha atribuido al arquitecto florentino Bernardo Gambarelli (conocido como Rossellino) y Alberti quizás también tenga alguna responsabilidad en su diseño.

Los edificios domésticos suelen estar coronados por una cornisa. Hay una repetición regular de aberturas en cada piso, y la puerta ubicada en el centro está marcada por una característica como un balcón o un marco rústico. Un prototipo temprano y muy copiado fue la fachada del Palazzo Rucellai (1446 y 1451) en Florencia con sus tres registros de pilastras

Columnas y pilastras
Se utilizan los órdenes de columnas romano y griego: toscano, dórico, jónico, corintio y compuesto. Los órdenes pueden ser estructurales, soportando una arcada o arquitrabe, o puramente decorativos, colocados contra una pared en forma de pilastras. Durante el Renacimiento, los arquitectos pretendían utilizar columnas, pilastras y entablamentos como un sistema integrado. Uno de los primeros edificios en utilizar pilastras como sistema integrado fue en la Sacristía Vieja (1421-1440) de Brunelleschi.

Arcos
Los arcos son semicirculares o (en el estilo manierista) segmentarios. Los arcos se utilizan a menudo en las arcadas, apoyados en pilares o columnas con capiteles. Puede haber un tramo de entablamento entre el capitel y el salto del arco. Alberti fue uno de los primeros en utilizar el arco a escala monumental en el St. Andrea en Mantua.

Bóvedas
Las bóvedas no tienen nervadura. Son semicirculares o segmentarias y de planta cuadrada, a diferencia de la bóveda gótica que suele ser rectangular. La bóveda de cañón vuelve al vocabulario arquitectónico como en el St. Andrea en Mantua.

Domos
La cúpula se usa con frecuencia, tanto como una característica estructural muy grande que es visible desde el exterior, como también como un medio para techar espacios más pequeños donde solo son visibles internamente. Después del éxito de la cúpula en el diseño de Brunelleschi para la Basílica de Santa Maria del Fiore y su uso en el plan de Bramante para la Basílica de San Pedro (1506) en Roma, la cúpula se convirtió en un elemento indispensable en la arquitectura de la iglesia y más tarde incluso en la arquitectura secular. como la Villa Rotonda de Palladio.

Techos
Los techos están equipados con techos planos o artesonados. No se dejan abiertos como en la arquitectura medieval. Con frecuencia se pintan o decoran.

Puertas
Las puertas suelen tener dinteles cuadrados. Pueden estar engastados en un arco o coronados por un frontón triangular o segmentario. Las aberturas que no tienen puertas suelen ser arqueadas y con frecuencia tienen una piedra angular grande o decorativa.

Ventanas
Las ventanas se pueden emparejar y colocar dentro de un arco semicircular. Pueden tener dinteles cuadrados y frontones triangulares o segmentados, que a menudo se utilizan alternativamente. Emblemático a este respecto es el Palazzo Farnese en Roma, iniciado en 1517.

En el período manierista se empleó el arco de Palladio, utilizando un motivo de una alta abertura rematada semicircular flanqueada por dos aberturas inferiores con remates cuadrados. Las ventanas se utilizan para iluminar el edificio y en la arquitectura doméstica, para dar vistas. Las vidrieras, aunque a veces están presentes, no son una característica.

Paredes
Los muros externos son generalmente de ladrillo, revocado o revestido de piedra en sillería de alto acabado, colocada en hileras rectas. Las esquinas de los edificios a menudo se enfatizan con quoins rústicos. Los sótanos y las plantas bajas fueron a menudo rústicos, como en el Palazzo Medici Riccardi (1444-1460) en Florencia. Las paredes internas están enlucidas suavemente y revestidas con cal. Para espacios más formales, las superficies internas están decoradas con frescos.

Detalles
Los cursos, molduras y todos los detalles decorativos están tallados con gran precisión. Estudiar y dominar los detalles de los antiguos romanos fue uno de los aspectos importantes de la teoría del Renacimiento. Cada uno de los diferentes pedidos requería diferentes conjuntos de detalles. Algunos arquitectos fueron más estrictos en el uso de detalles clásicos que otros, pero también hubo una gran cantidad de innovación en la resolución de problemas, especialmente en las esquinas. Las molduras se destacan alrededor de puertas y ventanas en lugar de estar empotradas, como en la arquitectura gótica. Las figuras esculpidas pueden colocarse en nichos o colocarse sobre pedestales. No son parte integral del edificio como en la arquitectura medieval.

El Palacio
El ascenso de la burguesía florentina propició cambios importantes en el tejido urbano de la ciudad: las numerosas casas-torre que surgieron en el tejido urbano fueron sustituidas por los palacios de los comerciantes, a quienes se les confió la tarea de conciliar las necesidades vitales de la población. habitantes con la renovación del rostro urbano de las ciudades, acercándose al mismo tiempo a los prototipos de la antigüedad. Sin embargo, a diferencia de algunos templos, en el siglo XV ningún palacio antiguo había sobrevivido intacto, tanto que el conocimiento de los planos se vio contrarrestado por la falta de modelos relacionados con la articulación de las fachadas. Ni siquiera Vitruvio y los demás autores de la época romana habían dado indicaciones precisas, concentrando su atención sobre todo en el trazado en planta y no en el alzado.

A partir de estas consideraciones, el patio del centro del edificio, derivado de modelos planimétricos del pasado, se convirtió en la piedra angular de las nuevas composiciones. Sin embargo, la acentuación de la extensión horizontal de los edificios permitió una mejor distribución de las habitaciones en comparación con los esquemas medievales tradicionales: la planta baja, cerrada como una fortificación, se utilizó para el movimiento de comerciantes, visitantes y clientes; el primer piso, conocido como piso noble, estaba destinado a las salas de recepción, mientras que el segundo piso estaba reservado para la residencia real de la familia.

El palacio de los Medici, encargado por Cosme el Viejo a Michelozzo antes de mediados del siglo XV, puede considerarse el arquetipo del palacio del Renacimiento temprano: es un «dado de piedra», con un patio sobre columnas y fachadas exteriores caracterizadas por una graduación rústica. de sillares, que reflejan elementos derivados de los edificios públicos medievales. En el interior, sin embargo, las diferentes funciones aún no son atribuibles a un esquema totalmente simétrico y axial, que aún se limita a la zona de entrada y patio.

La solución con la fachada rústica del Palazzo Medici se opuso a la de las órdenes de semipilares, que todavía encuentra su primera realización en Florencia, en el palacio Rucellai de Leon Battista Alberti. En cualquier caso, la articulación de las superficies por medio de semipilares, aunque se separó de la tradición medieval, no se afianzó especialmente en la Toscana, pero abrió el camino para futuros desarrollos.

En el apogeo del Renacimiento, la simetría axial del plan se convirtió en un principio de diseño fundamental. Aunque derivado del modelo del Palazzo Medici, el Palazzo Strozzi, construido en Florencia a finales del siglo XV, presenta una simetría axial de la planta y escaleras de doble tramo que presagian la tendencia hacia los sistemas dobles del período barroco. La planta del posterior palacio de Valmarana en Vicenza, construido en la segunda mitad del siglo siguiente por Andrea Palladio, se caracteriza por una composición axial especular, ofreciendo una división equilibrada y proporcionada de los espacios.

Aún en pleno Renacimiento, Bramante y Raffaello propusieron nuevos modelos de fachadas para palacios, con la combinación de sillar en la planta baja y escaneo de la fachada con órdenes en relieve.

El Palazzo Farnese de Roma, diseñado por Antonio da Sangallo el Joven y Miguel Ángel, se convirtió en el prototipo de un nuevo modelo muy duradero, basado en el rechazo tanto de la oxidación como de los órdenes a favor de una fachada lisa atravesada por miembros horizontales (curso de cuerda , marcadavanzali) con kiosco de ventanas coronado por frontones triangulares y curvos alternados, que la planta baja se convierte en arrodillada.

La villa
No obstante, en las residencias rurales, la centralización se convirtió en un principio fundamental. Leon Battista Alberti, en el tratado De re aedificatoria, dedica un tomo a las «casas señoriales», que hacen referencia al modelo de la villa de Plinio el Joven: la distribución de las estancias principales, como el vestíbulo, el salón y el comedor se abre a un espacio central (atrio), el comedor de invierno cuenta con una estufa, mientras que el comedor de verano da al jardín.

La villa Medici de Poggio a Caiano (alrededor de 1470) se remonta a este tipo. Criado en un proyecto de Giuliano da Sangallo a finales del siglo XV, es uno de los principales ejemplos del Renacimiento temprano. El edificio se distribuye en dos plantas sobre una gran terraza, con una logia coronada por un frontón clásico, que anticipa las soluciones palladianas del siglo siguiente; los espacios interiores se distribuyen en cruz alrededor del hall central, de planta rectangular y cerrado por bóveda de cañón, con cuatro departamentos de tres o cuatro estancias que se desarrollan entre las esquinas del edificio y los espacios principales.

En Roma se desarrolla un volumen constructivo alargado, con una secuencia de espacios paralelos y logia central: este es el caso de la Villa Farnesina construida por Baldassarre Peruzzi a principios del siglo XVI, de la que derivarán una serie de villas rurales, como el Imperial de Pesaro, renovado por Gerolamo Genga en la segunda década del siglo XVI.

Sin embargo, la escena del siglo XVI está dominada por las villas que Andrea Palladio construyó en Veneto; entre estos, el proyecto de la denominada Rotonda tuvo una intensa fortuna, que se convirtió en fuente de inspiración para varios artistas pertenecientes a la corriente del paladianismo internacional: la Rotonda tiene una planta central, resaltada por una cúpula, con las partes delanteras a cada lado caracterizado por pronaos con columnas jónicas.

La biblioteca
El Renacimiento fue el momento decisivo para el nacimiento de las bibliotecas en el sentido moderno. La difusión de los estudios humanísticos y la invención de la imprenta favorecieron el nacimiento de diversas bibliotecas cívicas y el desarrollo de las eclesiásticas: recordamos la Viscontea-Sforzesca conservada en el castillo de Pavía, la Malatestiana de Cesena, la Estense de Ferrara (posteriormente trasladada a Módena), la Laurenziana de Florencia, la Marciana de Venecia, así como la Biblioteca Apostólica Vaticana de Roma.

El sistema de tres naves con el tiempo, adoptado para la Biblioteca Malatesta en Cesena y la de San Marco en Florencia, se convirtió en un modelo para la posterior construcción de renombradas bibliotecas monásticas italianas, por ejemplo las del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán ( 1469), de San Domenico in Perugia (1474) y del monasterio benedictino de San Giovanni in Parma (1523). El éxito de esta forma continuó hasta el momento en que la evolución de los cánones renacentistas impuso, en las primeras décadas del siglo XVI, una solución capaz de favorecer la unidad del espacio y la difusión uniforme de la iluminación, con la consiguiente renuncia a la división. en naves, como en el caso de la Biblioteca Laurentian construida por Miguel Ángel.

El teatro
El humanismo, con la difusión de los textos latinos clásicos y la fundación de las academias, provocó el renacimiento del teatro a finales del siglo XV. Inicialmente las representaciones se desarrollaban en lugares privados como jardines, patios de conventos y salones de edificios decorados para las representaciones; la escena fue, por tanto, temporal y se caracterizó principalmente por cortinas que se abrían y cerraban durante las entradas y salidas de los actores.

Durante el siglo siguiente, se comenzaron a construir instalaciones permanentes para contener las escenografías, como en el caso de la Loggia del Falconetto en Padua. Hacia finales del siglo XVI, el Teatro Olimpico de Andrea Palladio, el modelo del antiguo auditorio se fusionó con el escenario renacentista, pero su influencia se limitó a algunos otros edificios, como el Teatro Antiguo de Sabbioneta, de Vincenzo Scamozzi, o el posterior Teatro Farnese en Parma.

La Iglesia

El plan central
En el Renacimiento temprano, la preferencia por las formas geométricas elementales y por la armonía entre las partes llevó a la concepción de iglesias de planta central, en las que el ideal estético y simbólico se anteponía a la funcionalidad. A partir de 1420 Filippo Brunelleschi levantó la cúpula de la catedral florentina, el organismo más grande con un plan central desde el Panteón; varios edificios centralizados pueden atribuirse al mismo arquitecto, como la Sacristía Vieja, la capilla Pazzi y la Rotonda di Santa Maria degli Angeli. A raíz de Brunelleschi hay numerosas iglesias de cruz griega, como la basílica de Santa Maria delle Carceri en Prato, de Giuliano da Sangallo (1486), así como algunos dibujos de Leonardo da Vinci, que tuvieron una influencia significativa en el siglo XVI. pensamiento arquitectónico del siglo y, en particular,

El estilo de Bramante también se vio afectado por la influencia ejercida por las primeras iglesias cristianas, que pudo observar durante su estancia en Milán. Sobre todo la basílica de San Lorenzo, un organismo grandioso de planta central formada por una plaza con cuatro ábsides. Además, para su primera construcción conocida, la iglesia de Santa Maria presso San Satiro, restauró la antigua capilla de San Satiro, un edificio de planta central con un diseño típico paleocristiano (una cruz griega en un cuadrado inscrito en un círculo).

El posterior templo de San Pietro in Montorio, una de las primeras construcciones construidas por Bramante tras su traslado a Roma, expresa un nuevo concepto en el tipo de complejos con planta central, mostrando una mayor derivación de los modelos de la antigüedad (el templo de Vesta en Roma y el templo de Vesta en Tivoli). A pesar de su pequeño tamaño, el pequeño templo puede considerarse el embrión del diseño original de Bramante para la basílica de San Pedro en el Vaticano, un imponente complejo de cruces griegas dominado en el centro por una colosal cúpula esférica. De él descenderá una serie de iglesias centralizadas y su versión de Miguel Ángel, como Santa Maria di Carignano en Génova de Galeazzo Alessi, el Gesù Nuovo en Nápoles y la iglesia del Monasterio del Escorial cerca de Madrid.

El plan longitudinal
A pesar del éxito de los esquemas del plan central, el plan longitudinal, que representaba la forma tradicional de la iglesia comunitaria, no se dejó de lado. Las grandes iglesias florentinas construidas por Filippo Brunelleschi entre 1420 y 1440, San Lorenzo y Santo Spirito, todavía hacen referencia a un esquema de cruz latina, en tres naves, en el que los elementos de la tradición se actualizan al sistema modular renacentista.

La próxima generación hizo cambios significativos. Para la basílica de Sant’Andrea, en Mantua, Leon Battista Alberti elaboró ​​una sala muy amplia, flanqueada por capillas laterales que, haciendo referencia a las construcciones romanas de la época imperial, también gozaron de éxito en los siglos siguientes, comenzando por la iglesia de la Gesù, en Roma.

La fachada
Las fachadas, con el redescubrimiento de motivos antiguos como pronaos, frontones y arcos triunfales, fueron concebidas como elevaciones escenográficas.

Entre los primeros ejemplos de fachadas renacentistas se encuentran Santa Maria del Popolo en Roma y Santa Maria Novella en Florencia. En particular, la fachada diseñada por Leon Battista Alberti para Santa Maria Novella, a pesar de la inserción de elementos góticos preexistentes en la parte inferior y la continuación de las incrustaciones de mármol de la tradición toscana en el nivel superior, puede considerarse la más exitosa. esquema, que se aplicará, en sus numerosas variantes, también en los siglos siguientes: presenta un orden de semipilares de dos pisos, unidos por marcos horizontales, con el frente central de sección alta, colocado en apoyo del frontón triangular, conectado a los pasillos laterales mediante la inserción de grandes volutas.

La solución del arco de triunfo también está vinculada a Alberti, ejemplificada por la basílica de Sant’Andrea de Mantua: repitiendo el ritmo del interior, caracterizado por la sucesión de arcos de medio punto, la fachada consta de una parte delantera que combina el tema del arco de triunfo con el del templo clásico.

Diez años después, en el diseño de la fachada de Santa María cerca de San Satiro, Bramante propuso un esquema basado en la fachada con dos frontones, con las alas del frontón inferior colocadas en correspondencia con las naves laterales. Esta solución encontrará desarrollos posteriores en la fachada de la iglesia de Santa Maria en Castello di Carpi del Peruzzi, pero sobre todo en las fachadas de las iglesias venecianas erigidas por Palladio en el Renacimiento tardío, en las que la fusión de la portada de dos clásicos Se completan los templos: el primero, más alto, colocado al final de la nave principal, mientras que el segundo, más bajo y extendido a los lados, protege los espacios laterales.

Urbanismo
En el Renacimiento el urbanismo adquiere un carácter científico-teórico, buscando combinar las necesidades humanas, defensivas, estéticas, simbológicas y centralismo señorial.

En la base de las experiencias urbanísticas del siglo XV se encuentra la metodología establecida por Leon Battista Alberti en De re aedificatoria. Para Alberti, la ciudad era un objeto complejo, cuya construcción no podía asimilarse a la de los edificios individuales, sino que estaba influenciada por las limitaciones y propiedades del entorno. Por eso los muros podían ser diferentes según la variedad de lugares, mientras que las carreteras principales, anchas y rectas en las grandes ciudades, podían seguir un camino curvo en los pueblos pequeños.

La situación era diferente para los espacios públicos, que Alberti consideraba como obras de arquitectura únicas, con un aspecto unitario, con plazas rodeadas de soportales y soportales. Básicamente, Alberti alcanzó una mediación entre la ciudad medieval y la renacentista, integrando los nuevos organismos en los núcleos urbanos preexistentes; influencia que se encuentra en los pueblos pequeños, pero menos en las grandes ciudades, como Roma o Milán, donde las iniciativas renacentistas rompieron la coherencia de los núcleos antiguos, abriendo el camino a importantes transformaciones.

Al mismo tiempo, la popularidad del Tratado de Vitruvio inspiró la redacción de numerosos proyectos de ciudades radiocéntricas ideales, con planos regulares delimitados desde la fortificación hasta la moderna, pero muy pocos se realizaron; entre ellos cabe mencionar Palmanova, que se remonta a finales del siglo XVI. Entre los proyectos que quedan sobre el papel está el de Sforzinda, una ciudad con un plan estelar que describe Filarete en su tratado de arquitectura.

La figura básica es una estrella de ocho puntas inscrita en un foso circular; Desde el centro de la localidad parten dieciséis calles unidas por una circunvalación intermedia, mientras que la plaza mayor sigue ligada a la tradición medieval, con el castillo y la iglesia enfrentados en un espacio rectangular. En 1480, Francesco di Giorgio Martini presentó un diseño para una ciudad ideal colocada simétricamente alrededor de un canal rectilíneo; el complejo se remonta a un octágono alargado, con dos poderosos bastiones destinados a defender la ciudad. En cada parte de la ciudad hay una plaza rectangular, cerrada a cada lado y sin vista directa al río.

Una fusión entre la visión utópica del Renacimiento y un esquema más funcional, adecuado a las necesidades de una próspera ciudad mercantil, se registró en Amsterdam solo a principios del siglo XVII, cuando, alrededor de la ciudad vieja, se construyeron una serie de canales poligonales. a lo largo del cual se levantaban estrechas casas adosadas y almacenes, protegidos por una muralla fortificada de unos ocho kilómetros de largo.

La plaza
La calidad espacial de la plaza se basa en la relación entre las superficies horizontales y los volúmenes que, con su estructura y disposición, la delimitan. El Renacimiento tendió a regularizar la forma de la plaza, favoreciendo la construcción de edificios proporcionados a lo largo de su perímetro. En las ciudades ideales, la plaza toma la forma de un plano geométrico ideal, que aparece con toda su claridad cristalina en los frescos o en las representaciones en perspectiva. En la práctica, las plazas concebidas en el Renacimiento temprano se realizan en Pienza, donde el pequeño tamaño no compromete el equilibrio general, y en la Piazza Ducale en Vigevano, que representa una intervención destinada a estandarizar las estructuras medievales preexistentes detrás de amplias arcadas. .

En el siglo siguiente, los modelos se volvieron más complejos. Por ejemplo, la Piazza del Campidoglio en Roma, diseñada por Miguel Ángel, expresa una nueva concepción del espacio público, en la que se contraponen una compleja combinación de movimientos: el movimiento ascendente recto de la escalera de acceso y el circular alrededor de la estatua ecuestre de Marco. Aurelius, en el que el palacio del Senatorio es el fondo.

El renacimiento clásico

Bramante en Roma
Si el primer Renacimiento fue fundamentalmente toscano, todo el Renacimiento se volvió esencialmente romano gracias a la obra de Bramante y Rafael, que fueron los máximos exponentes del Clasicismo.

Bramante, el mayor, llegó a Roma procedente de Milán en 1499, cuando tenía más de cincuenta años. Lejos de los gustos de la corte lombarda e influenciado por los vestigios antiguos de la ciudad, su estilo adquirió un carácter más austero, que se puede encontrar incluso en las primeras obras: el claustro de Santa Maria della Pace y sobre todo el templo de San Pietro in Montorio.

El claustro, si bien deriva de su proyecto para el patio de Sant’Ambrogio en Milán, se estructura en dos niveles: en la planta baja presenta un orden de pilastras de estilo jónico que sostienen un entablamento con un friso continuo, con una concatenación de arcos. en todo sexto juego sobre flaps, que se refieren al teatro de Marcelo. En el segundo nivel, sin embargo, hay pilares tratados como pilastras en estilo pseudo-corintio, con la inserción de columnas libres, del mismo orden, que duplican el paso de los arcos subyacentes.

Más significativa es la segunda intervención, el templo de San Pietro in Montorio, que data de 1502. Es el «primer monumento del Renacimiento pleno en contraste con el proto-renacentista, y es un verdadero monumento, es decir, un más plástico que la realización estrictamente arquitectónica «. Fue construido en el lugar donde, según la tradición, fue crucificado San Pedro; El pequeño edificio fue así concebido como una especie de martirio paleocristiano y proyectado sobre los templos modelo peripteral de un plano central de la antigüedad.

Lo que constituye el punto fundamental de esta obra no es tanto su clasicismo, más avanzado que el de Brunelleschi y Alberti, sino el hecho de que el templo debería haberse colocado en el centro de un espacio centralizado, permeable por la presencia de soportales. , convirtiéndose en su punto de apoyo. Si bien el patio no se completó según la planta original, se puede reconocer el efecto geométrico obtenido por la combinación de círculos concéntricos en planta con cilindros concéntricos en alzado. El templo consta de dos cilindros (peristilo y celda), colocados en relaciones proporcionales entre sí, con una cúpula hemisférica tanto en el interior como en el exterior.

En arquitectura civil, un lugar destacado pertenece a su palacio Caprini (destruido), también conocido como casa de Rafael, que data de 1508; puede considerarse uno de los paradigmas del palacio del siglo XVI. La obra retoma las características de los modelos florentinos, a saber, la oxidación del Palazzo Medici y los órdenes arquitectónicos del Palazzo Rucellai, colocándolos respectivamente en la planta baja y en el primer piso de la fachada; los sillares se disponen alrededor de los vanos abovedados del registro inferior, mientras que el orden arquitectónico se traduce en una serie de columnas acopladas que sostienen el entablamento.

También es necesario recordar los encargos para los palacios vaticanos: el patio de San Dámaso, concebido por Bramante como una serie de arcos abiertos derivados de los del Coliseo, pero sobre todo la disposición del patio del Belvedere, concebido como una sucesión de patios escalonados que tenían la tarea de conectar el Palacio Apostólico con el edificio Belvedere. A pesar de las alteraciones sufridas a lo largo de los siglos (como el nicho del Pirro Ligorio y las armas de los Museos Vaticanos), el aspecto más importante del Belvedere hoy lo constituye la forma en que Bramante resolvió la gran extensión de las superficies de la pared recurriendo a módulos similares a los adoptados por Leon Battista Alberti en la nave de la Basílica de Sant’Andrea: arcos de medio punto intercalados con pilastras gemelas.

Sin embargo, todas estas obras fueron superadas por su obra más exigente: la Basílica de San Pedro. Tras las primeras intervenciones de recuperación de la antigua basílica paleocristiana iniciadas por Niccolò V a mediados del siglo XV, el Papa Julio II se convenció de la oportunidad de reconstruir la iglesia más importante del cristianismo occidental. Probablemente Bramante no dejó ni un solo proyecto definitivo de la basílica, pero es opinión común que sus ideas originales, presumiblemente influenciadas por los bocetos arquitectónicos encontrados en los manuscritos de Leonardo da Vinci, contemplaban una planta de cruz griega, dominada, en el centro, por un gran cúpula semiesférica, con cuatro cúpulas menores en correspondencia con las capillas laterales y la misma cantidad de campanarios en los laterales.

Esta configuración se puede deducir, al menos en parte, de la imagen impresa en una medalla Caradosso acuñada para conmemorar la colocación de la primera piedra del templo, el 18 de abril de 1506, y sobre todo de un dibujo considerado autógrafo, denominado «pergamino avión «. En cualquier caso, la única certeza sobre las últimas intenciones de Julio II y Bramante, fallecidos respectivamente en 1513 y 1514, es la realización de los cuatro pilares unidos por tantos grandes arcos de medio punto destinados a sostener la cúpula.

Una serie de iglesias de planta central se remonta al modelo centralizado de San Pietro de Bramante: Sant’Eligio degli Orefici en Roma, San Biagio en Montepulciano y Santa Maria della Consolazione en Todi.

El primero, al que a menudo se relaciona el nombre de Rafael, probablemente fue iniciado por Bramante en 1509 con la ayuda del propio Sanzio, dada la similitud del tema con la Escuela de Atenas. La iglesia fue terminada por Baldassarre Peruzzi y no es fácil establecer dónde se encuentra con respecto al desarrollo de San Pietro.

Muy unida a San Pietro, así como a la basílica de Santa Maria delle Carceri en Prato, se encuentra la iglesia de San Biagio, diseñada por Antonio da Sangallo el Viejo y construida a partir de 1518. También en este caso el plano es una cruz griega , ligeramente alargado cerca del ábside, con dos campanarios a los lados de la fachada, de los cuales solo uno ha sido terminado.

Aún más simple es la disposición del Templo de la Consolación (1509): la planta, obtenida de cuatro ábsides agregados en un cuadrado, es muy similar a un dibujo de Leonardo da Vinci. El edificio fue construido bajo la dirección de Cola da Caprarola, un arquitecto casi desconocido, tanto es así que en varias ocasiones se ha intentado atribuir el proyecto a Bramante. Sin embargo, el contrato relativo a su construcción hablaba únicamente de tres ábsides: la iglesia se remodeló hacia finales del siglo XVI y la cúpula a principios del XVII. Sin embargo, su carácter de delicadeza no falla, con ese acento indeleble y agradable que se remonta al gusto del siglo XV.

Raphael
Raffaello Sanzio nació en Urbino en 1483 y había tenido una formación artística en el taller de Perugino. Pintor, incluso antes de ser arquitecto, en los últimos años de su corta vida también se dedicó al diseño de algunos palacios, una capilla y una villa, reemplazando a Bramante en la obra de construcción de la Basílica de San Pedro en el Vaticano.

La capilla Chigi en Santa Maria del Popolo es una pequeña variación del núcleo central de San Pietro y también se refiere a Sant’Eligio degli Orefici, aunque con una riqueza mucho mayor. En el exterior, la cúpula trae a San Bernardino de Francesco di Giorgio Martini: un cilindro cubierto por un cono, de líneas limpias, en el que se insertan ventanas simples.

Si el Palazzo Vidoni Caffarelli, probablemente diseñado con Lorenzo Lotti, es casi una copia del Palazzo Caprini, la solución adoptada por Raphael en el Palazzo Branconio dell’Aquila es completamente diferente. Desaparecido durante el siglo XVII, pero aún conocido a través de una serie de representaciones gráficas, el edificio construido para Giovanni Battista Branconio dell’Aquila exhibía una fachada caracterizada por un rico repertorio ornamental.

La planta baja presentaba arcos sobre medias columnas toscanas, rematados por un entablamento continuo, mientras que la planta principal se caracterizaba por la alternancia de nichos y ventanas, esta última enmarcada en una serie de edículos coronados por tímpanos curvos y triangulares, más allá de los cuales discurría un banda decorada con festones de Giovanni da Udine, en cuyo interior se obtuvo la entreplanta; El edificio se completó luego con un ático con cornisa y triglifos. Si algunos han identificado en esta fachada un comienzo del manierismo, para otros el palacio Branconio dell’Aquila solo ve un renacimiento del gusto romano actualizado a los descubrimientos arqueológicos relacionados con las grandes decoraciones de estuco de la Domus Aurea y los baños de Tito, que se convertirá en un motivo manierista sólo en el posterior palacio de Spada.

Otro aporte significativo lo compone Villa Madama, la gran casa de campo que Raphael diseñó para el futuro Papa Clemente VII. Del gran conjunto que debería haber rivalizado con el patio del Belvedere, solo se construyó el núcleo central, formado por una gran logia, una evidente referencia a la Basílica de Majencio. El diseño original incluía un gran muro, derivado de las construcciones térmicas romanas, en cuyo interior debían insertarse las distintas estancias de la residencia, los baños, el teatro, el jardín, el estanque y los almacenes.

Después de la muerte de Bramante, Rafael recibió la ardua tarea de continuar la reconstrucción de la basílica del Vaticano. Sin embargo, la superintendencia de Rafael sobre la obra de la basílica vaticana no duró mucho, ya que murió a los 36 años, en 1520. Rafael presentó una propuesta que difería significativamente del modelo de Bramante con un plan central: de una planta atribuida a Sanzio , se distingue un cuerpo longitudinal ante los pilares de la cúpula, articulado mediante pilares con dobles pilastras y concluido, en la fachada, por un profundo pórtico; Probablemente, la idea de los caminantes alrededor de los ábsides se debe a Rafael, que luego fue confirmado por su sucesor, Antonio da Sangallo el Joven.

Manierismo y finales del Renacimiento
y clasicismo romano; sin embargo, si las dos primeras fases se distinguen entre sí, no se puede decir lo mismo entre el Clasicismo y el Manierismo, que coexistieron desde principios del siglo XVI. Baste decir que cuando los máximos exponentes del Clasicismo, Rafael y Bramante, pusieron sus manos sobre la iglesia de Sant’Eligio degli Orefici, en 1509, uno de los principales artífices del manierismo, Baldassarre Peruzzi, construyó la Villa Farnesina.

El «modo», que ya en la literatura artística del siglo XV indicaba el estilo de cada artista individual, se convirtió en el siglo XVI en un término para designar la relación entre norma y derogación, es decir, la búsqueda continua de variaciones sobre el tema del clásico. El rechazo del equilibrio y la armonía clásicos, a través del contraste entre norma y derogación, naturaleza y artificio, signo y signo, representan de hecho las principales características del manierismo. En el manierismo las leyes elementales pierden todo sentido: la carga no tiene peso, mientras que el soporte no pesa nada; el escape de la perspectiva no termina en un punto focal, como en el Barroco, sino que termina en nada; Los organismos verticales simulan un equilibrio que en realidad «oscila».

Desde el punto de vista decorativo, la unión entre clasicismo y manierismo está representada por el fenómeno de los grotescos, pinturas centradas en representaciones fantásticas de la época romana, que fueron redescubiertas durante unas excavaciones arqueológicas en la Domus Aurea, convirtiéndose en fuente de inspiración para la Aparato ornamental de numerosos edificios, incluso influyendo en la arquitectura (Palazzo Zuccari en Roma, Parco dei Mostri en Bomarzo y otros).

En todo caso, el manierismo no anuló las características y valores del Clasicismo, que seguirá perviviendo en el panorama arquitectónico no solo del siglo XVI, sino también de los siglos siguientes, tanto en el contexto de la escuela romana como en el de la escuela veneciana; después de todo, el estilo de Jacopo Sansovino o Andrea Palladio difícilmente podría definirse como manierista en el sentido en que el término puede usarse, en cambio, para definir el de Giulio Romano o Michelangelo Buonarroti, entre los principales exponentes de esta corriente.

Giulio Romano
A la muerte de Rafael quedó claro que su estilo estaba a punto de entrar en una nueva etapa, caracterizada por una mayor riqueza y libertad de expresión, destacada en el palacio Branconio dell’Aquila y en la capilla Chigi. Su alumno Giulio Romano, el primer gran artista nacido en Roma después de muchos siglos, tuvo la tarea de completar los frescos del Vaticano y las pinturas de Villa Madama.

En 1524, cuando tenía alrededor de 25 años, dejó Roma para ponerse al servicio de los Gonzagas, señores de Mantua, donde se encargó de la construcción del Palazzo Te. El palacio fue concebido como una villa suburbana: un edificio de planta cuadrada, vacío en el centro, con un gran jardín orientado al este. El uso de la muralla romana, el uso de serliane, las aberturas rematadas por sillares de abanico e incluso el marco planimétrico son elementos tomados del código clásico, pero el carácter rústico de las fachadas, la diferenciación de las elevaciones y la notable profundidad de la arcadas articuladas sobre columnas agregadas en grupos tetrástilo, entran en el ámbito de las excepciones y proyectan el Palazzo Te en el ámbito del manierismo.

Otra obra significativa del activo Mantuano del arquitecto es la mansión que construyó para sí mismo poco antes de su muerte en 1546. Aquí el modelo de Bramante del Palazzo Caprini sufre una variación: la oxidación se extiende a ambos pisos del edificio, mientras que el orden arquitectónico del El primer piso da paso a una serie de pilares y arcos dentro de los cuales se abren las ventanas con el tímpano. Otro tímpano se inserta sobre el portal de entrada, extendiéndose hacia el piso superior y rompiendo la continuidad del marco de la hilera de cuerdas.

Si en la catedral de Mantua Giulio Romano se muestra más severo y contenido en el sentido clásico, es en otra arquitectura civil, el patio de la Cavallerizza del Palazzo Ducale, donde culmina la búsqueda de excepciones del prototipo de Bramante. Se logra, con la profunda alteración de todo referente clásico, acentuada por la presencia de semicolumnas retorcidas que destacan sobre un paramento arqueado rusticado.

Baldassarre Peruzzi
Baldassarre Peruzzi, nacido en 1481, se formó en Siena como pintor y se trasladó a Roma a principios del siglo XVI. Aunque sus dibujos se conservan en varios museos de Italia, su figura sigue siendo algo misteriosa y suele recordarse como una ayuda a Bramante.

Entre 1509 y 1511, en la margen derecha del Tíber, construyó la Villa Farnesina para el banquero Agostino Chigi. Aunque la regla prevalece sobre la excepción, la villa puede considerarse un punto de partida para la arquitectura manierista. El edificio tiene planta en forma de U, con dos alas que encierran una parte media en la que, en la planta baja, hay un pórtico formado por cinco arcos de medio punto. La articulación de la fachada, decorada con pilastras y sillar angular, sigue siendo clásica, pero el friso ricamente decorado, que corre en la parte superior del edificio, ya destaca un cambio de gustos.

En el palacio Massimo alle Colonne, construido más de veinte años después, la excepción prevalece sobre la norma. El plan, condicionado por la necesidad de aprovechar al máximo el limitado espacio disponible, tiene una elevación convexa; la oxidación se extiende por toda la fachada, mientras que las columnas, en comparación con el modelo Bramante, se trasladan a la planta baja, donde definen un atrio sombreado.

Miguel Angel
El gran acontecimiento de la arquitectura del siglo XVI está representado por Michelangelo Buonarroti. Nacido en 1475, de niño fue aprendiz de pintor y, una vez que entró en el círculo de Lorenzo de ‘Medici, aprendió escultura de Bertoldo. Su primera intervención en el campo de la arquitectura se remonta a 1518-1520, con la construcción de las ventanas arrodilladas en la logia del Palazzo Medici, en Florencia, pero unos años antes también se interesó por la fachada de la basílica de San Lorenzo. ; el proyecto San Lorenzo, traducido exclusivamente a una maqueta de madera, ya enunciaba la visión de la arquitectura concebida en términos plásticos, con una fachada concebida como contenedor de un gran número de esculturas.

La posterior Nueva Sacristía, construida en el lado opuesto al de Brunelleschi dentro de la basílica de San Lorenzo, es también un espacio concebido en llave de plástico; a pesar de la reanudación del trazado planimétrico de la Sacristía Vieja y el recurso a la temática de la cúpula artesonada del Panteón, los muros no presentan la sobria armonía del modelo Brunelleschi, sino ventanas falsas que ahuecan y dan forma a la superficie, en un estilo muy personal que marca la ruptura con el clasicismo vitruviano. La Nueva Sacristía puede contarse entre las primeras obras auténticamente manieristas.

En este contexto se enmarca el proyecto de la Biblioteca Laurenciana de los Medici, del que Miguel Ángel se ocupó personalmente entre 1524 y 1534. Teniendo en cuenta los edificios preexistentes, el conjunto se resolvió con la construcción de dos salas contiguas: el atrio, con una superficie reducida. y caracterizado por un techo alto, y la sala de lectura, ubicada en un piso superior. Los muros del atrio se configuran como fachadas de edificios orientadas hacia el interior, con hornacinas ciegas y pilares empotrados que tienen la finalidad de reforzar las estructuras portantes; una escalera que se expande hacia abajo, realizada por Bartolomeo Ammann, varios años después, conduce a la sala de lectura, constituida por una sala más luminosa, de dimensiones verticales más reducidas, pero mucho más alargada en longitud, de modo que se invierte el efecto espacial.

En 1534 Miguel Ángel se trasladó definitivamente a Roma, donde le esperaba el trazado de la Piazza del Campidoglio. Miguel Ángel comenzó a preparar los dibujos en 1546 y los trabajos procedieron lentamente, tanto que fueron completados, con algunas modificaciones, por Giacomo Della Porta. En la figura del plano, sin embargo, tuvo que tener en cuenta las edificaciones preexistentes, lo que le llevó a idear una planta de forma trapezoidal, con el lado mayor correspondiente al Palazzo Senatorio, el menor frente a una escalera que desciende. colina abajo y los lados oblicuos delimitados por el Palacio Nuevo y desde el espejo de los conservadores; en el centro, la estatua ecuestre de Marco Aurelio, de la que se despliega el diseño geométrico del suelo entrelazado.

También en 1546, a la muerte de Antonio da Sangallo el Joven, Miguel Ángel se hizo cargo de dos obras importantes: la del palacio Farnese y la de la basílica de San Pietro en el Vaticano. Antonio da Sangallo, sobrino de Giuliano y Antonio el Mayor, había llegado a Roma a principios de siglo, haciendo carrera en la fábrica de San Pietro y convirtiéndose en el arquitecto del cardenal Farnese, elegido luego al trono papal con el nombre de Pablo. III.

El palacio diseñado por Sangallo para la familia Farnese era el más grande y suntuoso de los palacios romanos; el diseño original referido, sin vuelos de fantasía, a los modelos florentinos, pero sin la base en borradores y con ventanas enmarcadas dentro de los quioscos; el interior presumiblemente incluía un patio en tres órdenes superpuestos de logias arqueadas, derivadas del Coliseo y el teatro de Marcelo. La intervención de Miguel Ángel fue sustancial, partiendo de la ventana central, que Sangallo había pensado como un arco y que, en cambio, fue devuelta a un arquitrabe coronado por el escudo de armas de Farnese; el último piso fue levantado y recibió una grandiosa cornisa, mientras que en el patio el relleno de los arcos en el primer piso y la construcción de todo el piso superior se puede atribuir a Miguel Ángel.

También en el sitio de construcción de la basílica del Vaticano, Miguel Ángel realizó cambios radicales en el proyecto Sangallesco. Sangallo había heredado la supervisión de las obras tras la muerte de Rafael, proponiendo una mediación entre el esquema longitudinal de su antecesor y el centralizado de Bramante. Su proyecto, traducido en una maqueta de madera colosal y cara en 1539, implicó la construcción de una parte delantera flanqueada por dos campanarios muy altos que enmarcaban la cúpula de doble tambor. Miguel Ángel asumió la dirección de las obras ya antiguas, pero no desprovistas de energía. La historia del proyecto Michelangelo está documentada por una serie de documentos de obra, cartas, dibujos del propio Buonarroti y otros artistas, frescos y testimonios de contemporáneos, como Giorgio Vasari.

A pesar de esto, la información que se puede obtener a menudo se contradice entre sí. La razón principal radica en el hecho de que Miguel Ángel nunca elaboró ​​un proyecto definitivo para la basílica del Vaticano, prefiriendo proceder por partes. Sin embargo, después de su muerte, se imprimieron varios grabados en un intento de restaurar una visión general del dibujo de Miguel Ángel, incluidos los de Stefano Dupérac, que inmediatamente se establecieron como los más difundidos y aceptados.

Miguel Ángel, considerando el costoso modelo Sangallo no muy brillante, demasiado artificial y con referencias a la arquitectura gótica, rechazó la idea de su antecesor; por tanto, volvió al plano central del proyecto original, simplificándolo y dándole una dirección principal con la inclusión de un pronaos. Derribó lo construido del deambulatorio proyectado por Sangallo al final de los ábsides, tratando las superficies exteriores dentadas con un orden gigantesco de pilastras corintias, con el objetivo de envolver el edificio como un barril, en una continua sucesión de tensiones y tensiones. descansa. Todo se pensó en función de la cúpula, pero cuando Miguel Ángel murió en 1564, la construcción solo había llegado a la parte superior de las espuelas del tambor.

Los hechos relacionados con la construcción de la basílica se resolverán recién en el siglo XVII, en el período barroco, cuando Carlo Maderno amplió el brazo oriental de la basílica, comprometiendo definitivamente la concepción de Miguel Ángel. Sin embargo, el San Pietro de Miguel Ángel ejerció una cierta influencia en la historia de la arquitectura: basta mencionar la basílica genovesa de Santa Maria di Carignano de Galeazzo Alessi, o la iglesia del Monasterio del Escorial, cerca de Madrid, ambas caracterizadas por una cruz insertada en una plaza. .

Después de Miguel Ángel, su estilo enérgico perdió gran parte del favor del que disfrutaba: Giacomo Della Porta, que tenía la tarea de completar la cúpula de San Pietro, pronto cambió de estilo, Tiberio Calcagni, quien lo había ayudado a crear la maqueta de madera para el proyecto de la basílica de San Giovanni Battista dei Fiorentini murió en 1565, mientras que Giorgio Vasari no construyó nada significativo en Roma. Quien continuó el trabajo de Miguel Ángel fue Giacomo Del Duca, su asistente en el sitio de construcción de Porta Pia, quien construyó la pequeña iglesia de Santa María en Trivio y construyó la cúpula desproporcionada de Santa María de Loreto.

Vignola
El arquitecto más sensible de la Roma de la segunda mitad del siglo XVI fue Jacopo Barozzi da Vignola. Emiliano, formado como pintor, reforzó su autoridad en el campo de la arquitectura con la publicación de un tratado que tuvo un éxito inmediato. Inició su trabajo como arquitecto en Bolonia, donde destaca el palacio Bocchi, donde convergen los recuerdos del Palazzo Te y la gramática de Antonio da Sangallo el Joven. En Roma trabajó en la obra de construcción de Villa Giulia, pero la presencia de Vasari y Ammann limitó la obra del Emiliano: una característica del edificio es el contraste entre el exterior, de formas regulares, y el interior, abierto al jardín, con el elegante hemiciclo, la logia y el ninfeo.

La iglesia de Sant’Andrea en la Via Flaminia también muestra la rígida impronta sangallesca de Santa Maria di Loreto, pero sorprende por la cúpula ovalada; concepto que se repetirá en Sant’Anna dei Palafrenieri y que tendrá suerte en la época barroca.

En cualquier caso, no hay duda de que las principales obras de Vignola son la Villa Farnese en Caprarola y la iglesia del Gesù en Roma. La villa fue originalmente una fortaleza pentagonal diseñada por Antonio da Sangallo el Joven, quien había dejado la obra incompleta a su muerte. Cuando falló el propósito defensivo, Vignola reanudó el trabajo en 1559, modificando radicalmente el diseño original; manteniendo la disposición planimétrica de la fortificación, transformó los baluartes en terrazas y elevó una masa poligonal compacta sobre el nivel de los muros. La logia de la planta principal, que se abre frente a una gran plaza trapezoidal precedida de una serie de escaleras de doble tramo, fue tratada con un lenguaje derivado de la Villa Farnesina del Peruzzi. Por dentro, sin embargo,

La iglesia del Gesù, construida para la orden de los jesuitas, se deriva de la basílica de Sant’Andrea en Mantua. Vignola retomó y elaboró ​​el trazado planimétrico de Alberti, concibiendo una sala de cruz latina, cubierta por bóveda de cañón y dotada de cúpula en la intersección del crucero, presidida por una serie de capillas laterales; una suerte de anticipación de la ampliación de la nave de San Pedro, una solución resultante del clima de la Contrarreforma, destinada a exportarse a todo el mundo y «ejercer una influencia quizás más amplia que cualquier otra iglesia construida en los últimos cuatro años. cien años».

Su esquema fue sustancialmente replicado, pero con algunas modificaciones, en la basílica de Sant’Andrea della Valle, obra iniciada a finales del siglo XVI, que ahora introduce la época barroca. La fachada del Gesù fue construida por Giacomo Della Porta, con una solución menos alegre que la propuesta por Vignola y algo confusa, sobrecargada de columnas, pilares y volutas. El interior, originalmente austero, se caracteriza ahora por una rica decoración, fruto de las intervenciones realizadas en los siglos siguientes.

Junto a estas obras, es necesario mencionar una intervención en el campo del urbanismo: el Palazzo dei Banchi, que delimitaba, con un pórtico extendido pero no monótono, el lado de la Piazza Maggiore paralelo a la basílica de San Petronio, en Bolonga. . El proyecto probablemente se remonta a los años sesenta del siglo XVI, cuando en Piacenza también estaba trabajando en el palacio Farnese, un edificio grandioso que quedó incompleto.

En el período comprendido entre su muerte en 1573 y la llegada del Barroco, la escena romana estuvo dominada por Domenico Fontana y Giacomo Della Porta. El primero fue un talentoso ingeniero, tío de Carlo Maderno, conocido por haber transportado el Obelisco Vaticano frente a la Basílica de San Pietro y por la reconstrucción del palacio de Letrán sobre el modelo del palacio Farnesio; la fama de este último está ligada a la villa Aldobrandini en Frascati y a una serie de proyectos de estilo manierista que presagian los inventos del siglo siguiente, como Sant’Atanasio dei Greci, con las dos torres delimitando la fachada.

Sanmicheli y Sansovino
Michele Sanmicheli y Jacopo Sansovino ejercieron una gran influencia en Veneto y el norte de Italia.

Sanmicheli, de Verona, probablemente había estado en Roma como ayudante de Antonio da Sangallo el Joven, luego se mudó a Orvieto y trabajó en la catedral de Montefiascone, para regresar a su ciudad natal poco después de 1527 y desarrollar una larga carrera como arquitecto militar. de la República de Venecia. En este contexto construyó, por ejemplo, las puertas monumentales de la ciudad de Verona, incluidas la Porta Nuova y la Porta Palio, ambas caracterizadas por un impenetrable revestimiento de sillería, con pesadas llaves sobre las pequeñas aberturas.

Sus aportaciones en el ámbito militar dejaron huella en su estilo arquitectónico, como en el caso de los proyectos de tres palacios veroneses, en los que Sanmicheli parece expresar la fuerza de la arquitectura de los baluartes y fortalezas. El Palazzo Pompei, atribuible a la década de 1930, es una clara referencia al Palazzo Caprini, pero con algunas excepciones destinadas a acentuar, en el registro inferior, los sólidos en los vacíos: la planta baja tiene aberturas más pequeñas que el modelo Bramante, mientras que en la primera Sanmicheli piso reemplazó las ventanas con una logia de gran fuerza expresiva.

En el palacio de Canossa, de la misma época, los elementos rústicos y de artificio alcanzan una mayor integración y se introduce una balaustrada en la parte superior.

El tercero de estos edificios es el construido para la familia Bevilacqua. Aunque en conexión directa con el Palazzo Pompei, el Palazzo Bevilacqua tiene una cara más rica: la puerta está descentralizada, la planta baja está tratada con una cara rústica que también envuelve los semipilares, mientras que el registro superior está iluminado por grandes aberturas arqueadas que se alternan. con ventanas de menores dimensiones contenidas en el espacio de la intercolumniación. La sensación de incomodidad derivada de la presencia de las aberturas del entrepiso sobre las ventanas menores, las ricas decoraciones y los pilares vendados en la planta baja proyectan el palacio de Bevilacqua entre los grandes ejemplos del manierismo del norte de Italia.

Un mayor clasicismo, quizás debido a la atracción que ejercen los restos romanos que aún se conservan en Verona, se denota en la capilla Pellegrini, claramente derivada del Panteón. Es una estructura circular, con una cúpula artesonada sostenida por ocho semicolumnas coronadas por una cornisa; el marco, sin embargo, no es ininterrumpido como en el modelo del Panteón, sino que se proyecta en correspondencia con los altares, formando el soporte de los frontones cóncavos. La iglesia posterior de Madonna di Campagna también se refiere al esquema circular, pero el proyecto de Sanmicheli se modificó después de la muerte del arquitecto en 1559.

Jacopo Sansovino procedía de Toscana, donde nació en 1486; escultor y arquitecto, antes de establecerse en Véneto después de 1527, se había formado en la escuela de Bramante en Roma y había trabajado en Florencia. En 1529 fue nombrado arquitecto jefe de Venecia, cargo que le permitió ocuparse de la renovación de la ciudad durante cuarenta años. En 1537 comenzó a trabajar en la Biblioteca Marciana, su obra maestra, que ocupaba el lado de la Piazza San Marco frente al Palacio Ducal.

La obra, completada por Vincenzo Scamozzi, que repetirá el planteamiento general en el brazo de la Procuratie Nuove, debía encajar en un contexto dominado por edificios monumentales; para ello Sansovino concibió una fachada alargada, más baja que la del Palacio Ducal, para no dominar la escena, haciendo uso también de ricas decoraciones y un juego de claroscuro, que colocan la biblioteca en diálogo con las estructuras preexistentes. El esquema de la fachada retoma el modelo de Bramante en dos órdenes: la inferior tiene columnas que sostienen arquitrabes y vanos redondos, mientras que la superior, en la que el gusto manierista es más evidente, consta de serlianas enmarcadas por columnas que sostienen un rico friso adornado. El interior también presenta a los elaborados personajes, pero en un estilo diferente al del otro manierista del norte de Italia, Giulio Romano.

También de Sansovino y sustancialmente contemporáneas a la biblioteca hay otras dos obras ubicadas en el área de Piazza San Marco: la logia del campanario de San Marco y el Palazzo della Zecca. El primero, reconstruido tras el derrumbe de la torre en 1902, consta de un pórtico con buhardilla dividido en paneles y decorado con relieves. El segundo, destinado a recoger los recursos dorados de la República de Venecia, tiene el aspecto de una construcción sólida e impenetrable. El esquema de la fachada es innovador: el pórtico en la planta baja sostiene una logia formada por columnas anilladas, coronada por un doble arquitrabe; el último piso, probablemente añadido más tarde probablemente por el mismo arquitecto, todavía retoma el tema de las columnas acanaladas, intercaladas con grandes ventanales con tímpanos triangulares.

En el contexto de los edificios privados, el edificio Corner representa la contribución más importante de Sansovino. Surge de la unión de los trazados romano y veneciano: el edificio consta de un bloque cerrado, con patio interior pero, debido a la profundidad del solar, el acceso al patio se realiza a través de un largo pasillo; los pisos superiores albergan un vestíbulo central, típico de la arquitectura veneciana, mientras que la fachada principal se deriva del probado diseño del Palazzo Caprini. Palazzo Coner se convertirá en el modelo de otras construcciones posteriores, como Ca ‘Pesaro y Ca’ Rezzonico, de Baldassarre Longhena.

Andrea Palladio
Andrea Palladio es probablemente el arquitecto más elegante del Renacimiento tardío. Nacido en Padua en 1508, pasó toda su vida en Vicenza y en los territorios vecinos, construyendo un gran número de villas y palacios con un estilo muy personal, basado en el uso de un rico repertorio clásico que oscurecía la autoridad romana en el campo. arquitectónico. Publicó el tratado Los cuatro libros de arquitectura (1570), en el que, junto a ilustraciones que reproducen los órdenes clásicos y los edificios antiguos, inserta gran parte de sus propias obras, adquiriendo así notoriedad, especialmente en Inglaterra. Fue esencialmente un clasicista de Bramante; visitó Roma varias veces estudiando arquitectura antigua, pero también sintió la influencia de Miguel Ángel Buonarroti.

De su vasta producción es útil recordar en primer lugar la restauración del Palazzo della Ragione en Vicenza, ahora conocida como la Basílica Palladiana. El edificio original se completó en 1460 y en 1494 se añadió un pórtico exterior similar al del Palazzo della Ragione de Padua. Tras el derrumbe parcial del lado suroeste, se consultó a los arquitectos más importantes de la comarca para su restauración, sobre la que se impuso el proyecto de Palladio. La solución, puesta en marcha a partir de 1549, se limitó a la reconstrucción de la logia exterior, dejando inalterado el núcleo preexistente. Teniendo en cuenta las alineaciones con las aberturas y pasajes originales, el sistema se basa en dos órdenes de serlianos, compuestos por arcos de luz constante y aberturas laterales rectangulares de ancho variable.

La evolución del estilo de Palladio se puede seguir a través de una serie de palacios que el arquitecto construyó en Vicenza en diferentes épocas. El primero es el Palazzo Porto, terminado en 1552, en el que se repite el esquema del Palazzo Caprini di Bramante y al que se añaden esculturas de inspiración de Miguel Ángel. Si el efecto general se refiere a la arquitectura construida por Sanmicheli en Verona, el escenario planimétrico revela la pasión por la simetría de Palladio, quien concibió una serie de bloques dispuestos simétricamente a los lados del gran patio cuadrado.

El Palacio Chiericati, encargado en 1550, tiene una mampara de fachada por dos columnatas superpuestas, tratadas de espíritu estrictamente clasicista; a lo largo de los lados cortos, las leyes están conectadas a la masa del edificio por medio de arcos de medio punto, según una solución tomada del pórtico de Octavia en Roma. El invento palladiano radica en la presencia de una especie de proa, obtenida doblando, tanto en la fachada como en el sentido de la profundidad de la logia, las columnas colocadas a los lados de la parte central.

El Palazzo Thiene, erigido pocos años después, atestigua un interés, enteramente manierista, por la trama compositiva y, al mismo tiempo, ofrece un plan con formas derivadas de la arquitectura térmica romana. Sin embargo, un manierismo más extremo se registra en el tramo terminal del palacio de Valmarana, construido a partir de 1566, mientras que la fachada principal alberga la orden gigante querida por Miguel Ángel, que también se reanudará en el Palazzo Porto en Piazza Castello, construido después de 1570. .

En cuanto a las villas, la producción del arquitecto veneciano tiene su origen en una residencia diseñada por su mecenas, Gian Giorgio Trissino. Analizando las numerosas residencias de campo diseñadas por Palladio, se han identificado tres tipos de villas: las sin pórtico y sin adornos, que datan de los primeros años (por ejemplo, las villas Pojana, Forni Cerato y Godi); los de bloque alto de dos pisos, decorado con un pórtico de dos niveles cerrado por un frontón (como las villas Pisani y Cornaro); finalmente los formados por un edificio central rodeado de alas para usos agrícolas (como las villas Barbaro, Badoer y Emo).

Más allá de esta clasificación, el logro palladiano más significativo es la Villa Almerico Capra, construida en Vicenza en la segunda mitad del siglo XVI. Es un edificio de planta cuadrada, perfectamente simétrico e inscrito en un círculo. La villa fue una de las primeras construcciones profanas de la era moderna en tener una fachada de templo clásico como fachada; las cuatro elevaciones, equipadas con un pronaos con una logia hexástilo colocada en un podio alto, hacen que la villa también adopte la forma de una cruz griega.

Otras dos residencias suburbanas, villa Serego en Santa Sofia di Pedemonte y villa Barbaro en Maser, se ven afectadas por la influencia manierista. El primero fue construido alrededor de 1565 y presenta logias con columnas rústicas, hechas de bloques de piedra caliza recién labrados, superpuestos para crear pilotes irregulares. Unos años más recientes, la villa Barbaro se inserta a lo largo de la ligera pendiente de una colina. Si en la mayoría de las villas palladianas la residencia actual suele estar precedida por las estancias dedicadas al trabajo agrícola, aquí esta relación se invierte y la casa principal precede a los ambientes de trabajo; en el reverso se abre una gran exedra, que hace referencia al ninfeo de las villas romanas.

En los últimos años de su vida, Palladio se dedicó al diseño del Teatro Olímpico, que se basa en el principio romano del escenario fijo precedido por el escenario. A diferencia de los teatros de la antigüedad, es un espacio cubierto: el auditorio tiene una forma semielíptica, con un escenario en perspectiva ejecutado por Vincenzo Scamozzi basado en un diseño de Palladio.

Relativamente pocas son las arquitecturas religiosas que se pueden atribuir con certeza: la basílica de San Giorgio Maggiore, el Redentor y la fachada de San Francesco della Vigna, todas ubicadas en Venecia. Las características de estos edificios religiosos son las fachadas del llamado «templo doble», que ofrecen una solución al doble problema de adaptar una basílica antigua a un lugar de culto cristiano y de conectar las naves laterales con la central, superior; cuestiones a las que,

En el pasado, Alberti había ofrecido su contribución en la basílica de Santa Maria Novella y Bramante en el proyecto que se le atribuye para la fachada de Santa Maria cerca de San Satiro. En comparación con sus predecesores, Palladio logró una fuerte integración entre las partes, que es particularmente evidente en las fachadas de San Giorgio Maggiore (1565) y San Francesco della Vigna (1562), mientras que en el Redentore la gran altura de la nave central y el La presencia de contrafuertes en los lados determinó una variación significativa del esquema, con la presencia de un ático en la parte superior de la fachada. Sin embargo, más que en la configuración de las fachadas, las mayores diferencias entre las iglesias palladianas y las construidas en Roma en los mismos años se encuentran en la parte absidal, pero los pronunciados ábsides de San Giorgio y del Redentore, en realidad,

Los manieristas florentinos
Influenciados por Miguel Ángel Buonarroti en la segunda mitad del siglo XVI, varios arquitectos toscanos participaron en la construcción de fábricas de estilo manierista. Bartolomeo Ammannati, nacido en 1511, fue escultor y arquitecto. Colaboró ​​con Sansovino en Venecia, trabajó en Roma en la obra de construcción de Villa Giulia y en 1555 regresó a Florencia, poniéndose al servicio del Gran Duque. Su obra más importante fue la ampliación del Palazzo Pitti: rediseñó las ventanas de la planta baja en la fachada, rediseñó los apartamentos y sobre todo diseñó el patio, con tres órdenes, haciendo uso del sillar escalonado, derivado de la Casa de la Moneda de Venecia. .. Sus otras obras importantes son el puente de Santa Trinita, reconstruido tras la destrucción provocada por la Segunda Guerra Mundial y el Palacio Ducal de Lucca.

La fama de Giorgio Vasari, contemporáneo de Ammannati, está ligada sobre todo a la publicación de Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos; es una serie de biografías de artistas, impresas por primera vez en 1550 y reeditadas, actualizadas, en 1568. Como arquitecto colaboró, con Ammannati y Jacopo Barozzi da Vignola, en la construcción de Villa Giulia, aunque probablemente su actividad fue limitado al ámbito administrativo únicamente. En Cortona construyó la iglesia de Santa Maria Nuova, concebida según un esquema centralizado, mientras que entre 1560 y 1574, año de su muerte, se dedicó a la construcción de Uffizi, destinada a albergar las oficinas administrativas del estado toscano. De gran importancia urbana, los Uffizi fueron concebidos como dos largas galerías paralelas entre el Arno y el Palazzo Vecchio; por otro lado, los detalles de la obra muestran poca inventiva, salvo algunas piezas realizadas por Buontalenti tras su muerte.

Bernardo Buontalenti era el más joven de los tres; nacido en 1536, se convirtió en el mayor arquitecto toscano de la última parte del siglo XVI. Construyó la villa Medici de Pratolino, que luego fue destruida, diseñó la puerta del Suppliche para el palacio de los Uffizi, la fachada y el altar de la basílica de Santa Trinita (luego transportada a la iglesia de Santo Stefano al Ponte), el gruta en el jardín de Boboli, participando también en proyectos urbanos, como el de la ciudad fortificada de Livorno.

La difusión del Renacimiento en Europa
En el resto de Europa, el Renacimiento se manifestó principalmente en su variante manierista. De hecho, la Europa del siglo XV era predominantemente gótica, aunque se encuentran algunos rastros de influencia italiana en Hungría y Rusia. Sin embargo, incluso en el siglo XVI, fuera de Italia, los principios más genuinos del arte renacentista casi nunca se entendieron completamente, aparte de algunos edificios de Philibert Delorme, el palacio de Carlos V en Granada y algunos otros ejemplos.

En la Francia del siglo XVI, el estilo italiano se limitó inicialmente solo al aparato decorativo de numerosos castillos. Por ejemplo, en la renovación y ampliación del castillo de Blois (1515-1524), se construyeron ventanas y áticos en forma de cruz en estilo manierista; por otro lado, la cubierta fuertemente inclinada y la estructura de la escalera exterior, decorada al estilo renacentista, remiten a la tradición medieval francesa. Se pueden expresar consideraciones similares para el castillo de Fontainebleau (1528) y para el castillo de Chambord (1519-1547): el primero con una logia con tres órdenes superpuestos que hace referencia al Palacio Ducal de Urbino, mientras que el segundo, diseñado por Domenico da Cortona, caracterizado por una doble escalera circular de caracol inspirada en una idea de Leonardo da Vinci.

Sebastiano Serlio, uno de los principales tratados del siglo XVI, contribuyó a exportar el estilo renacentista a Francia; prestó su obra en el castillo de Ancy-le-Franc e, inspirado en la villa de Poggioreale de Giuliano da Maiano, diseñó un edificio cuadrado flanqueado por torres de esquina, mientras que en las fachadas del patio interior utilizó el motivo de los nichos y pilares emparejados propuestos por Bramante en el patio del Belvedere en Roma. La Cour Carrée del Louvre, de Pierre Lescot, cuyas fachadas se enriquecieron, en un sentido manierista, con las decoraciones de Jean Goujon. Las obras se iniciaron en 1546 y duraron más de lo esperado, con la construcción de fachadas con tres órdenes superpuestos con volúmenes, ligeramente sobresalientes del muro del fondo, rematados por frontones abovedados. Para las proporciones, el tratamiento de los pedidos,

La ‘arquitectura francesa alcanzó la plena independencia con la obra de Philibert Delorme, quien, tras un aprendizaje en Italia, se instaló definitivamente en París. Sin embargo, casi la totalidad de sus obras fueron destruidas: algunas partes del castillo de Anet, construido para Diana de Poitiers entre 1552 y 1559, son dignas de mención. El otro arquitecto francés importante fue Jean Bullant, que trabajó en Écouen y en el castillo de Chantilly, donde construyó una fachada quizás inspirada en la de Bramante de Santa Maria Nuova, con un gran arco sostenido por columnas acopladas.

En España, la arquitectura renacentista se introdujo gracias al comercio con el sur de Italia, donde se habían asentado los españoles. Uno de los primeros ejemplos lo encontramos en el Real Hospital de Santiago de Compostela, iniciado en 1501 por Enrique Egas, que por su patrón cruciforme remite al Ospedale Maggiore del Filarete.

La fachada del Alcázar de Toledo (1537-1573), diseñada por Alonso de Covarrubias, está influenciada por influencias italianas limitadas al aparato decorativo. En cambio, el patio original, reconstruido tras los destrozos provocados por la Guerra Civil española, presentaba una articulación en dos niveles similar a la del Palazzo della Cancelleria.

Otro ejemplo de clasicismo a la italiana es el palacio de Carlos V, en Granada, diseñado entre 1526 y 1527 por Pedro Machuca, pintor que seguramente tuvo la oportunidad de conocer la obra de Bramante durante los años de su formación en Italia. El edificio destaca por una fachada rústica y por el patio circular en dos órdenes de columnatas, que reflejan respectivamente el modelo del Palazzo Caprini di Bramante y el patio, nunca terminado, de la Villa Madama. En el contexto de la arquitectura española de la época, la obra debió tener cierta relevancia, rompiendo con el estilo plateresco, pero su influencia no fue inmediata.

El sucesor directo del palacio de Carlos V es el monasterio del Escorial de Madrid, un edificio amplio y austero construido entre 1563 y 1584 por Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera. Querida por Felipe II, tiene un plan regular que todavía se refiere al modelo de Filarete, con un patio central dominado por la iglesia coronado por una cúpula. El plan de la iglesia, sin embargo, se parece mucho al esquema de San Pedro en el Vaticano.

En comparación con España y Francia, en el resto de Europa la situación parece decididamente más confusa, también debido a la reforma protestante, que fue un obstáculo para los intercambios culturales con Italia. Sin embargo, destacamos los primeros ejemplos de la arquitectura italiana: la capilla construida en la catedral de Esztergom (1507, destruida) y el Palacio de las Facetas en Moscú. Luego hay una serie de edificios construidos por arquitectos italianos, o directamente influenciados por la arquitectura italiana: la capilla de la familia Fugger (1509-1518) en Augusta, la capilla de Segismundo en Cracovia en Bartolomeo Berecci (1516-1533), la Stadtresidenz en Landshut. (desde 1536) y la residencia de la reina Ana en Praga (iniciada en 1533).

En las zonas más septentrionales, la afirmación de los gustos renacentistas tuvo que esperar hasta la segunda mitad del siglo XVI. En los países flamencos, elementos nórdicos y renacentistas, derivados de Bramante y Serlio, se fusionaron en el Ayuntamiento de Amberes, construido entre 1561 y 1566, que se convirtió en el modelo de varios palacios europeos, en particular holandés y alemán. De hecho, se remonta al Ayuntamiento de Augusta, construido a principios del siglo XVII y diseñado por Elias Holl.

Como otras regiones de la Europa continental, en el siglo XVI Inglaterra también se separó de Italia, pero también en Inglaterra hubo al menos un ejemplo temprano de estilo italiano: la tumba de Enrique VII, de Pietro Torrigiano. La construcción de la tumba tuvo lugar entre 1512 y 1518 dentro de la capilla gótica especialmente construida en la parte inferior de la abadía de Westminster, lo que dio lugar a un sorprendente contraste estilístico.

Como en otros lugares, la influencia italiana en Inglaterra durante mucho tiempo se limitó al aparato decorativo. El palacio real de Nonsuch (destruido) quizás representó la primera construcción del Renacimiento inglés: a pesar de las formas distantes del gusto italiano, las ricas decoraciones antiguas ciertamente debían representar un modelo para otras construcciones posteriores, como Hampton Court, en la que Está presente, emblemático, un lamentable intento de tener un artesonado. Incluso en la última parte del siglo XVI Inglaterra demostró ser incapaz de incorporar por completo el estilo renacentista, como lo demuestra una serie de grandes casas de campo (Longleat House, Wollaton Hall y Hardwick Hall) muy lejos del equilibrio y las proporciones de los edificios italianos contemporáneos.

El punto de inflexión se produjo solo en el siglo XVII, cuando Inigo Jones introdujo el estilo palladiano en la región. Obras como Banqueting House, Queen’s Chapel, Queen’s House dan testimonio de la total asimilación del estilo de Andrea Palladio y demuestran que incluso en Inglaterra era posible practicar un estilo clásico.