Champlevé es una técnica de esmaltado en las artes decorativas, o un objeto hecho por ese proceso, en el que los canales o las células se tallan, graban, mueren o moldean en la superficie de un objeto de metal, y se rellenan con esmalte vítreo. Luego se dispara la pieza hasta que se fusiona el esmalte, y cuando se enfría, se pule la superficie del objeto. Las porciones sin tallar de la superficie original permanecen visibles como marco para los diseños de esmalte; típicamente están dorados en el trabajo medieval. El nombre proviene del francés para «campo elevado», «campo» que significa fondo, aunque la técnica en la práctica reduce el área a esmaltar en lugar de elevar el resto de la superficie.

La técnica se ha utilizado desde la antigüedad, aunque ya no se encuentra entre las técnicas de esmaltado más utilizadas. Champlevé es adecuado para cubrir áreas relativamente grandes y para imágenes figurativas, aunque se utilizó por primera vez de manera prominente en el arte celta para diseños geométricos. En el arte románico se aprovechó al máximo su potencial, decorando ataúdes, placas y vasijas, en esmalte de Limoges y en otros centros.

Champlevé se distingue de la técnica del esmalte cloisonné en el que los canales se crean soldando tiras planas de metal a la superficie del objeto. La diferencia entre las técnicas es análoga a las técnicas de carpintería de intarsia y marquetería. Se diferencia de la técnica de basse-taille, que lo logró en el trabajo gótico de la más alta calidad, en que los fondos de los huecos para el esmalte son ásperos y, por lo tanto, solo se utilizan colores de esmalte opaco. En basse-taille se modelan los recovecos y se utilizan esmaltes translúcidos, para efectos más sutiles, como en la Royal Gold Cup parisiense del siglo XIV.

Presentación
El campo para decorar en metal o cerámica sin cocer se corta con un cincel, evitando las particiones que definirán y limitarán las celdas. El esmalte o el deslizamiento se coloca en estas celdas (se raspa el exceso de deslizamiento) y luego se cocina todo. Esta técnica, derivada del cloisonné en el caso del trabajo en metal, produce un trabajo más fino y en una amplia variedad de colores. La cerámica también puede cubrirse con un esmalte transparente de un solo color, que por lo tanto se depositará en una capa más gruesa en los huecos y hará que los patrones aparezcan en el mismo rango de tonos, claros, relieves y oscuros. huecos

La cerámica coreana se ha convertido en una especialidad en forma de un buncheong de arenisca: las piezas enterradas se utilizan para trazar el patrón, el arte lineal, como superficies definidas. El juego de colores se hace con la piedra arenisca, oscura, y el deslizamiento, claro. El deslizamiento se coloca en las áreas reservadas con grandes pinceladas que cubren toda la pieza y luego, cuando el deslizamiento está seco, la pieza se raspa para descubrir los patrones. Pero otra técnica de buncheong consiste en cubrir la arenisca con deslizamiento, luego excavar los patrones en el deslizamiento seco, sin ninguna otra operación: en este caso, esta técnica es similar al esgrafiado y no al champlevé. La cerámica coreana se cubre con un esmalte celadón transparente.

Método
Para esta técnica de esmalte, generalmente se usa una placa más gruesa de cobre rojo, plata o bronce de lo habitual. Con un tapón o buril (es decir, un cincel pequeño, delgado, práctico y ligeramente redondeado hecho para este propósito), las cavidades se insertan en la placa de acuerdo con un dibujo prefabricado.

También se puede hacer un dibujo en una placa de cobre con laca, después de lo cual la placa se coloca en un baño de ácido, de modo que una capa de cobre se grabe lejos de las partes no cubiertas con laca. Las cavidades están llenas de esmalte.

Esta técnica es adecuada para cubrir áreas relativamente grandes y para imágenes figurativas, aunque inicialmente aparece en el arte celta en diseños geométricos. Tuvo pleno desarrollo en el arte románico para la decoración de ataúdes, placas y jarrones.

En cambio, en el esmalte cloisonné las células se crean soldando tiras planas de metal en la superficie del objeto.

El champlevé usa solo esmaltes de colores opacos y, por lo tanto, el fondo de los alvéolos se deja crudo, a diferencia de la técnica de taille bajo, con la que se crearon obras góticas de muy alta calidad modelando las cavidades y utilizando esmaltes translúcidos, de esta manera se obtienen más efectos sutiles como la Royal Gold Cup, el siglo XIV.

Champlevé difiere de la técnica de esmaltado llamada cloisonné en que en este último las carcasas para el esmalte se fabrican soldando finas cintas de metal a la superficie del objeto. La diferencia entre las dos técnicas es análoga a la existente entre las técnicas de tallado en madera llamadas intarsia y marquetería. Se diferencia de la técnica llamada basse-taille, que ocurrió en obras góticas de alta calidad gótica, en que la base de las carcasas de esmalte son rugosas y, por lo tanto, solo se utilizan esmaltes de colores opacos. En basse-taille Los alojamientos están modelados y se utilizan esmaltes translúcidos para lograr efectos más sutiles, como en la Royal Gold Cup parisina del siglo XIV.

Champlevé temprano
El esmalte se utilizó por primera vez en pequeñas piezas de joyería, y a menudo se ha desintegrado en piezas antiguas que han sido enterradas. El uso constante y frecuente de la técnica champlevé se ve por primera vez en el estilo La Tène del arte celta temprano en Europa, desde el siglo III o II aC, donde el color predominante era el rojo, posiblemente como una imitación del coral rojo (como se usa en el escudo de Witham), y la base era generalmente de bronce.

Los «celtas insulares» de las Islas Británicas hicieron un uso especialmente común de la técnica, visto como aspectos destacados en la decoración en relieve del Escudo de Battersea y otras piezas. Sin embargo, técnicamente esto no era esmalte verdadero en el sentido habitual de la palabra, ya que el vidrio solo se calentó hasta que se convirtió en una pasta suave antes de ser empujado a su lugar. Esto a veces se conoce informalmente como esmaltado de «cera de sellado», y puede describirse como «incrustación de vidrio» o términos similares. La verdadera técnica de esmaltado, donde se coloca pasta de vidrio y se dispara hasta que se licúa, se aprendió de los romanos. La primera descripción literaria del esmalte es del sofista griego Philostratus III, quien escribió en sus Íconos (Bk I, 28), describiendo el arnés de caballo policromado: »

Los estilos curvilíneos celtas fueron muy efectivos en el esmalte, y se usaron durante todo el período romano cuando desaparecen en gran medida en otros medios. El Staffordshire Moorlands Pan es una trulla del siglo II con grandes redondeles de esmalte en cuatro colores de esmalte, encargados por o para Draco, un soldado, posiblemente griego, como recuerdo de su servicio en el Muro de Adriano. Es uno de un grupo de vasijas esmaltadas similares encontradas en Gran Bretaña y el norte de la Galia. Los artículos más pequeños de contextos similares incluyen broches y otras joyas, y soportes para arneses para caballos como lo describe Philostratus.

Alrededor del final del Imperio Romano surgieron nuevas formas: las terminales de los broches penannulares cada vez más elegantes de las Islas Británicas se decoran con champlevé, al igual que otros sujetadores y accesorios, y las monturas de cuencos colgantes. Estos últimos han desconcertado a los historiadores del arte, ya que no solo su propósito no está claro, sino que se encuentran principalmente en contextos anglosajones y vikingos, incluidos tres en Sutton Hoo, pero su decoración usa motivos predominantemente celtas. Se había reparado uno de los cuencos de Sutton Hoo, pero en un estilo diferente, germánico.

En total, la producción de los diferentes tipos de cuencos colgantes abarca el período 400–1100. Mientras que el experto líder, Rupert Bruce-Mitford, ve los cuencos como productos de talleres «celtas», tal vez a menudo en Irlanda, en el mismo período se reduce el uso de grandes áreas de champlevé en los broches celtas más ornamentados, aunque parecidos a gemas todavía se encuentran reflejos en el esmalte, algunos en millefiori. En el arte anglosajón, como en la mayoría de Europa y el mundo bizantino, este fue el período en que la técnica del cloisonné dominaba el esmaltado.

románico
Champlevé está especialmente asociado con el arte románico, y muchas de las mejores supervivencias del estilo presentan la técnica. Hubo un gran aumento en el uso de la técnica en varias áreas a fines del siglo XI, justo cuando el estilo románico maduró. La fuente inmediata del estilo sigue siendo oscura; Se han sugerido varios orígenes exóticos, pero la gran expansión en el uso de vidrieras en el mismo período probablemente esté relacionada. Normalmente se usaban bases de cobre o bronce, que eran suaves y fáciles de trabajar, así como relativamente baratas, pero como se decoloraban en esmaltes opacos al calor, era necesario usarlas. El azul era ahora el color dominante, como en las vidrieras; los mejores azules en la pintura (ya sea en la pared, el panel o el manuscrito) eran muy caros, mientras que en el vidrio se pueden obtener fácilmente azules ricos.

Los esmaltes de Mosan y Limoges son los más famosos, y las figuras talladas en la placa de cobre muestran un excelente sentido de la línea. El tríptico Stavelot en Nueva York es un ejemplo de la mejor obra de Mosan, y el Becket Casket en Londres, una excelente pieza temprana de Limoges. Se conocen los nombres de varios esmaltadores de orfebre Mosan. También se esmaltaron figuras en relieve y totalmente modeladas, y se formaron algunas bases metálicas al martillarlas.

La producción de Limoges aumentó constantemente en cantidad, y en el período gótico había disminuido en calidad, pero proporcionó un producto bastante barato, especialmente de ataúdes de chasse, producido a escala semiindustrial y exportado a toda Europa. Los esmaltes españoles, que no se distinguen fácilmente del trabajo de Limoges, también se produjeron a gran escala. El trabajo de Mosan a veces era dorado o plateado, pero en Limoges y España el cobre dorado es habitual, y gran parte del trabajo de Mosan también lo utiliza, como en el ejemplo ilustrado. Este ejemplo también muestra la mezcla de diferentes colores y sombras dentro de la misma celda, aquí utilizada en todo el diseño de una manera compleja, mientras que en los ejemplos de Limoges a continuación, se hace mucho menos uso y mucho más simple de esta difícil técnica.

Una técnica similar se conocía como «shippou-zogan» en Japón, donde se consideraba una forma de damasquinado.